dilluns, 31 juliol de 2006

Lluís Pascual: “La obra que dejó Valle-Inclán es el gran tesoro del teatro español”


27 de juliol de 2006
Fundó el Teatro Lliure de Barcelona y dirigió el Centro Dramático Español y el Odeón de París {SEPARADOR} Le gusta poner en escena las obras que le enamoran y rechazó hacer cine porque prefiere lo efímero, como el drama y la ópera
ALBINO MALLO
A CORUÑA
Lluís Pascual, director de escena
FOTO: Gallego
Con poco más de 50 años, Lluís Pascual es una figura máxima dentro de la dirección escénica en teatro, ballet y ópera con límites que alcanzan un panorama universal. Pasó por A Coruña para dirigir la ópera Le Comte Ory, de Rossini, dentro del Festival Mozart y en la que, además de la puesta en escena actoral, se encargó de la escenografía, la luminotecnia y el vestuario.
– Pero además tiene en escena ‘Hamlet’ y ‘La tempestad’.
– Sí. Las dirigí y se están representando en Madrid. Luego irán a Barcelona y todavía no sé cuál es el camino que les quiere dar el empresario.
– ¿‘Hamlet’, de Shakespeare, es la sublimación para un director?
– Es una obra fundamental, pero yo creo que más para un actor. Si vas por la calle y te preguntan qué haces y respondes que diriges Hamlet, enseguida te dicen "¿y con qué actor", pero si se lo preguntan a un actor, le dicen "¡Vaya suerte!". En todo caso, se trata de un drama fundamental en la historia del teatro, con mucha versatilidad porque está tan bien escrito que se puede hacer con muchos actores o con pocos, con el ambiente histórico en el que fue narrada o con un ambiente actual, y nunca pierde ni un ápice, porque es un texto indemne que cada generación puede interpretar y recibir a su manera. Es una obra de teatro que la hace el público, pues asimila sus palabras y sus frases de cualquier manera.
– ¿Usted empezó siendo actor?
– Sí, pero eso fue algo efímero. Estudie Filología Catalana y me licencié en Arte Dramático por el Institut del Teatre. Y, como toda persona que quiere entrar en el mundo del teatro, lo hice por la interpretación. Luego unos siguen, otros desaparecen y algunos nos vamos en otras direcciones como la escénica, la escenografía o la iluminación. Cuando tenía 25 años fundé el Teatro Lliure de Barcelona, con el que me siento muy vinculado, y luego ya seguí una carrera de director en todos los aspectos, puesto que, tras el teatro, vino la ópera e incluso dirigí algunos ballets para Sara Baras.
– ¿Cómo surgió la ópera?
– Fue en 1981, cuando me ofrecieron Sansón y Dalila, nada menos que con Plácido Domingo. La experiencia fue positiva, entre otras razones, porque desde joven fui un fanático de este género musical.
– ¿Evolucionó mucho la ópera con la presencia de directores renovadores?
– La ópera evolucionó por necesidad, porque el público ya no quería ver a esos cantantes que se colocaban en la corbata del escenario e interpretaban como si fuera un recital. Llegaron nuevas generaciones que ya no se preguntan si tienen que actuar, porque saben que es imprescindible, y los directores encontramos muchas facilidades.
– ¿Su carrera le permitió ocupar importantes destinos?
– No puedo quejarme. Después del Teatro Lliure, en 1983 me nombraron director del Centro Dramático Nacional. Fue una época muy bonita porque coincidió con la llegada del gobierno socialista de Felipe González, es decir, el paso total de la transición, y el público estaba ávido de ver nuevas obras tanto españolas como extranjeras que se pusieran sin cortapisa alguna. Después, en 1990 fui a París, donde dirigí durante seis años el Teatro Europa-Theatre de L’Odeón y, simultáneamente, dirigí también la Bienal del Teatro de Venecia, volviendo luego al Teatro Lliure de Barcelona.
– ¿Y ahora trabaja por libre o tiene algo fijo?
– Puede decirse que trabajo por libre, aunque tengo una vinculación como director artístico del Teatro Arriaga de Bilbao. No programo obras, pero cada año se hace una producción y yo dirijo ese departamento. También organizo cursos para muchachos, para formación de directores y para profesores de centros de enseñanza que luego quieran explicar teatro en sus aulas.
– ¿Cómo estamos de autores?
– Cada vez se hace más teatro de autor. Hubo una época en la que se hizo mucho teatro colectivo, casi improvisado por los actores, pero acabaron dándose cuenta de que no tienen mucho que decir. El director y los actores podemos llegar a ser una planta, pero el autor es la semilla.
– ¿Usted, que dirigió teatro de todas las épocas, qué me dice de Valle-Inclán?
– Yo dirijo aquellas obras, en teatro o en ópera, que me enamoran, y Valle-Inclán está entre mis favoritos, porque es el gran tesoro del teatro español. Dirigí Tirano Banderas y Luces de Bohemia, pero todavía tiene mucho por descubrir.
– ¿Y no dirigió cine?
– Me lo ofrecieron, pero no acepté. No me gusta lo eterno. Prefiero lo efímero como el teatro o la ópera, que después de las representaciones desaparece y sólo queda el recuerdo.

Humor y amor de teatro


www.20minutos.es
28 de juliol de 2006

DIANA BERGES.

La opereta Mikado localiza su trama en escenarios japoneses.
Una opereta cómica inglesa y un repaso por la historia del pecado son las dos propuestas del Festival de los Castillos
Nueva cita con el teatro en Alcañiz. El anfiteatro de Pui de Pinos de la capital bajo-aragonesa acogerá dos obras este fin de semana: la humorística Amor y otros pecados, de Javier Veiga, y la opereta El mikado, dirigida por Joan Lluís Bozzo.
Amor y otros pecados es una comedia sobre el amor y el desamor. El espectáculo que se representa hoy se divide en dos partes. La historia principal está protagonizada por una pareja que se llaman Adan y Eva. A lo largo de la obra, seis historias breves se irán insertando en la principal. Cada una de ellas versa sobre uno de los pecados capitales y los protagonistas son personajes históricos como Jesucristo, Napoleón, Franco o La Pasionaria.
El sábado será el turno de El mikado, la opereta inglesa más popular de todos los tiempos. Fue creada por los ingleses Gilbert y Sullivan, conocidos como los padres del musical. El mikado narra una extravagante y surrealista historia de amor en un exótico y fantástico Japón, donde el emperador prohíbe a sus súbditos cualquier devaneo sexual, lo que produce situaciones llenas de humor y fantasía.
En agosto el Festival de los Castillos se trasladará a Valderrobres y continuará con su programación teatral. Charo López abrirá el fuego el 1 de agosto, con Tengamos el sexo en paz.
* Hoy y mañana, en el anfiteatro Pui de Pinos, Alcañiz (Teruel). 23.00 horas. Entrada 12 €.

¡Que resbalón!


29 de juliol de 2006

Impecable producción de Julissa, pero faltó ritmo y voz, por lo que pasó sin pena ni gloria

Monterrey, N.L. (El Mañana).-
El clásico musical del rock and roll Vaselina, estrenó en la ciudad de Monterrey N.L., en un Teatro de la Ciudad, a la mitad, pues el poder de convocatoria no fue suficiente para abarrotar el lugar, donde los protagonistas de la puesta en escena Sherlyn y Aarón Díaz, hicieron su mejor esfuerzo ¡Pero les faltó!No bastó con la carita de Ángel de Sherlyn, y lo apuesto de Aarón Díaz, pues en el estreno de esta nueva versión de Vaselina, faltó más soltura y mejores interpretaciones.El público que asistió al teatro, en su mayoría niños y adolescentes que se divirtieron con una producción impecable a cargo de Julissa, quien siempre se ha distinguido por grandes producciones a la altura de las de Brodway.
Cabe mencionar que esta nueva versión de Vaselina ¡no perdió!, pero eso si, su protagonista salió del paso, pues muchas de las chicas ahí presentes, no les interesaba si había talento o no, sino la sola presencia de Aarón ¡Las enloquecía!, Sherlyn se mostró un tanto nerviosa por el peso que significa un estreno a nivel nacional, aunque tampoco su compañero le ayudó mucho en el escenario, pues dejó mucho que desear con su actuación, pues la verdad es que al parecer no le dijeron que la televisión donde cortan y vuelven a grabar, no es igual que el teatro y mucho menos el musical.
En su papel de Danny Zuco, Aarón Díaz, dejó mucho que desear a nivel artístico, ya que no canta, ni baila bien, lógico en comparación a los bailarines, que son parte de la coreografía de esta puesta. Sin embargo Sherlyn en su personaje de Sandy Tontales, apenas si cumplió con su papel, aunque mucho le ayudó el carisma, que tiene como actriz de las telenovelas.
El que se comía el escenario fue Alex Sirvent en su papel de Kike, el rebelde, se vio con más fuerza escénica y por lo menos tuvo un buen papel como cantante; por su parte, Marco Moreno (ex-La Academia), se vio como pez en el agua, tanto como actor que como nuevo cantante.En este musical también participa Daniela Luján como Licha, Natasha Dupeyrón (Chiquis) y Ana Brenda (Sonia).La producción corre a cargo de Claudia Casillas, Alex Ibarra y Gerardo Quiroz, quienes se lucieron con la escenografía llamativa, constantes cambios de paneles móviles, que los mismos actores colocan en el escenario.

ALCAÑIZ CIERRA SU TEMPORADA 2006 DEL FESTIVAL DE LOS CASTILLOS CON EL ÉXITO DE ‘EL MIKADO’, DE DAGOLL DAGOM


30 de juliol de 2006
Anoche finalizó la temporada 2006 del Festival de los Castillos por lo que se refiere a la sede de Alcañiz; el evento, incluido dentro de los Festivales de Aragón (http://www.festivales.aragon.es ), se retoma el próximo martes, 1 de agosto, en Valderrobres. El cierre alcañizano corrió a cargo de la compañía Dagoll Dagom y su espectáculo ‘El Mikado’, la opereta cómica de Gilbert & Sullivan ambientada en un exótico y fantástico Japón. Los Dagoll Dagom, dirigidos por Joan Lluís Bozzo, conectaron en todo momento con un público que reconoció el buen hacer de la prestigiosa compañía catalana, siempre fiel a la calidad interpretativa, musical y coreográfica. El anfiteatro de Puy-Pinós, donde se representó la obra, volvió a llenarse casi al completo, como ha venido siendo habitual en esta edición 2006 del Festival de los Castillos; en las siete actuaciones programadas en Alcañiz, la gran asistencia permite calcular un total de espectadores situado aproximadamente en unas 4000 personas.

Gurruchaga explora en Santa Susanna el legado en la música contemporánea de Shakespeare

28 de juliol de 2006

D. LÓPEZ VALLE
BARCELONA.
En principio podría parecer que Cole Porter o John Lennon no tienen nada que ver con el genio de Strattford. Sin embargo si, como Gurruchaga, consideramos que todo está en Shakespeare, entonces no será nada raro reconocer la huella de «Romeo y Julieta», «Otelo» o el avaro Shylock en las músicas de gente como Lou Reed, Elvis Presley, Nat King Cole o el «West Side Story» de Leonard Bernstein.
Norman Mailer escribió que «Shakespeare fue capaz de escribir todo lo que es posible decir con palabras sobre el alma humana». Gurruchaga le toma el relevo y afirma que es un «buen momento para reivindicar» al bardo inglés: «Nadie retrató como él nuestra miserable y a veces divertida y maravillosa vida», afirma el artista vasco. Así, sobre el escenario enlazará, por ejemplo, el «Jealous Guy» de Lennon con «Otelo», «El sueño de una noche de verano con el «Summertime» de los hermanos Gershwin y el «Romeo & Juliet» de Lou Reed con... Romeo y Julieta.
Así que los que hayan decidido acercarse esta noche a la estupenda masía de Can Ratés (sede del Festival Shakespeare de Santa Susanna), se encontrarán con Javier Gurruchaga y su troupe haciendo lo que mejor saben: cantar, bailar y montar el espectáculo que, en este caso, se llamará «Bailando con Shakespeare». Hay que decir que, aunque se haya anunciado que el montaje representado sería «Ser o no Cer... Vantes», finalmente se ha decidido que este espectáculo se representará el año que viene y no en la presente edición.
Gurruchaga estará acompañado en el escenario por la cantante y actriz Susana Ruiz, el actor y cantante Paco Hidalgo y cuatro magníficos músicos como Pablo Navarro, Santiago Rapalo, Pascual Piqueras y Paco Rivas tocando el contrabajo, la batería, el piano y la guitarra, respectivamente.
Ecuador del festival
El Festival Shakespeare de Santa Susanna ha llegado a la mitad y su director, Paco Azorín, ha decidido hacer balance. Y le sale positivo: «Hasta el final no dispondremos de cifras exactas, pero me atrevo a decir que el nivel de ocupación ha sido excelente y que el nivel artístico ha sido mejor», comenta Azorín.
Por Santa Susanna han pasado hasta ahora el espectáculo de danza «Ballant Shakespeare», el circo Gran Fele con «Hierofantes», la pequeña ópera «Píram i Tisbe», «El mercader de Venècia» de la compañía Q-Ars Teatre, el espectáculo familiar «En invierno cuentan tres», los portugueses Arte con «Uma Noite de Verâo» y «Romeo y Julieta -un amor sin barreras-» de la compañía Alquimistas. Además del espectáculo de Gurruchaga, Santa Susanna espera la producción del Lliure «European House, pròleg a un Hamlet sense paraules» y la compañía alemana de danza de Mecklenburg con «El último sueño de Puck», basado en el famoso personaje shakesperiano.

La Generalitat y el Ayuntamiento impulsan un consejo coordinador de sus teatros públicos


25 de juliol de 2006

ABC BARCELONA.
El Teatre Nacional de Catalunya, el Lliure y el Mercat de les Flors han creado un consejo de coordinación con la finalidad de intercambiar producciones, organizar actividades de forma conjunta, buscar nuevos públicos y compartir recursos, según explicó ayer el conseller de Cultura, Ferran Mascarell, aunque manteniendo la autonomía de cada teatro. Por el momento, el acuerdo no contempla líneas concretas de actuación, pero Ferran Mascarell apuntó que este consejo permitirá «una mayor rentabilidad de los recursos públicos y una mayor incidencia de los teatros en la cultura».
El titular de Cultura quiso dejar claro que una de las riquezas del teatro catalán es la «diversidad de miradas y planteamientos artísticos» y que la creación de este consejo le proporciona mayor solidez al núcleo duro del teatro público catalán.
En la misma línea, el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, Carles Martí, recalcó que se compartirán estrategias «sin renunciar a la pluralidad». El consejo se reunirá mensualmente, trabajará para afrontar cuestiones pendientes de los teatros, como los circuitos o la internacionalización del sector, un terreno «donde queda mucho por hacer».
Nuevos centros El consejo de coordinación del teatro público, que carece de presupuesto propio, incorporará próximamente los centros de producción de L´Alegria de Terrassa, el Centre d´Arts Escèniques de Reus y el de Girona. Este ente contará con una secretaría técnica y ejecutiva, presidida por el consejero delegado del TNC, Joan Francesc Marco.
El presidente de la Fundació del Teatre Lliure, Antoni Dalmau, destacó que este acuerdo abre perspectivas de coordinación y manifiesta enormes potenciales. El conven io fue suscrito por el conseller de Cultura, Ferran Mascarell, el concejal de Cultura Carles Martí y los responsables del TNC y Lliure.

'El amor del ruiseñor', basada en la 'Metamorfosis' de Ovidio, se estrena este jueves en el Tatro Romano de Mérida

www.europapress.es
24 de juliol de 2006

MÉRIDA,

El Festival de Teatro Clásico de Mérida acogerá desde el jueves día 27 al domingo día 30, la obra 'El amor del ruiseñor', de Timberlake Wertenbaker, que toma como base el poema de Ovidio 'Metamorfosis', del siglo I a.C.
Según informó el Festival de Teatro Clásico en una nota de prensa, 'El amor del ruiseñor' narra el mito de Procne y Filomela, hijas del rey ateniense Pandión, quien, al entrar en guerra con Tebas, se aseguró la alianza de Tereo, rey de Tracia, entregándole a su hija Procne en matrimonio.
Una vez casados, Procne sintió pronto la ausencia de su hermana y mandó a su marido a buscarla, y esto hizo que Tereo quedara prendado al conocer a Filomela. Este deseo lo llevó a poseer a Filomela por la fuerza y, asustado para que ella no revelara lo sucedido, le cortó la lengua.
A pesar de esto, Filomela denunció el crimen bordando un tapiz que envió a su hermana, y al conocer Procne la noticia, sacrificó a Itis, el hijo que había tenido con Tereo, y se lo sirvió guisado a su marido como venganza. En la persecución posterior, los dioses obraron una metamorfosis convirtiendo a Procne en golondrina, a Filomela en ruiseñor y a Tereo en abubilla, el ave de aspecto guerrero.
La metamorfosis era en la mitología clásica el procedimiento de intervención divina para vengar o castigar las afrentas personales a algún dios. En este caso, es la benevolencia la que mueve a los dioses a transformar a Procne y Filomela en pájaros, para que así puedan escapar de Tereo, que las perseguía con un hacha para matarlas.
Ovidio fue el primero que dio forma a este relato y desde entonces se ha vuelto a contar en la literatura, como se ve en la obra de Lope de Vega en 'La Filomena', y en las crónicas de sucesos.
Lo importante de esta historia no es la venganza, ni la metamorfosis redentora del final, sino la violencia que estalla donde el silencio se ha impuesto durante demasiado tiempo, demostrando que sin el lenguaje, la brutalidad acaba triunfando.
'El amor del ruiseñor' es una producción de Teatres de la Generalitat Valenciana adaptada y traducida al español por Miguel Teruel y Jorge Picó, con dirección escénica de este último, que cuenta con los actores Inés Díaz como Filomela, Empar Canet como Procne, Juli Cantó como Tereo, e Isabel Rocatti como Níobe.

Els Joglars llenan La Nau con un montaje que se aleja de su corrosiva y tradicional irreverencia


25 de juliol de 2006

La compañía local Hongaresa de Teatre lleva hoy a escena ‘Conozca usted el mundo’
M. C. A./ SAGUNTO

Los actores de Joglars sobre el escenario de La Nau.
Con un vigoroso y prometedor arranque, que presagiaba un espectáculo bastante más ágil, crítico y corrosivo de lo que finalmente se desarrolló sobre el escenario de La Nau, En un lugar de Manhattan consiguió el lleno absoluto en los tres pases representados este fin de semana en Sagunt a Escena. Sin embargo, Els Joglars siempre serán Els Joglars y, aunque la sátira insolente de Albert Boadella se haya suavizado ligeramente en este montaje (un trabajo de encargo, todo hay que decirlo), la obra continúa destilando la ironía inteligente que caracteriza a su autor. A pesar de que el ritmo inicial decae a medida que avanza el texto, el buen hacer interpretativo de los actores, con Ramón Fonserè a la cabeza, encarnando al fontanero-Quijote, y Pep Vila en el papel de ayudante, brinda al espectador momentos realmente divertidos. Esta noche el espacio La Nau 2 será ocupado por la compañía local Hongaresa de Teatre, que lleva a escena Conozca usted el mundo .

El Festival de Teatro de Vitoria mostrará obras de Beckett, Brecht Shakespeare y Molière


28 de juliol de 2006

José María Pou, Juan Echanove, Els Joglars o el ballet de Carmen Roche serán algunos de los participantes
BEATRIZ CORRAL/VITORIA

'ENTRAÑAS'. Un momento de la obra, de Tizina Teatre, que actuará el 20 de octubre.
EL CORREO

LA XXXI EDICIÓN
'Del cel': Espectáculo callejero de Deambulants. 29 de septiembre.'Desde Otello': Ballet de Carmen Roche, 7 de octubre.'En un lugar de Manhattan': Els Joglars. Del 12 al 14 de octubre.'Días felices': 18 de octubre.'La ópera de tres centavos': Atalaya. 19 de octubre.'Cubo': Danza. 24 de octubre.'Alguien voló sobre el nido del cuco': Replika teatro. 28 octubre.'La cabra o ¿quién es sylvia?': José María Pou. 2 de noviembre.'Visitando al sr. green': Juan Echanove y Pere Ponce. 3-4 noviembre.'El avaro': Tàbola Rassa. 21 octubre en Hegoalde.'Voces femeninas': La pajarita de papel. 25 octubre en Hegoalde.'La tempestad': Zecora Ura theatre. 9 de noviembre en Hegoalde.Proyecto bebés: Del 18 al 26 de noviembre en el teatro de Lakua.
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En abril de 1906 nació el genial dramaturgo, poeta y novelista irlandés Samuel Beckett. Ahora, cien años después, Vitoria aprovecha la celebración de su Festival Internacional de Teatro para homenajearle representando varias de sus obras. Es una de las principales novedades de un programa que cumple su XXXI edición con una treintena de espectáculos. La danza, el teatro, la ópera y los musicales serán los protagonistas a partir del 29 de septiembre. Ese día, la compañía catalana Deambulants inaugurará las actuaciones con un montaje de calle, titulado 'Del cel', donde bailarines, músicos, clowns e intérpretes harán las delicias de los viandantes.Desde entonces, y hasta el 26 de noviembre, el Teatro Principal y los centros cívicos de Lakua y Hegoalde serán los escenarios donde niños y mayores podrán disfrutar de todo tipo de obras acorde a sus gustos. Entre las propuestas de este año, destaca claramente la presencia de Beckett, con dos de sus textos: 'Días felices', que se represntará en alemán subtitulado en castellano, y 'Voces femeninas'. Una proyección de películas en la UPV completarán el homenaje.Máscaras y cabaret Entre la oferta cultural no faltarán algunos de los grandes clásicos como 'La tempestad' de Shakespeare, 'El avaro' de Molière o 'La ópera de tres centavos', escrita por Bertolt Brecht. Además, una bonita historia de amor, ganadora del premio Max de teatro, 'Hoy: el diario de Adán y Eva, de Mark Twain', 'En un lugar de Manhattan', de Els Joglars y éxitos cinematográficos como 'Alguien voló sobre el nido del cuco' complentan los atractivos.Dos grandes de la escena, como José María Pou y Juan Echanove, dirigen 'La cabra o ¿quien es sylvia?' y 'Visitando al sr. green', respectivamente, mientras que el ballet de Carmen Roche abordará un clásico, 'Desde Otello'.«Se trata de una edición innovadora, con muchas compañías extranjeras, que cuenta con 370.000 euros de presupuesto», valoró la concejala de Cultura, Encina Serrano. Los brasileños Ludica DanÇa mezclarán en 'Cubo' la danza y las videoproyecciones, mientras que el argentino Jerome Savary pondrá en escena el cabaret 'La vie d'artiste'. Desde Berlín, Teatro Delusio traerá las máscaras y trajes de época de 'La familia Floz'.Finalmente, los más pequeños podrán disfrutar de títulos como 'Txanogorritxo', 'Oliver', 'La vuelta al mundo en 80 días' y 'Los músicos de Bremen'. También contarán con la segunda edición del proyecto bebés, que ofrecerá cuatro títulos en el teatro García Lorca.Los interesados deberán adquirir sus abonos a partir del 12 de septiembre en las taquillas del Principal. Un día más tarde será el turno de la tarjeta del espectador, la venta anticipada el día 14 y el 15, la venta ordinaria.

'Visitando al Sr.Green' dirigida por Echanove, 'Soldados de Salamina' y 'La Strada, platos fuertes del Teatro Romea





Redacción
EP
La adaptación de la exitosa novela de Javier Cercas "Soldados de Salamina", "La Strada" de Federico Fellini y "Visitando al Sr. Green" de Jeff Baron y dirigida por Juan Echanove son los platos fuertes de la nueva temporada 2006-2007 del Teatro Romea de Barcelona, que hoy fue presentada por su director artístico, Calixto Bieito.En esta octava temporada del Romea, el centro ha apostado por priorizar las nuevas creaciones y los nuevos textos, adaptaciones de novelas y películas, según declaró hoy Bieito.Una de las novedades de este año es que la temporada arrancará en agosto en el marco del festival "Mas y Mas" de Barcelona con "La Strada", un espectáculo de Federico Fellini dirigido por Xicu Masó que se representará del 9 al 26 de este mes.Con esta propuesta, el festival "Mas y Mas" incluirá en su programación una montaje teatral, una obra maestra de Fellini reconocida internacionalmente por versión cinematográfica interpretada por Giulietta Massina y Anthoni Quinn. Tras esta inauguración, la programación proseguirá con "Tenesse", una pieza escrita y dirigida por Xavier Albertí, que definió la obra como "una nueva cara de Tenesse Williams que el público no conoce". La obra se representará desde el 5 de septiembre hasta el 15 de octubre.La temporada contará también con un espectáculo especial de fin de año "Tu, jo, ell, ella... i 10 anys més...", musical que "parte de la nostalgia pero tiene la vitalidad de ahora", explicó Bieito.El Romea también acogerá "Carnaval", un "thriller" de Jordi Galceran dirigido por Sergi Belbel que se representará del 18 de octubre al 7 de enero. La obra, estrenada el pasado mes de junio en el Teatre Auditori de Sant Cugat dels Vallès, se encuentra ahora de gira por Catalunya.Otro de los atractivos de la temporada llegará en enero con "Visitando al Sr. Green", una historia sobre las relaciones humanas, la amistad y la tolerancia, según explicó su director, Juan Echanove.
Echanove también actuará en otra de las obras que se podrán ver en el Romea, "Plataforma", de Michel Houllebecq dirigida por Calixto Bieito, que se representará desde el 8 de febrero hasta el 8 de abril.Con la polémica novela de Houllebecq, Bieito se adentra en el territorio del turismo sexual y crea un montaje que mantiene una fuerte crítica social y un juego frívolo de provocación.
"SOLDADOS DE SALAMINA"
La adaptación de la novela "Soldados de Salamina" de Javier Cercas, que David Trueba llevó al cine, llegará al teatro el 12 de abril de la mano de Joan Ollé, que no ha añadido "ni una palabra" al texto original y se ha limitado a cambiar los tiempos verbales.
A su juicio, el montaje supone "una relato real desde la mentira del teatro".Fiel a la novela de Cercas, el espectáculo se basa en una historia real, la del escritor falangista Rafael Sánchez Mazas que en 1939 evita ser fusilado y se esconde en el bosque. Aunque un soldado republicano lo localiza, sonríe y finge que no lo ha visto.Tras este espectáculo, recalarán en el teatro "Passat el riu" de Joe Diprieto, dirigida por Oriol Broggi, y "El cementiri" de Gerard Guix, un musical dirigido por Carlos Wagner con música de Josep Sanou, ganador del premio de la Fundación Romea.Bieito aseguró que los espectáculos incluidos en la nueva temporada del Romea tienen en común los conceptos de "calidad, reflexión, intriga y pensamientos" y abordan los marcos cotidianos, las relaciones humanas, la crítica a occidente o el pasado y el futuro.Tras la pasada temporada, en la que se registraron más de 100.000 espectadores con un 62% de ocupación, el teatro contará para esta temporada con tres millones de euros de presupuesto.

diumenge, 30 juliol de 2006

Belbel se estrena en la dirección del TNC con cinco montajes de autores catalanes


14 de juliol de 2006
El dramaturgo Sergi Belbel estrena su cargo al frente de la dirección artística del Teatro Nacional de Cataluña (TNC) con la programación en el primer trimestre de la próxima temporada 2006-2007 de cinco espectáculos de autoría catalana, uno de ellos dirigido por él mismo.
Belbel se estrena en la dirección del tnc con
Belbel ha presentado hoy esa programación como 'expresamente querida', porque 'estamos en el teatro nacional de Cataluña y son autores nuestros, sin por ello excluir a los del resto de España y a los internacionales'.Belbel, de 42 años, es director artístico del TNC desde principios de este mes y se ha fijado como 'gran eje' de la programación del teatro la dramaturgia catalana, tanto clásica como contemporánea.En cuanto a la clásica, para la que cuenta con la asesoría de Feliu Formosa y Jordi Castellanos, ha señalado 'el gran déficit' que hay 'debido al franquismo y a los primeros años de la transición'.Belbel ha agregado que 'no tenemos una dramaturgia como la francesa o la isabelina', y 'nuestro trabajo es buscar materiales y registrar cajones con obras de autores que no se han estrenado'El dramaturgo ha señalado también que 'no podemos hacer las cosas por cuotas y debemos buscar complicidades con los que defienden tanto el clásico catalán como el universal'.
El TNC no estrenará este año ninguna obra del Centro Dramático Nacional, 'con el que mantenemos una relación muy fluida', ni viajará a Madrid con ningún espectáculo esta temporada.La programación la abrirá el 28 de septiembre en la Sala Pequeña un montaje de 'Valentina', obra de Angel Guimerá sobre la rebelión de una joven de 17 años ante la hipocresía del mundo de adultos y de la burguesía que la rodea, dirigida por Toni Casares.Jordi Galcerán firma la dramaturgia del montaje, en el que ha incorporado los aspectos 'más atrevidos' de la novela.Belbel, que en estos últimos años no había puesto en escena un clásico catalán, dirigirá a partir del 2 de noviembre en la sala principal del TNC 'En Pólvora' un texto realista de 1893 de Carles Soldevila recreado en una fábrica textil, un entorno que el director teatral conoce bien, ya que nació en Terrassa.Con él Belbel 'quiere rendir homenaje a la parte textil e industrial de Cataluña', y para ello cuenta también con la colaboración del ayuntamiento de Sabadell, ciudad otrora también textil, que facilitará los figurantes.En la cartelera del primer trimestre del TNC figurarán también dos espectáculos dirigidos por Jordi Aspa en los que se repasan los treinta años de la compañía de títeres Marduix, y la reposición de 'Uuuuh!', de Gerard Vázquez, sobre un momento de la vida del payaso Charlie Rivel, de la que se está filmando la versión cinematográfica.
En cuanto a teatro familiar, otra de las grandes líneas que Belbel quiere reforzar con la asesoría de Joan Font, el nuevo responsable de la dirección artística del TNC ha anunciado dos espectáculos cada fin de semana por la mañana.Joan Font, de Comediants, y Albert Espinosa firman 'El gran secreto/El pequeño secreto', una obra que se podrá ver en la Sala Tallers a partir del 13 de diciembre en versión para público adulto primero y para público infantil después, que presenta un relato de amor a través de la historia del teatro.El único montaje internacional del primer trimestre de programación del TNC será 'Ed/Blanco', una coreografía del Cullberg Ballet de Estocolmo, que aún no se ha estrenado y que se verá del 4 al 8 de octubre en la sala principal del teatro.Belbel ha presentado la danza como 'uno de los pilares de nuestro teatro' y ha dejado para más adelante el anuncio de nuevas iniciativas en su apoyo, que pasarán seguramente por proyectos nuevos en la Sala Tallers.Sergi Belbel ha recibido varios premios en su trayectoria artística por obras y por dirección teatral, entre ellos por 'El método Gronholm', una de las obras del proyecto de nueva autoría T-6 que dirigió en el TNC con texto de Jordi Galcerán.Además de la dirección en el TNC de 'En Pólvora' y la dirección artística del TNC, Belbel continuará su actividad de dramaturgo de la que es exponente la obra 'Móvil', que Lluis Pasqual dirigirá en el Centro de Artes Escénicas de Reus (Tarragona) y que ha escrito y estrenado en Copenhague por encargo de Plan B, grupo que da nombre a uno de los escenarios alternativos del teatro danés.
Terra Actualidad - EFE

Musical A barrio vivo se presentará en el Teatro Teresa Carreño


abn
bolivia
24 de juliol de 2006


Foto: Archivo ABN
Caracas, 24 Jul. ABN.-
En el musical A Barrio Vivo, algo bueno está pasando, un nuevo pensamiento está aflorando, un nuevo ciudadano está naciendo y quiere hacerse presente, participar, protagonizar su propio futuro, tomar las riendas de su destino. Así quedará plasmado en el espectáculo musical que presentará el Teatro Teresa Carreño los días 27, 28 y 29 de julio en la sala Ríos Reyna, en un reto inédito de producción, montaje y difusión a nivel nacional e internacional, según informó José Luis Pacheco, Presidente de la Fundación que lleva el nombre del teatro. A Barrio Vivo es una comedia musical, teatral y multimedia de talla internacional, original de Franklin Tovar, con la música de Alberto Vergara y la participación de la Orquesta Sinfónica de Venezuela dirigida por Angelo Pagliucca.
Según una nota de prensa del Teatro Teresa Carreño, en ella se presenta la cruda realidad de los barrios venezolanos, las luchas, los logros y el poder participativo de los ciudadanos y ciudadanas que viven en las barriadas y muestra su lado sincero, dulce, amoroso, solidario, luchador y auténtico. Con bailes, videos, efectos especiales, canciones, magia, alegría, color y mucho humor, A Barrio Vivo busca cautivar a los espectadores y mostrar que algo bueno está pasando. «Este es el primer musical que se presenta completamente realizado en Venezuela; escrito, musicalizado, producido y protagonizado por jóvenes talentos venezolanos», destacó Franklin Tovar, escritor y director del espectáculo. Por su parte, José Luis Pacheco extendió la invitación para ver «este maravilloso espectáculo y a participar activamente en las múltiples y disímiles actividades que día a día desarrolla la Fundación Teresa Carreño para la satisfacción de todos los venezolanos».

Vaselina, un musical sin fecha de caducidad


www.cronica.com.mx
23 de juliol de 2006

Vaselina, un musical sin fecha de caducidad
Por: Omar Argueta

Citlalli Bejarano Castro


Con una basta historia en los escenarios mexicanos, la obra musical Vaselina regresa de nueva cuenta al teatro para cumplir uno de sus objetivos principales, remontar a su público a la época donde los cabellos envaselinados y las crinolinas eran la moda; asimismo, el rock and roll.Bajo la producción de Julissa, Gerardo Quiroz, Claudia Casillas, Alex Ibarra y estelarizada por Sherlyn y Aarón Díaz, como “Sandy Tontales” y “Danny Seco”, ofrecerán un gran espectáculo apoyado con efectos especiales y música en vivo.Dieron a conocer a los estelares de la obra y al elenco complementario que hará de este montaje una nueva experiencia para los actores juveniles, entre los que destacan Alex Sirvent, Daniela Luján, Mauricio Barcelata y Ana Brenda Contreras.Después de 30 años de presentarse en distintos escenarios, regresan los copetes, las crinolinas, las malteadas y la época del rock and roll en una producción llena de color y música.El productor Gerardo Quiroz, comentó que ha sido una nueva experiencia el tener a un equipo tan joven pero al mismo tiempo tan profesional: “será la versión original, sólo se le agregaron tres canciones que antes no estaban: “Irremediablemente fiel a ti”, “Eres mi amor” y “Vaselina” aparte de los 11 temas que ya estaban anteriormente”.Puntualizó que en esta ocasión el público se topará con una puesta en escena en forma de cómic, por su colorida escenografía, banda de rock en vivo, entre otras cosas.Destacó que la elección de los actores se hizo por medio de un casting durante tres semanas, aunque Gerardo ya había pensado en Sherlyn y Aarón. Ante las críticas sobre lo desafinado que se escuchaba Aarón, el actor y productor recalcó: “el muchacho canta muy bien, hasta yo mismo quedé sorprendido, sólo en la escena del autocinema se tiene que desafinar, pero es parte de la misma, puesto que los coches le tocan el claxon, pero hay que escucharlo en sus otras intervenciones donde lo hace bastante bien”.Julissa quien en su tiempo fue la primera en estrenar esta obra en el papel de “Sandy Tontales”, señaló: “incluimos algunos temas de la película original que en un principio no creíamos importantes como ‘Irremediablemente fiel a ti’ la cual fue adaptada al español por Daniela Luján y Sherlyn”.Dijo que en la primer versión que hicieron donde apareció ella al lado de su ex esposo Benny Ibarra, fue mucho antes de que lanzaran la película original y no se habían incluido dichos temas, de tal manera que en esta ocasión quisieron darle un toque de frescura y romanticismo a la obra.
Respecto a las diferencias con Gerardo Quiroz, la actriz declaró que sí han habido inconformidades en cuanto al montaje pero que no han llegado a las discusiones.Por su parte, Sherlyn, Daniela Luján y Aarón Díaz, coincidieron en que al principio fue un poco complicado porque los tonos no estaban adaptados a su tipo de voz, al mismo tiempo que los ensayos de baile y de los guiones eran demasiado pesados.El elenco se conforma por 21 actores en escena y una banda que se integra por cinco músicos; la obra consta de dos actos; 16 números musicales totalmente en vivo, luz robótica y efectos especiales.Iniciará en gira por la República Mexicana el 25 de julio por siete ciudades para posteriormente en el D F el 4 de Agosto.


«En el teatro no se retira nadie, todos estamos dispuestos»


23 de juliol de 2006

«En el teatro no se retira nadie, todos estamos dispuestos»
A sus 88 años, el actor está a punto de comenzar el rodaje de '¿Y tú quién eres?', la nueva película de Mercero
Cuesta creer que Manuel Alexandre esté tan cerca de los 90 años. Imprescindible del cine español, medio que ha alternado con el teatro y la televisión a lo largo de más de seis décadas, el vitalista intérprete llama la atención por su lucidez, su gran memoria y su capacidad para contar historias y rememorar anécdotas que tiene tan frescas como si hubieran pasado ayer. «Es que siempre cuento lo mismo», dice con su peculiar y característico tono de voz este «enamorado de la vida» que sólo siente el presente.
COLPISA/MADRID

Manuel Alexandre, tras recibir el Premio Goya honorífico. / L.R.

Sus 88 años no han mermado su capacidad de trabajo, como lo demuestra que está a punto de empezar a rodar ¿Y tú quién eres?, película de Antonio Mercero en la que hace uno de los pocos protagonistas de su extensa carrera.
Soltero, sin hijos y nada ambicioso, Alexandre echa de menos no haber interpretado más roles heróicos, pero asume que le han dado muchos papelitos cómicos porque le veían simpático. «Yo nunca me he sentido así, por lo que tuve que aprender a reír, hablar y sentir como si lo fuera», confiesa el que fue Goya de Honor 2002 e inolvidable para toda una generación por ser el don Matías de La guerra de los niños.-
Los encuentros con sus viejos amigos son sagrados. Sólo el trabajo le hace faltar a las tertulias del Café Gijón, a las que va desde 1942.- La gente es muy cariñosa, se acercan para saludarme y eso me da alegría y satisfacción. Yo también he puesto de mi parte porque llevo 65 años en la profesión, he hecho 300 películas y pasaré de las mil actuaciones en televisión.- Al Gijón vino por primera vez con su íntimo Fernando Fernán Gómez, al que conoció en la Escuela Madrileña de Arte Dramático.- Fernando es mi hermano. Tiene mucho talento y se lo envidio.
Es uno de los talentos más completos que existen en España.- Lo suyo no es vocacional porque acompañó a un amigo del cuartel a una prueba, recitó un verso y como le salió bien, pues ha seguido hasta ahora haciendo, sobre todo, roles cómicos. - Sí y me da pena porque yo quería ser un actor dramático, pero una profesora de declamación me dijo que no me ilusionara porque con mi figura lo mío era lo cómico.
Con mi voz y forma de ser no podía hacer reír, tenía que inventarme algo. Y como había visto a los grandes del teatro cómico, a Valeriano León y Paco Martínez Soria, pues me di cuenta que todos tenían una peculiaridad en la voz.
Una voz ideada-
Fue entonces cuando ideó esa voz...- Sí, esa cosa quejumbrosa que hizo gracia a la gente. No digo que sea más fácil o menos, pero lo que me gusta es lo dramático.-Pues para ir en contra de sus deseos, no le ha ido nada mal.- Yo me he enfrentado a esta profesión con algo que llamo dignidad, y a cambio he tenido una cosa muy difícil de conseguir como es que te paguen por hacer lo que te apasiona, y que la gente te comente que lo ha pasado bien con una película tuya.- ¿Se siente bien pagado?- No me ha faltado para vivir. No puedo decir que soy rico, pero vivo cómodamente y he hecho lo que he querido siempre.- A su edad, muchos se han retirado.- En el teatro no se retira nadie.
El que lo hace es porque no le dan trabajo o porque físicamente no puede, pero mientras te llamen, todos estamos dispuestos.- ¿No ha pensado nunca en tirar la toalla?- Sí, hace un año. Estaba cansando de tanta leche, pero me llamaron para Elsa y Fred y era tan bonito el proyecto que, por supuesto, dije que sí.

dissabte, 29 juliol de 2006

'Matar al presidente': quarta comèdia en parella de Morán i Pera


www.capgros.com
28 de juliol de 2006

Més de 350 funcions arreu de l’Estat i 160.000 espectadors avalen l’èxit de l’obra
per Xevi Alomà - fotos Mataró Report

Imatge promocional de l'obra de teatre.
Des que van estrenar La extraña pareja ara fa onze anys, Joan Pera i Paco Morán no han parat de fer teatre junts. Matar al presidente, l’obra que el mataroní i el vilassarenc porten al Monumental el dissabte 29 de juliol, és la quarta comèdia consecutiva que coprotagonitzen. El text és una adaptació al castellà de Le Contrat de Francis Veber, estrenada els anys seixanta a França. En aquest nou muntatge, Joan Pera interpreta un venedor de camises que vol suïcidar-se després que la seva dona l’hagi abandonat. Qui el farà desistir dels seus propòsits és, curiosament, un assassí a sou (Paco Morán) que s’allotja al mateix hotel per motius de feina. “Aquest és l’espectacle en el qual enraonem menys i hi ha més acció”, explica Pera. “La situació es porta al límit i hi ha molt merder”, comenta l’actor recordant el títol amb el qual el text es va portar al cinema, L’emmerdeur. Més de 350 funcions arreu de l’Estat i 160.000 espectadors avalen l’èxit de l’obra. “En Paco i jo fem el que s’anomena joué a l’scène (joc en escena), a tres bandes amb el públic. Ens entenem tan bé que sovint el públic ve a veure’ns sense mirar quina obra fem”, explica Pera. Les seves representacions mai no són iguals: “Improvisem, pot passar qualsevol cosa i el públic ho sap”. Els mataronins ja els esperen per les Santes i prova d'això és que ja s'han exhaurit totes les entrades. “Intentem venir cada Festa Major; ens fa molta gràcia perquè Mataró és casa nostra”, comenta Pera. “Som uns clàssics de les Santes”, afirma. Dissabte dia 29 • A les deu de la nit al Teatre Monumental. Preu: Platea 19,60 euros. Amfiteatre 16,20 euros.

“No recordaba la magnitud que tiene el teatro: es la condensación de la vida”


23 de juliol de 2006
En la obra de Oscar Martínez, la actriz encarna a una escritora de mediana edad a quien las circunstancias obligan a dar un golpe de timón. Cecilia Roth, que vivió un estreno teatral en Buenos Aires después de doce años, sostiene que este texto la ayudó a madurar: “Por fin dejé de ser adolescente”

Por Sandra Russo
Cecilia Roth toma té de jengibre con limón. En tazas preciosas, en el living de su casa preciosa, que esta tarde está iluminada no sólo por el sol de media tarde que entra por las ventanas, sino también por las flores que le regalaron en el estreno de Días contados, la obra escrita y dirigida por Oscar Martínez, y que comparte con Claudia Lapacó, Alejandro Awada y Gustavo Garzón. Cecilia está radiante. El pelo rubio recogido, la cara limpia, los músculos relajados por fin, después del debut y de la noticia de que no hay más localidades. Recuerda entre carcajadas una frase de Augusto Bonardo: “El éxito siempre triunfa”. Es cuidadosa. Habla de lo que quiere hablar. Se desliza muy cautelosamente hacia otras zonas cuando la charla la provoca, pero regresa a su eje sin irse por las ramas ni tentarse con hacer diagnósticos ni elaborar teorías.
Cecilia toma su té de jengibre porque le hace bien a su voz grave, honda, esa voz que les presta a sus personajes y les concede cierta relevancia en cada palabra, en cada acento. No debe ser una chica fácil, Cecilia. No intenta seducir a su interlocutor más que con lo que tiene para decir, y lo que tiene para decir es sobre su trabajo, o más precisamente sobre su actual trabajo. No obstante, sabe perfectamente que en esta conversación no habrá ninguna pregunta incómoda para ella, ninguna de esas preguntas que podrían sobrevenir si la cronista no identificara bien a quien tiene delante: nunca, en sus muchos años de trabajo, Cecilia se corrió del carril de actriz hacia el carril del personaje del espectáculo. Aquí en su living, con este sol de invierno entrando por las ventanas, con su buena predisposición y su amabilidad, es imposible sustraerse al carácter que le brota en cada gesto, en cada afirmación. Cecilia es una mujer a la que nadie en sus cabales querría hacer enojar. Pero hoy está feliz y lo comunica.
–En general los estrenos en teatro son raros, frente a lo que te está pasando tenés que seguir para adelante. No hay retorno. Los estrenos en cine son diferentes, te estás viendo ahí. En teatro... las pesadillas previas son muchas, sentís que podés quedarte en blanco, y no solamente por la memoria: no te puede pasar nada. Yo trabajo para eso, para manejar eso, pero la esencia permanece, es difícil sobrellevar la idea de que estás trabajando para el otro, para el público, que es lo contrario de lo que se debería hacer.
–¿Se debería olvidar del público?
–No, estarías loco si te olvidás. Pero no trabajás para que el público reaccione de determinada manera. No deberías manipular al público ni dejarte manipular por él. Pero en los estrenos me aparece lo peor del vínculo con el público. Aunque no lo busques, aunque lo evites, hay una resaca de ese querer gustar, y eso molesta.
–¿Cuánto hace que no pasaba por la experiencia de estrenar teatro en Buenos Aires?
–Doce años. Ajá. Doce años. Yo no puedo hacer teatro y cine al mismo tiempo. Y en estos años me dediqué al cine, y algunas cosas de televisión, como Epitafios o algunos capítulos de Mujeres asesinas.
–¿Y de esta obra qué la tentó?
–El año pasado tuve una experiencia muy interesante en España. Hice La voz humana, de Cocteau, dentro de la temporada de ópera del teatro de la Zarzuela, que es un pequeño Colón. Bellísimo, enorme... Yo hice el monólogo, pero también se dio la versión operística, se hizo un espectáculo global, y fue maravilloso. Fueron cinco funciones, y no me quería bajar del escenario. Me engolosiné. No recordaba la magnitud que tenía para mí el teatro: es la condensación de la vida. Y hay momentos en los que hay que atreverse, hay momentos en los que uno siente que tiene resto como para hacer algunas cosas. Ahora pude.
–¿Y qué le pasó cuando le llegó el texto de Oscar Martínez?
–Fue bastante particular lo que pasó. Pablo Kompel, el productor, me estaba tentando con diferentes materiales hacía tiempo. Y yo sentía que no era lo que yo tenía ganas de contar. Porque también pasa eso. ¿Qué tenés ganas de contar? El material que vi era interesante, pero... Y por otro lado yo sabía que Pablo estaba tentando a Oscar como actor, porque aquella temporada de Relaciones peligrosas fue muy hermosa. No quiero hablar por Oscar, pero él no tenía ganas de trabajar como actor. Está muy conectado con la dramaturgia y con la dirección. Es un director magnífico. Conoce en profundidad los mecanismos del actor. El había empezado a escribir en Barcelona un esbozo de algo, diez páginas, pero luego Pablo le tiró la idea de que yo iba a trabajar en eso, y a partir de ahí siguió escribiendo, ya con conciencia de que la actriz iba a ser yo, que Ana era yo. Y él conoce mis registros como actriz.
–¿Y cuáles serían esos registros suyos?
–No, es raro hablar de eso, no querría. Pero Oscar puede entender qué instrumentos puedo tocar yo, o cómo afino... Y me exige, y tira de la cuerda, muchísimo. Para mí fue una combinación maravillosa. Me leyó la obra una tarde en su casa, hace un año, sin terminar, y a mí me conmovió, y dije que sí.
–La obra la ubica en una mediana edad en la que empiezan a pasar cosas que suceden a determinada altura de la vida. Fracasos matrimoniales, enfermedad de los padres...
–Sí. Pero hay muchas bisagras a lo largo de la vida, momentos en los que uno tiene que volver a tirar las cartas, barajar de nuevo. No depende exactamente de la cronología, porque la muerte de una madre puede pasarte a cualquier altura de la vida, pero esa posibilidad es lo que despierta en esta obra lo que no estaba reparado, lo que no estaba curado. Ana se replantea no sólo su rol como hija, sino también sus vínculos más profundos.
–La obra instala a su personaje en ese momento. Todo falla.
–Es uno de esos momentos en los que o actuás o viviste al pedo.
–¿Usted en la vida se ha reconocido en situaciones semejantes?
–Claro, sin duda. La obra despertó en mi vida personal el reconocimiento de todo aquello sucedido y el registro de lo que puede pasar.
–Bueno, así es la vida. No sabemos qué puede pasar dentro de cinco minutos. Pero el planteo de la obra es que hay cosas que a cierta edad se van presentando como inevitables.
–Uno no sabe si se va a separar de su pareja, pero hay cosas que, separándose o no, después de veinte años, pasan. O no pasan.
–¿Eso es lo nuclear para usted como actriz en esta obra? ¿Se espera algo de usted, de Ana, esa escritora soberbia y cínica?
–No, no se espera algo de mí. La que se da cuenta de que hay que moverse y barajar de nuevo soy yo. Ana espera estar a su propia altura.
–¿Qué le da a la gente esta obra?
–A ver. Tiene la habilidad de hacerte ver con humor lo que sin humor te dolería hasta el tuétano. Y no es efectista. Pero la vida, la muerte, los afectos, el dolor, todo eso, sin pinceladas de humor, sería de una densidad insoportable. La gente se ríe mucho pero también solloza. Yo escucho desde el escenario. Yo monologo con la gente. Ana es escritora y va narrando su historia a la gente. Yo estoy mucho en el proscenio. Y percibo el clima. Tengo pegado al público, siento las respiraciones. El otro día dije “presumo que a muchos de ustedes les pasa lo mismo”, y escuché que alguien me contestó: “¡Sí!”.
–¿Cómo cree que la ve esa gente? A usted, a Cecilia Roth.
–Ojalá lo supiera. Este lleno total es una sorpresa y es lo que deseaba, claro. Pero uno nunca tiene certezas de nada.
Pero usted sabe que construyó una imagen fuerte.
–Pero porque soy así, no lo hice pensando en construir ninguna imagen. Sucedió. Las cosas que hago las hago por necesidad, porque necesito vivir así.
–Bueno, pero puede ser un círculo virtuoso. La gente termina respetando al que se respeta.
–Qué bueno si siempre fuera así, ¿no?
–¿Y cómo tiene diagramada su vida a partir de ahora?
–Se me ordenó la vida. Mi hijo está en segundo grado, está en su colegio, hasta ahora podía maniobrar más, pero ahora no lo puedo sacar de su vida, ni de su escuela ni de sus amigos ni de su papá. Estoy organizando mi vida en función de eso. Se trata de que yo también lo pase bien, pero haré teatro hasta fin de año, y veremos. Está todo abierto. Hay proyectos hermosos, se irán ajustando las fechas.
–¿Dónde creció?
–En tantos lugares...
–Pero es una chica de dónde...
–Nací en Paternal, avenida Juan B. Justo y San Martín. Después viví en Belgrano hasta los doce años y después en Barrio Norte. Y me fui del país a los 17. Y seguí creciendo allá.
–¿Profesionalmente? ¿O hasta qué edad cree que le duró la adolescencia?
–Hasta ahora. Te lo juro. Ahora estoy dejando de ser adolescente.
–¿Por qué?
–Y qué sé yo. Me resistiría a crecer. En los diez años de exilio yo creo que me congelé. Cuando volví, con veintisiete, volví a tener diecisiete. Esos diez años los pasé bárbaro, pero es como si los hubiera vivido otra persona. Y mi personalidad... tiende a la adolescencia. Síndrome de Peter Pan total. Y ahora empiezo a disfrutar las mieles de estar creciendo, de haber crecido.
–¿La maternidad influyó?
–Yo fui madre y seguí siendo adolescente.
–Claro, se puede ser una niña madre perfectamente.
–¡Lo fui! Y ahora le dije a Oscar el otro día que le agradezco haberme hecho encontrar conmigo.
–¿Maduró con este texto? ¿En serio?
–Sí, sí, de verdad. Lo vivo así. Crecer qué es: hacerse cargo, de lo que uno siente, de lo que uno ve, de lo que uno sabe. Crecer es no disimular.
–¿Los hombres y las mujeres crecen de la misma manera?
–No sé... no quiero generalizar.
–¿Y generacionalmente? Después de todo, sus diez años en España tuvieron que ver con una época.
–Sí, pero no sé... Hay cosas que nos hilvanan a todos. Yo creo en los procesos personales. Necesito creer en eso. Son caóticos, son desordenados, son extraños, pero creo en esos procesos. ¡No pierdo las esperanzas de madurar alguna vez!
–Pero usted no aparenta adolescencia, aparenta intensidad, seguridad...
–¡¿Y eso qué es?! ¿Esa intensidad qué es? ¡Adolescencia! ¡Yo estoy creciendo porque estoy más leve! No piripipí maraca, ¿eh? Pero no vivir cada día como el último de tu vida. Ufff. Por fin, no.
–¿Le rompe un poco que cada vez que se hable de usted se diga...
–¿La chica Almodóvar?
–Sí.
–No, no es limitador ni mucho menos. Eso suma. Me molestaría que digan “la ex chica Almodóvar”.
–¿Cómo se siente hoy en la Argentina?
–Este país me desconcierta. Hay cosas que no me cierran. No quiero ponerme opinóloga, quiero decirlo desde algo personal. Me sorprende este país. Con gente tan generosa, tan honda... Y a la vez, los obstáculos que tiene esa gente. En el 2001 estaba acá. Después me fui mucho tiempo. Pero es absolutamente increíble la fuerza que demostró este país. Y es increíble también la fuerza en contrario, la que tira para abajo. Este país está devastado.
–De todos modos, el mundo ahora está tremendo, tan tremendo que esto... Mire el sol que entra por su ventana.
–Claro, claro. El mundo está... La guerra, el hambre, no sé cómo se metaboliza todo lo que pasa. ¿Quién deseó esto? ¿Por qué pasa todo esto si no lo desea casi nadie?
–Vivió en muchas ciudades. ¿Es una impresión porteña o la avidez cultural que hay acá es mucha?
–Es muchísima. Es increíble. Yo viví, y no como turista, en varias ciudades, y esto que tiene Buenos Aires es de verdad increíble. Pasa de todo. Hay gente haciendo de todo. Hay ideas. Hay esfuerzo. Hay un deseo que barre con las dificultades. Por eso me da bronca, lo que no me cierra es que pese a todo lo obviamente bueno que sucede, las cosas sigan trabadas. Pero bueno, por suerte, la gente sigue haciendo sus cosas igual.

El musical Mamma Mia! vuelve al Teatro Lope de Vega de Madrid

www.europapress.es
21 de juliol de 2006

El musical Mamma Mia! vuelve al Teatro Lope de Vega de Madrid
MADRID,


El musical Mamma Mia! vuelve al Teatro Lope de Vega de Madrid a partir del miércoles 26 de Julio. Este espectáculo cuenta la historia de Sophie, quien en vísperas de su boda decide averiguar quién es su padre. El humor (sumado a las canciones de ABBA, reconocibles por todo tipo de público), es el hilo conductor del espectáculo.
En España, este musical está protagonizado por Nina (Donna); Marta Valverde (Tanya); Paula Sebastian (Rosy); Alberto Vázquez (Sam); Bruno Squarcia (Bruno); Nando González (Javi); Mariona Castillo (Sophie); Alejandro Vera (Sky) y 20 actores-cantantes-bailarines.
Desde su estreno en Madrid en 2004 el musical ha levantado el telón más de 600 veces, recibiendo a más de 650.000 espectadores.
Mamma Mía!! tiene en la actualiad 11 producciones repartidas por mundo. Recauda más de 8 millones de dólares a la semana. Ha sido visto por más de 27 millones de espectadores. El próximo estreno de MAMMA MIA! será en Octubre en Moscú, donde por primera vez se podrán escuchar las canciones de ABBA en ruso.

La compañía Trápala abre 'El teatro de los patios' con textos de Miguel de Cervantes


23 de juliol de 2006

josé martínez
resonancias cervantinas.
Un momento de la representación.
córdoba.
El Palacio de Viana es este año el escenario del ciclo El teatro de los patios, organizado por el Consorcio de Turismo de Córdoba y englobado en el programa Noches de embrujo. La programación comenzó ayer con Maravillas Club, una dramaturgia sobre textos de Miguel de Cervantes de la compañía Trápala Teatro, que hoy volverá a representar la obra a partir de las 22.00. El precio de la entrada es cinco euros. El ciclo continuará el próximo fin de semana con Maja y chisperos, una serie de sainetes de Ramón de la Cruz que será escenificada por Teatro Par.

divendres, 28 juliol de 2006

Jerôme Savary "Mes siento como un okupa del teatro

21 de juliol de 2006



El director en una reciente visita a Neva Orleans, después de la catástofe del Katrina
El teatro musical, también llamado en ocasiones opereta u ópera cómica, es muy popular en Francia. Allí, hay un teatro, la Opera Cómica, dedicado exclusivamente al género que desde hace seis años dirige Jerôme Savary. Él es uno de los especialistas, ha hecho unas 120 creaciones originales que han popularizado y actualizado un género que históricamente ha tenido al público de su parte. Savary presenta los días 25 y 26 de julio La revista negra. New Orleans forever en el Matadero de Madrid. Un espectáculo sobre la esclavitud a través de la historia del jazz.
Savary siempre ha hecho montajes musicales, no concibe el teatro de otra manera. De padre francés y madre americana, nació en Argentina y se afincó en Francia para llevar una vida de artista, como así tituló el espectáculo autobiográfico que presentó en la última edición del Festival de Otoño de Madrid. Entonces se nos mostró como un hombre sentimental, de torrrencial conversación, simpático y canalla, fiel siempre a su cigarro habano.
–La próxima temporada estrenará en Francia otro espectáculo también inspirado en Josephine Baker titulado Buscando a Josephine. ¿Es la segunda parte de La revista negra?
–No, es el mismo espectáculo, pero a los españoles les gusta más el título de La revista negra. En Francia hoy resultaría difícil de pronunciar este título. –
¿Quiere decir que sería políticamente incorrecto?–
Bueno, éste es un espectáculo antirracista. Por otro lado, Josephine Baker es muy popular en Francia, tanto como Zidane o De Gaulle, mientras que en España la conoce poca gente. Por eso la hemos titulado A la recherche de Josephine.
–Y este espectáculo ¿es una revista, una comedia? ¿cómo lo define?
Es una comedia musical porque es un espectáculo con una dramaturgia y una partitura musical. La revista sería una sucesión de “tableaux” musicales sin hilo argumental. Aquí contamos la historia de unos negros que buscan a una Josephine Baker después de la catástrofe del Katrina en Nueva Orleans. En realidad lo que cuenta es la historia de la negritud a través del jazz y de cómo fue abolida la esclavitud.Yo creo que lo que trajo la verdadera libertad a los negros fue el jazz.
Paradojas sobre la esclavitud
–¿Usted firma también la dramaturgia?–
Sí, cuando ví lo que ocurrió en Nueva Orleans con el huracán me di cuenta de que tenía que rescatar un viejo proyecto que giraba en torno a las actuaciones de Josephine Baker en París. Desde 1925 la vedette ya se había hecho muy popular en la capital, actuaba cada año en el Teatro de los Campos Elíseos con un minimalista cinturón de bananas y acompañada por un grupo de músicos de jazz que ejercieron una gran influencia en compositores europeos como Poulenc, Stravinsky o Ravel, así como en pintores como Picasso o Braque. En París la negritud se puso de moda, se organizaban Exposiciones Coloniales y la de 1931 llegó a exhibir a un grupo de africanos medio desnudos que reproducían su vida en la jungla delante de miles de parisinos. Baker, la representante de la negritud, llegó a ser elegida reina de esta exposición. Francia era colonial, imperialista, pero en el fondo, menos racista y restrictiva que América, donde existían las leyes segregacionistas.–
¿Cuál es el argumento de La revista negra?
–El espectáculo comienza con un grupo de negros que, tras el huracán, vagan en una barca en busca de sus instrumentos y de sus cosas perdidas. Aparece un productor blanco que busca una bailarina que llevarse a París para hacer un “revival” de La revista negra que protagonizaba Josephine Baker. –
¿La música de este espectáculo también es original?
–Todas las canciones están inspiradas en músicas de jazz que van desde 1915 a 1940. Al final, hay una media hora de espectáculo en el que sí recogemos a modo de “tableaux” algunos de los números de Baker.
“Me han hecho funcionario”–
Supongo que este espectáculo le habrá hecho recordar sus jóvenes años en Nueva York , cuando conoció a muchos grandes del jazz.
–Sí, claro. Conocí a muchos jazzman, gracias a que era el novio de una fotógrafa que se dedicaba a hacerles las fotos para sus discos. Conocí a Thelonius Monk, a Count Bassi... El jazz ha sido la auténtica revolución cultural del siglo XX.–
¿Y los actores? ¿Y los músicos? –
Proceden de Estados Unidos y casi todos son negros. Cantan en directo y sin micrófono, algo que detesto. Para el papel de Josephine necesitaba una voz de soprano, como la de Baker, y la encontré en Nicolle Rochelle. En Estados Unidos hay una generación extraordinaria de cantantes y actores y es así porque hay una gran demanda. En Nueva Orleans antes del huracán había 500 clubs de jazz y ahora sólo quedan 35. El Katrina ha hecho desaparecer de esta ciudad al 60 por ciento de la población negra y ahora es una pequeña ciudad blanca. Los negros se han dispersado hacia otras ciudades y creo que la América profunda esta contenta de ello. Lo del Katrina ha sido como un evento bíblico.–
Ésta es su última temporada al frente de la Ópera Cómica de París. ¿Por qué la deja?
Bueno, la Ópera se ha convertido en un teatro nacional y yo he sido asimilado a un funcionario del Estado. Este año cumplo 65 años, por lo que tengo que jubilarme. En realidad, soy víctima del éxito. La Opera Cómica era un teatro abandonado y desde que lo dirijo lo he relanzado, haciendo que el público vaya. Apenas me han dado “plata”, el presupuesto oficial llega para pagar el teatro, por lo que la mayoría de las producciones que hemos hecho han sido sufragadas con los ingresos de taquilla. Me han criticado que mis creaciones tienen pocos actores y músicos, pero sin un centavo hemos producido diez espectáculos por temporada. Ahora la ley me echa. Yo me siento como un “squatter”(okupa) del teatro. Es absurdo, pero por otro lado creo que es una buena cosa, regreso a mi vida pasada.–
¿Se refiere a retomar su compañía Magic Circus?–
Sí, volver al sistema de una compañía teatral de creación propia. No concibo el teatro de otra manera.–
¿Qué diferencia hay entre ópera, ópera cómica y opereta?–
La ópera cómica y la ópera son la misma cosa, en la ópera cómica se han creado clásicos muy conocidos. Un crítico definió, creo que con acierto, que la diferencia estriba en que la ópera cómica siempre tiene un final feliz. La opereta es la ópera bufa._
¿Y entre el teatro musical y la comedia americana?–
Es lo mismo. Hay teatro musical bueno o malo. Los americanos tienen comedias extraordinarias como Cabaret o Los productores. -
Y la zarzuela española ¿qué le parece?–
Me gusta, pero tiene un ritmo más lento y luego las partituras parecen un poco anticuadas. El problema es que hace mucho tiempo que se ha dejado de componer zarzuela, siempre lo digo: hay que escribir obras musicales nuevas.–
Dicen que su teatro es provocador.–
Yo no me considero un provocador, no me gusta esa palabra por el sentido de arrogancia que lleva implícito. Creo que soy más bien un dadaísta.
Liz PERALES

El valle del teatro


23 de juliol de 2006

Actores de varios países participan en los talleres artísticos que organiza Spiral en el Alhama El proyecto culminará con varios espectáculos que se celebrarán en Inestrillas en agosto
G. MEDEL/AGUILAR

Los artistas que participan en el taller, durante un ensayo en su 'jardín de teatro' de Inestrillas. / FOTOS G. MEDEL

Veintidós actores, directores y diseñadores teatrales procedentes de países tan dispares como España, Inglaterra, Irlanda, Italia, Grecia, Chipre, Irlanda del Norte, Suecia, Corea y China participan en Aguilar del Río Alhama en uno de los talleres organizador por la compañía de teatro, participación e investigación teatral Spiral. Su actividad culminará a principios de agosto con varios espectáculos al aire libre que se celebrarán en las antiguas escuelas de Inestrillas, un espacio que el grupo quiere recuperar como espacio cultural. Pero su interés va mucho más lejos. Carolina Ruiz, productora de Spiral, explica que «creemos en el potencial de esta zona y nuestro interés es crear espacios teatrales en toda la vega del Alhama, donde encontramos anfiteatros naturales. Se trata de un teatro para todos, sin distinción, un teatro cercano y popular que todo el mundo pueda disfrutar». Los profesionales de Spiral buscan también la participación de los vecinos del valle y que su actividad multicultural recupere «la fiesta popular como un revulsivo para cambiar la forma de participación. Somos gente festiva, nos gusta pasarlo bien, con un trabajo serio pero divertido», comenta su productora. Durante tres semanas Spiral trabaja con actores, clowns, diseñadores, directores y otros profesionales del teatro en el proyecto 'Los Pájaros'. La compañía trabaja con las ideas del Teatro de Creación -donde no existe una base descrita inicialmente y la obra se crea de forma colectiva en los ensayos- en el que Chris Baldwin, director artístico del grupo y vecino de Aguilar, tiene más de veinte años de experiencia. «La idea del proyecto -continúa Carolina Ruiz- parte de esta comedia griega de Aristófanes, que después se transformará porque trabajamos con el teatro de creación y, por ejemplo, no imponemos los papeles a los actores. La obra se crea de forma colectiva en los ensayos. Siempre buscamos ese contexto popular y cómico y será un montaje único, con música, partes actorales, títeres. La obra será en español pero aquí tenemos muchos idiomas más: inglés, sueco, griego, italiano, gaélico... Es la celebración de la multiculturalidad».
El pasado verano Spiral ya promovió una experiencia similar a partir de otra obra de Aristófanes, 'Las Ranas', y resultó un éxito. «Tuvo un impacto muy positivo porque el potencial de estos lugares es inmenso. Con una iluminación simple y la gente del pueblo con sus sillas es como una película de Fellini. Algo mágico». Spiral también organiza otros talleres que combinan teatro, arqueología y restauración en el yacimiento de Contrebia Leukade, que les ofrece «otro espacio maravilloso de arqueología abierta, con todas las historias por descubrir». Y en su interés por «contagiar a todos el interés por el teatro» también organizarán talleres infantiles en las piscinas. «Que el Alhama sea el valle del teatro es nuestro sueño».

Vanessa Redgrave afirma en Almagro que el teatro «es vital para la supervivencia humana»


www.abc.es
23 de juliolde 2006

La actriz británica Vanessa Redgrave durante la rueda de prensa que ha ofrecido hoy momentos antes de recibir esta noche el VI premio Corral de Comedias en la clausura del 29 Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro
Agencias/Ciudad Real
La actriz británica Vanessa Redgrave, conocida por su alto grado de compromiso social, afirmó hoy en Almagro, hasta donde se desplazó para recoger el premio Corral de Comedias, que sigue en el mundo de las artes escénicas porque considera que "el teatro, en todas sus formas, es vital para la supervivencia humana".
Redgrave, que se confesó maravillada al ver el Corral de Comedias y aseguró emocionada que es el teatro más bonito del mundo, explicó a los medios de comunicación con los que mantuvo un encuentro que, a pesar de que su percepción del teatro ha ido cambiando con el paso de los años, que fue la primera vez que visitó Sarajevo, durante el asedio, cuando se dio cuenta de esa verdad "y en ese momento decidí que quería seguir trabajando en este mundo".
Asimismo, la vigencia de los clásicos en la sociedad actual es el motivo por el que le gusta hacer teatro, algo que ejemplificó con la puesta en escena de Eucubas de Eurípides, una obra que el año pasado representó con la Royal Shakespeare Company y en la que, a través de su defensa de la justicia y la necesidad de las leyes, comprendió que "aún existen en el mundo hijos supervivientes de la reina troyana vencida, refugiados que viven en tiendas de campaña en una colina. Yo he conocido a muchas Eucubas a lo largo de mi vida".
Festival de Almagro
Redgrave hacía estas declaraciones en el Corral de Comedias durante una rueda de prensa previa a la entrega del premio que le ha otorgado el Festival de Almagro, un certamen dramático que aseguró que sólo conocía de "referencias, aunque eran unas noticias muy inspiradoras". Este ha sido el motivo que le ha llevado a aceptar el Premio Corral de Comedias, "porque quería apoyar el festival con mi presencia, ya que así tendría más publicidad y, al mismo tiempo, yo podré transmitir las impresiones que de aquí me lleve".
En este sentido, Vanessa Redgrave, que incluso habló en español con los periodistas, argumentó que para ella los festivales se asemejan "a oasis en los desiertos o páramos en territorios en los que la gente se muere de sed".
Y es que para la actriz británica es muy importante apoyar y cuidar el teatro en la que no lo hacen los gobiernos ni los medios de comunicación al dedicarle menos espacio y tiempo que a otros espectáculos como el cine o la música. "Me preocupa el presente del teatro y por eso quiero apoyar al teatro en general: estudiantes de arte dramático, compañías, festivales. . . Intento hacer con el teatro lo mismo que Baremboin con la música a través de su orquesta, es decir, que se convierta en un ionstrumento capaz de aunar culturas como la árabe, palestina y judía".
Asimismo, aprovechó también para alabar la labor del British Council, una institución que este año ha colaborado con el Festival de Almagro, "por la calidad del trabajo que desarrollan para establecer conexiones con las que el teatro no muera de sed, y todo ello con muy poco presupuesto".
Oriente Medio
Finalmente, desde el permanente compromiso social que la actriz británica ha mantenido siempre y que incluso la ha llevado a ser embajadora de buena voluntad de Unicef para los niños, Vanessa Redgrave se pronunció también acerca del conflicto en Oriente Medio, llegando a asegurar que, de no haber estado en Almagro, ayer se habría desplazado hasta Tel Aviv para atender la llamada de sus amigos libaneses para tratar de alcanzar la paz.
Redgrave aprovechó su intervención para mostrar su "vergþenza" de que su Gobierno, el británico, y el Estados Unidos hayan sido los únicos que han rechazado la llamada al alto el fuego del secretario general de Naciones Unidas, Kofi Annan.
Por este motivo hizo una llamada a la necesidad de un alto el fuego, "absolutamente necesario y posible", que permita que se abran las negociaciones, "porque estas se realizan después de la tregua y no antes", al tiempo que recordó la labor que en los años 80 realizaron los responsables de Unicef en el Líbano, "una labor de la que deberíamos aprender para evitar que los niños, que siempre son los más afectados, sigan sufriendo".

Pasión por el teatro

www.laopinion-rafaela.com.ar
22 de juliol de 2006


Aunque Ud. no lo crea, una larga cola de gente espera a que se abran las puertas del Lasserre para ver teatro.Esto ocurrió anoche en el Centro Ciudad de Rafaela y la fila comenzaba en la puerta misma del teatro doblando la esquina de calle Brown.No por nada los expertos señalan a Rafaela como la Capital del Teatro de la provincia de Santa Fe.Y esto no es poco teniendo en cuenta el alto nivel de producción que tiene la ciudad de Rosario y en menor escala la ciudad de Santa Fe, capital de la Provincia.Este es un logro de todos y todos los rafaelinos debemos sentir el orgullo de haber podido llegar hasta acá: los artistas; los que gestionan eventos culturales como el teatro Lasserre o el Centro Cultural La Máscara que "transpiran la camiseta" desde hace tantísimos años; los medios locales, provinciales y nacionales, a través de Critea, que entendieron la importancia que este evento tiene para la ciudad y el teatro en todo el país; el municipio a través de la política cultural representada en la figura de Gabriela Culzoni que apoyó con convicción y sin dudar el sostenimiento de este espacio único para la cultura rafaelina; el Instituto Nacional del Teatro que nos permitió ser la primera ciudad del interior en convertirse en sede de una Fiesta Nacional; y el público rafaelino que, agradecido y feliz, recorre noche a noche sala tras sala a encontrarse con la magia del teatro.Nuevamente, Rafaela es señalada como ejemplo de trabajo y organización.Que esto ocurra a partir de un hecho cultural de semejante envergadura nos llena de satisfacción.

El Festival de Teatro Clásico de Mérida presenta hoy su cuarta obra, "El amor del ruiseñor"

26 de juliol de 2006

Mérida.
(EUROPA PRESS).-
El Festival de Teatro Clásico de Mérida presenta hoy su cuarta obra, "El amor del ruiseñor", que podrá verse en el escenario del teatro romano de la capital emeritense desde mañana, jueves, hasta el próximo domingo. En el acto de presentación estarán presentes la directora del CEDRAMA, María José Casado Muñoz; el director del Festival de Teatro Clásico de Mérida, Francisco Carrillo; el director de "El amor del ruiseñor", Jorge Picó; así como los protagonistas del espectáculo.

Kafka en escena

www.20minutos.es
21 de juliol de 2006

REDACCIÓN.
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La Fura dels Baus vuelve al Festival de Barcelona con una versión de La Metamorfosis de Kafka, que se pondrá en escena en tres únicas funciones durante este verano en el Teatre Lliure.
La obra Metamorfosis, escrita por Javier Daulte y dirigida por Alex Ollé, no trata la animalidad del libro, sino que se basa en el aislamiento de un joven que «se ve incapaz de cumplir con sus propias expectativas y las de su entorno y por ello se encierra», explica Oller. El montaje de la Fura se acerca a la obra de Kafka utilizando lenguajes tan diversos como el movimiento y el vídeo.

* Teatre Lliure. Sala Fabià Puigserver. Passeig Santa Madrona, 40-46. Días 20, 21 y 22 de julio. 19.00 horas. Entradas agotadas.

dijous, 27 juliol de 2006

'METAMORFOSIS', inquietant i atractiva


22 de juliol de 2006
'METAMORFOSIS', inquietant i atractiva

Rubèn Ametllé, en un moment de Metamorfosis.
Foto: EL PERIÓDICO

GONZALO PÉREZ DE OLAGUER
DIRECCIÓ
Àlex Ollé (La Fura dels Baus) i Javier Daulte
INTÈRPRETS Rubèn Ametllé, Artur Trias i Isak Férriz
DIA 20 de juliol
La Fura dels Baus (en concret Àlex Ollé) i l'autor argentí Javier Daulte, un dels grans dramaturgs del nou segle, sorprenen al decidir embrancar-se plegats en un projecte i obtenir, a partir del dur i fosc relat de Kafka La metamorfosi, un extraordinari espectacle. És veritat que d'aquell original, només n'agafen la idea inicial: el jove Gregor Samsa es desperta un dia, després d'una nit d'insomni i de malsons, convertit en un insecte, i per això pensa que s'ha d'amagar de tothom. Kafka es mou en el terreny de la metàfora i explica el procés pel qual Gregor és cada vegada més rebutjat per la societat.Ollé i Daulte recreen amb molta intel.ligència i atractiu les angoixes del ciutadà corrent del segle XXI. Gregor descendeix per voluntat pròpia fins als abismes, s'aïlla de tot i de tothom (amics i família), s'autoexclou de la societat i camina decidit cap a la destrucció. La por presideix la vida de Gregor davant un món sense sortides. A poc a poc els creadors de Metamorfosis van fent del personatge un ésser estrany; i exhibeixen escena a escena la mutilació de la pròpia individualitat.Amb aquest plantejament dramàtic els autors ideen i resolen amb absolut encert un muntatge atractiu, àgil, portat a un ritme trepidant, que bàsicament juga amb dos grans elements: un cub de vidre on habita i es consumeix dia a dia Gregor, i les projeccions de cinema i vídeo en una pantalla que ocupa el fons de l'escenari. Un material que prolonga les escenes reals o que posa en primer pla gestos i accions molt determinants dels personatges que participen en l'obra. La representació equilibra la inquietud i l'emoció, i atrapa l'espectador des de la primera escena. A més a més, el públic disposa de tots els elements per entendre perfectament la metàfora que Daulte i Ollé proposen: la crisi de Gregor té referents en la nostra vida quotidiana, en què s'imposa la deshumanització i cada vegada és més difícil cultivar i mantenir relacions d'afecte. Un món, el d'avui, ben difícil i per al qual la dramatúrgia no designa possibles culpables. El Gregor d'aquesta versió de l'obra de Kafka protagonitza una escapada voluntària cap endins.La llarga gira que l'obra ha anat cobrint per tot el continent europeu des de la seva estrena, el mes d'octubre passat al Festival Temporada Alta de Girona, ha fet augmentar el valor i la credibilitat de l'espectacle i ha confirmat, al mateix temps, la seguretat que ens trobem davant d'un dels espectacles més atractius i més ben resolts d'aquests últims temps. Dins de l'homogeni i bon repartiment cal destacar la tasca a dalt de l'escenari de Rubèn Ametllé, Artur Trias i Angelina Llongueras; al costat seu hi ha Sara Rosa i Isak Férriz. Un punt i a part representa la qualitat de les filmacions, l'exactitud amb què funciona el mecanisme i la bellesa d'un bon nombre d'escenes. L'aliança de La Fura dels Baus-Daulte ha donat, per tant, uns bons resultats que sospito que a molta gent deu haver sorprès gratament. En definitiva, una esplèndida nit de teatre.
Noticia publicada a la pàgina 20 de l'edició de 22/7/2006 de Estiu Per veure la pàgina completa, descarregui l'arxiu en format PDF

El Cuyás anuncia 'Cabaret' como plato fuerte de la próxima temporada


21 de juliol de 2006


El Teatro Cuyás presentó este viernes el avance de los montajes previstos para la nueva temporada, entre los que se ofrece como plato fuerte el musical Cabaret, el montaje más costoso a nivel económico de toda la programación, tal y como explicó el director artístico del teatro, Gonzalo Ubani.
ACN. Las Palmas de Gran Canaria
Del mismo modo, Pedro Luis Rosales, consejero de Cultura y patrimonio Histórico del Cabildo grancanario, hizo hincapié en el incremento de 6.680 espectadores durante la pasada temporada a este emplazamiento.Igualmente, se refirió al consecuente aumento de la recaudación que se materializó en 247.889 euros más que en la temporada 2004/2005, que fueron valoradas por el consejero como “altamente satisfactorias”.Para el próximo ciclo se han previsto 31 espectáculos, que darán comienzo en septiembre con El Mikado de la compañía catalana Dagoll Dagom que vuelve al Cuyás después de seis años.Informe para una academia de Franz Kafka, dirigida por José Luis Gómez; Ni palante ni patrás perteneciente a la compañía de la bailarina y coreógrafa Teresa Nieto, completan la programación del mes de septiembre.Nuevo musicalJosé María Pou se estrena en la dirección teatral con La cabra o ¿quién es Silvia? durante el mes de octubre.
Los clásicos se acercan al Cuyás con la representación del Alcalde de Zalamea que permanecerá en las tablas del recinto durante nueve días.El florido pensil, Querido Nestor II. Canciones de la isla, Ay, Carmela, Cuentos de Perrault y La bella durmiente cierran la programación del 2006.La compañía Yllana-Imprebis mostrarán el montaje Monty Python con una selección de los mejores sketches del teatro de improvisación que han realizado. Els Joglars llegará a Gran Canaria con la obra En un lugar de Manhattan. En el avance de la programación para el segundo semestre de 2007 se prevé la presencia de la obra Solas de Benito Zambarano con Lola Herrera, Natalia Dicenta y María Galiana; y el exitoso musical a nivel mundial Cabaret que se espera logre el mismo éxito que Queen durante este año pasado.
Pedro Luis Rosales, consejero de Cultura, calificó las cifras como "altamente satisfactorias"La compañía catalana Dagoll Dagom vuelve al Cuyás después de seis

Candás se rinde ante «Teatro Margen»


22 de juliol de 2006
Un momento de la representación, el jueves, en el Teatro Prendes.
Servicios
La compañía representó el jueves en el Prendes «El viaje a ninguna parte»Candás, Nadia HEVIA «El viaje a ninguna parte», en la versión de «Teatro Margen», llegó el pasado jueves a Candás, con el patrocinio de LA NUEVA ESPAÑA.
El Prendes se llenó de jóvenes y mayores que no quisieron perderse la oportunidad de ver en directo la última obra de la compañía ovetense, una adaptación de Arturo Castro de la novela de Fernando Fernán Gómez. Puntuales, a las once de la noche, los ocho actores de la compañía pusieron sobre el escenario la realidad de los cómicos de la posguerra en La Mancha y que, salvando las distancias, es la misma de hoy en día. Dificultades y trabas en una ápoca en la que el cine iba desplazando al teatro. Toda esa vida queda reflejada en la obra a través de su protagonista, Carlos Galván, quien, en los últimos días de su vida, comparte en un asilo los recuerdos como actor «de pueblo» con Daniel Otero, que sí alcanzó la fama con la interpretación. Risas, risas y más risas a lo largo de toda la función, que continuaron en el exterior del Teatro Prendes con la satisfacción del público que, durante dos horas, no pestañeó y se mantuvo entregado, tanto a la trama como a la gran puesta en escena e interpretación de sus actores. Y todo sin decorados espectaculares que desvíen la atención o que contribuyen, en muchos casos, a paliar deficiencias en otros aspectos de la representación. La del jueves no fue la primera vez, ni será la última, que «Teatro Margen» se suba al escenario del Prendes. Su demostrado buen hacer garantiza el lleno en sus funciones.

Un Festival con mala suerte para un teatro con mal gusto


21 de juliol de 2006


MÁLAGA.
El AV Festival nunca ha tenido suerte, por más simpatías que despierte entre un limitado pero entendido sector de la población local. Por una razón muy real, nunca ha logrado zarandear la curiosidad del espectador medio nativo/residente en Málaga. Por otra mucho más evidente, nunca ha sido capaz de atraer al público de fuera, ese que en Madrid es capaz de llenar un concierto de Sigur Ros o de los Godspeed, pero que no baja a Málaga. El AV nunca ha tenido suerte con el público ni con los patrocinios, poca con las empresas de venta de entradas, y aún menos con la promoción.

ESTE año, el AV se traslada y no se entiende muy bien. Mal augurio: el avance de programación del AV se presenta el día siguiente de que los músicos de Belle&Sebastián, Mercury R’ev y Cristina Rosenvinge, se dieran un inmerecido batacazo de público en el auditorio ése que está en el quinto pino y suena a demonios. Había sido organizado por el teatro Cervantes, el que dirige o algo así Salomón Castiel, el mismo teatro con el mismo supuesto director que se hace cargo del Avant Festival.

SE puede recordar aquí lo que supuso que Salomón Castiel se hiciera cargo de la dirección del Etni-Málaga después de tres ediciones. Se pasó de los percusionistas kurdos a la Mala Rodríguez, y de ahí a desaparecer. En el origen de ambos festivales hay coincidencia de personal en equipo de dirección y programación. Es deseable que no compartan también destino. Baste recordar el Terral, con su Falete, su Estrella Morente, su Toquinho o su Wayne Shorter, para comprobar la coherencia y el criterio del actual anfitrión del AV.

EL AV ha presentado su mudanza. Del castillo de Fuengirola en verano, con un ambiente previsiblemente idóneo para algunos conciertos e inesperadamente envolvente para otros, Molvaer, Mogwai, por ejemplo, se ha pasado al teatro Cervantes, hostil al sonido amplificado, y con un espacio y unas maneras que tanto distorsionan la clase de experiencia que debe constituir un concierto de, por ejemplo The Books, que tocarán el próximo octubre. Del verano al otoño. Este AV, que no tiene vocación de mayorías, debería ser más cuidadoso.

QUIZÁS con muchas otras cosas debería ser más riguroso y exigente. Seguramente la programación final incorporará combinaciones tan extrañas como la de la última edición, con Morrisey y John Cale, algo difícil de digerir. De hecho la coincidencia de The Books y Tunng exige una razón. Pero es el otro lado del problema del AV. Es evidente que sus programadores aman la música y tienen un gusto exquisito, pero su trabajo incluye la contextualización y la coherencia. Desde lejos, hay programaciones espléndidas, y seguramente la revista Wire señala la del AV porque en abstracto lo es, y por el alto nivel de coincidencia con la línea de la publicación britanorteamericana. Pero el situar el acontecimiento en Málaga y ponerlo a dialogar con el público de aquí es un punto flaco que hasta ahora no se ha sabido resolver, y que, si el mal augurio de la noche anterior a la presentación se cumple, impulsará al AV al espacio exterior o a pasar al sobaco de Castiel. Con lo que eso conlleva de faletismo.
LAS razones por las que el AV pasa a estar bajo el ala de Castiel se entienden: es otro patrocinador en su larga búsqueda del adecuado, y una reducción en costes de producción. Las de Castiel se pueden ver a la luz de varias necesidades. Una podría ser la de dar al Cervantes ese barniz exquisito y mundano del que carece en términos absolutos: la vulgaridad es su sello. El otro, quizás contrarrestar la evidente progresión en el prestigio local del teatro Cánovas, de la Junta de Andalucía, cuya programación en general y en particular la de pop-rock con la que cierra la temporada se ha convertido en referencia para el público entendido en los últimos años. Algo que nunca y en ningún género ha conseguido el Cervantes por sí mismo, teniendo bastante más fondos que el Cánovas. A ver si aprendemos, se podría decir; a estas alturas, ya se sabe: es imposible.

ara son les ...

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