31 d’octubre 2008

Aloma, de Mercè Rodoreda, arriba de la mà de Dagoll Dagom


www.ciutatoci.com
29 octubre de 2008

Fotografia d'Aloma de Dagoll Dagom (Autor: David Ruano)
Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya (TNC)
Del 23 d'octubre de 2008 al 4 de gener de 2009

Dagoll Dagom porta a la Sala Gran del TNC Aloma, la novel·la amb la qual Mercè Rodoreda va obtenir el premi Crexells l'any 1937 i que va revisar en profunditat el 1969, a l'exili. Una versió musical que fusiona dues veus, la de l'Aloma jove i la de l'Aloma madura, i transmet la riquesa del llenguatge pròpia de la narrativa rodorediana.

Aloma és la novel·la de la pèrdua de la infantesa, del pas a la maduresa i de l'assumpció del propi destí. Protagonitzada per una noia jove, completament dedicada a la seva família i a la casa, solitària i marcada pel suïcidi del seu germà Daniel, als 18 anys, Aloma afirma una i altra vegada que l'amor li fa fàstic; però tot canvia quan s'enamora de Robert, un parent més gran que ella que s'ha instal·lat a casa seva. Paral·lelament, al seu voltant, l'ambient familiar va endinsant-se en l'espiral d'una crisi que no sembla tenir fi i que desembocarà en la pèrdua de per tirar endavant.

Informació pràctica

Venda d'entrades
Tel·Entrada. Telèfon 902 10 12 12 o www.telentrada.com

Taquilles del TNC
Palau de la Virreina
De dimarts a dissabte d’11 a 20 h

Accessibilitat
A totes les sales del TNC hi ha espais reservats per a persones que utilitzen cadira de rodes. Per tal que el personal del TNC pugui garantir una atenció adequada a les seves necessitats, és recomanable trucar prèviament.

Fotografia de David Ruano
Informació subministrada pel Teatre Nacional de Catalunya (TNC).

El Teatro Romano de Mérida y un poco de historia


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18 octubre de 2008

Juan Sanguino Collado /EaD

El cónsul romano Marco Agripa (Marcus Vipsanius Agrippa, amigo íntimo y colaborador de Octavio Augusto, responsable de muchos de los éxitos militares de Octavio, entre los que destaca la victoria naval de la Batalla de Actium contra Marco Antonio y Cleopatra VII de Egipto) fue el principal promotor de su construcción, que se comenzó hacia en el año 16 a.C.

Su diseño sigue fielmente las reglas de los tratados de Vitruvio (Marcus Vitruvius Pollio), contemporáneo de Augusto y autor de un extenso sumario de toda la teoría sobre la construcción que había sido escrita hasta el momento: Los diez libros de la arquitectura (De Architectura Libri Decem).
El Teatro emeritense muestra semejanzas con los teatros de Dugga (Túnez), Orange (Francia) y Pompeya (Italia). El edificio responde a un modelo típicamente romano, ya establecido anteriormente en las construcciones de Pompeya y Roma.

Consta de un graderío semicircular para unas 5.800 personas dividido en tres alturas, la ima (con 22 gradas y 6 puertas), media (con 5 gradas) y summa cavea (con otras 5 gradas) . Levantado en el ángulo este de la ciudad, fue construido, aprovechando, como en los teatros griegos, la ladera de un cerro, en este caso la ladera de San Albín.

Tiene un diámetro de casi 96 m. A estas gradas se accedía mediante 13 puertas que comunicaban con los vomitoria. En su centro y parte más baja se sitúa la orchestra también semicircular (de 30 m. de diámetro), con las tres gradas de la poedria, reservadas para la alta sociedad emeritense y delimitadas con un murete semicircular de separación o balteus.

Esta orchestra estaba recubierta de mármol, y en su frente se levanta la vertical del podium, el frons pulpiti, compuesto por sucesivas exedras rectas y curvas. Además de las 13 puertas de acceso al graderío, tiene dos más para entrar en la escena, todas ellas con pasillos abovedados.

El frons scaenae, o frente de la escena, es elemento más conocido del conjunto arquitectónico. Sobre podia de 2,5 m. de altura, recubiertos de mármol, se elevan dos cuerpos de columnas corintias de casi 30 m. cuyas basas y capiteles son de mármol blanco y los fustes de mármol azul. Sobre cada orden de columnas se extienden sus correspondientes entablamentos con arquitrabe, friso y cornisa, todos ellos finamente decorados.

Entre estas columnas , se sitúan una serie de estatuas, emperadores divinizados, dioses y personajes clásicos como Plutón, Júpiter o Proserpina, sobre los que destaca la imagen sedente de la diosa Ceres esculpida en excelente mármol blanco y con una altura de 2,10 m.


Esta magnífica obra de arte está compuesta por dos piezas, una de la cabeza y torso hasta las ingles, y otra la de las piernas. Esta grave matrona, vestida de túnica (stola), con mangas abrochadas sobre el antebrazo y sujeta por bajo del seno con un ceñidor está velada con un manto (palia), en el que envuelve las piernas, con la cabellera partida sobre la frente en dos bandas de ondulantes rizos cuyos cabos caen a los lados del rostro y cuello, y está adornada con la diadema stéphanos que no deja lugar a dudas sobre su carácter divino.

Esta imagen es la personificación de la Tierra nutricia, en los momentos de su dolor sublime al verse despojada de su hija Proserpina, el fruto, por Plutón, el dios de las tinieblas. La Ceres emeritense muestra en su rostro una suave melancolía, un dolor mudo, reflejo de la concepción puramente griega de la diosa Deméter, que encierra en la amplitud y austeridad de sus formas el carácter de la diosa madre, cuyo amor se refleja en el rostro, velado con el manto, en señal de duelo.


Entre todo este conjunto de columnas y estatuas se abren las tres puertas de acceso a la escena, la central (valva regia, sobre la que descansa la diosa Ceres) y las laterales (valva hospitalarium). Por detrás de esta fachada hay diversas estancias para actores y demás personal. La superficie del escenario, el pulpitum, estaba recubierta de madera bajo la cual se distribuían los útiles necesarios para la formación de los telones, decorados y demás elementos de la escena.

En la parte posterior de la escena, fuera del teatro en sí, se construyo un jardín porticado, presidido por una pequeña cámara consagrada al culto imperial. Por su lado este se accede a una domus, (la casa del teatro), con peristylium y ricos mosaicos y en el fondo, en un lateral de la plaza, se localizan unas letrinas de uso público.

La modificaciones del teatro fueron continuas como las realizadas en tiempos de Trajano cuando se sustituyó parte del graderío central, en la ima cavea, por un santuario (sacrarium) de culto imperial, las del año 105 d.C. en que se levantó un nuevo frons scaenae o las de época de Constantino entre los años 330 y 340 d.C., cuando se pavimentó nuevamente la orchestra, se modificaron las puertas de acceso y se construyó una calzada que rodea el monumento. De su primer diseño quedan el porticus postscaenae o parte posterior de la escena, y el graderío.

Una vez implantado el cristianismo en el mundo romano, las representaciones, consideradas paganas y sobre todo inmorales, son prácticamente suprimidas, y el teatro cayó en desuso hasta nuestros días, que, una vez restaurado, comenzó de nuevo a ser escenario frecuente de grandes representaciones.

Todo gracias a J. R. Mélida, principal impulsor de la arqueología extremeña en el primer cuarto del siglo XX, cuya buena parte de sus investigaciones y trabajos los llevó a cabo en nuestra tierra entre 1907 y 1930, con la elaboración de los catálogos monumentales de Badajoz y Cáceres, las excavaciones en Augusta Emerita y el estudio del tesoro de Aliseda. En esta época la zona del Teatro era denominado popularmente como Las Siete Sillas, ya que antes de comenzar las excavaciones arqueológicas, únicamente eran visibles siete grandes fragmentos de la parte más alta del graderío, en los cuales, según la leyenda se sentaron siete reyes moros para decidir los destinos de la ciudad.

Siete Sillas. MéridaAntes de las excavaciones lo único visible de tan colosal construcción era la summa cavea, la única parte que estaba al descubierto y en consecuencia la de mayor deterioro en su estado de conservación. De esa parte final del graderío sólo se recuperaron los siete núcleos de hormigón que formaban su interior, con aspecto de asiento o silla. Estos siete elementos eran las míticas Siete Sillas.

Desde las primeras décadas del siglo XX, con la recuperación del recinto escénico, que estuvo durante años derrumbado y cegado por la tierra(Sería Ramón Menéndez Pidal el encargado de su reconstrucción, desde 1964, quien dijo del Teatro que era "el príncipe entre los monumentos emeritenses"), las milenarias piedras del Teatro Romano han acogido representaciones teatrales, operísticas, mágicos ballets y demás manifestaciones artísticas.

Margarita Xirgu en MedeaEl Festival de Teatro Clásico se celebra cada verano esde su nacimiento en 1933, año en que contó con la presencia de la legendaria intérprete Margarita Xirgu que encarnó la Medea de Séneca, traducida por Miguel de Unamuno. Esta gran actriz ha sido considerada la impulsora del festival de las artes del Teatro Clásico de Mérida.

De ella diría el mismo Unamuno: "Yo no he hecho más que hacer hablar a Séneca en castellano. Séneca no hizo más que explicar la historia de Medea. Pero Margarita Xirgu ha hecho Medea. Ha convertido este personaje, imaginario o real, en un ser vivo que se apodera de nosotros en cuerpo y alma".

Margarita XirguY Federico García Lorca definió su grandeza en verso: Ojalá que pronto puedas/ correr por altas montañas/ libre de tu camerino/ como una corza de llamas.

Desde sus inicios el Festival de Teatro Clásico de Mérida es un referente cultural destacado, y permite al espectador viajar en el tiempo y disfrutar del legado cultural grecorromano en sus escenarios naturales. Gentes de todo el mundo se conmueven cada año con las obras inmortales de los clásicos vistas en este escenario original, joya arquitectónica del siglo I a. de C., visitada cada año por cientos de miles de turistas y ubicada en tan bellísima ciudad Patrimonio de la Humanidad. Su espectacularidad e importancia hacen del festival un evento de relevancia internacional. Sólo nos queda disfrutar del espectáculo y de tan milenario entorno.

Juan Sanguino Collado.
Filólogo y especialista en Gastronomía Histórica, co-autor de De Cocina Antigua: Viaje Gastronómico desde Roma a Al-Andalus .

'Sweeney Todd' vuelve en busca de venganza a los escenarios madrileños


www.terra.es
15 octubre de 2008

La obra de Stephen Sondheim regresa a los escenarios madrileños once años después de su paso por el Albéniz con Joan Crosas en el papel protagonista y con gran parte del equipo original. Las peripecias 'grandiñolescas' de Todd salpicarán de sangre el patio de butacas del Teatro Español hasta el próximo 7 de enero.

Aunque la adaptación cinematográfica de Tim Burton ha popularizado la figura de Sweeney Todd, hace casi trece años que el barbero asesino debutó en nuestro país en una exitosa versión teatral dirigida por Mario Gas y protagonizada por Vicky Peña y Constantino Romero.

Unos orígenes sangrientos
Cuenta la leyenda que, a mediados del siglo XVIII, existió en Londres un barbero que degollaba a sus clientes y se deshacía de los cadáveres utilizándolos como relleno de los pateles que vendía su cómplice. Según algunas fuentes, fue ajusticiado en 1802 y ahorcado en la localidad de Tyburn, cerca de la capital inglesa.

Esta historia macabra, que tenía todos los componentes para convertirse en uno de esos relatos transmitidos oralmente de generación en generación, tuvo su primera versión en papel en el folletín por entregas The String of Pearls: A Romance, escrito probablemente por Thomas Prest.

El cuento obtuvo un éxito inmediato y casi de manera simultánea el dramaturgo George Dibden adaptó las peripecias de Sweeney Todd a los escenarios británicos.

La obra fue muy bien acogida y se convirtió en referencia ineludible de los teatros del grand guignol (o Blood Tubs, en su acepción anglosajona), denominación con la que se conoce un género muy popular en el siglo XIX y en la primera mitad del XX que tomó su nombre de Le Théâtre du Grand-Guignol fundado en 1894 en París por Oscar Méténier.

Este tipo de representaciones, homenajeadas por Neil Jordan en su 'Entrevista con el vampiro' (1994), estaban compuestas por pequeñas piezas en las que los temas más escabrosos eran mostrados con gran despliegue de efectos sangrientos.

Vicky Peña y Joan Crosas
Con el paso de los años, el libreto de Dibden pasó por tantas manos que poco a poco fue perdiendo solidez y se hizo casi irrepresentable.

A finales de la década de los sesenta, el dramaturgo Christopher Bond decidió dar a la obra la consistencia perdida y reescribió de nuevo la historia, convirtiendo la venganza del personaje protagonista en el eje del relato. A mediados de los setenta, se estrenó en el Theathre Royal de Londres.

Uno de los espectadores que quedó cautivado por la función fue Stephen Sondheim, genio incontestable del musical americano (reponsable de las letras de 'West Side Story' y de la música y las letras de obras como 'A Little Night Music' (1973), 'Sunday in the Park with George' (1984) o 'Into the Woods' (1987), recientemente adaptada por Dagoll Dagom).

Con ayuda del guionista Hugh Wheeler, Sondheim llevó al sanguinario barbero de la calle Fleet a los escenarios de Broadway. Contó con la dirección del insigne Harold Prince y la intepretación de Len Cariou y Angela Lansbury, una de las mejores Señora Lovett que se pueda imaginar.

A pesar de que al principio la acogida fue bastante tibia -la propuesta era, desde luego, radical e innovadora-, la obra se acabó convirtiendo en uno de los títulos claves del género (cuenta en su haber con ocho premios Tony), respetada incluso por aquellos que consideran los musicales como la versión popular y 'accesible' de la ópera.

'Sweeney Todd' en España
El montaje que ahora llega al Teatro Español (y que se podrá ver desde el 15 de octubre hasta el 7 de enero de 2009) ya cosechó una gran acogida cuando se estrenó en Barcelona en 1995. La versión en catalán, que contó con Constantino Romero y Vicky Peña en los papeles principales, supuso uno de los mayores éxitos de Mario Gas (es una de las obras más premiadas de su larga carrera).

El fenómeno se repitió cuando fue estrenada dos años después en el Teatro Albéniz de Madrid, esta vez con Joan Crosas como protagonista. Hasta el mismísimo Sondheim reconoció que la versión de Gas era la mejor que había visto nunca. Buena parte del equipo original repite en esta nueva producción, elegida por el Festival de Otoño para celebrar su medio siglo de existencia.

Sweeney Todd en escena
Ambientada en el Londres del siglo XIX, 'Sweeney Todd' narra la historia de un barbero condenado injustamente al exilio que vuelve a la ciudad para vengarse del Juez Turpin, responsable de la muerte de su esposa y actual tutor de su hija.

Con la ayuda de la Señora Lovett, que se vanagloria de hacer 'los peores pasteles de Londres', reabre la barbería y comienza a pasar por su implacable navaja a los causantes de su desgracia. La solución a la progresiva acumulación de cadáveres la encontrará en el negocio de alimentación regentado por su cómplice, junto a la que preparará unas empanadas de carne con un sabor único.

El montaje de Mario Gas, del que hace poco se ha podido ver su poderosa revisión de 'Las Troyanas' de Eurípides, cuenta con la dirección musical de Manuel Gas, la escenografía de Jon Berrondo (galardonado con el Max al mejor escenógrafo en 1998 por esta obra) y el vestuario de Maria Araujo.

Junto a Vicky Peña y Joan Crosas (premiado en abril de 2008 por su trayectoria en el teatro musical), en el reparto se encuentran, entre otros, Pedro de los Ríos, Teresa Vallicrosa, Maria del Mar Maestu, Pedro Pomares y Esteve Ferrer.

Los amantes del texto de Sondheim y Wheeler no deben preocuparse por la adaptación al castellano de canciones como 'The Ballad of Sweeney Todd' (uno de los temas más célebres, que desapareció de la adaptación cinematográfica de Tim Burton por deseo de su director), ' The Worst Pies in London', 'Johanna' o 'Epiphany'. La premiada traducción de Roser Batalla y Roger Peña conserva la ironía y los dobles sentidos del original.

Por su equilibrada mezcla de horror y lirismo y por la altura musical de todas y cada una de sus canciones, 'Sweeney Todd. El barbero diabólico de Fleet Street' ofrece al espectador español la oportunidad de reencontrarse con una de las obras maestras del musical, género que en nuestro país necesita en demasiadas ocasiones de creadores tan arriesgados como Sondheim y Gas.

30 d’octubre 2008

Jo sóc la meva dona


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29 octubre de 2008

Teatre Villarroel
Del 24 d’octubre al 14 de desembre de 2008

Joel Joan interpreta a Charlotte von Mahlsdorf, un transvestit alemany que va sobreviu-re dos règims dictatorials, els nazi i el comunista.

Charlotte von Mahlsdorf és l'exemple del supervivent, obstinat i lluitador, que va recórrer quasi tots els inferns de la marginació. Va ser un personatge contradictori que per una banda simbolitza la capacitat de resistir i enfrontar-se a règims dictatorials i, per altra, presenta aspectes més foscos sobre algunes de les seves activitats.

"Jo sóc la meva dona" explica la fascinació de l’autor, Doug Wright, per la vida de Charlotte von Mahlsdorf. Wright, va viatjar de Nova York a Berlín per entrevistar la Charlotte i va quedar captivat pel seu encant i els seus relats sobre com va aconseguir sobreviure. L’obra es nodreix de vàries fonts: transcripcions entre Wright i Charlotte von Mahlsdorf, cartes, articles sobre la seva vida publicats en diaris i arxius dels Stasi. I am my own wife, premiat a Broadway, ha estat guardonat entre d’altres, amb el Tony Award, el Drama Desk Award i el Pulitzer Prize.

Informació pràctica
Del 24 d’octubre al 14 de desembre. Estrena el 28 d’octubre a les 21h.
Horaris
De dimarts a dijous a les 21 h divendres a les 21:30 h
Dissabtes a les 18:30h i 22:00 h, diumenges a les 18:30 h

Informació subministrada per Focus.
VILLARROEL TEATRE
Tel: 93 451 12 34
http://www.villarroelteatre.com
C/Villarroel, 87

Premiado un programa que acerca el teatro a los niños

www.elcorreodeandalucia.es
17 octubre de 2008

Jénnifer Montilla

El Ayuntamiento de La Rinconada recibió un reconocimiento, en el décimo aniversario del Circuito de Artes Escénicas de Andalucía, por la trayectoria y el trabajo realizado para difundir el teatro infantil con el programa Abecedaria.

La Rinconada se convirtió la noche del miércoles en la única localidad de Sevilla en conseguir un premio en la gala, organizada por el Circuito Andaluz de Artes Escénicas para conmemorar sus 10 años. La concejala de Cultura, Raquel Vega, recogió la distinción por la implicación, el trabajo y la difusión que realiza el área de Cultura del programa infantil Abecedaria.

El municipio se incorporó en 2001 a esta oferta cultural de la Consejería y, según Vega “muestra el compromiso con la ciudad y la apuesta por el fomento de la alfabetización cultural". Asimismo, recuerda que la adhesión al programa se hizo con la idea de “impulsar la creación andaluza y apoyar una programación para todas las edades".

Abecedaria es un programa consolidado, que ha ofrecido a lo largo de estos años espectáculos de teatro, música, danza, títeres, conciertos o proyecciones, de la mano de compañías que se iniciaban en el mundo teatral, así como grupos reconocidos en escenarios de toda España. Las representaciones se dirigen a alumnos de Primaria y Secundaria para formar al público desde pequeños y acercar las artes escénicas y musicales a los colegios. Hace unos meses la oferta se amplió con espectáculos adaptados a los niños de hasta tres años.

'Mortadelo y Filemón', un muntatge exportable


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20 octubre de 2008

Van voler estrenar-lo a Barcelona, la ciutat on van néixer els personatges (fills del dibuixant Francisco Ibáñez), però la capital els espera també amb els braços oberts. Mortadelo y Filemón, una gran producció en castellà que ha apostat per sorprendre el públic amb espectaculars efectes especials, inclosa una escena en 3D, saltarà a Madrid després del seu pas pel Tívoli.
"L'índex de satisfacció dels espectadors és altíssim, el problema és que la gent associa el títol amb una producte infantil, quan realment es tracta d'un muntatge de molt alta qualitat, molt complex i divertit, destinat a tots els públics, de 7 a 90 anys", argumenta el productor José Velasco.

El vistós embolcall tecnològic i multimèdia --amb canvis de disfressa de Mortadel.lo en un obrir i tancar d'ulls, acrobàcies, vols aeris i projeccions-- assegura l'exportació a tot el territori d'aquest musical, dirigit per Ricard Reguant (Grease), que embasta a ritme frenètic mig centenar de melodies de l'Espanya que va créixer amb el tebeo. "És una llàstima que Barcelona no hagi aprofitat en aquests moments l'oportunitat de promocionar-se com la capital del gènere. Seria un fantàstic ganxo turístic. ¡Si li hagués passat a l'alcalde de Madrid...!", addueix Velasco, que recorda com aquesta ciutat registra cada any 1,5 milions de visitants que solen anar a veure aquest tipus d'espectacles.

29 d’octubre 2008

Diumenge de festival infantil a la Sala


Diumenge passat en sessions de matí i tarda es va poder veure a Sala Cabañes un festival infantil que tot i competir amb la quantitat de coses que es feien a Mataró aquests cap de setmana va tenir una entrada mes que acceptable de gent.
Jocs de malabars , màgia , pallassos i els personatges que tant li agradant al nens varen fer passar aquest últims una estona agradable.
Per matisar: la Sala sols i posava el local.

Aloma canta les seves penes d'amor al Teatre Nacional


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20 octubre de 2008

• Dagoll Dagom converteix la novel.la de Mercè Rodoreda en un musical intimista

Anabel Totusaus, Julia Möller (al centre) i Carme Sansa.
Foto: ÁLVARO MONGE

I. F.
BARCELONA

Ens en haurem d'anar de casa... La hipoteca venç aviat... No sé què fer". Paraules de rabiosa actualitat que va escriure Mercè Rodoreda el 1938. Ara les deixa anar l'actor Josep Julien en el musical Aloma de Dagoll Dagom que, sota la direcció de Joan Lluís Bozzo, arribarà al Teatre Nacional de Catalunya dijous vinent.
Una tarda d'assaig, Julien no l'encerta amb l'entonació d'aquestes paraules del desnonament destinades a la seva germana Aloma. "Desprèn-te del to amenaçador. Has de despertar compassió. ¡No fas pena!", li requereix Bozzo. I és que, a diferència de la resta de musicals en cartell (excepte Què), aquí es canten més penes que alegries. "No hi ha res més fals que pensar que cantar és sinònim d'alegria", afirma Alfonso de Vilallonga, el creador de la vintena de cançons que integren la versió. El director ho ratifica: "El musical és un llenguatge i pot explicar qualsevol història, com Mar i Cel o Els miserables. Aloma és un melodrama íntim i psicològic, que explora personatges amb qui molts es poden identificar". Per Bozzo, el repte és "aconseguir el difícil punt màgic de l'emoció".

PÈRDUA DE LA INNOCÈNCIA
"El món és ple d'Alomes", diu Bozzo. "De púbers que perden la raó i la innocència en mans d'homes madurs. Com les col.legiales que s'enamoren del profe". Pulsions edípiques que porten a aquell primer desengany amorós que Rodoreda, després del seu relat del 1938, va revisar, ja des de la seva maduresa a l'exili, el 1969. Aquesta reescriptura es plasma en l'adaptació que firma Lluís Arcarazo amb el desdoblament de la protagonista en dues veus: l'Aloma adolescent i ingènua (Julia Möller) i l'Aloma veterana (Carme Sansa).
La funció comença amb projeccions que ens endinsen en aquella Barcelona del tramvia en què va viure la novel.lista. La veu desencantada de Sansa assumeix el paper de narradora que visita el seu passat, la casa on habita la jove Aloma amb el seu germà i la seva família. L'arribada des de l'Argentina de Robert (Carlos Gramaje), germà de la seva cunyada, li desperta la libido i inicia el ball d'emocions.
"¡L'amor em fa fàstic!", va escriure Rodoreda. "Era una autora molt dura. Fugia del sentimentalisme", sub- ratlla Bozzo, que el 1972 ja va fer un guió d'Aloma, que encara guarda, junt amb l'estudi zodiacal que una amiga va fer dels personatges. Tots desgraciats. Fins i tot el de Gisela, la dona fatal que remena la cintura per l'escenari amb el seu luxe i el seu menyspreu, però també la seva infelicitat. Per Sansa, hi ha molta tinta autobiogràfica a les pàgines de l'autora. "Escrivia de si mateixa. Va ser una autodidacta, intel.ligent, un gran talent; si hagués sigut home hauria aconseguit el reconeixement fa temps. Es va haver d'espavilar i va ser valenta, com Aloma".

Barcelona arrabassa a Madrid el lideratge en grans musicalsBarcelona arrabassa a Madrid el lideratge en grans musicals


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20 octubre de 2008

• Sis propostes coincideixen a la cartellera després del gran èxit de públic la temporada passada
• Els productors animen a promocionar la ciutat com a destí d'oci d'aquests espectacles

Foto: SANTIAGO BARTOLOMÉ / LAURA GUERRERO / NURIA PUENTES / RICARD CUGAT

IMMA FERNÁNDEZ
BARCELONA

Hi ha joves delinqüents, altres que busquen la fama; un parell de maldestres agents de la TIA, lluentons al ritme d'Abba i un dislèxic Rei Artús que, amb els seus cavallers, va a la recerca del grial. A ells s'hi unirà, dijous, el cantar més íntim de l'Aloma de Mercè Rodoreda. Sis musicals --Què, Fama, Mortadelo y Filemón, Spamalot i Aloma-- per a una cartellera que, després de l'èxit del gènere la temporada passada, ha convertit la ciutat en la capital del musical.
Fa tot just tres anys, Barcelona mirava envejosa de reüll la Gran Vía madrilenya, per on desfilaven entre multituds Hoy no me puedo levantar, La bella y la bestia... Fins que el setembre del 2006 va arribar Grease, va donar brillantor al Paral.lel i va disparar la febre pel gènere. L'empresa holandesa Stage Entertainment, la reina de les franquícies, es va apuntar al filó i va desembarcar amb Cabaret i Mamma mia!, i els productors catalans es van unir al joc apostant fort amb les seves pròpies cartes.

CONTRA LA CRISI A
l'espera que amaini el temporal financer, els sis espectacles busquen consolidar la voluntat del públic català. Alguns productors ja tenen fins i tot en ment nous títols. De moment, al teatre Victòria cavalca al trot Monty Python's Spamalot, dirigit per Tricicle. "És un muntatge potent i divertit; perquè la gent s'oblidi de tot i disfruti", resumeix el productor Joan Lluís Goas, que valora, com la resta del sector, la presència de tantes notes i coreografies a l'uníson. "Són propostes molt diferenciades. Si són bons, hi ha espai per a tots. La mala sort és que han coincidit en el pitjor moment econòmic, tot i que alguns analistes diuen que en temps de crisi la gent consumeix més oci".
Les paròdiques gestes del rei Artús --en castellà-- lideren el rànquing d'espectadors (Mamma mia!, el de recaptació) i atrauen espectadors de fora. "Hi ha molts que vénen en AVE a veure el xou i es queden a passar el cap de setmana", informa Goas, l'anterior muntatge del qual, Grease, ara lidera la lliga de musicals a Madrid.

Julia Gómez, directora general a Espanya de Stage Entertainment, considera que si els musicals "estan ben fets hi ha lloc per a tots". "Ara, la gent necessita divertir-se. S'ha notat una mica la baixada entre setmana, però els caps de setmana les xifres són molt bones", informa la directiva de Stage, que després de l'èxit de Mamma mia! portarà La bella y la bestia al BTM al febrer.

EN CASTELLÀ I CATALÀ
Fama, un altre clàssic, ha tornat a Barcelona per seguir triomfant al Paral.lel, "el petit Broadway barceloní", segons el productor Javier Muñiz. El muntatge va néixer al Teatre del Sol de Sabadell, i d'allà va passar al Tívoli (en català) i a Madrid (en castellà). "Ja n'hem fet 1.000 funcions. Enganxa perquè explica situacions reals i pròximes. La fem en castellà perquè hi ha molta població immigrant i turisme", explica Muñiz, que anuncia el salt al gran format d'un altre èxit del Teatre del Sol, Joseph i l'increïble abric en Technicolor, amb música d'Andrew Lloyd Webber. "És la història bíblica de Jacob i els seus fills, però sen-
se matisos religiosos. Un èxit a Londres".
També vibrants i enganxoses són les partitures que Manu Guix ha compost per a Què, el muntatge en català dirigit per Àngel Llàcer sobre cinc nois conflictius que no troben el seu lloc en el món. De 4.000 a 5.000 persones passen cada setmana pel Coliseum per assistir a la seva desbordant energia i vitalitat. "No és el mateix demanar una Coca-Cola que un suc exòtic desconegut...", addueix el productor Toni Albadalejo, al comparar les franquícies de títols consagrats amb les creacions totalment originals com les citades Què i Mortadelo y Filemón. The Musical. "Aquestes últimes exigeixen més promoció de cara al públic", explica el responsable d'Anexa, que constata una assistència creixent.
"Fa pocs anys les sales obrien la temporada a l'octubre; ara ho fan al setembre", recorda Albadalejo, que valora la ràpida reacció del sector català per abordar el gènere davant de gegants com Stage. "Estem en alerta donada la crisi, però estem contents que, al cap d'una dècada d'èxits a Madrid, el musical s'hagi instal.lat a la nostra ciutat".

28 d’octubre 2008

Hola Che a Sala Cabañes


Fotos Pere Vazquez


El passat divendres a les 10 de la nit es va estrenar el muntatge "Hola Che" a Sala Cabañes en homenatge a la figura de Ernesto Che Guevara.
el muntatge poètic – musical va comptar amb una sala plena de molt variada clientela on sovintejava la gent gran sense descuidar unes quotes de públic més jove.
Amb l'assistència del cònsol general de Cuba a Barcelona Carlos Castillo Calaña, l'alcalde de la ciutat Joan Antoni Baron i el regidor d'esport Ivan Pera, Carles Maicas va presentar un seguit de relats curs que varen estar interpretats majoritàriament per els membres del col·lectiu EPMA de teatre. Meritori el treball col·lectiu d'aquest grup teatral i un canvi radical amb el que ens tenia acostumats a veure fins ara.
El personal tècnic de Sala Cabañes hi va posar la resta
L’acte era organitzat pel Casal d’amistat amb Cuba de Mataró – Comissió Memorial Che -

Joel Joan es vesteix de dona per recrear el travesti alemany Von Mahlsdorf a 'Jo sóc la meva dona'


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22 octubre de 2008

Joel Joan, caracteritzat com la protagonista de 'Jo sóc la meva dona'.

EFE
BARCELONA
Joel Joan es vesteix de dona a partir del 24 d'octubre a la Sala Villarroel de Barcelona per interpretar Jo sóc la meva dona, un espectacle sobre el travesti alemany Charlotte von Mahlsdorf.

Sota la direcció de Marta Angelat, l'actor representa un espectacle de Doug Wright guardonat, entre d'altres, amb un Tony, el Drama Desk Award i un premi Pulitzer.

Jo sóc la meva dona explica la fascinació de l'autor, Doug Wright, per la vida de Charlotte von Mahlsdorf, un travesti alemany que encarna un dels drames europeus més destacats del segle XX.

Supervivent del nazisme i del comunisme

A diferència de molts dels seus contemporanis, Von Mahlsdorf va sobreviure a dos dels règims més opressius de l'època, el nazisme i el comunisme. Gràcies a la seva aportació com a col·leccionista al patrimoni cultural germànic, va ser distingit amb l'ordre alemanya del mèrit després de la caiguda del Mur.

L'últim tram de la seva vida va ser molt polèmic a causa de les acusacions de complicitat amb la Stasi, la policia secreta de la RDA.

L'espectacle es nodreix de les transcripcions de converses entre Wright i Charlotte von Mahlsdorf, així com de les cartes i els articles publicats sobre la seva vida i dels arxius de la Stasi.

Pineda prepara la 10ª edició del Somriure per a Chiapas


http://diarimaresme.com
23 octubre de 2008

Pineda de Mar acollirà del 29 d'octubre al 9 de novembre la 10ª edició del Somriure per a Chiapas. Aquesta iniciativa està organitzada per "GONG per la defensa dels drets humans i dels pobles".

Presentació

La Masia de Can Comas de Pineda acollirà el proper dimecres 29 d'octubre, a les 8 del vespre, la presentació del Somriure per a Chiapas i del projecte Caravanes Solidàries de Pallassos "en Rebeldía". L'acte, que comptarà entre altres amb la presència de representants municipals i dels membres del GONG, continuarà amb la xerrada "El riure actiu que transforma el món", a càrrec d'Ivan Prado.

Tres blocs temàtics

En aquesta nova edició, diferenciada per tres blocs temàtics - activitats culturals, educatives i participatives, i activitats lúdiques - hi haurà tot un seguit d'actes, presentacions, documentals, xerrades, clowns, titelles, música, Fireta d'intercanvi i les actuacions de Toni Albà, Cristhian Atanisiu i Las Pestañas, entre altres activitats, que es perllongaran fins el proper 9 de novembre. Tots els ingressos derivats de les col·laboracions, seran destinats per la propera caravana de Pallassos "en Rebeldía", per les comunitats de resistència a Chiapas i pels materials formatius de la primera companyia de pallassos indígena que està formant.

Drets humans

GONG és una Associació sense ànim de lucre, amb seu a Pineda de Mar, que té com a finalitat el reconeixement dels drets de les minories i la defensa dels drets humans i dels pobles. En un principi, aquest projecte va néixer fa 10 anys vinculat a la realitat del poble camperol de Chiapas, a Mèxic. Però a partir de l'any 2003, l'entitat va ampliar els projectes a l'Argentina i Colòmbia, i actualment estudia l'ampliació a altres territoris.

Solidaritat i cooperació

Segons els membres de l'entitat pinedenca, els objectius generals de l'activitat són recolzar projectes i activitats que fomentin la igualtat social, prioritzant valors com la solidaritat i la cooperació internacional. També, l'Associació vol potenciar la participació cívica de la ciutadania, ampliar l'oferta sociocultural de Pineda de Mar i sensibilitzar a la població sobre els drets humans i dels pobles.

Estrenan obra teatral sobre el drama de la prostitución

www.lanacion.com.py
18 octubre de 2008

La obra teatral Sexo, embarazo, veneno y molotov, sube hoy a escena desde las 21:00, en el Teatro Tom Jobim de la Embajada del Brasil (Eligio Ayala y Perú). El acceso es libre y gratuito.

La puesta es una versión libre realizada por el director Tito Chamorro, de la obra del dramaturgo brasileño Plinio Marcos, O abajour Lilás. La obra tendrá una temporada de cuatro fines de semana, con funciones los viernes y sábados a las 21:00 y los domingos a las 20:00, siendo de exhibición recomendada para mayores de 15 años. La puesta está auspiciada por la Embajada del Brasil.

Dirigida por Chamorro, los roles protagónicos de la obra estarán a cargo de Margarita Irún, Jesús Pérez, con la actuación de Sonia Amarilla y Tania Irún. El diseño del vestuario fue realizado por el artista plástico Ricardo Migliorisi y la música original compuesta por dos referentes de nuestro Rock Nacional, Rodrigo Ferreiro del grupo “Paiko” y Diego Serafini del grupo “Gaia”, el diseño de luces de Alberto Castillo.

A finales de los años sesenta y en plena dictadura militar, el dramaturgo brasileño Plinio Marcos escribió o Abajur Lilás, una obra protagonizada por tres prostitutas que vivían esclavizadas bajo el yugo y el imperio de un inescrupuloso caficho gay de nombre Giro.

Versión paraguaya

Esta versión está inspirada en esa historia de Marcos, pero trascurre en nuestros días; sus personajes son tres mujeres libertinas paraguayas y un rufián en decadencia, regente de un prostíbulo de la zona portuaria de Asunción. La circunstancia y el contexto son absolutamente diferentes: ya no hay regímenes dictatoriales de Gobierno; hoy el mundo globalizado hace que aquello ya sea inviable y, el mercadeo de la profesión más vieja del mundo, se opera por la vía de una página de internet; el aparato celular permite a estas mujeres la posibilidad de ser autónomas; sumado a todo esto, hoy ya se ha instalado fuertemente en nuestra sociedad pos moderna y contemporánea, la idea de que las mismas sean consideradas trabajadoras del sexo. Pese a todo ello, hay todavía mucho que recorrer para que nuestra sociedad le conceda una integral reivindicación moral al ejercicio de la prostitución.

27 d’octubre 2008

«En teatro no te puedes escapar a genialidades sin una esencia humana»


www.eldiariomontanes.es
15 octubre de 2008

El veterano escritor, poeta y dramaturgo cántabro Aquilino Ceballos estrena esta semana en el Teatro Concha Espina su obra 'No existen las sirenas', de la mano de la compañía Sileno

GUILLERMO BALBONA

Aquilino Ceballos ultima los detalles del estreno de su obra
PALOMEQUE

PERFIL DE AUTOR
El autor torrelaveguense ha publicado numerosas obras poéticas y dramáticas, entre ellas destacan 'La historia de Baluz', 'Santos Oficios', 'Último nocturno para las mujeres de la noche', 'Libertad, libertad, libertad', 'La monja durmiente', 'Boceto y muerte de una ceremonia', 'El mundo de Manuel Llano' y 'Senda, poemario a los gitanos'.

Poesía: Poemas desde Cantabria. Losa de musgo verde. Al raso de la noche. Por las rutas perdidas. El tiempo último. El tiempo de la espera. Sólo el verso.

Teatro: Obras estrenadas y presentadas por el Grupo Senda.

Representada en la UIMP Teatro de la Coupe D"or de Rochefort, Francia. Palacio del Marqués de Comillas 'La Monja durmiente'. Representada en Torrelavega. Santillana del Mar.Teatro Principal de Reinosa. Círculo de Recreo de Torrelavega. Casa de Cultura de Cabezón...

"Boceto y Muerte de una Ceremonia". Estrenada en la Casa de Cultura de Torrelavega. 'El mundo de Manuel Llano' , estrenada en el Palacio de Festivales.El veterano escritor, poeta y dramaturgo Aquilino Ceballos hace tiempo que eligió un retiro voluntario, un exilio interior que no le impide proyectarse a través de la palabra poética y teatral. Su amor a la creación, a través de una palabra fértil, popular y apasionada, se ha plasmado en poemarios, incursiones editoriales, dibujos y, por supuesto, textos teatrales como el que esta semana, 'No existen las sirenas', verá la luz en su destino natural: el escenario. La compañía de Fernando Rebanal, Sileno Teatro, que ha crecido en su trabajo como grupo profesional emergente, afronta el reto de poner en pie en el Teatro Municipal Concha Espina el estreno absoluto de la última obra teatral del autor torrelaveguense, que será representada el próximo día 17, a partir de las ocho y media de la tarde. El evento está organizado por la Asociación de Amigos del TMCE y patrocinado por la Consejería de Cultura. Este drama fragmentado en seis escenas aborda en su epidermis una historia de amor que se desarrolla en Cantabria y tiene como protagonistas a dos enamorados, nacidos y criados en el mismo puerto. Su autor se sumerge en los cauces de lo popular y vuelve a subrayar las bellezas de la región. En 'No existen las sirenas' traslada al espectador a la realidad de la existencia humana. Mezcla simbolismo, magia y poesía en una historia de amor y esperanza que tiene al Cantábrico como telón de fondo.

-¿Cuáles son las señas de identidad de 'No existen las sirenas'?

-La identidad es el propio teatro, espejo de la vida. El encontrarme con personajes autónomos que nos muestran cómo fue la vida, en la obra, para que sea como lo es ahora. Somos nosotros, en realidad, en otro tiempo.

-Después de una trayectoria densa y fructífera en lo poético y teatral, ¿qué representa para usted el teatro?

-Supone encontrarme con los demás, a los que nunca olvido cuando escribo, entretenerles, informarles, y si puedo emocionarlos, poéticamente hablando, en un climax determinado, pero con los pies en la tierra para ver la verdad.

-Simbolismo,magia, poesía son ingredientes básicos de su teatro. ¿Qué aporta lo popular al lenguaje de la escena?

--Aporta la verdad de su espíritu, la autenticidad, que podemos interpretar, o matizar, pero que siempre está ahí.

-Defíname al Aquilino Ceballos dramaturgo.

-Me lo planteo como una forma de vivir lo que nunca nos dará tiempo de vivir, o la posibilidad, de entregarlo a los demás, sin mentir, pero al servicio del 'hecho escénico'. Yo entonces ya soy un espectador más.

-¿Por qué es tan difícil estrenar?

-Creo que es una falta de comunicación, por muchas circunstancias entre las partes interesadas, tal vez falta de credibilidad. Si esa existe nadie te negará nada, el aspecto económico es superable.

-¿Considera obligada la privacidad, la intimidad como una especie de templo laico para propiciar la creación?

--El que tiene la necesidad de expresarse, terminará haciéndolo, pero la privacidad ayuda a una mayor concentración y una mayor culminación de cualquier proyecto. 'El boceto de la ceremonia teatral' es más posible.

-¿Qué opinión le merece el trato y la política cultural institucional con respecto al teatro?

-El teatro es algo sutil que necesita convencer y ser entendido. Nadie te negará nada si crees en un proyecto creativo. Ahí está el próximo estreno. Javier López Marcano, consejero de Cultura ha hecho que lo entienda así. ¿Gracias, javier!

-¿Tiene muchos textos inéditos y obras en el cajón?

-Claro que sí, tantas o más de las que estrené, pero creo en mi propia obra y sé que terminarán por darse a conocer.

-El retrato sociológico del presente refleja una vuelta al teatro por parte del público. ¿ A qué lo achaca?. ¿Es una cuestión cíclica?, ¿Obedece a causas con un fundamento cultural?

-Es la vuelta a la verdad, el teatro es verdad, sin efectos especiales, sólo la máscara inevitable, pero reconocible.Tanto glamour hace mal al corazón. El teatro no está sujeto a nada, no se debe a nadie, sólo al público...auténtico protagonista en sus mil interpretaciones individuales y ha de entenderse así.

-¿Cómo enjuicia al teatro de hoy?

--Creo que hay una gran dispersión, fruto de nuevas búsquedas, no todas válidas o acertadas. No te puedes escapar a genialidades sin una esencia humana.

-¿Comparte esa idea de Lindsay Kemp de que hay que levantar al espectador del asiento, liberarle?

--Me parece que es subestimar al espectador, o yo no aspiro a tanto; yo sólo intento interesarles, informarles de las cosas en las que creo, las que están en el encanto de la memoria o el futuro.

-¿Qué valoración hace de los programas teatrales que conviven o se suceden en los diversos escenarios y centros de la comunidad cántabra?

--Es algo que no depende únicamente de los responsables. Es lo que hay, y con eso hay que trabajar e impulsarlos. No hay que pasarse de selectivos, pues es una escuela más. Estar en contacto con otra culturas y espectáculos nos enriquecerá. No olvidemos que nos llamaban la Atenas del norte.

-La escritura ¿también es redención? Para escribir teatro, ¿hay que creer en el hombre?

-Es llegar a lo posible, y hablando de teatro yo intento creer en mí aunque los contactos y la amistad sean esenciales para lograr un proyecto:una amistad positiva, como la que me ha brindado Alejandro Campo, vicepresidente de la asociación de amigos del teatro Concha Espina, o la labor inestimable del director de la obra, Fernando Rebanal, de sSileno Teatro, que ha aportado un trabajo magnífico, lleno de creatividad a la obra. Ellos son piezas fundamentales del estreno.

EL FIT premia el compromiso teatral de La Zaranda

www.elpais.com
18 octubre de 2008

P. ESPINOSA
Cádiz

La compañía jerezana La Zaranda lleva tres décadas en los escenarios. Con continua presencia en carteles y tablas de medio mundo. Pero siempre con el subtítulo de Teatro inestable de Andalucía La Baja. Sus éxitos son resultado de un compromiso que ayer el Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) galardonaba con el Premio Atahualpa de Ciopp. "Su equilibrio en el espacio y en el tiempo ha quedado más que demostrado", resumió la alcaldesa de Cádiz, Teófila Martínez, antes de entregarle el reconocimiento a Francisco Sánchez, conocido por todos como Paco el de la Zaranda.

A Paco el homenaje le ha cogido en plenos preparativos de viaje a Tolouse (Francia), donde va a presentar su nuevo montaje Futuros difuntos, que llegará a España a finales de noviembre. "Llevamos 30 años de inestabilidad bastante estable", explica para resumir lo que ha sido su carrera. Tiene por delante retos como llevar al cine, de la mano de Carlos Saura Medrano, su obra Los que ríen los últimos.

Tricicle, doctors de l'humor gestual, triomfen al Poliorama amb la seva última recepta,


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24 octubre de 2008

'Garrick', un homenatge al primer risoterapeuta de la història

Tricicle a Garrick.

IMMA FERNÁNDEZ
BARCELONA

No som actors. Som risoterapeutes llevapenes". Són Tricicle --Carles Sans, Paco Mir i Joan Gràcia--, doctors de l'humor des de fa 27 anys que tornen amb fonendoscopi i bata blanca per curar, durant una hora i mitja de tractament, el desànim que ens consumeix en aquests temps de des- envolupament insostenible. El riure és salut, confirmen els experts, i estalvi en prozac i altres sol.licitades pastilles de la felicitat. El trio segueix molt en forma --molt elàstics-- i amb Garrick han volgut prescriure als seus fidels pacients una hilarant successió de gags presentada com una conferència sobre l'humor. Una sessió, al Poliorama, més íntima que les anteriors i amb un títol que homenatja David Garrick, celebrat comediant anglès del segle XVIII. Es diu que els metges recomanaven les seves actuacions per curar les penes de l'ànima en una època sense antidepressius ni divans. És just, doncs, reconèixer-lo com el primer risoterapeuta de la història, i Tricicle, com els seus notables deixebles.
A Garrick se succeeixen els gags que il.lustren els tipus de riure (burleta, pilota...), les tècniques per provocar-lo i la seva biologia --amb un hilarant vídeo en què es disfressen de neurones, com el Woody Allen espermatozoide de Tot el que ha volgut saber sempre sobre el sexe... Els mètodes per activar "400 músculs del cos" van des de l'humor gràfic (vinyetes divertides) fins a escenes en un vàter i un ascensor. També hi ha un exercici de doma sense cavall al servei de l'expressivitat corporal de Sans; un sofert faquir (Mir) fustigat pel seu sàdic ajudant; un conte en què Mir desplega la seva destresa mímica, i un pintor (Gràcia), assetjat per un badoc. Al final, un esquetx d'embarassats i una novetat: debuten com a cantants i demostren que el seu fort és la pantomima.

DOBLE DOSI D'ENDORFINES
"Els nens riuen una mitjana de 300 vegades al dia; els adults, només 15", es diu a l'obra, esquitxada de savis diagnòstics: "Riure's de tot és propi de tontos, però no riure's de res és d'estú- pids". El dia de l'estrena no hi van ser aquests últims. I vista la reacció, Garrick --amb una mitjana d'un gag cada 10 segons-- suposa una elevada injecció d'endorfines. A aquesta s'hi pot afegir la que subministren, només en la seva faceta de directors, amb Monty Python's Spamalot, el musical que cavalca amb gran èxit pel Victòria. Humor absurd, el dels britànics, que es complementa amb el del trio català per a un tractament doble de risoteràpia.

26 d’octubre 2008

Estrenan con éxito el musical “Annie” en TN


www.listindiario.com.do
17 octubre de 2008

IRCANIA VÁSQUEZ
Karla Fatule, Francisco Jiménez y Tania Báez.
SANTO DOMINGO.-

La sala principal del Teatro Nacional Eduardo Brito acogió a más de un centenar de niños y adultos que se dieron cita para ser partícipes de la presentación de una de las historias más conmovedoras de todos los tiempos, en el esperado estreno del musical “Annie”.
La obra, que ha dado la vuelta al mundo desde su primera presentación, es la historia de una niña huérfana que ha sido seleccionada entre sus compañeras para vivir unos días en casa de un multimillonario, quien inicialmente sólo pretende dar buena imagen a la prensa pero que luego se encariña con la pequeña y decide ayudarla a encontrar a sus padres.

El musical es presentado en República Dominicana bajo la producción y dirección musical de Amaury Sánchez, dirección teatral de Waddys Jáquez, coreografía de Isadora Bruno y escenografía de Fidel López. Cuenta además con la actuación de consagrados artistas y un talentoso elenco infantil, encabezado por María Jesús Vargas, quien tiene el papel protagónico.

Discurso
“Annie es otro reto que anhelamos con vehemencia, lo hicimos nuestro y hoy lo compartimos con todos ustedes, creyendo firmemente que por encima de un show musical llevaremos un gran mensaje de amor y confraternidad en una historia tierna que de seguro nos conmoverá”, dijo Sánchez.

El Llibertí de Madaula i Guallar, per partida doble


www.totmataro.cat
24 octubre de 2008

L’obra amb més èxit del darrer any a Barcelona arriba a Mataró, diumenge i dilluns


Cugat Comas

La temporada de teatre del Monumental arriba aquest diumenge i aquest dilluns a un dels seus punts àlgids, per no dir la cita més esperada de l’any. L’obra de teatre que arriba al teatre mataroní no és altre que ‘El Llibertí’ que ve d’arrasar durant mesos al teatre Poliorama, d’haver acumulat més de 100.000 espectadors i d’haver estat l’obra més mediàtica i de més èxit de la darrera temporada de teatre a la capital.
El Llibertí té tots els ingredients per agradar a la sempre agraïda parròquia local del Monumental. D’entrada és un bon text d’Eric–Emmanuel Schmit, ha passat per les mans d’un director de l’experiència de Joan Lluís Bozzo, alma màter de Dagoll Dagom i que firma segons la crítica el seu millor treball amb aquesta obra i per si fos poc el repartiment també fa apuntar a que la cosa serà exitosa.

Un repartiment de luxe
A l’auguri d’èxit de director i obra se li suma la terna d’actors i actrius que hi ha darrera aquest muntatge. Tot i que l’obra a Barcelona la feia Laura Conejero ara l’ha substituït una altra mediàtica, Montse Guallar. Sobretot, però, qui prepondera és Ramon Madaula, en el paper de Diderot. Al seu costat, Jofre Borràs, Marta Millà, Nausicaa Bonnín i Paula Vives.

L’argument
L’autor aborda en el Llibertí un fet real: l’estada del filòsof de la Il·lustració Diderot en el pavelló de caça del baró de Holbach, on es va refugiar per escriure un article sobre el concepte de “moral” per a l’Enciclopèdia a la qual hi va dedicar vint anys de la seva vida.
En l’obra, la seva tasca es veu constantment interrompuda per quatre dones que posen en dubte les seves teories. El muntatge combina el ritme trepidant d’uns diàlegs brillants amb interpretacions tan encertades com la de Ramon Madaula en el paper protagonista, treball amb què va obtenir el Premi Ciutat de Barcelona 2007.

Per partida doble
El Llibertí es podrà veure a Mataró tant diumenge com dilluns ja que se’n va programar una pròrroga en vistes al bon ritme de vendes i a la previsible bona acollida del públic a l’obra. Diumenge l’obra és a les set de la tarda i dilluns, dia 27, a les nou del vespre.

Mario Gas: “Stephen Sondheim es uno de los grandes renovadores del musical”


www.todomusicales.com
7 octubre de 2008

El director escénico Mario Gas, actualmente al frente del Teatro Español de Madrid, dirige la reposición de SWEENEY TODD, de Stephen Sondheim, que se estrenará el próximo 15 de octubre.

Mario Gas es uno de los profesionales más renombrados de las artes escénicas en nuestro país. A lo largo de su dilatado currículum como director, ha abordado todo tipo de géneros teatrales (texto, ópera, musicales…). El musical ha estado presente de forma continuada en la trayectoria de Gas, quien ha dirigido obras como L´ÒPERA DE TRES RALS (1984), GOLFUS DE ROMA (1993), GUYS & DOLLS (1998), A LITTLE NIGHT MUSIC (2000), o ASCENSO Y CAÍDA DE LA CIUDAD DE MAHAGONNY (2007). En 1995 dirigió con gran éxito SWEENEY TODD de Stephen Sondheim (1995), montaje que le valió el Premi Nacional de Teatre de Catalunya y que ahora vuelve a reponer en el marco de su labor como director del Teatro Español de Madrid, cargo que desempeña desde el 2004.

En pleno proceso de ensayos de SWEENEY TODD, Mario Gas nos atiende en su despacho para hablar acerca de este nuevo montaje de la obra de Sondheim y sobre sus vivencias y experiencias en torno al teatro musical.

¿POR QUÉ HAS DECIDIDO VOLVER A MONTAR SWEENEY TODD?
Cuando yo llegué aquí, al Teatro Español, hace ya casi cinco años, una de las cosas que pactamos con el Ayuntamiento era que haría una reposición de alguno de los montajes que ya había hecho. Decidí que durante los primeros cuatro años no haría ninguna reposición y ahora, que ya han pasado cinco años, entre los tres o cuatro espectáculos de los que habíamos hablado pensé que el más adecuado era SWEENEY TODD. Es un espectáculo muy complejo y muy completo, con un texto espléndido, una utilización de la música y del concepto de teatro aplicado al musical bastante diverso y en contraposición con lo que podría entenderse puramente como la ópera de evasión comercial. Es una joya, una obra que mucha gente a lo largo de los años, tanto en Barcelona como en Madrid, me la ha ido pidiendo. Éste es el motivo de que ahí esté SWEENEY TODD nuevamente en la cartelera.

¿HAY DIFERENCIAS ENTRE EL ANTERIOR MONTAJE DE SWEENEY TODD Y EL QUE SE VERÁ A PARTIR DEL 16 DE OCTUBRE EN EL TEATRO ESPAÑOL?
Bueno, todos hemos crecido. Han pasado casi catorce años desde que se hizo en Barcelona y once años desde que se hizo en Madrid. Parte del reparto es el mismo, y hemos crecido y tenido una serie de experiencias en estos años. Otra parte del reparto es nueva. Así que con la incorporación de nuevas personas y con la evolución de las que ya estaban, la mirada es la misma pero es obvio que algún cambio habrá. En principio es el mismo espectáculo, no nace de un criterio de decir “tengo ganas de contar SWEENEY TODD desde otra perspectiva”. Pero aunque sea el mismo montaje, como decía Gil de Biedma “nosotros, los de antes, ya no somos los mismos”. En todos los sentidos. Ahí está ese SWEENEY TODD, que la gente puede tener en su retina, pero hecho desde ahora.

¿LA OPCIÓN DE VOLVER A CONTAR PRÁCTICAMENTE CON EL MISMO ELENCO LA TUVISTE CLARA DESDE UN PRIMER MOMENTO?
Sí, por supuesto. Si yo parto de la idea de que en su momento este espectáculo fue un éxito a todos los niveles –de crítica y público–, lo lógico es que, queriendo especular estéticamente sobre la misma propuesta, primero invitara a aquellos actores que estaban libres y que querían participar en el proyecto. Y mediante audiciones hemos completado el reparto de los personajes cuyos intérpretes originales, por diversas razones, no han podido estar.

¿CÓMO REACCIONARON LOS ACTORES CUANDO LES PROPUSISTE VOLVER A PARTICIPAR EN EL MONTAJE?
Muy bien. En la vida de los espectáculos creo que tan importante es su marcha laboral y su marcha de cara al público, como la marcha interior en cuanto a la cohesión que pueda haber humanamente dentro de las compañías. Esto es algo que a mí siempre me preocupa mucho. Y como SWEENEY TODD fue para todos una época fantástica, todos aquellos con los que hemos contactado y, no estaban en estos momentos trabajando, han aceptado encantados. Luego, claro, respecto a los personajes más adolescentes, con catorce años que han pasado desde el primer montaje, los mismos actores son los que han dicho que ahora no podían estar. Pero todos los demás han reaccionado con gran entusiasmo.

A DIFERENCIA DEL MONTAJE DE LOS AÑOS 90, AHORA YA SE HA ESTRENADO LA PELÍCULA DEL MUSICAL (SWEENEY TODD DE TIM BURTON SE ESTRENÓ EN LOS CINES EN FEBRERO DEL 2008). ¿INFLUYE DE ALGÚN MODO LA EXISTENCIA DEL FILM A LA HORA DE PLANTEARSE ESTE NUEVO MONTAJE?
Mira, cuando empezamos a ensayar SWEENEY TODD, a principios de 1995, ya se especulaba con la película. Ya se hablaba de que los derechos los había comprado la productora de Spielberg y que la película la iba a hacer Tim Burton. Y han pasado casi doce años hasta que realmente se ha hecho. Y yo creo que la película es la película, y la obra de teatro es la obra de teatro. Pero no hay ningún tipo de influencia ni interferencia. Yo he visto la película pero en ningún momento me he planteado cambiar cosas del montaje para recoger cosas del film.

¿QUÉ OPINIÓN TE MERECE LA ADAPTACIÓN CINEMATOGRÁFICA REALIZADA POR TIM BURTON?
Ni que decir tiene que soy un profundísimo admirador de Sondheim y bastante fan del cine de Burton. Y creo que la película está muy bien, yo soy de los que les gustó. Como dijo algún crítico, no acaba de ser un Sondheim entero y no acaba de ser un Burton entero. Pienso que la película se va diversificando de la primera mitad hacia el final, y creo que el final está muy bien. Lo que echo en falta es la ausencia de más temas musicales. Y también una cosa que me parece importante: y es que en la obra original la historia la cuenta un pueblo marginado, la cuentan al modo de una balada. En la película esto no está, simplemente se cuenta la historia de unos personajes, y creo que le quita un poco de epicidad y a veces también de sentido del humor. Pero vamos, tiene una estructura espléndida y está muy bien.

APARTE DE SWEENEY TODD, HAS LLEVADO A LOS ESCENARIOS OTRAS DOS OBRAS DE SONHEIM, A LITTLE NIGHT MUSIC Y GOLFUS DE ROMA. ¿QUÉ DESTACARÍAS DEL TRABAJO DE ESTE COMPOSITOR?
Yo creo que Stephen Sondheim es uno de los grandes renovadores de lo que se entiende por musical y que lo puede apartar un poco de ese teatro de evasión o puramente comercial. Creo que es un gran hombre de teatro, un ser muy inteligente y muy sensible con un dominio del lenguaje teatral fantástico, un letrista espléndido. Y luego, por supuesto, un músico muy profundo que relee el género llamado musical, que está atento a todas las tendencias musicales y que elabora siempre unas partituras muy personales a partir de historias muy interesantes. Entonces, para quien le guste la música y para quien le guste el teatro creo que Sondheim es un personaje fundamental y clave en el teatro con música del siglo XX –llámale musical, ópera o lo que tú quieras.

¿CÓMO RECUERDAS LA VISITA DE SONDHEIM A BARCELONA PARA VER TU MONTAJE DE SWEENEY TODD EN EL TEATRE POLIORAMA?
Tengo un recuerdo espléndido. Siempre que te anuncian que un autor vivo viene a ver tu montaje sientes esa especie de responsabilidad de pensar a ver qué le parecerá, o si le gustará. Porque en nuestro SWEENEY TODD, a pesar de que era una obra absolutamente fiel al espíritu del autor, había algunos pequeños cambios. Por ejemplo, el personaje de Toby estaba interpretado por una mujer, partes del coro las subdividí para individualizarlas más, también había un arreglo musical en cuanto a la composición de la orquesta, etc. Pero por suerte la reacción de Sondheim, que nos sorprendió a todos, fue absolutamente entusiasta. Y de una actitud digamos que amable, correcta, por supuesto simpática y educada pero tal vez un poco distante al principio, ya en la media parte salió entusiasmado preguntando quién había hecho los arreglos musicales y en la segunda parte ya empezó a levantarse de la butaca y a aplaudir, y hasta subió al escenario… Él ha dicho que fue una de las noches más bonitas de su vida teatral, con lo cual mejor no pudo ir. Y luego al día siguiente, que estuvimos hablando un par de veces, me pareció una persona extraordinaria. Desde entonces me he carteado con él en algunas ocasiones. En definitiva, fue una visita que realmente a todos los que participábamos en el espectáculo nos llenó de emoción, y el público que asistió aquella noche con esa presencia singular del autor puede decir “yo estuve allí”.

EN TU TRAYECTORIA COMO DIRECTOR HAS ABORDADO GRAN VARIEDAD DE GÉNEROS TEATRALES. ¿QUÉ PECULIARIDADES TIENE EL MUSICAL RESPECTO A OTROS GÉNEROS?
Cada género tiene su código, pero yo creo que todo es teatro. A mí como espectador me pueden gustar mucho algunos musicales, o escucharlos en mi casa, o comprarme el dvd, etc. Pero como director siempre atiendo a la palabra “teatro”, y tanto en lo que se refiere a los musicales como al teatro de texto lo que busco es que expliquen historias potentes. Y, en el caso del musical, que la música acompañe de forma muy potente, también. Por este motivo Sondheim es fantástico. Fíjate que en la época en la que Flotats dirigía el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) me encargó hacer un musical como GUYS & DOLLS, que era una obra con una música espléndida y con un texto que partía de una serie de relatos muy buenos, pero que luego tenía un libreto un poco aguado. Y entonces, dentro de la perspectiva del TNC, a mi me apeteció reflexionar sobre el género e hicimos una especie de adaptación en la cual GUYS & DOLLS estaba incluido dentro de unos conflictos diferentes. Es la manera de abordar los musicales que me gusta, y no hago mucha diferencia entre musical y teatro de texto. Si es teatro bueno me interesa todo. Y si puedo expresar algo con ese texto y con esa música, en el caso de los musicales, pues allá vamos.

¿TE HAS PLANTEADO EN ALGUNA OCASIÓN PRODUCIR Y REALIZAR UN MUSICAL DE CREACIÓN PROPIA, EN EL MARCO DE TU LABOR EN EL TEATRO ESPAÑOL?
Como director estoy abierto a cualquier tipo de propuesta y sí, tengo algunas ideas. Como director del Español yo soy muy consciente de que hemos abierto todo el aspecto musical, ya que éste es un teatro de una tradición musical importantísima. Hemos hecho zarzuela, ópera de cámara, Mozart, etc. Y si llega el momento en que llega un texto potente y una música potente, ¿por qué no?. Siempre desde la perspectiva de un teatro público, ya que yo creo que las franquicias que se están haciendo actualmente en España responden a otros conceptos, a otros criterios, a otra manera de captar al público y a otros fines últimos. Entonces, eso no lo haré nunca, queda para la empresa privada, es su terreno y a ellos les corresponde. Todo aquello que pueda significar una apertura artística a cosas que a lo mejor en el teatro privado no se pueden hacer, creo que es bueno que el público las conozca y se puedan hacer desde un teatro público, en este caso el Teatro Español. Ya sea musical o teatro de texto, si es interesante por supuesto que lo abordaremos en el futuro. Porque se ha de tener en cuenta que éste es un teatro municipal que atiende a todas las artes escénicas, no solamente al teatro con música.

UNO DE MUSICALES QUE MÁS ÉXITO OBTUVO EN TU ETAPA AL FRENTE DEL TEATRO ESPAÑOL FUE ASCENSO Y CAÍDA DE LA CIUDAD DE MAHAGONNY. ESTABA PREVISTO QUE EL MONTAJE REALIZARA UNA GIRA POR ESPAÑA Y FINALMENTE LLEGARA A BARCELONA. SIN EMBARGO, POR DIVERGENCIAS CON LA FUNDACIÓN KURT WEILL, QUE GESTIONA LOS DERECHOS DE LA OBRA, SE TUVO QUE CANCELAR EL PROYECTO. ¿CÓMO VIVISTE ESTA EXPERIENCIA?
Con una sensación de frustración enorme. MAHAGONNY es el paradigma de un teatro comprometido, con una música comprometida y que está en un género muy inclasificable, que es lo que pretendían Brecht y Weill cuando lo hicieron. Es una obra que continúa la experiencia de LA ÓPERA DE PERRA GORDA (LA ÓPERA DE TRES PENIQUES) pero que aún se intensifica en cuanto a la temática y a la estructura musical. Pero como siempre pasa, herederos de herederos de herederos, ante la amplitud y las nuevas experiencias, ante estar abiertos a nuevas modificaciones, convierten el genio y la pretensión de los artistas en normas escleróticas y solamente admiten que todo sea según la tesitura original escrita en la partitura y no se puede realizar ningún cambio. Cambios que en sí, a lo largo de los tiempos, ya han hecho algunos artistas, como la propia Lotte Lenia. Creo que nuestro espectáculo era muy fiel a Brecht y a Weill, ello requería sacarlo un poco de la urna de la ópera convencional y trabajar un poco las tesituras para que pudieran amoldarse a cantantes-actores y actores-cantantes con los que yo había trabajado en muchos otros espectáculos y que son todos fantásticos. Estaba muy en la línea de ese especie de género mixto que se inventaron Brecht y Weill de música seria, cabaret, balada, actuación… y creo que el espectáculo estaba muy bien. Es más, las personas que vinieron de Viena a supervisarlo lo encontraron espléndido, pero la Fundación Weill insistía en cómo había que hacerlo. Nos pedían que cambiáramos a tres de los protagonistas que yo los encontraba absolutamente indispensables, con lo cual no nos plegamos a sus peticiones. Y tuvo la sanción de no poder continuar ni salir de gira.

MAHAGONNY y SWEENEY TODD son el paradigma del tipo de musicales con los que yo me siento identificado. Yo ya había montado LA ÓPERA DE PERRA GORDA en el año 84 y estuvimos en el María Guerrero cuando lo dirigía Lluís Pascual. Y SWEENEY TODD también encaja con esto, ya que es una fábula moral shakesperiana, esperpéntica, de gran guignol, con un tratamiento musical fantástico que te hace pensar en varias cosas y que es teatro químicamente puro.

¿ESTÁ PREVISTO QUE EL NUEVO MONTAJE DE SWEENEY TODD REALICE GIRA POR ESPAÑA Y SE REPRESENTE TAMBIÉN EN BARCELONA?
No lo sé, eso depende de Barcelona y de otros sitios. Nosotros lo hacemos en Madrid. Por lo que estamos viendo, la demanda que hay ya empieza a ser bastante importante. Estoy muy contento con los ensayos, porque todo el mundo está en plena forma: Vicky Peña, Joan Crosas, Teresa Vallicrosa... Y los actores nuevos pienso que son todos fantásticos, también. Y bueno, lo hacemos aquí a tiempo fijo, como debe ser en un teatro público, y luego ya se verá si alguien en Barcelona lo pide. Tengo que decir que recuperamos decorados que nos ha cedido la Generalitat de Catalunya, ya que contamos con la escenografía original de Jon Berrondo, aunque algunas cosas las hemos cambiado con el paso del tiempo. Pero la gente verá SWEENEY TODD con la concepción que ya la vio hace unos años. Luego, por supuesto, hay pequeñas cosas que aunque la gente no se dé cuenta, están cambiadas.

Joel Joan es posa dins la pell d'una dona a La Villarroel

www.avui.cat
22 octubre de 2008

Joel Joan es transforma en l'alemanya Charlotte von Mahlsdorf a 'Jo sóc la meva dona', un monòleg que arriba a La Villarroe

Teatre Villarroel

John Marks, un dels personatges de Jo sóc la meva dona, defineix com ningú Charlotte von Mahlsdorf, el transvestit alemany que protagonitza l'obra de Doug Wright que arriba aquest divendres a La Villarroel: "És la persona més excèntrica i singular que ha parit la Guerra Freda". La cita va sortir ahir de la boca Joel Joan, l'actor que es fica dins la pell d'una dona que va néixer el 1928 i que va patir els dos totalitarismes més sagnants de la història, el nazisme i l'estalinisme. Tusquets va publicar el 1994 la història de Von Mahlsdorf -amb el mateix títol de la peça teatral- i l'escenari de l'Eixample ens la serveix passada pel sedàs del dramaturg nord-americà Wright, un èxit esclatant a Broadway.

La forma del muntatge és el d'un monòleg, en el qual el protagonista, Joan, en aquest cas, interpreta una quinzena de personatges, a banda de la Charlotte. El muntatge original en tenia una quinzena més, com el mateix John Marks, però la directora, Marta Angelat, ha decidit deixar-los fora per mantenir el ritme i adaptar-se al seu actor. "És un monòleg però no faig un únic personatge: podria ser una superproducció de Spielberg", diu Joan. I és que per Jo sóc la meva dona passa la història més cruel del segle XX, i sempre amb sentit de l'humor. I a través dels ulls d'una dona nascuda home que es passejava amb l'abric de la mare pel Berlín nazi dels anys 40. "La Charlotte va viure en un món tan cruel que es va haver d'inventar una realitat per poder sobreviure", matisa Angelat.

Dins el propi museu
Von Mahlsdorf va morir el 2002 i no va poder veure estrenada l'obra que Wright va escriure sobre ella. La sèrie d'entrevistes que el dramaturg nord-americà li va fer són la base del muntatge, així com l'espai és el Museu Gründerzeit, creat per ella mateixa en un casalot barroc de la capital alemanya.

Angelat deixa clar que la condició de transvestit de Von Mahlsdorf "és una simple característica del personatge". I Joel Joan avança que el que més li ha costat de l'obra no és esdevenir un transvestit, sinó mantenir el pols ell sol damunt l'escenari durant una hora i vint minuts, i més fent diferents persones alhora. Se'n sortirà? Ho sabrem a partir de divendres, quan també descobrirem les contradiccions d'una dona que va patir el segle més salvatge.

25 d’octubre 2008

Diderot s'enfronta al seu repte més important a l'escenari del Monumental


www.capgros.com
24 octubre de 2008

Joan Lluís Bozzo porta a Mataró ‘El Llibertí’, d’Eric-Emmanuel Schmitt, un dels grans èxits teatrals de la temporada

per V. B
fotos Cedida
Una escena de l'obra estrenada al teatre Poliorama

Grans dosis d’enginy, ritme propi del vodevil, diàlegs estimulats, situacions còmiques i moments pel gaudi de l’intel·lecte. Eric-Emmanuel Schmitt (França, 1960) aconsegueix reunir tots aquests elements, i molt més, a l’obra El Llibertí. L’autor d’El senyor Ibrahim i les flors de l’Alcorà s’ha convertit en un dels autors francesos més respectats, ja que els seus textos es representen arreu del món. A Catalunya, El Llibertí ha tingut la sort de caure en mans de Joan Lluís Bozzo, que tal i com ha destacat unànimament la crítica, ha sabut premer les tecles adequades per portar a escena i convertir en un dels grans èxits de l’any aquesta història protagonitzada per Diderot, l’autor de l’Enciclopèdia. El muntatge arriba al Monumental en doble sessió, diumenge 26 i l’endemà dilluns, en el marc de la temporada de teatre i dansa de tardor.

Schmitt les farà passar magres a Diderot, tot un llibertí, per aconseguir el seu objectiu: escriure el concepte “moral” per a la seva Enciclopèdia. Allotjat a casa del seu amic el baró d’Holbach, l’autor s’esforça per acabar dins del termini, però les constants interrupcions de quatre dones estan a punt d’impedir-li-ho: una misteriosa i exuberant pintora que el vol retratar nu; la seva esposa que li deixa anar indirectes sobre una possible infidelitat; la seva jove filla Angèlica, que li va bullir el cap amb les seves passions pels homes més grans; i la filla d’un baró que vol deixar de ser verge. Schmitt les farà passar magres a Diderot, tot un llibertí, per aconseguir el seu objectiu.

L’habitual “un cafè amb” previ a la funció en aquest cas se celebrarà dilluns dia 27, i comptarà amb la presència de Ramon Madaula, actor principal de l'obra, i Juli Macadulla, productor de la Sala Beckett. La presentació anirà a càrrec d’Anna Verdaguer, professora d’Història de Teatre.

Diumenge, dia 26, a les 7 de la tarda, i dilluns dia 27, a les 9 del vespre. Al Teatre Monumental. Preu: 22,5 euros (platea), 18,5 euros (amfiteatre). Un cafè amb..., dilluns 27 a les 7 de la tarda a l'Aula de Teatre

Marta Angelat commou amb l'emotiva reflexió sobre la mort de 'L'any del pensament màgic'


www.elperiodico.cat
17 octubre 2008

Marta Angelat, a l'obra.
CÉSAR LÓPEZ ROSELL
BARCELONA
"La vida canvia en un instant. T'asseus a sopar i deixa de ser el que era". Paraules de l'escriptora nord-americana Joan Didion, extretes del seu terapèutic llibre L'any del pensament màgic, que recull la crònica d'algú que ha viscut les devastadores conseqüències de la inesperada mort del seu marit, el també autor John Gregory Dune, i de la seva filla, Quintana, amb tan sols uns mesos de diferència. Manifestació punyent i tractat sobre l'autocompassió. I mirada a 40 anys de matrimoni i a les relacions familiars.
A l'escenari, tal com va fer Vanessa Redgrave a Broadway, una sola actriu, però ¡quina intèrpret! Marta Angelat, dirigida per Óscar Molina, es fica fins al moll de l'os en la màgia d'un text de complexa adaptació escènica, a la Sala Beckett. Els tons clars i grisosos del vestuari i escenografia amb una taula amb objectes al.lusius a l'obra, unes sabates a terra guardades per a un retorn que no arribarà, un petit banc i una tènue il.luminació creen el marc per a aquesta visió sobre els efectes de la pèrdua.
"No voleu pensar que us podria passar el mateix a vosaltres, però us passarà", avisa Angelat amb la seva greu, profunda i embolcalladora veu, capaç de dotar d'un color diferent cada passatge del relat.
L'actriu salva els obstacles i arriba a la meta d'aquest commovedor, intens i emotiu viatge ¿cap enlloc? Sorgeixen les preguntes i reflexions sobre el que ha estat o podria haver estat la seva vida sense aquest maleït tomb de l'atzar i l'espectador acaba removent-se a la butaca sota el pes d'aquesta confessió psicoanalítica que no deixa lloc per a l'evasió.

Montoya apuesta por el festival de artes escénicas para ayudar a jóvenes valores


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12 octubre de 2008

Las actividades del simposio reunirán en Zamora a unas dos mil personas entre participantes profesionales y público

PAZ FERNÁNDEZ
ZAMORA

Sergio Montoya, junto a Mar Eleno y Clara San Damián, visita uno de los talleres. A la derecha, animación de calle. / TICO LUCA El VII Encuentro de Artes Escénicas para Jóvenes de Castilla y León, que se inauguró ayer se prolongará hasta mañana lunes con 18 actividades dirigidas a los más pequeños y a los jóvenes de la Comunidad, movilizará a unas dos mil personas entre participantes a los encuentros profesionales y público.
El encargado de dar el pistoletazo de salida a este evento cultural fue el director de Juventud de Castilla y León, Sergio Montoya, quien aseguró que en esta edición se persigue reunir a unos dos mil jóvenes en todas las actividades que se realizan este año en dos sedes, en la capital zamorana y en Toro. El encuentro de este año, precisó Montoya, está dirigido a jóvenes de la comunidad vinculados con las artes escénicas, bien desde el punto de vista profesional o como aficionados.
El encuentro se divide en cuatro bloques. Uno está dedicado a las representaciones teatrales, el siguiente al teatro en la calle, el tercero a los talleres infantiles y juveniles y el último apartado tiene que ver con las conferencias y mesas redondas.
El teatro Latorre toresano ha acogido la primera representación teatral del fin de semana. Así, los toresanos pudieron disfrutar de la obra 'Desde lo invisible', que ha sido galardonada con el premio MAX 2008 al mejor espectáculo revelación. Se trata de un teatro social donde se intenta hacer ver al público los problemas y situaciones a los que se enfrentan a diario las personas con discapacidad. También en Toro se ha podido disfrutar del teatro en la calle con 'Escuela de Vuelo', que se ha representado por la zona centro de la ciudad.
Durante esta primera jornada, los zamoranos y resto de participantes de toda la comunidad autónoma han podido disfrutar de otras actividades, como conferencias sobre la pedagogía del teatro como medio de atracción de niños y jóvenes, a cargo de Vicent Vilá, director de la Sala Escalante de Valencia, y la posterior mesa redonda, con la presencia de la actriz y directora de teatro Ana Gallego.
Juego dramático
De forma paralela, durante la primera jornada se desarrollaron los primeros talleres de juego dramático para jóvenes de 12 a 17 años, aunque también se incluyó a una zamorana de 18 que quería participar, mientras que los pequeños de 7 a 12 años aprendieron mucho sobre el mundo del circo y de los títeres, pues les enseñaron a construir marionetas a partir de unos simples calcetines.
Sergio Montoya se mostró muy satisfecho por el resultado de esta primera jornada, que ha tenido una gran aceptación por parte del público, tanto en las conferencias como en los talleres programados.
Así, el director de juventud recordó durante la inauguración que se empiezan a cumplir, un año más, los objetivos de este encuentro de artes escénicas como es «acercar e iniciar jóvenes en el mundo de la cultura y dar una oportunidad a los jóvenes que quieren dedicarse al teatro».
Además, con este iniciativa que describió como «muy compensada», dijo el responsable de Juventud de la Junta, se consigue favorecer «la emancipación de los jóvenes y ayudar a jóvenes valores emergentes para que se pueden ganar la vida en el mundo de artes escénicas».
Hasta Zamora también se han desplazado 25 jóvenes que han conseguido una beca para poder pasar el fin de semana disfrutando de las actividades, además de representantes de las 14 compañías de teatro oficiales que hay actualmente en Castilla y León.
En el acto inaugural estuvieron presentes la concejala de Juventud del Ayuntamiento de Zamora, Mar Eleno, y la diputada de Juventud, Clara San Damián, quienes recorrieron junto al director regional dos de los talleres que se estaban celebrando en la mañana de ayer en la capital.
Hoy domingo las actividades culturales continúan en la ciudad de Zamora con una conferencia sobre la creatividad como herramienta del teatro infantil y juvenil, talleres de mimo, caracterización y vestuario, teatro de calle 'Cabaret 9' en la calle Santa Clara y la primera representación en el Teatro Principal. La obra será 'Vaca' que ha sido la obra ganadora en el Certamen de Artistas Emergentes de Castilla y León de este año.
Para bebés
El lunes continuarán los actos donde lo más destacado será las dos representaciones de la obra 'Muuu!, Las cosas de Celia', un teatro para bebés para el que ya no hay localidades y que se representará en el Principal con 60 pequeños de 6 meses a 2 años en cada una de las dos actuaciones, y que estarán acompañados por sus padres. También el lunes habrá tiempo para el espectáculo de calle a cargo del circo Psikario.
Además están programadas sesiones de cuentacuentos para todos los públicos protagonizadas por Charo Jaular

Un monòleg retrata la dura vida de les dones de l'exili espanyol


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25 octubre de 2008

• Rosa Galindo protagonitza 'La Maternitat d'Elna' a Temporada Alta

Un grup de nens nascuts a la maternitat d'Elna als anys 40.
Foto: ARXIU ELIZABETH EIDENBENZ / MAURICI BIOSCA
GEMMA TRAMULLAS
BARCELONA

El festival de Girona viurà avui una de les seves nits més emocionants amb la representació a la sala La Planeta de La Maternitat d'Elna, un monòleg teatral basat en el llibre d'Assumpta Montellà sobre les dones de l'exili espanyol que es van salvar de parir en les tremebundes condicions que hi havia als camps de concentració francesos. "És el muntatge més preciós que he fet mai, el més potent --explica l'actriu i cantant Rosa Galindo--. És emoció pura i va directe al cor".
Tot i tenir a penes 42 anys, en feia cinc que Galindo havia decidit deixar de cantar i d'actuar. Poe, de Dagoll Dagom, va ser la seva última aparició en un escenari, "per una decisió existencial" com ella diu. No obstant, un dia va caure a les seves mans el llibre La Maternitat d'Elna: "El vaig llegir en una nit, d'una tirada, i no vaig poder parar de plorar. Immediatament vaig saber que volia tornar a posar el meu instrument, la meva veu, al servei d'aquelles his- tòries reals".
El llibre d'Assumpta Montellà recull els testimonis de les dones que, gràcies a la intervenció de la jove suïssa Elizabeth Eidenbenz, van poder tenir els seus fills en un espai adequat per a elles i no sobre la terra bruta dels camps. Entre el 1939 i el 1944 van néixer un total de 597 nens a la Maternitat d'Elna, un poble de la regió de Llenguadoc-Rosselló. "No és casualitat que aquest material hagi caigut a les meves mans just quan estic a la recta final d'un procés d'adopció", explica Galindo.

PARTITURA EMOCIONAL
L'obra es va estrenar al setembre al Museu Memorial de l'Exili de la Jonquera, amb dramatúrgia de Pablo Ley i direcció de Josep Galindo, germà de Rosa. La peça no és un musical tradicional, sinó un conte amb cançons. Elizabeth Eidenbenz era una melòmana i tocava cançons catalanes i franceses per a les dones. El fil conductor de l'obra és una selecció d'aquelles peces musicals, una "partitura emocional" interpretada en directe pel pianista Luc-Olivier Sánchez.
"Durant l'obra, hi ha moments en què em costa contenir el plor i altres en què em deixo portar per les emocions", explica Galindo. L'actriu, el pianista i la companyia Projecte Galilei --formada per Pablo Ley i Josep Galindo per portar als escenaris un tipus de teatre documental-- s'han convertit en una família molt ben avinguda: "Fins ara estava buida, no tenia res per explicar. Ara sóc com una nena petita. Vull treballar amb aquest equip per sempre". Les entrades per a la funció a la sala La Planeta estan esgotades des de fa uns quants dies.

LLIBRE, TEATRE I CINE
La Maternitat d'Elna va ser llibre al principi, després exposició, ara teatre i també se n'està preparant una versió cinematogràfica dirigida per Manuel Huerga. La companyia Projecte Galilei està buscant una sala a Barcelona que s'adapti al format íntim de l'obra. "Ha de ser un espai on jo pugui mirar el públic als ulls", afirma Galindo.
"Tinc un lligam amb aquesta història --continua--. Quan acabo trobo a faltar tot el que té de positiu, perquè és una història molt dura, però té molt amor. Hi ha el pitjor i el millor de l'ésser humà".

24 d’octubre 2008

Carles Maicas presenta avui a Sala Cabañes “Hola Che”


Avui a les 10 de la nit i sota la direcció de Carles Maicas el grup de teatre EPMA Solidari amb la col.laboració tecnica i producció de Sala Cabañes es presenta aquest muntatge sobre la figura de Ernesto Che Guevara

Carles Maicas diu del muntantge

“HOLA CHE” és un treball de dramatúrgia basat principalment en poemes, cançons i cartes del poemari Guevarià que han escrit moltíssims poetes arreu del món, recordant l’assassinat comés a Bolivia fa quaranta i un anys del guerriller Ernesto Guevara, “El Ché”.

En el muntatge, trobareu poemes de:
Juan Valero Mateo (Abel) (Mataró)
Eduardo Galeano (Uruguay)
Luis Pastor (Cuba)
Humberto Constantini (Argentina)
Leonel Rugama (Nicaragua)
Ernesto Guevara (Argentina-Cuba-Bolivia)
Manuel Durán (Espanya)
Samuel Feijóo (Cuba)
Leon Felipe (Espanya)
Claribel Alegria (El Salvador)
Mario Benedetti (Uruguay)
Mirta Aguirre (Cuba)
Octavio Smith (Cuba)
Cintio Vitier (Cuba)
Julio Cortazar (Argentina)
Pedro Casaldáliga (Brasil)
Ernesto Cardenal (Nicaragua)
Miguel Barnet (Cuba)
I cartes
d’Ernesto Guevara
I cançons de
Vicente Feliu
Elena Burque
Carlos Puebla
i Víctor Jara

Música :
Chopin
Piano Concerto nº 1 E. Opus 11
Piano Concerto nº 2.F.Minor Opus, 21

És interessant entre altres el que van escriure:

Ernesto Cardenal
El Che fué generoso siempre! Curaba sin rencor a los soldados enemigos,restando medicamentos a su gente..!
Vicente Feliu diu:
“El mejor homenaje, serà, cuando el AMOR sea el aire que respires, será la libertad, rompiendo sus ventanas, serà cuando conozcas que la razón no ha muerto, serà cuando decidas, que el desamor no vuelva”
Pedro Casaldáliga, diu:
Morir siempre és vencer, desde que un dia ALGUIEN MURIÓ POR TODOS, COMO TODOS..”

“Hola Che” doncs, és un crit revoluciuonari de ràbia, però, sobretot un acte d’amor i un homenatge.

Sala Cabañes estrena un muntatge musical i poètic dedicat al Che

www.capgros.com
24 octubre de 2008

L'obra és una iniciativa del Casal de Cuba de Mataró amb la col·laboració del grup de teatre EPMA

per V. B

Sala Cabañes presenta una temporada 2008-2009 repleta d’obres de producció pròpia, però també obre les seves portes per acollir muntatges aliens. Aquest és el cas d’Hola Che, un muntatge fruit de la iniciativa del Casal de Cuba de Mataró, per commemorar el 41è aniversari de la mort de Che Guevara. El Casal de Cuba es va posar en contacte amb el Col·lectiu EPMA de teatre, entitat radicada a Cerdanyola que es va mostrar totalment disposada a dur a terme aquesta obra. Així, més d’una vintena de membres d’EPMA participen en l’obra, ja sigui en el repartiment o en l’apartat tècnic. El veterà director Carles Maicas pren les regnes del muntatge, el primer dels dos que té previst dirigir enguany a Sala Cabañes (també farà El Cafè de la Marina el febrer de 2009). Hola Che es presenta com una obra musical i poètica dedicada al revolucionari argentí.

Divendres, dia 24. A les 10 de la nit a la Sala Cabañes. Preu: 5 euros.

«Sí?, un conte d'amor i odi al telèfon», obra de teatre d’humor i guardonada

www.osona.com
19 octubre de 2008

L’obra “Sí?, un conte d'amor i odi al telèfon”, de Bernat Romaní i basada en la novel•la homònima de Bernat i Daniel Romaní, es representarà el divendres dia 24 d’octubre, a les 10 del vespre, al Teatre Casal de Gràcia de Manlleu (carrer Roca, 4-6). Anirà a càrrec de la companyia In-fusió i sota la direcció de Teresa Canas. Aquesta obra va merèixer el VII premi “El castell dels tres dragons” de teatre d’humor.
L’obra és un diàleg entre el protagonista principal, Aleix Rengel (en David de la sèrie de TV3 “El cor de la ciutat”) i diversos interlocutors telefònics.

El so que prové del telèfon es correspon al que sent subjectivament l’home protagonista generat pel diàleg gairebé constant entre un personatge i més de 40 personatges diferents que li truquen per telèfon.

L’obra està estructurada en set fragments que representen diferents moments en el temps i explica la història d’un home que és despatxat fulminantment de la feina i es troba que té tot el temps del món. Recupera la passió per la lectura que havia deixat hivernada, però el seu telèfon sona amb una periodicitat anormalment alta. Des del primer “Sí?” que articula, comprovarà com aquest gran invent, fet per un escocès el segle passat quan buscava una pròtesi auditiva per a la seva dona, pot capgirar qualsevol cosa...

El text explora, en forma d’acció, els pros i contres del telèfon. El protagonista experimenta la impotència davant de qualsevol eventualitat que un usuari pot experimentar davant la comunicació amb aquest servei.

Venda anticipada d’entrades a la llibreria Jordà (93 851 38 04), al carrer del Pont, 11, de Manlleu.

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