Un conte d'Oscar Wilde amb humor Joan Pera

Un conte d'Oscar Wilde amb humor Joan Pera

El gran actor còmic Joan Pera torna als escenaris de Barcelona per encarnar el 'Fantasma de Canterville' sota la batuta de Josep Maria 

Joan Yago és un dels dramaturgs catalans més prolífics del moment. És autor de les obres premiades 'You say tomato', 'Bluf' i 'La Nau dels Bojos', entre d'altres, i membre fundador de la companyia La Calòrica. L'última aposta d'aquest autor que converteix en èxit tot allò que fa, és l'adaptació teatral del clàssic d'Oscar Wilde 'El Fantasma de Canterville': la novel·la curta que aquest escriptor irlandès va publicar l'any 1887.

Si a un text divertidíssim i delirant li sumem una posada en escena carregada de màgia i en Joan Pera al capdavant d'un elenc amb una gran trajectòria en el món de la sàtira, el resultat només pot ser un espectacle imprescindible. L'obra –amb una durada de 85 minuts– està dirigida per Josep Maria Mestres, que anteriorment ha dirigit altres obres d'Oscar Wilde com 'Un marit ideal' i 'El ventall de Lady Windermere', i la pots veure al Teatre Condal a partir del 13 de febrer. Endinsa't en aquesta aventura fantasmagòrica i prepara't per morir-te de por... o de riure!

L'ambaixador nord-americà Hiram B. Otis (David Olivares) compra un antic castell prop d'Ascot, Anglaterra. S'hi trasllada a viure amb la seva família sense fer cas a l'advertència que els ha fet l'anterior propietari de la mansió: "el fantasma de Sir Simon Canterville vaga pel castell des que va assassinar la seva esposa, Lady Eleonore".

El senyor Otis, la seva esposa Martha (Betsy Túrnez) i la seva filla Virginia (Elisabet Casanovas) es burlen constantment d'aquest desafortunat fantasma, que intentarà fer la guitza a la família de totes les maneres possibles, amb l'objectiu de mantenir intactes la seva reputació i el seu honor... En el paper de fantasma trobaràs un divertidíssim Joan Pera en tota la seva esplendor. Les riallades estan garantides!

Hi ha una nova generació d'actors i actrius que pugen forts. Un dels noms que cal destacar entre ells és el de l'Elisabet Casanovas: una artista plena de vitalitat a qui recentment hem vist menjar-se l'escenari amb els espectacles 'Paradise' i 'La senyora Florentina'.

Juntament a ella, a 'El Fantasma de Canterville' hi trobaràs un crack de l'humor com és en David Olivares –a qui segur que reconeixeràs per les seves aparicions a 'Polònia'–, l'Òscar Castellví, que ja va treballar amb en Joan Pera a 'L'Avar', i la Betsy Túrnez, que ha aparegut a nombroses produccions de televisió, cinema i teatre –entre les seves obres més rellevants destaca 'El Rei Borni'.

La següent generació està formada per en Pep Sais, un actor camaleònic que ha interpretat innumerables personatges al cinema, la televisió i el teatre i a qui darrerament hem vist format part de l'elenc de les comèdies teatrals 'Pels pèls' i 'Toc, toc'. Tres generacions de talent que es retroalimenten i encaixen perfectament a l'escenari.

La capacitat d'en Joan Pera per ficar-se el públic a la butxaca està més que demostrada. És un dels pocs artistes capaç de provocar riallades tan bon punt apareix a l'escenari. Domina a la perfecció el gènere vodevil –ho hem vist, per exemple, amb 'La Extraña Pareja', 'Òscar' o 'La doble vida d'en John'– i excel·leix a l'hora de fer monòlegs –encara gira amb el show homenatge 'Joan Pera, Capri' i amb 'Fer riure és un art'.

Però, més enllà de fer comèdia com a tal, 'El Pera' és un crack a l'hora de posar-se a la pell de grans personatges de la literatura universal: ho ha fet recentment amb 'L'Avar' de Molière –també dirigida per Josep Maria Mestres– i amb una versió hilarant del 'Don Juan Tenorio' de Zorrilla. Ara, amb aquesta adaptació de 'El Fantasma de Canterville' torna a demostrar que no hi ha paper que se li ressisteixi. Si vols comprovar-ho i riure de valent, només has d'anar al Teatre Condal i deixar-te atrapar per l'humor amb segell Pera!

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Joan Pera cambia de registro y protagoniza "El avaro" de Molière

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EFE - Barcelona

02/02/2016 - 16:54h

Joan Pera cambia de registro y protagoniza "El avaro" de Molière

Joan Pera, el inolvidable compañero de Paco Morán en "La extraña pareja", se ha mostrado hoy "ilusionado" de cambiar de registro después de "más de veinte años haciendo teatro de bulevar" y protagonizar "El avaro" de Molière, en una versión en catalán de Sergi Belbel que dirige Josep Maria Mestres.

En este montaje, que se estrenará en el Teatro Goya de Barcelona el próximo 9 de febrero, Joan Pera está acompañado sobre el escenario por nueve actores, "un número alto e insólito en los tiempos que corren", según Mestres.

Joan Pera ha calificado al personaje de Harpagon, el viejo avaricioso que creó Molière, de "sueño de todo actor" y ha reconocido que es "todo un reto" lanzarse a "un texto de esta categoría".

"He puesto todo el entusiasmo, porque quiero llegar al público -ha añadido-. Mi objetivo es lograr que esa comunicación con los espectadores que tengo normalmente también se produzca con un texto de tanta categoría como éste y con un personaje tan complejo como Harpagon".

El director artístico del Teatro Goya, Josep Maria Pou, ha recordado que Joan Pera empezó en la profesión hace cincuenta años con obras clásicas y ha asegurado que una de las razones que le han empujado a programar esta obra es la certeza de que contaba "con el actor ideal para el personaje principal".

Además del "salto mortal" que esta obra significa para Joan Pera, el montaje que hoy se ha presentado también supone "un salto en el tiempo" para el Teatro Goya, ya que esta sala lleva ocho años programando obras contemporáneas y es la primera vez que Josep Maria Pou incluye un clásico en la programación desde que dirige este espacio escénico.

En declaraciones a Efe, Pou ha aclarado que ha hecho esta excepción porque quiere demostrar que Joan Pera "no es sólo un gran actor de comedia, sino todo un actor, que puede abordar cualquier tipo de personaje".

Otra de las razones que le han empujado a romper esquemas es el hecho de que "hace más de veinte años que no se representa 'El avaro' en Barcelona", algo "lamentable", según Pou, porque "los clásicos tienen que estar siempre a mano" y "todas las generaciones tienen que tener la posibilidad de acceder a ellos".

La versión en catalán que Sergi Belbel escribió y dirigió en el Festival Grec de Barcelona hace veinte años es la misma que se ha utilizado en esta ocasión, "aunque con algunas modificaciones", según Mestres.

El director ha reconocido que vio aquel montaje que protagonizó Lluís Soler y le gustó mucho, pero que no ha querido revisarlo para que no le influyera en su puesta en escena.

Una puesta en escena en la que ha optado por un vestuario de época, un escenografía "llena de dorados" y un elenco con nombres como Manu Fullola, Júlia Barceló, Ricard Farré, Elena Tarrats, Josep Minguell, Alba Florejachs, Manel Dueso, Óscar Castellví y Xavi Francés.

Mestres cree que "no hacen falta excusas para montar un Molière", pero "en la época en la que vivimos está claramente justificado" porque "la brecha entre ricos y pobres es cada vez más grande" y "la avaricia y el poder del dinero son temas terriblemente actuales".

En su opinión, "El avaro" es "una obra maestra por muchas razones", entre ellas "el equilibrio perfecto que hay entre comicidad, drama e intención pedagógica, es decir, esfuerzo en lanzar un mensaje edificante".

"El avaro" es un drama repleto de situaciones hilarantes y Joan Pera ha afrontado la parte cómica del texto con prudencia.

"Nos hemos esforzado en no forzar los puntos de comicidad. Si estuviéramos en El Molino, me bajaría a la platea a hablar con las señoras, pero aquí no lo haré", ha dicho con su sorna habitual.

Siguiendo con la misma broma, Pera ha asegurado que, en esta ocasión y sin que sirva de precedente, se va "abstener de meter morcillas", porque, en su opinión "Molière lo ha hecho bastante bien y su texto no necesita añadidos".

Todo por la pasta: Frank V y su banda sonora

El Teatre Lliure de Barcelona pone en escena la obra 'Fran V, opereta de una banca privada' de Dürrenmatt, una pieza con resonancias muy directas con nuestro presente.

Dirigida por Josep Maria Mestres y adaptada por Sergi Belbel, cuenta con la banda de rock Obeses que actúa en directo en una sátira de vises gangsteriles.

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22 abril de 2015

Sergio Collado - Barcelona

Hasta el 17 de mayo en el Teatre Lliure de Montjuïc se podrá ver Frank V (opereta de una banca privada), una sátira sobre las altas finanzas escrita en 1959 por el suizo Friedrich Dürrenmatt y que dirige esta vez Josep Maria Mestres. La versión del texto, realizada por Sergi Belbel i Arnau Tordera, se mueve a ritmo de rock sinfónico con el que la banda catalana Obeses interpretan la partitura original de Paul Brukhard. Asistimos a una comedieta musical que no ha pasado de moda y que más bien es tendencia sostenida en este correr del presente. El horror impúdico, sin dobles morales de los protagonistas a los que les pirra el dinero y les pierde la pasta nos recuerda demasiado bien todos estos entrares y salires de los juzgados –y presidios– de altos empresarios y políticos españoles a los que nunca parece abandonarles la naturalidad… Al resto de los mortales, otra cosa no, pero reírse para no desesperar es lo que nos queda. Y esta obra que pone banda sonora a una banca privada sin privaciones es una buena oportunidad para hacerlo.

Durante las dos horas y diez minutos de esta producción del Lliure se nos muestran “las entrañas de la banca y el capitalismo, puestos en evidencia con música, humor y mala baba”, tal como comenta su director. Básicamente es la historia en la que el protagonista, un tal Frank V interpretado por Eduard Farelo, es el heredero de un banco familiar de larga tradición que junto a su mujer, Ottilie, interpretada por Mónica López, “no dudará en cometer cualquier tipo de atrocidad para conseguir lo que desea". Alrededor de estos reyes shakesperianos aparecerá toda la fauna de “ese mundillo gangsteril" en el que habitan.

Para la presente adaptación, han cogido aquello que más les interesaba de las diferentes versiones que tiene el texto original del suizo y así contar la historia con el desenlace que querían contar manteniendo cierto intríngulis hasta el final. Por su capacidad de reflejar nuestro presente inmediato, Mestres nos habla de “una pieza maestra de teatro-documento”. Durrenmatt la consideraba una de sus mejores obras, sin embargo en el 59 no fue nada bien recibida, en Zurich fue un escándalo… “Evidentemente, Suiza, la banca y la corrupción –a pesar del aliño del humor o justamente por eso mismo–, era un plato de difícil digestión". Una obra crítica no sólo con la banca, sino con su extensión indisociable a la política y hasta la familia… esos peligrosos vínculos.

Es, en definitiva, otra excusa para hablar de la condición humana, de la falta de escrúpulos y sus consecuencias. En este microcosmos económico oiremos en primera persona los principios de los banqueros. A saber: “No hemos devuelto nunca el dinero a nuestros clientes y nunca hemos hecho un negocio honrado.” Es llanamente otra moral, su moral ligada al poder corruptor del dinero. “Si hay que escoger entre un mundo de bondad y amor y otro de dinero y embrutecimiento, escogen el segundo. Dürrenmatt es un visionario, parece que esté escrita para el ahora y aquí. A medida que la ves te vienen a la cabeza muchas cosas de la actualidad del país”, comenta Mestres. De hecho, la obra comienza con el entierro de un falso muerto que quiere evitar la justicia. Es actualidad total tratada como tragedia bufa y comedia oscura a partes iguales.

Para desarrollar la trama han usado una escenografía desnuda, sin “falsos artificios para disfrutar de la palabra y el sonido”. Once actores y cuatro músicos en escena, músicos que también tienen su papel y actores que hacen coros. A Obesses y la pareja protagonista se suman los actores Laura Aubert, Enric Arquimbau, David Bagés, Miquel Malirach, Xicu Masó, David Moreno, Ferran Rañé, Albert Ribalta, Arnau Tordera y David Verdaguer.

En cuanto a la pata musical, se trata una opereta rock con una banda en escena tocando en directo. El grupo catalán Obeses que son una mezcla entre algún Queen, Jesucristo Superstar y aquella La Trinca, realizan un “rock” elaborado y socarrón muy musicalero, lleno de tópicos que saben manejar bien con ironía. Ahora han querido darle una vuelta de tuerca al libreto original Paul Brukhard y convertir esa opereta en opereta rock. “Un rock sinfónico con matices oscuros para darle profundidad y una densidad musical potente a la obra", como nos cuenta Arnau Tordera, el líder de la banda. Otra forma de entender la obra según el cantante, es que podría entenderse al revés: “un concierto al que se le suma una obra de teatro”. Resultado, musical post brechtiano con tintes de farsa cabaretera.

No es poco frecuente en estos últimos años subirse a un escenario de teatro como aquel que va a tocar un concierto: una escenografía, la que sea, e instrumentos a la vista, desnudos, que forman parte de ella. Y que cuando són interpretados sirven más para destacar estados de ánimo o acentuar situaciones como lo vimos en Llibert o Las amistades peligrosas. En Frank V, están ahí los músicos, incluso interpretan papeles, y la música es la de un musical, sirve en sí misma para seguir desarrollando la trama, el texto sin las canciones estaría interrumpido. Las 22 canciones continúan la acción, ayudan a que el texto sea más sintético.

Decíamos que la obra no ha perdido vigencia, y eso es palpable en su temática, pero los efectos sobre el público sí han cambiado, como ha cambiado nuestra sociedad… Si en 1959 su estreno levantó auténtico revuelo y un año más tarde fue suspendida su representación, hoy podemos poner las manos en el fuego que muchos “poderosos” asistirán a la platea a reírse de sí mismos o de otros con total cinismo, descaro o ingenuidad. Disfrutarán tanto como el resto de público que los sufre. Con esta sátira del sistema bancario, divertida y ácida con protas sin escrúpulos, retrato del poder, la ambición, la desmesura y la amoralidad de la altas esferas se nos invita a carcajearnos mientras pensamos en un colapso final del sistema… Quizá por eso Eduard Farelo en la rueda de prensa soltó que alguien alguna vez dijo aquello de que “el mundo es una gasolinera donde está permitido fumar”.

¿Por qué nos ponen bombas?

El texto de Ravenhill que lleva Mestres al Lliure se pregunta por el precio de exportar la democracia y la libertad en una obra irregular con tantos aciertos como excesos

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2 de febrer de 2013

Albert Lladó

foto : teatre lliure

Josep Maria Mestres escenifica los estragos de la guerra en siete obras breves en el Lliure

¿Por qué nos ponen bombas? Así comienza una de las siete piezas breves de Mark Ravenhill que Josep Maria Mestres, con traducción de Joan Sellent, trae al Teatre Lliure de Montjuïc bajo el título Dispara/Agafa tresor/Repetix. Es, en realidad, una selección muy personal (con nombre de videojuego bélico) de las diecisiete obras (20 minutos cada una) que conmocionaron a los espectadores del festival de Edimburgo de 2009. Las palabras democracia y libertad, sus usos y sus abusos, se repetirán hasta la saciedad en una propuesta desigual, irregular, con mucho (¿demasiado?) efectismo, e interpretaciones con tonos conmovedores y tonos que impiden la verosimilitud.

Hay una tesis que, bajo capas e historias diferentes, vuelve una y otra vez al escenario: el etnocentrismo ha provocado que los occidentales crean que su modelo de vida es el único posible y, de este modo, cualquier invasión, cualquier despotismo, queda justificado para traer “la buena vida” a un oriente que sufre todo tipo de tiranías. La narrativa clásica aparece para nombrar cada fragmento, y así comenzamos con unas troyanas que, pese a su (falsa) solidaridad, son incapaces de entender por qué su sociedad es agredida por terroristas. El dogmatismo, qué es la luz y qué la oscuridad, está bien reflejado en una suerte de marujas norteamericanas adictas al consumismo y las apariencias. Es aquí donde Carmen Machi interpreta en catalán, pero más allá de la anécdota, que parece una respuesta a la absurda polémica creada por Toni Albà, la actriz borda su papel (lo mejor de la obra, sin duda) más adelante, cuando es una madre, desquiciada y medio enloquecida, que se niega a escuchar lo que dos militares han venido a comunicarle.

La obra, con un intermedio, dura casi tres horas. La primera parte (cuatro de la sietes piezas) es francamente interesante, con una escena bien ambientada como Terror y miseria (bravo para Àlex Casanovas y Mónica López). Una pareja, xenófoba y paranoica, cena protegida bajo rejas y alarmas de todo tipo. Obsesionados por la seguridad de su hijo, lo vigilan y sobreprotegen para que no vea las consecuencias de un mundo hostil y en guerra permanente. El crepúsculo de los dioses se ocupará de las contradicciones que afectan a los cooperantes internacionales, que aterrizan en un país devastado por el hambre, y que parecen querer arreglarlo a golpe de informes y procedimientos burocráticos.

El tempo de los textos funciona en el primer round (aunque la interpretación de Boré Buika es justísima), y recuerda a la estupenda recuperación del Grand Guignol de Esteve Soler en su Contra la democracia. Pero, después del descanso, la cosa va para abajo en intensidad. Roger Casamajor está más que a la altura (fantástico actor) en El paraíso perdido, pero el soldado estadounidense al que da vida Gonzalo Cunill en Crimen y castigo nos aleja de la credibilidad (aunque Sílvia Bel ofrece un gran papel, esta vez como viuda iraquí, maltratada por las fuerzas ocupantes). El colofón, una Guerra y paz en forma de sueño infantil, tampoco acaba de convencer al público.

El exceso de recursos audiovisuales, que son utilizados como bisagra entre escena y escena, nos presenta como literales imágenes que el espectador ya tiene presentes en su mente (hay vídeos de las Torres Gemelas, de los atentados en Madrid, del derribo del monumento a Saddam Hussein, …) y que, de alguna manera, le resta teatralidad a la propuesta.

La crítica a la doble moral, el maniqueísmo de lo que entendemos como “civilización”, el siempre discutible límite entre la verdad y la mentira, los muros existentes, y la tolerancia como producto de mercadotecnia, asoma la cabeza a ratos en este Dispara/Agafa tresor/Repetix. Un teatro comprometido, cómo negarlo, es más necesario que nunca. Pero con la pirotecnia, precisamente, nos distanciamos de él. Es urgente, punza realmente, cuando el director pone el microscopio en el personaje herido, en sus razones más íntimas. Ahí está lo explosivo.