30 de juny 2006

Els espais de la cultura catalana canvien de cara


www.elperiodico.com
27 de juny de 2006

La Generalitat i els municipis inverteixen 100 milions en la millora d'equipaments

M. EUGENIA IBÁÑEZ

BARCELONAPràcticament la quarta part dels municipis de Catalunya milloraran parcialment els auditoris, sales i espais d'art els pròxims dos anys. El Pla d'Equipaments Culturals (PEC) presentat ahir implica la inversió --entre Generalitat i ajuntaments-- de 100 milions d'euros per a la construcció o renovació de 232 edificis de 222 municipis. El 90% de les obres previstes s'acabaran al llarg de l'any que ve. El conseller de Cultura, Ferran Mascarell, va declarar ahir que l'esmentat pla és un pas important per aconseguir que cada poble de Catalunya disposi d'un equipament cultural digne, una programació adequada i "un públic que respongui a aquesta oferta".El pla per renovar els equipaments culturals es va començar a gestar fa un any i mig i el seu contingut va quedar tancat al voltant del mes d'abril, data en què la consellera Caterina Mieras va ser cessada. Un pas previ laboriós va ser l'acord amb la Conselleria d'Economia per cobrir la inversió inicial de 31 milions d'euros prevista per la Generalitat --que han acabat sent pràcticament 50 milions--, ja que el cost del PEC queda al marge del pressupost ordinari del departament de Cultura. Els 50 milions restants, fins als 100 totals, van a càrrec dels ajuntaments respectius.
IMPORTS DIVERSOS
La llista de 232 equipaments facilitada ahir preveu inversions d'imports diversos que oscil.len entre els escassos 4.000 euros per a material audiovisual i insonorització de les sales polivalents de Llorenç de Penedès (Tarragona) i Castellfollit de Riubregós (Barcelona), fins al milió d'euros per a la segona i tercera fases del Teatre Cooperativa de Barberà del Vallès (Barcelona), els 922.000 euros per a la construcció del teatre municipal de Sant Andreu de la Barca (Barcelona), els 820.000 per rehabilitar el Teatre Principal de Sabadell, l'adequació de La Farinera de Tàrrega i reformes diverses al Teatre Principal de Terrassa.La "inversió més important en equipaments culturals que s'ha fet en la història de Catalunya", segons va declarar Mascarell, tindrà continuïtat les pròximes setmanes amb la tramitació d'ajudes per a la construcció i renovació d'arxius municipals, biblioteques públiques i locals associatius. "Si hi ha continuïtat en dos mandats més, fins al 2014, farem realitat l'ideal noucentista de disposar d'un equipament cultural a cada poble de Catalunya", va afegir Mascarell.El PEC recull el 85% de les peticions que han estat formulades pels ajuntaments, aquelles que s'han ajustat als criteris de concessió de les ajudes de la Generalitat, que ho són a fons perdut, i que han oscil.lat entre un mínim del 25% i un mà- xim del 50% del total del pressupost de les obres.

Carles de Nadal guardonat per la Federació Catalana de Bàsquet


22 de juny de 2006


Des de l’any 1970 ha desenvolupat tasques d’entrenador a diversos clubs de la nostra ciuta
Redaccio
Esports
El proper dia 1 de juliol Carles de Nadal, el tècnic barceloní afincat a Mataró des de l’any 1970, rebrà la medalla de plata de la Federació Catalana de Bàsquet per la seva llarga trajectòria com a entrenador en aquest esport.Carles de Nadal va arribar a la nostra ciutat l’any 1970 per dirigir l’equip juvenil del Club Esportiu Mataró i ho va fer ja amb un currículum prou qualificat, ja que havia portat l’equip infantil de La Salle Barcelona al títol de campió d’Espanya. Va dirigir el CE Mataró a la màxima estatalPosteriorment va dirigir el primer equip del CE Mataró a la màxima categoria estatal, quan l’equip tenia el patrocini d’Ignis, aconseguint la permanència després d’una difícil promoció contra el Castilla de Valladolid, en la temporada en que l’equip groc-i-negre va fitxar per primera vegada un jugador estranger: Earl Beechum. La temporada següent va tornar a la base i després va passar també per l’Associació Esportiva i pel Maristes Valldemia, quan aquest centre escolar, on ell ha estat de professor d’educació física, va federar equips. També ha estat seleccionador català de base i és evident que el reconeixement que rebrà és absolutament merescut. Enhorabona.

Fernández: «En Avilés se ve el mejor teatro que se está haciendo en España»

25 de juny de 2006
asturias

Juan José Fernández, concejal de Cultura, y Francisco Lobo, de Cajastur.
Servicios
Juan José Fernández, concejal de Cultura del ayuntamiento de Avilés, aseguró durante la presentación del ciclo estival del Palacio Valdés -el más importante del año- que «en la ciudad se ve el mejor teatro que se está haciendo en España».
En Avilés durante este próximo mes de agosto se verán los últimos espectáculos de Concha Velasco, Josep María Pou y Lolita, tal como había adelantado esta semana este periódico. Junto a estas obras el Palacio Valdés ha programado dos estrenos nacionales y la representación de uno de los éxitos del teatro más internacional. «Un ciclo como éste no es, para nada, habitual de una población como la nuestra, de ochenta y cinco mil habitantes», comentó el responsable cultural avilesino. «Sin la respuesta del público de la ciudad no podríamos apostar por todo esto. La rentabilidad del teatro público es siempre social», concluyó. l «Ana en el trópico», de Nilo Cruz.
Una comedia que supone el debut de Lolita en los escenarios. Despide su gira en Avilés. Será el 28 de julio. l «Tres versiones de la vida», de Jasmina Reza, la misma autora de «Arte». Es el primer estreno de la temporada. Con Sylvia Marsó, José Luis Gil y Carmen Balagué; días 4 y 5 de agosto. l «El señor Ibrahim y las flores del Corán», de Eric Emmanuel Schmitt. Dirigido por Ernesto Caballero. Día 11 de agosto. l«Filomena Marturano», tragicomedia de Eduardo de Filippo. Con Concha Velasco y Héctor Colomé; 14 de agosto. l «La cabra o ¿quién es Sylvia?», comedia de Edward Albee. Dirigida y protagonizada por José María Pou. l «Dónde pongo la cabeza», de Yolanda García Serrano. Comedia negra con María Pujalte y Jorge Bosch al frente del reparto. Es el segundo estreno en España programado en Avilés. Dirige el espectáculo la hispano-británica Tamzim Townsend, la de «Gorda!!!» o «El método Grönholm».

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS" LLEGA AL TEATRO

www.ansa.it
24 de juny de 2006
italia
LONDRES,
Un musical basado en los libros de "El señor de los anillos" abrirá la próxima temporada teatral en Londres. La producción de esta obra supera los 25 millones de liras y se convierte en la obra más cara de la historia del teatro en la capital británica. El show se realizará en el Royal Theatre Drury Lane y pronto comenzarán las selecciones para elegir 50 actores y otras 90 personas entre músicos y técnicos.

Un teatro que vuelve


www.pagina12.com.ar
24 de juny de 2006
argentina

Nació como teatro de la comunidad italiana, pasó por cine y terminó de bailanta, pintado de marrón y doradito. La Ciudad lo compró para revitalizarlo como lugar cultural y está restaurándolo y agregándole la tecnología que necesita.

Imagen: Gustavo Mujica

Por Sergio Kiernan
Hay algo bueno, sanito casi, en salvar un teatro. Será la buena asociación con buenos momentos. Será que es un edificio público que no se enrieda en trámites o te cobra una multa. O será que son una forma de arquitectura pública que siempre intentó ser elegante y estar en contacto con la cultura en general. La cuestión es que perder un teatro es una cuita muy aguda, así como recuperar uno es una alegría peculiar. Todo esto pasó con el bonito 25 de Mayo, en Triunvirato 4444, que llevaba años maltratado y cerrado, con feos pronósticos de bingo. Unos vecinos organizados y un gobierno que prestó atención lo están sacando de la ruina.
El 25 de Mayo fue inaugurado en la década del veinte para orgullo de la abundante comunidad italiana de Villa Urquiza, que reunió comprando acciones nada menos que 300.000 pesos de la época. Los empresarios fueron Sivori y Delponti, pero con el tiempo el principal accionista acabó siendo José Gruñeiro, dueño de una próspera panadería vecina. Máximo Gasparutti fue el constructor –y según parece el diseñador, aunque esto no es en absoluto seguro– y Felipe Galante fue el decorador en jefe.
Los socios pensaron en hacer un teatro digno del centro de la ciudad, pero en su barrio. El 25 de Mayo tenía 1500 butacas en platea y dos balcones, todo organizado con amplísimo espacio, ya que el teatro se alza sobre un terreno que cruza entera la manzana. De hecho, palieres y salones delanteros ocupan tanto lugar como la sala en sí, y en otros tiempos el escenario tenía un fondo a cielo abierto que daba a una tranquila calle trasera. Como el teatro tenía su lado comunitario, se entiende una rara característica estructural que tiene. Además de ser un teatro –como se explicó, en la mitad trasera del largo terreno– tenía un enorme salón en el primer piso completamente aislado de la sala en sí y con acceso propio. El que suba allí se encontrará con una mágica cúpula sostenida por columnas, que funcionó muchos años como milonga, sala de actividades,salón de baile y vaya a saberse qué más. El lugar tenía como vecinas unas amplias cocinas, con lo que se asume que también servía para banquetes comunitarios.
Para 1982, las actividades comunitarias habían cesado, el teatro funcionaba más como cine y se hundía como empresa. Gruñeiro lo vendió ese año a un empresario inmobiliario, que comenzó a alquilarlo. Su destino, de cajón, fue una bailanta, que arrasó con todos los sistemas de decoración internos con el simple expediente de pintar toda superficie de marrón elefante, el más oscuro disponible, y todas las marqueterías de dorado de lata. Sí, ese que viene en lata, brilloso y listo para usar.
El destino del teatro se pintaba negro –o marrón, si se permite el chiste– y el 25 de Mayo comenzó a aparecer en distintas propuestas legislativas. Finalmente, entró en la política del Ministerio de Cultura porteño de revitalizar ámbitos culturales de la ciudad y ahora la Dirección General de Infraestructura porteña está llevando a cabo una restauración y puesta en valor con toda la tecnología necesaria y con reutilización para fines comunitarios de varios ámbitos, a cargo de Alvaro Arrese.
Con los antecedentes de bailanta y clausura, llegar al 25 de Mayo significa aparecer por la frenética avenida Triunvirato con el corazón pesado. Después de todo, este es un país que se quedó sin plata y sin ganas justo cuando le tocaba reparar y mantener sus joyas. Y ni hablar de los tontos de siempre que se dedicaron y se dedican a “modernizar” sus edificios eligiendo sin error lo más barato y peor, como bajarles los techos. En este contexto anímico, llegar a este teatro resulta una alegría.
Para empezar, porque nadie tocó su estupenda fachada, protagonizada por dos pares de estupendas columnas monumentales, cerradas por una fuerte cornisa remontada, a su vez, por un pedimento que aloja un grupo escultórico muy teatral, con musas leyendo y putti tocando la trompetita. Dentro del gran cuadro que crean las columnas pareadas está la entrada del teatro y arriba un gran balcón curvo con una bonita baranda francesa, al que se accede por un triple ventanal paladiano. Estos ventanales, de los cuales el central es en realidad fijo y aloja un impresionante vitral de José Soler, dan al viejo salón de milonga. A ambos lados de este gran cuadro hay entradas secundarias y, en el piano nóbile del primer piso, pedimentos menores sobre ventanas. Toda la fachada es en símil piedra, muy bien hecha y muy francesa.
En su planta baja, el acceso es en un hall demencialmente amplio, una verdadera sala de exhibición llave en mano. Lo primero, o casi, que hizo la Ciudad al tomar la obra fue demoler y sacar una enorme barra de tragos, hecha de hormigón, instalada por la bailanta. Así como la fachada es francesa, el interior es italiano, aunque nada en este teatro es muy riguroso. Aquí y allá se ven pequeñas herrerías muy art déco, que deschavan la hora tardía en que se diseñó y construyó el edificio.
Al entrar a la sala hay que aguzar la imaginación para entender lo que se ve, ya que el lugar es un verdadero cantero de obra. Uno de los problemas graves es que la bailanta removió todos los asientos y niveló el piso de la sala, para poder bailar. Este nuevo movimiento de tierras para volver a darle la pendiente necesaria a un teatro es complejo, estructuralmente. Pero una cosa que se nota es la muy buena visibilidad del teatro, que ofrece vistas fáciles del espacio escénico, sin columnas que molesten y sin ángulos raros. Parece que su acústica no es tan perfecta, como lo demuestran estudios complejos realizados antes de comenzar la obra. Es muy probable que la cúpula de la sala reciba al final de todo algún tipo de panelería o tratamiento acústico, para evitar ecos.
Como se dijo, todo en el interior es marrón. Por suerte, la adherencia de ese tipo de pintura es muy pobre, con lo que grandes superficies se están cayendo solas, lo que permite ver que el interior original era también símil piedra y que en alguna época lo pintaron crema con detalles celestes en lugar de lavarlo. Todo este colorinche, claro, va a desaparecer.
Del escenario queda solamente la muy ingeniosa estructura de hierros que lo sostenía, al parecer inmune a todo. El piso de escena consistía en una serie de paneles removibles de maderas, con lo que se podían hacer entradas dramáticas por todas partes. Los largueros de la estructura de metal alojaban los cableados, que venían peladitos y sostenidos con bornes de loza, con lo que se podían “enchufar” artefactos literalmente en cualquier parte. El espacio escénico va a crecer ahora, con una total demolición de los camarines y salitas de trabajo laterales, para darle “hombros” al escenario. El foso de la orquesta tendrá un ascensor, de modo de elevarlo para ampliar el escenario. Por supuesto, también habrá un telón para cine.
Entre los muchos tesoritos que aloja el teatro hay varios vitrales. Uno es el enorme y vertical de José Soler, los otros son horizontales y cubren los óculos de las cúpulas y un vano en el hall de distribución del primer piso. Los horizontales están en un estado de emergencia, pero restaurables. Y, claro, está la milonga, que recuerda a un serrallo o a una basílica bizantina, con su círculo de columnas sosteniendo una cúpula dentro de lo que es un espacio básicamente cuadrado, con amplia circulación perimetral. Este será un espacio de uso múltiple y seguramente un favorito de todos los que lo vean. Arriba, donde antes había cocinas, un patio y vivienda para un portero, todo en ruinas, se alzarán aulas para actividades barriales y culturales.
Curiosamente, el edificio es de hormigón. Por su estilo, uno esperaría un mecano de herrerías y ladrillos, pero excepto por algún muro portante, el 25 de Mayo es un dechado de modernidad para sus ochenta años. Esto facilita en algunos aspectos el trabajo de modernizarlo y restaurarlo, por ejemplo, en que por encima de los cielorrasos visibles hay enormes espacios libres hasta la loza verdadera, lo que permitirá instalar equipos de aire acondicionado sin problemas. Pero este hormigón es de una época en que no se regulaba técnicamente cómo hacerlo, por lo que se lo está revisando con lupa.
El Ministerio de Cultura porteño está haciendo un buen trabajo con este teatro, que una vez terminado va a tener su aspecto original, una nueva vida social y todos los fierros necesarios para ser una sala viva
El equipo de trabajo
El teatro 25 de Mayo está siendo restaurado por empresas bajo contrato de la Dirección General de Intraestructura porteña. El director del proyecto es Alvaro Arrese, el coordinador es Rodolfo Gassó, el equipo lo forman Juan Ignacio Meoz y Sergio Richonnier. El inspector de obra es Sergio Richonnier. Los proyectistas son Darío Gabriel López, Laura Karin Leyt, Marcelo Alejandro López y Mariana Yablon. La acústica está a cargo de Rafael Sánchez Quintana y Gustavo Basso. El asesor de estructuras es Eduardo Solari y la restauración la dirige Alicia Fernández Boan. La escenotecnia de la sala será creada por Héctor Calmet, el aire acondicionado queda a cargo de Julio Blasco Diez, la iluminación será de Juan Carlos Masip, la instalación eléctrica es de Pablo Sancho y los cómputos, pliegos y presupuesto los supervisa José Víctor Dángelo.
Fachada de estreno
Ya bajaron los andamios en la esquina de Avenida de Mayo y Salta, donde se trabaja en la nueva sede de la Fundación Pablo Cassará. Es una etapa en el renacimiento de un edificio de 1902, muy peculiar y ornado en un estilo que se desliza de a ratos al Art Nouveau, como tentado. El edificio nació como vivienda, pasó a oficinas de diverso tipo y acabó decayendo en un laberinto de consultorios, hotel berreta, depósitos, para quedar varios años cerrado a cadena y candado, sin el menor mantenimiento. En las manos respetuosas de Ana María Carrió, que sabe tratar este tipo de edificios con respeto, la fachada muestra su piel de símil piedra totalmente en valor. Sus muchos motivos ornamentales están a nuevo, reproducidos en un taller de moldería montado en la misma obra. Es un placer volver a ver las curiosas flores de lis de material que adornan los balcones, que inexplicablemente fueron picadas y tapiadas hace añares. El trabajocontinúa en el noble interior, que fue maltratado y abandonado pero no remodelado, el verdadero peligro para el patrimonio. Adentro es un festival de texturas y materiales, coronado por una suite Art Noveau francamente única, con hogar en mayólica y todo. Estos interiores no serán prácticamente alterados, excepto en sus instalaciones, y Carrió planea hasta preservar paños de las pinturas murales originales, en un estilo italiano, encontradas detrás de donde hubo eternamente armarios. Una valiosa propiedad patrimonial recuperada para la ciudad.

La muestra de teatro clásico de Los Pedroches ofrecerá seis espectáculos al aire libre

24 de juny de 2006

EFE
CÓRDOBA.
La VI Muestra de Teatro Clásico organizada por la Mancomunidad de Municipios de los Pedroches, propone para este verano seis montajes que serán representados en espacios urbanos al aire libre de las localidades El Viso, Dos Torres y Fuente la Lancha. El presidente de la Mancomunidad de los Pedroches y alcalde de Alcaracejos, Luciano Cabrera, señaló en la presentación del certamen que el presupuesto de la muestra asciende a 70.000 euros y anunció como novedad que «este año incluimos representaciones de teatro infantil que se desarrollarán en Conquista, Villanueva de Córdoba, Villaralto, Pozoblanco, Pedroche y Añora». Igualmente, explicó que «la actividad tiene carácter itinerante y, tras recorrer todos los municipios en las ediciones anteriores, salvo Fuente la Lancha, comienza ahora un nuevo ciclo por el que llegará de nuevo a todos los municipios de la comarca».
Por su parte, el diputado provincial de Cultura, Serafín Pedraza, destacó que «la Diputación de Córdoba ha incrementado su apoyo a este acontecimiento cultural, ya que tenemos la obligación de realizar un reequilibrio territorial de las inversiones y posicionar Los Pedroches al nivel de otras comarcas desde el punto de vista cultural».
García Lorca
La plaza de la Constitución de El Viso acogerá la primera de las representaciones el sábado 8 de julio, con «Amor de don Perlimplin con Belisa en su jardín», de Federico García Lorca, a cargo del grupo Histrión Teatro, de Granada.
En el mismo escenario pero al día siguiente se representará «Los astrólogos errantes», de Felipe Benítez Reyes, por parte de Madriguera Teatro, de Cádiz. El sábado 22 de julio, llega a la plaza de la Villa de Dos Torres «Ave sosia», original de Alejandro García y con Santi Rodríguez y el grupo teatral sevillano Los Ulen, que el domingo 23 de julio ofrecerá la obra «El perro del hortelano», de Lope de Vega, por parte del grupo granadino Mirada Sur.
Finalmente, el viernes 18 de agosto, en el recinto ferial de Fuente la Lancha, Algarabía Teatro de Puertollano pondrá en escena «El misántropo», de Moliére, mientras que el domingo 20 de agosto, la obra de Calderón de la Barca, «El gran teatro del mundo», llegará de la mano de Trápala Teatro, de Córdoba.
El presidente de la mancomunidad indicó que las representaciones, que se iniciarán a las diez de la noche, tienen un precio de cinco euros.
Paralelamente, la Mancomunidad de Municipios de los Pedroches también apoya las obras de teatro popular «La Vaquera de la Finojosa», que será representada del 3 al 6 de agosto por los vecinos de Hinojosa del Duque y «El halcón y la columna», que pondrán en escena los ciudadanos de Belalcázar del 10 al 13 de agosto.

"En España se ve el teatro como monumento antes que como proceso"


24 de juny de 2006
Grandes nombres y obras protagonizan la temporada de teatro estival español que acaba de empezar. Declan Donnellan, uno de los más prestigiosos directores europeos, vuelve con su compañía Cheek By Jowl para representar The Changeling en los festivales de Almagro, Grec y Los Veranos de la Villa. El director británico explica su relación con el Siglo de Oro y su concepción de este arte. Declan Donnellan

MARCOS ORDÓÑEZ
BABELIA
El director inglés Declan Donnellan. (CONSUELO BAUTISTA)

Declan Donnellan, uno de los grandes directores del teatro europeo, vuelve a nuestro país para presentar The Changeling, la tragedia de Middleton y Rowley, una de las cumbres del teatro jacobino, que Donnellan y su compañía, Cheek By Jowl, no frecuentaban desde su triunfal Duquesa de Malfi en 1995. Desde 1985, cuando Cheek By Jowl visitó Barcelona por primera vez con Midsummer Night's Dream, casi una docena de producciones con su firma (y la de Nick Ormerod, escenógrafo y codirector del grupo) se han paseado por nuestro país. The Changeling, protagonizada por Olivia (El sexto sentido) Williams en el rol de Beatrice Joanna y Will Keen como De Flores, comenzó el pasado marzo su gira francesa para recalar en el Barbican londinense de mayo a junio.
El Festival de Almagro, que el año pasado aplaudió su Otelo, acogerá la producción del 28 de junio al 1 de julio, y se verá luego en el Grec, del 12 al 15, en el Mercat de les Flors. The Changeling, que transcurre en Alicante, es para Donnellan una obra muy cercana al teatro de nuestro Siglo de Oro, no en vano sus autores veían España, dice, como "un caldero bullente de lujuria, celos, violencia y honras ensangrentadas".
PREGUNTA. ¿Cuándo nace su pasión por los clásicos españoles?
RESPUESTA. Calderón fue mi puerta de entrada. Comencé a leer y leer y fue como entrar en un nuevo mundo. Piezas fantásticas, llenas de energía, de riesgo, siempre con personajes extremos, sumergidos en grandes conflictos, bigger than life. Un mundo de una altísima temperatura emocional. En 1989 monté mi primer Calderón, The Doctor of Honour (El médico de su honra). Luego descubrí a Tirso, y a Lope, y Fuenteovejuna se convirtió en una especie de obsesión para mí. La estrenamos en el Cottesloe, la sala pequeña del National, y poder llevarla a la Expo de Sevilla fue como un sueño realizado. El sueño por cumplir es la posibilidad de trabajar aquí con jóvenes actores españoles y girar por todo el país. Con El perro del hortelano, por ejemplo, una de las obras de Lope que prefiero. Sería un trabajo de formación y de búsqueda, con tiempo por delante. No tiene sentido para mí llegar a un país nuevo y montar un clásico en ocho semanas. Habría que comenzar con un taller para seleccionar a los actores que quisieran embarcarse en esa aventura. No puedes elegir actores por separado: todos mis proyectos son de grupo, de equipo. Así nació Cheek By Jowl, ése era y es su espíritu...
P. Tengo entendido que en 1999, Andrés Amorós, entonces director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, le propuso dirigir un Tenorio
y montar un taller/escuela con actores españoles. ¿Que sucedió con aquel proyecto?

R. Estaba y sigo estando muy interesado. Amorós y Eduardo Galán, entonces subdirector del INAEM, vinieron a Londres para proponérmelo, pero, según supe luego, cambió la dirección del Clásico y el proyecto se desvaneció. Nunca he entendido mucho la política del teatro español: los cargos se suceden con enorme rapidez. Tuve la sensación de que no había estrategias a largo plazo. En España siempre me han tratado, institucionalmente hablando, con una enorme amabilidad, pero diría que hay una cierta tendencia a ver el teatro como monumento antes que como proceso.
P. Usted ha montado a Corneille (Le Cid) en Francia, a Pushkin (Borís Godunov)
y Chéjov (Las tres hermanas) en Rusia...
R. Quiero montar los clásicos de cada país, pero siempre me piden Shakespeare. Desde el año 2000, la mitad de mi trabajo la he desarrollado con mi compañía rusa. He trabajado cinco años allí, y sólo después de ese tiempo pude atreverme con Chéjov, porque necesitaba el grupo, el equipo. Así hemos podido hacer Las tres hermanas, que, por cierto, estrenamos el pasado verano en el teatro Pushkin de Moscú.
P. Yo creo que su trabajo tiene mucho que ver con el de Peter Brook, por ese sentido de grupo, de familia de actores, y por su concepción del espacio, su claridad expositiva, su concepto del espectáculo como un fluir continuo...
R. Es curiosa esa vinculación, porque Peter es medio ruso...
Peter me ha enseñado muchas cosas del teatro y de la vida, desde atarme los cordones de los zapatos hasta plantearme la utilización del espacio. Si el espacio es propicio, si está bien definido, he de establecer muy pocas pautas como director. Pero lo más importante fue la noción del teatro como un viaje, una búsqueda espiritual. Estamos aquí para contar historias y, a través de ellas, conocernos, descubrirnos. Peter nunca es rebuscado ni pomposo. Me enseñó a huir de lo superficial, a buscar siempre hacia lo hondo pero sin perder la levedad. Es un alquimista, que combina admirablemente lo sacro y lo profano. Graduar ambas cosas es algo esencial a la hora de plantearse un espectáculo. Y entender que el teatro es un arte permanentemente inacabado.
P. Usted, como él, es de los pocos directores que sigue trabajando en un espectáculo después de su estreno...
R. ¡También eso es una tradición rusa! Absolutamente opuesta, por cierto, a la escuela alemana, donde el director estrena y jamás vuelve por el teatro. Mi trabajo como director consiste en mantener el juego conjunto de los actores. Es un equilibrio complicado, siempre frágil, siempre cambiante. Procuro "seguir" la obra cada una o dos semanas, y no es fácil, porque por lo general ya estás en otro proyecto. No se trata del miedo a que olviden tus indicaciones sino de mantener la vitalidad del montaje. La interpretación es, esencialmente, un intercambio de reacciones. Y sucede que en una gira los actores se cansan y buscan una especie de energía generalizada. A veces parece que estén gritando el texto y no se dan cuenta. Yo inventé una palabra en inglés, emote, que no es sobreactuar pero se le parece: lanzar falsas emociones. Cuando eso sucede, los actores intuyen que algo malo está pasando, y empujan todavía más la energía en la dirección equivocada.
P. En su libro El actor y la diana (Fundamentos), un soberbio manual para actores, dice: "Una película mala nunca resulta tan larga y tan insoportable como un mal espectáculo".
R. Todos hemos sufrido eso, ¿no? El tiempo se convierte en un pantano si la emoción es falsa. No hay términos medios en el teatro. En el mundo actual, donde hay tal sobredosis de imágenes, es una obligación para todo creador separar lo auténtico de lo impostado. Para eso hay que mirar de nuevo como un niño, en el sentido de que sólo un niño puede decirte sin pudor "no te creo". Cuando vamos al teatro queremos ver grandes personajes y grandes emociones, pero mueren en el mismo instante en que el actor intenta "hacerlo ver". Muchos actores entran en pánico porque tratan de "mostrar" una emoción. Es terrible, porque tienes la sensación de que te quieren persuadir de algo que, en realidad, no está pasando.
P. Una última pregunta: ¿por qué grandes directores británicos como usted, o Simon McBurney, o Deborah Warner, se ven obligados a buscar coproducciones en el extranjero para poder llevar adelante sus proyectos?
R. Peter Brook fue el primero en instalarse en Francia, porque no podía crecer en ese sistema, que, por otro lado, es uno de los mejores del mundo. Mis compañeros de generación -Michael Boyd en la RSC, Nick Hytner en el NT- están haciendo un espléndido trabajo, pero corren el riesgo de convertirse en pequeños ministros de cultura. Son opciones personales. A mí lo que me interesa es trabajar con actores, no dirigir un teatro. Yo necesito un largo periodo de ensayos, y en Inglaterra ese tiempo es muy breve, por no hablar del número de representaciones. Tenemos apoyos muy considerables del Arts Council y de diversos patrocinadores, pero el tiempo en teatro es lo más caro del mundo. Yo me he impuesto la disciplina de reducir producciones: sólo quiero hacer dos al año. Como Cheek By Jowl, vamos a tener una residencia en el Barbican por tres temporadas. El pasado enero montamos una adaptación de Great Expectations de Dickens para la RSC, en Stratford. Siguió, por esas mismas fechas, Borís Godunov en el Théâtre National de Bruselas. En cuanto a la programación del Barbican, junto a The Changeling acabamos de presentar Twelfht Night. Con vistas a 2007, montaremos allí Cymbeline, un shakespeare que suele hacerse raramente, y giraremos por Europa la versión inglesa de Las tres hermanas. ¿Más proyectos? Un espectáculo sobre Gilgamesh, que me gustaría llevar a Almagro y luego al Grec de Barcelona, que son, hoy por hoy, nuestras "residencias" españolas.

29 de juny 2006

L'infantil femení de la UE queda tercer d'Espanya


28 de juny de 2006

El Mini A també ha quedat entre els millors equips a nivell estatal
Redaccio
Esports
L’equip femení de la UEM va aconseguir el passat diumenge dia 25 de juny un èxit molt important en assolir la tercera plaça al campionat d’Espanya infantil disputat a la localitat aragonesa d’Alagón.
Els dos equips participants es van repartir en quatre grups de tres equips i aquesta primera fase l’equip unionista la va iniciar amb un pas molt important en derrotar el Ros Casares de València per 65-64. Després va superar fàcilment l’Aros de León per 83-47 per assolir la primera plaça del grup.
Als quarts de final la UEM es va enfrontar el JET Terrassa, que l’havia privat fa unes setmanes del títol català, però en aquesta ocasió les mataronines es van imposar clarament per 76-52, plantant-se a semifinals. La porta a la final els la va tancar l’equip madrileny del Canoe que va guanyar per 86-73.
Després, el diumenge, la UEM va derrotar per un ajustat 71-69 l’Uni Caja Canarias per aconseguir la medalla de bronze en el campionat d’Espanya.

La classificació final ha quedat així:
1.- Cajacanarias;
2.- Canoe Madrid;
3.- UNIÓ ESPORTIVA MATARÓ;
4.- Uni Cajacanarias;
5.- Terrassa;
6.- Halcón Viajes;
7.- Ros Casares;
8.- Estudiantes;
9.- GEEG;
10.- Doctor Azúa;
11.- Akra Leuka;
12.- Aros León.
L’equip mataroní el van integrar les següents jugadores: Desirée Cejudo Llavador, Anna Antoja De Juan, Clara Solé Anglada, Mariona Ortíz Vives, Rosó Buch Rossell, Natàlia Parrón Iborra, Marta Solé Morgado, Aroa Illa Casarramona, Laia Martín Peña, Nuria Yela García, Aina Càrceles Juan i Marina Abad Armendares. L’entrenadora és Laura Lago i els ajudants Axel Illa Casarramona i Guillem García Llinés. El delegat és Joan Antoja Serra. Enhorabona per aquest gran èxit.El Mini A també està entre els millors d’EspanyaLa setmana passada comentàvem el gran èxit assolit pel Mini A en quedar sots-campió al Torneig Villa de La Roda a Albacete, que és com un campionat d’Espanya oficiós en una categoria que no disposa de campionat oficial.
Els components de l’equip autor d’aquesta gran gesta són: Albert Homs Aguilar, Albert Mola Calsapeu, Gerard Colomé De Gea, Xavier Altarriba Escandell, Albert Serratacó Sánchez, Julià Regader Villarroya, Pol Macià Ribot, Joan Melero Matas, David Zaragoza Maldonado, Marc Currius Comella, Martí Sancho Aymerich, Gerard Vila Chica. L’entrenador és en Jordi Ventura, i els delegats són Joan Mola i Mª Antonia Calsapeu.
Aquest equip, a part de l’èxit en aquest oficiós campionat d’Espanya, ha estat el millor equip Mini de Catalunya en la present temporada, on només ha perdut un sol partit en tota la temporada.

Al estilo de Broadway


24 de juny de 2006

“La bella y la bestia” se perfila como un show majestuoso
Por Samir Saba
Caribe

las bellas. Los vestuarios están listos para el montaje de “La bella y la bestia”, el próximo reto artístico del incansable Amaury Sánchez.(Ernesto Beltré)

Con una inversión que supera los 12 millones de pesos, “La bella y la bestia” promete convertirse en uno de los más importantes espectáculos artísticos presentados en el país. Amaury Sánchez, su productor general, confía desde ya en su éxito.

Y es que de la mano de “La bella y la bestia” Amaury ha pasado a ser el primer dominicano que obtiene las licencias y los permisos por parte de la empresa Music Theatre Internacional para la realización del popular musical.

“Esta es una producción que vale la pena que la gente la vea, pues allí tendrán la oportunidad de valorar aún más la calidad del talento dominicano. Lo que el público verá no se ha visto aquí como musical, porque al ser de Disney, está abierto para toda la familia. No hay restricciones de edad. Es mágico porque tiene un mensaje positivo. Está supervisado por los estándares que hay en la industria del teatro y el cine. Sólo en ropa se ha gastado 2 millones 700 mil pesos para que esto quede como tiene que quedar. Estamos haciendo cosas para irnos fuera del país”.

En el marco de una rueda de prensa celebrada en el bar del Teatro Nacional, los protagonistas de la obra, que se pondrá en escena del 14 al 23 de julio en la sala Eduardo Brito, no pudieron ocultar su satisfacción.

Stephanie Fatule, quien junto a Máximo Martínez asume el rol principal del musical, aseguró que éste es uno de los retos más grandes de su carrera y que se siente identificada con su papel de Bella.

Los personajes.

Máximo Martínez, por su lado, comentó: “Creo que por dentro soy una bestia. Si te fijas, me gustan los roles extraños como el de Poncio Pilato. Tengo una especie de vampiro gótico en mi interior. El papel de Bestia es fabuloso, porque refleja exactamente la dualidad del ser humano. La capacidad que tenemos de ser humanos en un momento y animales en otros, y precisamente eso me llamó mucho la atención. Sabía que viviría un proceso de asimilar el personaje con mis trabas y obstáculos, primero porque no vengo del teatro, pero estaba consciente de que iba a contar con un equipo de gente que me facilitaría el camino, con Laura García Godoy a la cabeza. Si no es por ella, muchos de nosotros aquí estaríamos muy perdidos. A Laura le corresponden los créditos y mejores deseos porque ha tenido una labor tesonera”.

Califica de arduo el proceso de preparación: “Comenzamos en enero a hacer los primeros talleres y estudios. Después entramos con los guiones. A lo largo de la obra tengo una comunión con varios personajes que en mi época de príncipe eran mis sirvientes, la gente con la que vivía todos los días, y por mi personalidad y arrogancia al convertirme en Bestia, también mis seres queridos sufrieron porque fueron convertidos en objetos. Esto ha demandado que prestemos atención desde el estudio psicológico de cada uno sentado en el piso sin hacer el mínimo sonido, elaborando el personaje, parándonos para comenzar a hacer las primeras gesticulaciones y proyecciones de voz”.

Joseguillermo, quien interpreta a Gastón, afirma que no se parece en nada a su personaje. “Si has visto los muñequitos sabrás que yo no me parezco en nada a Gastón. Ese tipo tiene más brazos que cintura. De hecho, he tenido que engordar alrededor de 15 libras. Pero además de eso Gastón es demasiado arrogante. La obra está muy bien. Tengo que confesar que estoy impresionado con el trabajo de todo el mundo. En este caso yo creo que el personaje en sí es un reto para mí, porque Gastón es una caricatura de una persona que es así. El vestuario está chulísimo. Lo probamos el fin de semana pasado y me encantó. Fui a ver la obra en Broadway y no tenemos nada que envidiarle. Inclusive diría que nosotros tenemos ventaja ante ellos”.

El “hombre orquesta”

“La obra va a ser un escándalo porque la vibración que hay es demasiado positiva. Es un elenco que está dando el todo por el todo. Estamos trabajando desde las 10 de la mañana hasta las 10 de la noche todos los días. De hecho, ya a mí la voz se me fue. Estoy a cargo de la producción general y las ventas. Ensamblo todo lo que estás viendo. Desde buscar a las personas idóneas para hacer cada cosa, aunque el ‘casting’ haya sido hecho fuera. Monté todos los coros, trabajé a los artistas de manera individual y conjunta y supervisé toda la realización”, indicó el productor artístico Amaury Sánchez al enumerar cada una de las responsabilidades que le ha tocado asumir esta vez.

Interioridades

Dominique y Kenny, muy ilusionadosPara Dominique Bonelly se trata de un gran chance: “Por cosas de la vida Amaury me dijo que viniera al ‘casting’ y quedé como chica de Gastón”. Mientras que el humorista Kenny Grullón explica: “Investigando descubrí que Le Fou, el nombre de mi personaje, significa loco en francés. Me he encontrado con el personaje más importante de mi carrera en más de 100 obras”.

'La Cabra' de José María Pou, La Fura y Falete se pasearán por San Javier


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24 de juny de 2006
murcia

El Festival de Teatro, Música y Danza, que patrocina 'La Verdad', cuenta con la presencia de dos compañías murcianas de calidad
PEPA GARCÍA/MURCIA

'LA METAMORFOSIS'. Escena del montaje La Metamorfosis de La Fura dels Baus.

El actor José María Pou encabezando el reparto del estreno en castellano de La Cabra, de Albee; los siempre interesantes montajes de La Fura dels Baus; la música en directo de los montajes Las bodas de Fígaro, El Celoso y Calipso; la voz de Falete; y el teatro infantil con La increíble historia del Sr. Argán son algunas de las propuestas con las que el Ayuntamiento de San Javier completa su oferta cultural.Con el objetivo de ofrecer a los veraneantes un completo programa vacacional, «no sólo de sol y playa, sino de ocio, deportes y cultura, proponemos unas noches fantásticas, con una temperatura ideal y cerca del mar, para disfrutar con unas obras de teatro de importancia a nivel nacional», afirmó ayer el alcalde de San Javier, José Hernández, en la presentación del programa del 37 Festival Internacional de Teatro, Música y Danza, que acogerá el Auditorio Parque Almansa de San Javier del 3 al 20 de agosto y que patrocina La Verdad. Un año más, la dirección del festival, a cargo de la concejal de Cultura, Pepa Carrión, ha abierto un espacio para recibir a dos compañías murcianas de calidad. La primera de ellas, Alquibla Teatro, tendrá el honor de inaugurar el festival, el 3 de agosto, con la puesta en escena de su alabado montaje de Las bodas de Fígaro, que volverá a contar con la música de Salvador Martínez, interpretada en directo por el Cuarteto Saravasti. También los admiradores de la danza podrán deleitarse con un montaje del Ballet Español de Murcia, que ofrecerá al público del festival la espectacular adaptación de El Celoso Extremeño, de Cervantes, con música de Carlos Piñana y escenografía de Cristóbal Gabarrón. Un trabajo que Matilde y Carmen Rubio presentarán al público con música en directo.
Humor y música
El humor también se abrirá paso en el escenario del Parque Almansa y lo hará a través del montaje Calipso, con un amplísimo reparto encabezado por Las Virtudes, Paco Valladares y Tonino. Teatro musical, una especie de opereta bufa, en la que la ironía y los dioses se dan la mano. También combinando risas, teatro gestual y música llega Hop!era. ¿Una sinfonía de risas!, montaje con el que el festival de San Javier sugiere «desacralizar la ópera, con todo el respeto, y facilitar su acercamiento a todos los públicos», puntualizó Pepa Carrión. Además, en clave cómica, la compañía local propone en Violines y trompetas una divertida mirada a la amistad, el amor, la fidelidad y el adulterio.Con la música colándose por todas las rendijas de esta 37 edición del Festival Internacional de San Javier, la voz y teatralidad de Falete llenarán el escenario javierense -el 15 de agosto- cuando interprete sobre él los temas de su segundo disco Algo más.Lo internacional llegará hasta la cita marmenorense con las artes escénicas a través del premiado espectáculo Spirit of the dance, una mezcla de la cultura tradicional irlandesa y los diferentes ritmos del mundo que sube al escenario a un total de 21 bailarines.
Espacio furero
Y los platos más fuertes los servirán en San Javier la potente compañía La Fura dels Baus, que traerá hasta la Región -«ya estuvo, pero entre el público quedaron muchas ganas de verlos», matiza Pepa Carrión- su particular versión de La Metamorfosis de Kafka «convirtiendo el escenario del Auditorio Parque Almansa en un espacio furero», añade la edil; y, como postre, el estreno en castellano de La Cabra o ¿Quién es Sylvia?, de Edward Albee. Un drama con ingeniosos diálogos, dirigidos, traducidos y protagonizados por el actor José María Pou, que será el gran petardazo que de por concluida la 37 edición del Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier.Como complemento a la programación del certamen para el mes de agosto, PepeH mostrará, del 2 al 20 de agosto, la exposición fotográfica Tablas, un recorrido a través del objetivo de este fotógrafo por diferentes montajes teatrales.

Magistral lliçó de teatre al TNC

23 de juny de 2006

La Royal Shakespeare Company triomfa amb 'Els contes de Canterbury'

GONZALO PÉREZ DE OLAGUER
BARCELONA

Nit vibrant de teatre al TNC. Estem parlant d'una d'aquestes vetllades que queden per a la història dels esdeveniments escènics a Barcelona. Les rotllanes d'espectadors que es van formar dimecres passat a l'espai escènic, després de la primera representació d'Els contes de Canterbury, a càrrec de la prestigiosa Royal Shakespeare Company, no paraven d'elogiar l'extraordinari nivell dels actors d'aquest sòlid grup.La funció, en anglès i amb traducció catalana projectada en dues pantalles, va acabar amb el públic dret, amb bravos i amb fortes ovacions. La companyia, amb 22 actors que encarnen més de 60 personatges, a més dels tècnics, va saludar una vegada i una altra el públic des del centre de l'escenari i va acabar aplaudint els espectadors.Aquesta vegada la Royal Shakespeare no ha vingut amb una obra de l'autor de Hamlet sinó amb un esplèndid i divertit espectacle basat en els famosos relats medievals de Geoffrey Chaucer, adaptats per a l'escena per Mike Poulton. El que fan els actors anglesos en les gairebé tres hores de representació va encantar al públic, que aviat va deixar de tenir la mirada fixa en la traducció catalana per seguir en directe la funció mateixa, brillant del principi al final, plena de músiques i de cançons i perfectament comprensible en tots els seus nivells. Més d'un espectador comentava després que allò havia estat "una meravella" difícil d'oblidar i més d'un, també, es desfeia en elogis dels actors, d'un primeríssim nivell tots.Un grup de pelegrins es reuneix per anar en pelegrinatge a Canterbury i es proposa que cada un d'ells expliqui un conte durant aquest viatge. Aquest és l'origen de l'obra de Chaucer i el punt de partida del muntatge presentat al TNC. La resta ve donada pel ritme de la representació, pels colors d'un vestuari extraordinari i per l'enorme facilitat amb la qual els intèrprets juguen a fer teatre. A més, el públic mostrava la seva satisfacció i el seu agraïment a l'obra d'una forma molt concreta després de cada cançó, corals algunes i a una sola veu les altres. Un conjunt d'actors certament extraordinaris: alts i baixos, grassos i flacs, homes i dones, blancs i negres, joves i veterans. "N'hi ha per a tots els gustos, en quantitat i amb la qualitat del que aquí anomenem un primer intèrpret", deia Joan Font, director de Comediants, comentant el gran treball que fan tots els components d'aquesta prestigiosa companyia britànica.Els contes de Canterbury mostren mig de broma mig seriosament, amb humor i emoció, la societat del segle XIV, barrejant la tradició cortesana i la popular. L'obra s'acosta a la religió i també a l'erotisme --amb alguns tocs escatològics-- i també es mostra fidel a la seva època al no haver llimat l'antisemitisme original. Aquest moment va donar peu a enceses discussions entre els espectadors.La companyia anglesa oferirà avui la mateixa funció que dimecres passat i demà tancarà la seva presència a Barcelona amb una segona representació del muntatge que va presentar ahir a la nit, en el qual s'expliquen altres contes dels 23 que contempla l'obra completa de Chaucer. Per descomptat val la pena acostar-se al Teatre Nacional i disfrutar amb aquest grapat de grandíssims intèrprets.

Innovant a la fresca

21 de juny de 2006

Els jardins de Santa Susanna acullen de nou el Festival Shakespeare
Joan Colás
El Festival Shakespeare torna del 20 al 30 de juliol a la Masia Can Ratés de Santa Susanna amb El somni d'una nit d'estiu com a obra central i amb muntatges de teatre, dansa, música simfònica, òpera i circ. A això cal afegir-hi una trobada d'escenògrafs i una exposició on es veurà la influència de l'escriptor en el món del còmic. Mostra de la "contemporaneïtat de l'univers de Shakespeare", defensa el director del festival, Paco Azorín.
Àlex Rigola acudeix de nou al festival amb European House, on els espectadors faran de voyeurs en el seu Hamlet sense paraules a través d'un vidre de metacrilat. Rigola opina que els espectadors seran com Shakespeare, a qui el director considera "un voyeur de la societat britànica".
No hi podien faltar obres com Romeo y Julieta, que serà representada per la companyia Alquimistes formada per actors discapacitats psíquics; El mercader, de la companyia de Pep Pla; ni l'obra central d'aquesta edició. Els portuguesos Procur.Arte faran triar al públic quina escena vol veure d'El somni d'una nit d'estiu, mentre s'interpreten alhora dues accions en diferents punts del jardí del recinte.
El festival tampoc oblida els muntatges innovadors. A Ser o no cer...vantes, el showman Javier Gurruchaga demostrarà que Shakespeare no va existir sinó que era la versió britànica de Cervantes durant els seus viatges a Anglaterra.
Pel que fa als espectacles circenses, a la carpa de circ ubicada a Can Ratés, el Gran Circ Fele presentarà Hierofantes, inspirant-se en La tempestat, i el clown Karel Creemers intentarà pronunciar el to be or not to be mentre li cau la carpa al damunt.
Però tampoc faltaran muntatges per a tota la família. Roberto G. Alonso se centrarà en els personatges menors shakespearians a Al nostre gust. I fins i tot nens actors representaran Un cuento de invierno o En invierno no se cuenta.

La única obra infantil del Festival de Teatro llena la Plaza de las Veletas

www.hoy.es
26 de juny de 2006
caceres

La única obra infantil del Festival de Teatro llena la Plaza de las Veletas
El público hizo cola para ver una versión para niños del 'Romeo y Julieta' de Shakespeare
REDACCIÓN/CÁCERES


La única obra infantil incluida en la programación de este año del Festival de Teatro Clásico de Cáceres consiguió ayer llenar la Plaza de Las Veletas. El público hizo cola para poder entrar a la representación de 'Romeo y Julieta' para niños, que comenzó con retraso porque había demasiada luz para que se pudieran ver algunas de las proyecciones que incluía la representación.La obra, una versión libre basada en el texto de William Shakespeare, fue estrenada en Madrid en diciembre del año 2004, e incluye en la nómina de intérpretes a Víctor Ullate Roche, Marina Raggio, Rosa Clara García, Iván Villanueva, Víctor Gil, Manuel Mata y Celina Vergara.
Es la única cita dirigida a niños que incluye el cartel del Festival en esta edición, y también tuvo su dosis de protagonismo de la región, ya que la directora, Olga Margallo, es hija del dramaturgo extremeño Juan Margallo.Ya desde el principio, la representación dejó claro su carácter innovador.
El 'Romeo y Julieta' de Shakespeare es sólo un punto de partida para trazar un hilo argumental pensado en hacer reír a los niños, y en el que se mezclan el humor, el relato y las nuevas tecnologías. La figura del autor inglés ejerce como una especie de maestro de ceremonias que va guiando a los personajes que se mueven por la escena, en este caso con la Ciudad Monumental de Cáceres como fondo privilegiado.

El Piccolo Teatro di Milano imparte en Valencia un taller de ´comedia dell´arte´

25 de juny de 2006
valencia

El Piccolo Teatro di Milano imparte en Valencia un taller de ´comedia dell´arte´ COMENZARÁ EL LUNES HASTA EL 12 DE JULIOTeatres de la Generalitat colabora en la organización de un taller que se desarrollará desde mañana hasta 12 de julio, y que será impartido por dos miembros del Piccolo Teatro di Milano, Ferruccio Soleri y Stefano de Luca, según informaron fuentes de la Administración autonómica.

El Piccolo Teatro di Milano, que está considerado una de las mayores instituciones mundiales de la escena teatral, fue fundado en 1947 y nació de la mano de Giorgio Strelher, Paolo Grassi y Nina Vinchi. Primer ejemplo en Italia de teatro público, el Piccolo ha desarrollado siempre con éxito la política de "un teatro de arte para todos", con la ambición de hacer llegar al gran público espectáculos de importancia histórica capaces de revelar su excepcional coherencia artística y poética. En 1986 el Piccolo funda su propia escuela de teatro y en 1991 es nombrado oficialmente Teatro de Europa. El Piccolo está dirigido desde 1989 por Sergio Escobar, con Luca Ronconi con responsable artístico y dispone de tres salas: la strelher, nueva serie dedicada al director fallecido en 1997, la grassi, que es la sala histórica, y el estudio, un espacio experimental y de búsqueda, recordaron fuentes de la Generalitat. Ferruccio Soleri es el último gran arlequino que ha dado a conocer por todo el mundo la tradición de la commedia dell´arte, gracias a la célebre puesta en escena de "Arlequín servidor de dos amos", de Carlo Goldoni con dirección de Giorgio Strelher , que se verá los días 15 y 16 de julio en la Nave, en el marco del festival Sagunt a Escena. Según destacaron las mismas fuentes, "ha dado vida a una mascara de arlequino que ha despertado entusiasmo en todas partes del mundo por el inigualable brío de su gestualidad y de su voz". Soleri es además director, dramaturgo y pedagogo, y también un gran artista teatral, riguroso en el estudio de la tradición y sensible a las exigencias de la escena contemporánea". Stefano de Luca fue alumno de la escuela del piccolo y se graduó en interpretación en 1990 y cinco años después en dirección. Ha sido ayudante de dirección de Giorgio Strelher entre 1995 y 1997 en espectáculos históricos del piccolo, como "La isla de los esclavos", "El alma buena de Sechuan o "Arlequín servidor de dos amos". Desde hace 16 años dirige tanto en Italia como fuera de ella obras de autores como Saint Exupery, Chejov, Eurípides o Brecht.Al final del taller, se repartirán los roles entre los alumnos y bajo la dirección de Ferruccio Soleri se presentará una selección de pequeñas escenas entre dos o tres personajes, basadas en el trabajo de improvisación desarrollado en las semanas precedentes. Este trabajo se podrá ver en la nave de Sagunto el día 13 de julio.

Teatro en el mundo


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25 de juny de 2006
argentina

Ballet chino.
Tras la gira que el Ballet Nacional de Hubei (China) está llevando a cabo por España con el espectáculo "Las campanas de la paz", hoy realizará la última función en el teatro Gran Vía. "Las campanas de la paz" cuenta con cincuenta artistas en escena, entre músicos, cantantes de ópera y bailarines que escenifican retazos de la historia del pueblo de Wuhan, ubicado en la provincia de Hubei, durante el reinado de la dinastía Chu. El montaje es una exaltación del sentir de este pueblo, de su patriotismo, expresado a través del arte, de la cultura y del sonido de sus campanas, como nexo de unión. La obra gira en torno a los siguientes conceptos: la batalla, la nostalgia, el valor y la belleza y, por último, la victoria y la paz. Sobre ellos, se escenifican doce números musicales que representan momentos de la época de guerra, de cultivo, los ceremoniales, la forma de vida de la realeza y la felicidad de la posguerra en Wuhan. Todos los instrumentos (percusión, cuerda y viento) y los 564 trajes y complementos que aparecen en la obra son fieles reproducciones artesanales de la época.
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Amargo, en Nueva York.
El bailarín español Rafael Amargo debutó anteayer en Nueva York con una apuesta valiente, la de descubrir a los neoyorquinos su propia ciudad, pero bajo el prisma desolado y crítico que Federico García Lorca plasmó en "Poeta en Nueva York". Los textos que el escritor granadino escribió durante el año que pasó en la Universidad de Columbia, entre 1929 y 1930, son el eje central de este espectáculo multimedia. El montaje es una mezcolanza de todas las artes, la danza moderna, el flamenco contemporáneo, y el flamenco más puro, aderezado con el cante jondo, el jazz y el blues. De fondo, los expresivos versos de García Lorca, interpretados a través de videos por Marisa Paredes, Cayetana Guillén Cuervo y Joan Crosas, además del propio Amargo. El bailarín y su compañía aprovechan los textos de García Lorca para mostrar una ciudad, la de los años 30, deprimida y triste, pero también rica en culturas y cargada de energía. En la obra, la compañía narra la llegada de García Lorca a Nueva York, la huida de la ciudad a Canadá, el regreso del campo a la Gran Manzana y la escapada a La Habana. El gentío, los rascacielos, los puertos, el desarraigo, la supervivencia o la amistad son elementos que Amargo ha tomado de los versos de Lorca para montar sus coreografías, en las que no faltan referencias constantes al mundo tradicional del flamenco. En esta ocasión, el bailarín se ha rodeado de las potentes voces de Maite Maya, María Carmona y María, la "Coneja", así como con la guitarra de Héctor de la Vega, el violín de David Moreira, y la caja de Antonio Maya. Un elemento nuevo de esta nueva puesta en escena de "Poeta en Nueva York" ha sido la colaboración excepcional del bailarín Rasta Thomas, una verdadera estrella del ballet contemporáneo, que participa en dos números de la obra: uno en solitario y otro a dúo con Amargo.
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Marisol Otero, en Miami.
La actriz y cantante Marisol Otero está presentando en Miami la obra "Sor-presas", de Dan Goggin, dirigida por David Chacin Pérez y producción de Miguel Ferro, donde encarna el personaje de Sor Amnesia. Becada por la Fundación Bernardo Houssay, Otero realizó estudios en el Conservatorio Nacional Word, y en Buenos Aires protagonizó "La Bella y la Bestia", en el teatro Opera; en "Grease", realizó el papel de Sandy, en el Astral; en "La princesa Sissi", hizo el protagónico en el Metropolitan; en "El violinista sobre el tejado", hizo de hija revolucionaria de Tevy, teatro Brodway; en "Jesús de Nazareth", el papel de María.
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Danza y flamenco.
El Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco finalizará hoy en el teatro Albéniz, en su 15º aniversario. Comenzó en el año 1992, con la intención de ofrecer incentivos a un emergente movimiento de nueva creación, y se convirtió año tras año en una plataforma imprescindible de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas. Numerosos creadores y grupos jóvenes que ahora podríamos denominar representantes del movimiento de la nueva danza española y ballet flamenco han recibido su lanzamiento a partir del éxito en el Certamen, como Rafaela Carrasco, Angel Rojas y Carlos Rodríguez, Manuel Liñán y Manuel Segovia. El certamen otorga 35.000 euros en premios. Los ganadores de ediciones anteriores participan además como invitados de las siguientes ediciones, para promocionar su próximo estreno. Hoy tendrá lugar una velada especial de ganadores y artistas invitados, con Miguel Fuente, Alfonso Losa y Rubén Olmo, todos ellos ganadores de anteriores ediciones.
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"Moulin Rouge", en versión teatral.
La actriz australiana Nicole Kidman y el actor escocés Ewan McGregor protagonizarán la obra "Moulin Rouge" en un teatro del West End de Londres, según informó el tabloide inglés The Sun. El director de la película, Baz Luhrmann, contactó a Kidman y a McGregor para participar en la versión teatral del film de 2001. "Baz ha discutido la idea con Ewan y Nicole. Será el musical más lujoso en estrenarse aquí por varios años", declaró a The Sun una fuente allegada a la producción de la obra. "Esto es algo que él quería hacer desde que la película quedó terminada", agregó. Kidman, que según la prensa británica se casará este fin de semana en Sydney con su pareja, el músico Keith Urban, tiene una propiedad en la capital británica.
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Feria de Teatro en el Sur.
Compañías teatrales de Brasil, Colombia y la Argentina participarán en la XXIII edición de la Feria de Teatro en el Sur, que se celebrará en julio en la localidad de Palma del Río, en la sureña Andalucía. La participación de estas compañías responden al deseo de que el certamen sirva de reflejo del novedoso intercambio de culturas que se propicia en la cita, destacaron hoy sus organizadores en un comunicado. Los argentinos Maurangas ofrecerán "Opereta", donde emplean un excéntrico personaje que combina equilibrios, comicidad y música. La compañía de danza brasileña "Membros" pondrá en escena dos espectáculos: "Elemento Bruto/Raio X" y "Meio Fio". Desde Colombia llegarán "Los ojos del hermano eterno" para leer al público "Carta de una desconocida".
Por Susana Freire

lluis pascual confronta los valores de "Hamlet" y "La Tempestad" en su regreso al Teatre Lliure de Barcelona

28 de juny de 2006

Lluís Pasqual confronta los valores de 'Hamlet' y 'La Tempestad' en su regreso al Teatre Lliure de Barcelona
El director de escena Lluís Pasqual regresará mañana al Teatre Lliure de Barcelona, del que fue fundador, con una doble propuesta shakesperiana interpretada por el mismo grupo de actores casi de forma simultánea.
Tras su estreno en Bilbao el pasado mes de febrero, 'Hamlet' y 'La Tempestad' recalan en el Festival Grec de Barcelona con las entradas agotadas para todas las funciones ante la expectación por el regreso a los escenarios de Marisa Paredes en el papel de Gertrudis tras un paréntesis de 14 años.
Pasqual, que además de dirigir los espectáculos se ha encargado de la adaptación del texto, reconoció que no ha intentado aportar "nada nuevo" con su 'Hamlet', ya que se han realizado numerosas producciones del clásico de Shakespeare, sino que se ha centrado "en explicar la historia, que es fascinante", eliminando cualquier elemento de "retórica" que pudiera alejarla del espectador.
El director teatral definió la obra de 'Hamlet' como "el Vega Sicilia" del dramaturgo británico, mientras 'La tempestad' es a su juicio "el gran testamento" de Shakespeare.
Después de admitir que 10 años atrás "nunca se me habría ocurrido unir" las dos piezas, Pasqual destacó la contemporaneidad de los dos textos, que en su opinión muestran "dos comportamientos humanos distintos".
Por un lado, recordó que Hamlet decide vengarse de una injusticia utilizando la violencia, que "sólo produce más violencia" e incluso "su propia muerte". Por contra, en 'La Tempestad' el personaje de Próspero apuesta por el "uso de la razón, la generosidad y el perdón".
"Creo que esta contraposición, este metáfora, es la parte más actual de los espectáculos", recalcó el director, que invitó a los "más viciosos" a contemplar los dos montajes una tras el otro.
Lluís Pasqual, que ha precisado de cuatro meses para preparar esta aventura teatral, aseguró que existe "una gran conexión" con el público en los dos espectáculos y alabó el trabajo de escenografía --el mismo para las dos obras-- llevado a cabo por Paco Azorín, al que le pidió un escenario prácticamente desnudo y en el que finalmente tan sólo se puede ver una escalera, lo que dota de mayor fuerza al texto.
Acerca de su regreso al Teatre Lliure, teatro que fundó en 1976, el director de escena aseguró que "no siento nada" al pisar el escenario del teatro porque "los recuerdos los tengo en el Lliure de Gràcia" y no en el Palau de Agricultura, al que sólo ha acudido como espectador. "Lo que sí me emociona es hacer teatro en una lugar que se denomina Fabià Puigsever", reconoció.
Ambos espectáculos requieren una veintena de actores, la mayoría de los cuales participa en los dos montajes, un trabajo que, según la actriz Anna Lizaran, "no ha sido complicado" sino "fantástico".
Por su parte, el actor Eduard Fernández, que asume el papel de Hamlet, celebró que la gran obra de Shakespeare le llegue "en un momento de madurez" y destacó de su personaje su lucha por "desvelar una sociedad hipócrita", así como "su gran juego interior".
Marisa Paredes, que interpreta a Gertrudis en 'Hamlet', recordó que arranca la obra "siendo muy feliz" pero a medida que se suceden los acontecimientos "la va perdiendo" hasta convertirse "en una víctima más de la tragedia".
Otro de los grandes protagonistas de los espectáculos es Francesc Orella, que en 'La Tempestad' asume un papel protagonista interpretando a Próspero, del que aplaudió "su capacidad para desprenderse del poder político y mágico para ser simplemente un hombre".
'Hamlet' y 'La Tempestad', que se podrán ver desde mañana hasta el16 de julio, son una coproducción de la Compañía Teatro Arriaga, del que Pasqual es director artístico, el Teatro Español de Madrid, el Teatre Lliure y el Festival Grec.

El Grec obre les portes amb un cant al diàleg entre les cultures


26 de juny de 2006
El recital va estrenar una programació amb més de 50 propostes de música i arts escèniques• 'Plurals' va unir Pi de la Serra, Jabier Muguruza i Javier Ruibal amb músics llatinoamericans

El públic Foto: SERGIO LAINZ


JORDI BIANCIOTTO
BARCELONA
El diàleg entre cultures potser és, en el terreny polític, una bella ficció, però en el món de l'art hi ha abundants veus que el defensen i el practiquen amb convenciment. Com Francesc Pi de la Serra, Javier Ruibal i Jabier Muguruza; un català, un andalús i un basc que van establir ahir a la nit lligams transatlàntics a Plurals, recital que va obrir la 30a edició del Grec. El Festival d'Estiu de Barcelona oferirà, fins al 5 d'agost, més de 50 propostes de teatre, música i dansa, amb el patrocini d'EL PERIÓDICO DE CATALUNYA, Televisió de Catalunya i Catalunya Ràdio.L'escenari central de la mostra, el Teatre Grec, va emmarcar l'estrena d'aquesta proposta mestissa que els tres cantautors van desenvolupar amb un grup format expressament per a l'ocasió i que va integrar músics del Brasil, l'Argentina i Cuba. En ells va recaure en bona part el pes del concert, que va incloure diversos fragments instrumentals.
NIT D'OBERTURA
Com sol passar les nits d'obertura del Grec, l'espectacle va comptar amb l'assistència de nombroses personalitats de la política, com Joan Clos, alcalde de Barcelona; Ferran Mascarell, conseller de Cultura; Joan Saura, conseller de Relacions Institucionals i Participació; Jordi Portabella i Imma Mayol, segon i tercer tinent d'alcalde respectivament, i Jordi Hereu, portaveu de l'ajuntament.També hi van anar representants dels mitjans de comunicació, com Rafael Nadal, director d'aquest diari, i noms populars de la cultura i les arts escèniques, com Joan Font (de Comediants), Josep Maria Benet i Jornet, Albert Pla, Daniel Giralt-Miracle, Jorge Wagensberg, Carles Flavià, Asha Miró, les actrius Carme Sansa i Àgata Roca, i The Wooster Group al complet.Pi de la Serra, Ruibal i Muguruza van dedicar el seu nou espectacle trilingüe a l'entesa entre les cultures planetàries, matèria en què van predicar amb l'exemple. Els seus respectius repertoris van renéixer des d'un nou enfocament aportat pel jove brasiler Munir Hossn.Va ser ell qui va obrir el recital amb un solo de percussió seguit de l'actuació de Jabier Muguruza. Les seves cançons interioristes, d'un commovedor detallisme emocional, van dialogar amb uns arranjaments que miraven al Brasil sense passos en fals. Muguruza va comptar amb la veu de la seva col.laboradora habitual Mireia Otzerinjauregi. "Procuraré, avui sí, parlar poc", va anunciar. Però va acabar aturant-se en el contingut dels textos en euskera, cosa que es va agrair. Maite zaitut, ez al.ludia a l'"anorèxia afectiva" i Eskaintza, amb text d'Iñaki Irazu, "parla de l'amistat i no diu tonteries", va assegurar.
COMBATRE "LA POR DE L'ALTRE"
El va seguir Pi de Serra, a duo amb Munir Hossn a Si la merda fos or, els pobres naixerien sense cul, manifest sarcàstic que va al.ludir a la immigració i el mestissatge, temes estrella de la nit. A La cultura va recordar que la paraula rima amb "dictadura", "caricatura" i "caradura". Va tancar l'actuació amb l'estrena que va donar títol a l'espectacle, Plurals, lloa al diàleg intercultural precedida per un parlament de Javier Ruibal en un català correcte. El gadità va assenyalar que el missatge del concert era combatre "la por de l'altre i del que és desconegut", així com les noves formes de pensament únic que actuen "com la Santa Inquisició i la caça de bruixes". Ruibal va defensar l'acostament "a les altres olors i sabors".El seu repertori es va obrir amb La reina de África i un fluid diàleg amb els tres percussionistes del grup. "Jo normalment faig cançons d'amor, perquè és el que ens interessa, però avui em surt el rotllo reivindicatiu", va fer broma. Va rescatar La flor de Estambul, amb música d'Erik Satie, i a La bella impaciente va repetir tema. "Aquesta va menys a l'aspecte social i més a l'assumpte", va deixar anar. Va dedicar El náufrago del Sáhara al poble sahrauí i es va acomiadar fent cantar el públic a Isla Mujeres, una peça que David Broza va incloure fa algun temps en el seu repertori.El final de festa d'aquest recital ideat per Daniel Negro, del Harlem Jazz Club, va ser una sessió rítmica de candomblé, gènere ritual brasiler, que va unir els tres protagonistes. Va ser el punt final d'un espectacle que els seus responsables esperen reproduir en altres escenaris, inclosa una possible cita a la Mercè.
Noticia publicada a la pàgina 2 de l'edició de 26/6/2006 de El Periódico - edició impresa Per veure la pàgina completa, descarregui l'arxiu en format PDF

28 de juny 2006

Disset ofertes teatrals a la mostra oficial i un espectacle mataroní a ‘La Torna del Grec’


27 de juny de 2006

Comas Soler
Cultura
Ara que al Monumental ja s’ha acabat la programació de la temporada i que l’ambient d’estiu convida més a sortir de nit, els aficionats mataronins poden trobar a Barcelona un munt d’ocasions per gaudir d’un bon espectacle teatral.El ‘BCN Grec Festival’, rebatejat així des de fa un parell d’anys perquè es veu que vesteix més, arriba a la seva trentena edició amb un assortit d’ofertes d’allò més divers i cosmopolita. A les més de quaranta propostes entre música, dansa i circ s’hi sumen disset muntatges teatrals, repartits en catorze espais diferents. Això sense comptar la quinzena mostra internacional de dansa contemporània ‘Dies de Dansa’, inclosa també dintre del festival oficial, que ofereix seixanta-vuit actuacions de trenta-nou companyies de Catalunya, d’Espanya i d’arreu del món, i que per primera vegada té a Mataró una de les seves seus .De les proposicions teatrals cal destacar, entre moltes altres, dos ‘Hamlet’, un en versió multimèdia del novaiorquès The Wooster Group, i un altre que Lluís Pasqual posa en escena conjuntament amb ‘La Tempestat’ i que significa l’esperat retorn d’aquest director al Teatre Lliure després d’uns quants anys de dissensió mútua. També són remarcables les actuacions de Cheek by Jowl, una de les millors companyies del món, que presentarà la tragèdia ‘The Changeling’, o bé del Centro Dramático Nacional que escenificarà ‘Divinas palabras’, de Valle Inclán, en versió de Juan Mayorga i amb direcció de Gerardo Vega. Pel que fa a l’espai més emblemàtic, el Teatre Grec, com a contribució al centenari de la mort d’Henrik Ibsen s’hi podrà veure un trencador ‘Peer Gynt’ de la mà de Calixto Bieito, amb el mataroní Boris Ruiz en un dels papers protagonistes.Però per si tota aquesta oferta fos encara poca, aquest serà el tercer any en què tres sales barcelonines, de les anomenades alternatives, han programat ‘La Torna del Grec’, que ve a ser una mena de festival off que ofereix vuit muntatges més. Així, el Versus Teatre presenta ‘La fira de l’amor’, sobre poemes, cartes i cançons de Bertolt Brecht. Es tracta d’un espectacle molt mataroní, perquè es va estrenar el mes de març al Teatre Monumental, està dirigit per Moisès Maicas, protagonitzat per Roger Pera i hi intervé una coral de més de trenta persones, també de casa nostra, dirigida per Genís Mayola. Estarà en cartell del 27 de juny al 16 de juliol. I val la pena.

La ópera es un fenómeno mucho más irracional que el fútbol"


www.laopinioncoruna.com
25 de juny de 2006
A Coruña

El dramaturgo catalán Lluis Pasqual. / la opinión
SERVICIOS

"El teatro no le ha dado aún a Valle una de sus altas virtudes, la retranca, el doble o triple sentido que escuchas en el campo gallego".
Ana Rodríguez.
A coruña
Llega la última ópera del Mozart, Le Comte Ory. Se estrena el 30 y promete ser la más aplaudida, con el aval del éxito de su estreno en Pesaro, la batuta de Víctor Pablo y la dirección de escena de Lluis Pasqual, que ya se encuentra trabajando en A Coruña.
-La ópera que dirige esta semana en Festival Mozart se estrenó en Pesaro hace tres años. ¿Se repiensa después de este tiempo o el planteamiento es el mismo?
-Por supuesto, se replantea. Han pasado años para todos y se cambia. Muchas cosas cambian por el intérprete. Las óperas son, por una parte, confección de alta costura, y por otra, trajes a medida. Parece lo mismo pero no lo es. Como la paella, nunca sale igual
-¿Y da pereza retomar una producción ya estrenada?
-Antes de empezar, toneladas de pereza. Pero mucha pereza hasta un minuto antes de empezar los ensayos.
-¿Es muy diferente dirigir actores en teatro a dirigirlos en ópera?
-Cada vez menos. Porque antes la mayoría de los cantantes no se movía y, si alguno se movía algo, se le daba un gran aplauso porque parecía un gran actor. Ahora los cantantes tienen otra mentalidad y en eso la ópera ha cambiado mucho. Cuando yo empecé en la ópera ya hace mucho tiempo, se trataba de intentar que los cantantes actuaran. Ahora se trata de dirigirlos, ya tienen otra mentalidad.
-¿Y a la hora de unificar voz e interpretación?
-Hay una cosa que hay que tener en cuenta. Físicamente, la circunvalación cerebral del habla y la palabra está en una parte del cerebro totalmente opuesta a la de la música. Por eso los tartamudos cuando cantan pueden cantar sin tartamudear. En este sentidos, los cantantes parten del impulso musical. Eso hay que saberlo, hace que los dirijas de una manera parecida pero no es lo mismo. Cuando uno hace Romeo y Julieta de Shakespeare, uno puede decidir si esa escena es melancólica, apasionada, con mucho sexo, sin sexo... Si haces Romeo y Julieta de Gounod, sabes que esa escena va a ser melancólica.
-No es la primera vez que colabora con Víctor Pablo Pérez. ¿Cómo es el trabajo con el director titular de la Sinfónica?
-Yo creo que se ha idealizado mucho la relación del director de escena y de orquesta. Compañías italianas iban en barco en Nueva York, y sí había encuentros en los que se preparaba el montaje. Ahora el mundo de la ópera está condicionado por aviones, grabaciones, dinero.. el buen trabajo del director de escena, y lo que me ha pasado con Víctor Pablo, tiene que ser paralelo, una relación de confianza. Yo sé que diriges bien Rossini y tú sabes que yo dirijo bien Rossini. Llega un momento en que convergen, en la partitura. Hasta el día del ensayo general, en el que el director de escena desaparece.
-Con Víctor Pablo sufrió una polémica reacción de parte del público del `Don Giovanni´. ¿Por qué el público de la ópera se cree con más derecho a patalear?
-Porque pagan más. Pero sobre todo porque la ópera es un fenómeno muy irracional, más irracional que el fútbol. En el fútbol hay unas reglas que casi todo el mundo entiende y se puede comprobar con una cámara si la pelota está dentro o fuera del área. En la ópera el gusto del público es muy relativo. Sólo hay que ver como unos aborrecían a la Tebaldi y adoraban a la Callas y viceversa.
-¿Pasiones buenas o malas?
-Las pasiones casi todas son buenas y hacen mucho daño al mismo tiempo. Y la ópera las despierta como nada. Por eso permanece y por eso es una de las artes más anacrónicas del mundo. Tan anacrónica como una cómoda del siglo XIX. Uno puede pintar de rojo esa cómoda, hacerla pop art, pero seguirá siendo anacrónica.
-Es usted un enamorado de Valle Inclán y lo ha llevado a escena en no pocas ocasiones. ¿Queda algo que revisar o reinterpretar del genio gallego?
-Queda todo. Valle Inclán es el tesoro más difícil de la literatura española. Es mucho más fácil hacer Lope, Lorca, Calderón, Benavente... Es muy difícil porque todo está en la lengua. Es alguien que consiguió encerrar todos los perfumes de la vida en su lengua. Y eso hay que desentrañarlo.
-¿Cómo?
-Yo creo que a Valle Inclán el teatro no le ha dado una de las altas virtudes que tiene y que tiene el pueblo gallego: la ironía. A veces lo hacen tan en serio, se ponen más papistas que el papa... uno se pasea por el campo gallego y oye las mismas cosas pero con una retranca detrás, con un doble, triple, cuádruple sentido... Yo no sé si eso se puede reproducir sin el acento gallego. Me parece que falta esa escuela. Habría que hacerlo así, no digo desde Galicia, pero sí conociendo que las palabras son el resultado de esa manera de pensar, de esa manera de ser. Le devolvería liviandad e ironía. La mala leche de Valle-Inclán, que la tiene a toneladas, no es una mala leche castellana, de impulsos, es una mala leche de retranca.

Teatro por aficionados


25 de juny de 2006

1960... Más de diez grupos de aficionados donostiarras podían ofrecer una semana de representaciones teatrales con nivel de profesionales 'Teatro Estudio de San Sebastián' es el único grupo superviviente de los que existieron hace medio siglo. ... 2006
JAVIER SADA/

Se sitúa en el atrio de San Vicente el primer lugar que tuvo la ciudad para la representación de misterios, autos sacramentales y pastorales. La secularización del teatro hizo que en 1618 el Ayuntamiento dedicara a estos menesteres la llamada Cabaña de Goizueta y, después de años de apatía teatral, concluida la Revolución Francesa, la Casa de Aliri en el nº. 31 de la actual calle del 31 de agosto. Atrás quedaron los cómicos, juglares y contadores de aleluyas cuando, en 1828, se pudo conocer a Moliere y otros autores de moda en el Café Viejo cuyas características se recuerdan en la columna adjunta. Llegó en 1843 el Teatro Principal, en 1912 el Victoria Eugenia, en 1922 el Teatro Príncipe... 'Saski Naski' fue uno de los primeros movimientos del teatro aficionado euskaldún que a comienzos del siglo XX contó como autores estelares con Toribio Alzaga, Avelino Barriola, Marcelino Soroa... teniendo su continuación en la Escuela de Declamación Vasca que, pasados los años, tendría como directora a María Dolores Aguirre.Pero cuando el teatro aficionado tuvo verdadero auge en San Sebastián fue en la década de los sesenta y setenta, al contarse con diez grupos de calidad no envidiable a las compañías profesionales, capaces de ofrecer espectáculos durante varias semanas en distintos escenarios de la ciudad. El T.E.U., Antigona, Tablado, Orain, Teatro Estudio, Oargui, la Academia de la Lengua y Declamación Vasca... reunían a un elenco de artistas que en muchas ocasiones tan solo les impidió dar el salto a la fama su amor al terruño. Algunos como Alfredo Landa, Jaime Azpilicueta, Pepe Cerro, José Manuel Guembe, Eugenio Castellanos, Marian Guerrero, José Manuel Gorospe, José Luis Arza... marcharon al mundo profesional ya fuera como directores, actores, técnicos o expertos en doblaje; otros como Ignacio Almandoz, Esther Remiro -ganadora del Premio Nacional en Sevilla-, Julia Cristóbal, Romualdo Salcedo... quedaron en casa mereciendo glorias, no olvidando casos como el de Paco Sagarzazu que, quedándose en casa, lo vemos actuando en series y películas.El Club Guipúzcoa, Agora, Espelunca (Librería Ramos), el Ateneo, el Vasco de Camping... eran marcos habituales para el teatro leído. Junto a los ya citados María Dolores Aguirre e Ignacio Almandoz, directores del grupo en euskera y de Oargui, dos nombres de los más veteranos de la época, podrían citarse los de Lolita Casi, Perico Elcoro, José Luis Oteiza, Fernando Carcedo, María Angeles Mundiñano, Angel Torres, Manolo Gómez... creador a su vez del Teatro Estudio San Sebastián que ya en 1966 representaba 'Un hombre duerme' de Rodriguez Buded, y 'El raterillo', , con, entre otros, Mari Mar Buesa, Valentín García, Angel Marco, Carlos Manzanas, Lutxi Zabaleta, Paco Sagarzazu, Txaro Arteaga, Pili Abarca, Lourdes Torres, Carmelo Moreno, José Antonio Ceberio... . La televisión era todavía un invento al alcance de muy pocas personas.
En blanco y negro, un solo canal, y expectación por cuanto afectaba a su programación, la mejor del momento.No fue de extrañar, por ello, que el anuncio de que un grupo de teatro donostiarra iba a actuar en televisión supusiera un acontecimiento profusamente recogido en la prensa de la época. Ocurrió el 20 de marzo de 1965. El grupo elegido fue el T.E.U., dirigido por Jaime Azpilicueta. La obra: 'La tragedia de Macbeth' que ya se había estrenado en el Gran Kursaal el 12 de febrero de 1963 y representado en los Festivales de España de la plaza de la Constitución. Tratándose de un programa concurso, el grupo donostiarra acaparó todos los primeros premios.Los personajes de Macbeth y Lady Macbeth fueron interpretados por José Cerro y Julia Cristóbal, y en sus distintas representaciones en el reparto figuraron, entre otros; Macduff, Eugenio Castellano; Banquo, Gonzalo Lera; Duncan, Felipe Briones (Eduardo Lebigot cuando se representó en San Sebastián); Malcom, José Javier Alaba (José Luis Oteiza en San Sebastián); Ross, Juan José Casado; Lenox, Carmelo Moreno... siendo de obligada cita la de los demás actores del reparto: Paco Sagarzazu, Francisco Hernández, Romualdo Salcedo, Maria Elena Beitia, Chon y Amancio Córcoles, Lolita Casi, Fernando Miquelajauregui, Esther Remiro, Javier Aparicio, Luis Lemos, Chon y Amancio Córcoles, Martín Lazcano, ... las 'brujas' Marisa Arza, María Otegui y Teresa Gastón... los 'asesinos' Javier Sada y Eduardo Sarabia... más los nombres Maribel Belástegui, María Jesús Leza, Visitación Imaz y Annie León en atrezzo y decorados.La etapa en la que Jaime Azpilicueta dirigió el T.E.U. fue próspera en el logro de metas que marcaron pauta. Cuenta una de sus leyendas, a falta de ser comprobada, que en cierta ocasión consiguió entrar en el palco del Victoria Eugenia donde estaba Fraga Iribarne, siendo Ministro de Información y Turismo, haciéndose pasar por sobrino suyo, con el único fin de conseguir subvenciones para el grupo.Fue lo cierto que además del ya citado viaje a Madrid, el T.E.U. viajó a varias ciudades españolas y, como colofón del proyecto, a París.
Contó para ello con el trabajo de José María Bellido, otro aventurero del teatro que casi siempre terminaba consiguiendo sus propósitos. Era el año 1963 y se trataba de representar su obra 'Fútbol', que acababa de ganar el Premio Guipúzcoa. La marcha de Jaime Azpilicueta en 1966 supuso el fin de un periodo que, en lo que respecta al T.E.U., intentó ser seguido, sin óptimos resultados, por Rafael Mendizábal, poniendo en escena 'Las viejas difíciles'.

'Balansiyyá' s'estavella

24 de juny de 2006
El sector teatral valencià denuncia el malbaratament del govern
Ester Pinter
Benjamí Doménec, portaveu de la Plataforma de les Arts Escèniques valencianes on s'aplega tot el sector, va denunciar ahir que l'estrena dijous a la nit del musical en castellà Balansiyyá va confirmar el que ja havien avançat, que aquesta obra és "el paradigma d'una política cultural basada en el malbaratament" després de comprovar "la pèssima qualitat de l'espectacle".
El musical, que tracta la conquesta de València per part de Jaume I, està produït per l'empresa Mec:Events i la Generalitat Valenciana, la qual paga quasi la meitat dels 2,5 milions d'euros que ha costat. S'emmarca dins la celebració de la Copa Amèrica de Vela i aspira, segons la productora, a competir a Madrid amb els musicals estrangers.
Segons Benjamí, "sense entrar a fer una crítica teatral, el nivell tècnic és molt dolent, l'argument no convenç i la manca de rigor històric és de jutjat de guàrdia". Així va quedar patent, segons Doménec, en el fet que al descans més d'un terç del públic se n'anés, en un teatre on l'aire condicionat no funcionava bé. A l'estrena al Teatre Principal de València d'aquesta obra dirigida per l'argentí Carlos Veiga va assistir-hi el president de la Generalitat Valenciana, Francisco Camps, i bona part del seu govern.
Els errors en el so, el desafinament dels cantants i la inclusió del playback en alguns fragments, tot i que s'havia anunciat íntegrament cantada i musicada en directe per la banda La Primitiva de Llíria, van ser la tònica general.
L'espectacle, que narra una fictícia història d'amor entre el suposat fill de Jaume I, Alfonso, i Azahara (Tessa, la valenciana d'Operación Triunfo), filla d'un apòcrif rei musulmà de València, no fa en cap moment esment de Catalunya, s'hi refereix com el Norte, i Jaume I surt com a rei d'Aragó. Les quatre barres només llueixen un cop, i com a estovalles, però com a estendard només s'aprecia la creu de Sant Jordi. El portaveu del govern valencià, Vicente Rambla, va defensar ahir "la gran projecció d'aquest musical que narra una part de la nostra història", i va recalcar, en resposta a les crítiques, que l'obra "no va en detriment" de les arts escèniques valencianes sinó que pretén "sumar".

El musical soñado


www.clavedigital.com
23 de juny de 2006

“La bella y la bestia” se estrena el viernes 14 de julio en la sala principal del Teatro Eduardo Brito.

A sus 20 años, Stephanie Fatule Báez recuerda su participación en el musical “Alicia en el país de las maravillas”, que fue dirigido por Fidel López.
Orlando Ramos/Clave Digital.

SANTO DOMINGO, D.N.- Este jueves el elenco de 115 artistas de La bella y la bestia alcanza 1,557 horas de ensayos ininterrumpidos desde que el pasado enero el director de orquesta y mago de musicales, Amaury Sánchez, obtuviera los permisos de Disney Theatric para el montaje que se estrena el próximo 14 de julio en la sala principal del Teatro Eduardo Brito.
Sánchez habló con Clave Digital durante el primer ensayo conjunto entre los 60 músicos de la Orquesta Filarmónica de Santo Domingo, 14 actores estelares y un reparto de 38 artistas integrado por miembros del Coro Nacional y del ministerio Más que vencedores, que lidera el cantautor Juan Luis Guerra y bailarines del Ballet Clásico Nacional y de otras academias.
Dijo que llevaba seis años solicitando la licencia del montaje a Disney, que al conocer su participación en el musical Víctor Victoria, como director musical, quedó sorprendido. Sánchez había producido los musicales Evita, La novicia rebelde y Jesucristo Superstar, también de corte internacional.
"La primera vez que vi el musical fue en 1994. No pude dormir de la buena impresión durante cinco días seguidos”, comentó Sánchez. Una vez obtenida la licencia se somete a diversas evaluaciones por parte de Disney, que van desde la revisión de los contratos de sus anteriores musicales, selección del reparto y supervisión de los últimos ensayos. Para esto viajó al país el artista Jochy Asiático, asesor de Disney.
Coincidencias con un grande
Sánchez reconoce el “empujón” que le dio Víctor Victoria. Para ver el espectáculo que lleva 12 años en Broadway se deberá pagar RD$1,500 en platea y RD$1,000, balcón. En el espectáculo protagonizado por Freddy Beras Goico y Cecilia García, las entradas costaron RD$1,200 y RD$600.
El presupuesto preliminar del musical de Disney, según Yanira Ferry, esposa de Sánchez, ronda RD$14 millones. Cordero confirmó a CLAVE que el costo total de Víctor Victoria fue de RD$10 millones.
De dietas y más
Para ser Bestia, el rockero Máximo Martínez debió demostrar su talento innato entre otros cinco actores que audicionaron y cuyo nombre mantiene en secreto. Martínez asegura que lograr este personaje es un mérito que atribuye a Laura García Godoy, directora teatral. Su fórmula fue el entrenamiento personal, reveló la también actriz.
A fin de vestir el ajuar de 20 yardas de Bella en el valls, Stephanie Fatule Báez rebajó 20 libras. Desde enero asiste tres horas al gimnasio. Las horas en el gym también las aumentó Joséguillermo Cortines para acentuar la musculatura de Gastón, el bello malvado del musical. Roger Zayas, del grupo 4-40, dijo que perfecciona su acento francés pues hará de Lumiére.
Mientras que Cuché González del Rey pone a prueba su voz de soprano para ser el Armario. En el elenco la única niña es Chip, Paula Sánchez Ferry, de siete años, hija de Sánchez y Ferry.

Quién es quién
El elenco
La Bestia: Máximo Martínez
La Bella: Stephanie Fatule Báez
Lumiére: Roger Zayas
Gastón: José Guillermo Cortines
Le Fou: Kenny Grullón
Ding Dong: Luis José Germán
Armario: Cuché González del Rey
Sra. Potts: Patricia Banks
Chip: Paula Hernández Ferry
Babette: Robmariel Olea
Chicas Gastón: Dominique Bonelly, Ana Feliz y Annerys Cepeda
Papá de la Bella: Iván García
Loquero: Antonio Melenciano
Ficha técnica
Dirección musical: Amaury Sánchez
Dirección teatral: Laura García Godoy
Coreografía: Isadora Bruno
Director vestuario: Leonel Lirio, Candy Benoit y Milagros Placencia
Escenografía: Fidel López
Iluminación: Emmnauel Ferry
Sonido: Manolito Sorbías
Peinados: Camelia Almonte
Maquillaje: Machú-Pichu y Elis Mesa
Maquillaje Bestia: Warde Brea

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