31 de juliol 2008

Festival Shakespeare avui també :


Dijous 31 de juliol
A les 22.00h (50’’)
CAN RIBOT - ESPAI JARDI (Mataró)
DANSA
Art Trànsit Dansa
presenta
Les dones i Shakespeare
Idea original, coreografia i direcció Maria Rovira amb la col·laboració de cada
intèrpret
Dramatúrgia, direcció d’intèrprets i direcció musical Javier Gamazo
Intèrprets Marta Fernández, Isabel Tapias, Maria Garriga i Sol Vázquez
Músics Joan Pich i Yehosua Escobedo
Amb el suport de
Ajuntament de Mataró ( Patronat Municipal de Cultura)
Generalitat de Catalunya (Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació)
Ministeri de Cultura ( INAEM)
A partir de la immensa galeria de personatges femenins que desfilen per les obres de Shakespeare, Trànsit Dansa ha creat un espectacle intimista per mostrar una visió d’aquestes dones que sedueixen activament, que subjuguen, que desitgen, estimen, odien i escullen: Ophelia, Lady Macbeth, Desdèmona, Rosalinda, Julieta, Viola; Thaisa, Imògena, Perdita, Paulina i tantes altres.
Fundada al 1985 per Maria Rovira, la companyia Trànsit Dansa té la seva seu a Mataró (Barcelona). Es funda amb la idea d’establir una companyia resident a la ciutat natal de Maria amb dos propòsits: projectar internacionalment la companyia i projectar pedagògicament la dansa. Al 1998 rep el Premi Nacional de Dansa de Catalunya per la seva trajectòria al món de la dansa. Trànsit es companyia resident del Teatre Monumental de Mataró.

Festival Shakespeare avui : "The concord of sweet sounds": The music of Shakespeare's England in five Acts"


Dijous 31 de Juliol
A les 20.00h (1’30’’)
ERMITA SANT SIMÓ (Mataró)
MÚSICA
Xavier Sabata i Laberintos Ingeniosos
presenten
"The concord of sweet sounds": The music
of Shakespeare's England in five Acts
Formació: Orgue o clavicèmbal, viola da gamba, tiorba, contratenor
Guido Ballestraci, Massimiliano Toni, Xavier Díaz-Latorre i Xavier Sabata
Director: Xavier Díaz-Latorre
Amb música de:
John Dowland, Henry Purcell, William Lawes, Thomas Ford entre d’altres
Durant els segles XVI i XVII la música i la literatura, com en tants altres moments de la història, van anar de la mà i Anglaterra no va ser una excepció: grans poetes i músics treballaren junts o se serviren d’inspiració mútua. Dins el període isabelí no es podia concebre una representació teatral sense que la música adquirís una gran importància. Era una pràctica habitual el fet d’intercalar intermedis musicals entre els actes, així com d’il·lustrar durant la representació diferents moments amb música que els mateixos actors o músics llogats per l’esdeveniment podien interpretar El nostre programa, lluny de ser una compilació d’obres directament relacionades amb el dramaturg, és un petit homenatge a
aquesta sensibilitat vers la lletra, al gust que va impregnar la música que es va escriure durant i després de la vida de William Shakespeare i que encara avui ens emociona i ens serveixen de nexe amb una altra època, una altra terra i unes altres persones, que són, en definitiva, les mateixes.
Xavier Sabata. Llicenciat en Art dramàtic per l'Institut del Teatre de Barcelona. Estudia saxofon amb Lluis Rovira. Alumne del departament de Cant Històric amb Marta Almajano a l'ESMUC, actualment realitza estudis de Lied amb Hartmut Höll i Mitsuko Shirai a la Hochschule für Musik de Karlsruhe (Alemanya). Masterclasses amb Montserrat Figueras, Christoph Pregardien i Paul Agnew. La seva trajectòria professional passa pel mon del teatre, així com la televisió i la dansa contemporània. Debuta al Teatre Nacional d'Opera de Lio amb L'Incoronazione di Poppea sota la direcció de William Christie.

Carlota Subirós: "Em va fascinar la llibertat de viure de Rodoreda"


www.elperiodico.cat
22 de juliol de 2008

Directora teatral. Estrena avui al Mercat de les Flors, dins del Grec, Rodoreda. Retrat imaginari, un homenatge íntim pel centenari de l'autora de La plaça del Diamant. Fins divendres que ve.

Carlota Subirós, directora de Rodoreda. Retrat imaginari.
Foto: ROS RIBAS
IMMA FERNÁNDEZ
BARCELONA

--Vostè proposa un retrat imaginari de l'escriptora catalana. ¿S'allunya gaire de la realitat?
--He volgut oferir una mirada nova a través dels seus textos i les seves experiències. Una visió molt subjectiva, des de la meva intuïció, que intenta anar a l'essència: la d'una dona que vol ser lliure i vol escriure. És un espectacle molt rodoredià en la seva ànima i poc rodoredià en les seves formes.

--¿Què és el que més la va sorprendre de l'autora a l'endinsar-se en la seva vida i en la seva obra?
--Jo tinc la imatge, molt edulcorada, de l'àvia encantadora, però a l'aprofundir en la seva vida vaig descobrir una dona amb una personalitat molt forta i un compromís amb la cultura, de la qual es va veure expulsada. Ella anava per lliure. El que em va inspirar més al fer el muntatge va ser, més que les seves novel.les, descobrir que va tenir una vida fascinant amb experiències molt fortes.

--¿El muntatge recull aquesta vida tan intensa?
--Ella va trencar les convencions de la dona de la seva època: es va casar amb un oncle seu, amb qui va tenir un fill, i els va abandonar. Però no he volgut en la meva obra caure en el sensacionalisme. He preferit aprofundir en aquesta llibertat de viure i escriure en unes condicions adverses. Totes les seves vivències les convertia en literatura.

--Una jove actriu, Alba Pujol, dóna vida a l'escriptora.
--Rodoreda tenia un esperit jove i va estar sempre molt connectada a la infància; no volia retratar-la com l'àvia que tots recordem. Encara que les coses que diu Alba són d'una persona de 70 anys, volia reflectir la seva vitalitat i energia.

--I vostè debuta com a actriu.
--Volia estar a l'escenari, però silenciosament, al marge de l'acció, com mirant i imaginant-me l'espectacle.

--¿Com és el muntatge?
--He trenat parts del conte Paràlisi, amb vídeos, fragments d'entrevistes seves en premsa i televisió, frases de cartes... L'escenografia és una metàfora d'Una habitació pròpia, l'assaig de Virginia Woolf.

--Rodoreda va tenir la seva habitació pròpia a Ginebra.
--Sí, ella primer es va obrir al món i després es va tancar per dedicar-se a la que va ser la seva gran passió: la literatura. Va assumir la ruptura que li va provocar la guerra civil i la va fer fèrtil. Va imaginar La plaça del Diamant a l'exili, allà a Ginebra. Jo he explorat aquesta intensa vocació, el desig d'escriure que li va omplir la vida.

Los voluntarios van a rescatar en este campo de trabajo los restos del antiguo templo de Isis


www.europasur.es
21 de juliol de 2008

María Pachón Cáceres / SEVILLA

Estructuras descubiertas en los años setenta aún por identificar.

Los arqueólogos del teatro romano de Itálica tienen estos días una ayuda muy especial: treinta jóvenes venidos de toda Europa para rescatar los secretos ocultos del templo de Isis, anexo al edificio y prácticamente desconocido hasta ahora por la escasez de restos. A pesar del calor, estos chicos y chicas se afanan cada día en las labores de limpieza y discriminación de estructuras del anfiteatro. "Son jóvenes voluntarios que quieren compartir su tiempo con otra gente, con otras culturas", apunta Mariela López, una representante del Instituto Andaluz de la Juventud, el organismo que organiza el campo de trabajo.

"Algunos días vamos a Itálica a limpiar los mosaicos para que se vean mejor los dibujos y los colores originales", explica Delfin, una chica francesa. La labor fundamental de esta quinta edición del campo de trabajo es intervenir en las estructuras para amortizar el espacio, limpiar y releer lo que ya se había encontrado en los años setenta, aunque con unas metodologías más primitivas. "Es fundamental hacer estas tareas para identificar los elementos y poner en valor el teatro", asegura la directora del conjunto de Itálica, Sandra Rodríguez de Guzmán. Los chicos no son expertos, pero cuentan con la supervisión de los arqueólogos de las ruinas de Santiponce. "Yo participé en las primeras actividades que se hicieron", comenta Sandra Rodríguez, "en las terceras ya era monitora y ahora les digo que un día alguno de ellos me sustituirá".

Estos chicos y chicas vienen de Turquía, Francia, Estonia, Serbia y otros países dispuestos a colaborar con la conservación del patrimonio andaluz. Son un "ejército de voluntarios", como los ha calificado el delegado de Cultura en Sevilla, Bernardo Bueno, "que vienen para aprender el sistema de recogida de información arqueológica".

Pero su estancia no se reduce a arena y palas. El campo de trabajo se complementa con una serie de actividades para que estos jóvenes conozcan la región. Antes de que se marchen a sus países, el 28 de julio, realizarán excursiones a Sevilla y playas de Cádiz, talleres, actividades acuáticas para aliviar el calor y fiestas con animación nocturna. Luego, el regreso.

Dagoll Dagom estrena la versión en español de su obra “Cómica Vida”, en el Festival de San Javier


www.murcia.com
31 de juliol de 2008

El texto de Joan Lluís Bozzo lleva el teatro dentro del teatro y rinde homenaje al teatro amateur, en su nueva apuesta por los montajes de pequeño formato

De Calle. (animación y teatro fuera del auditorio)
Espectáculo: “Cómica Vida”
Dagoll Dagom
Fecha: viernes, 1 de agosto 2008
Lugar: centro cívico Parque Almansa
Hora: 22,30h.
Entrada: 10 euros. Hasta completar aforo 180 localidades

Dagoll Dagom estrena mañana en San Javier la versión en español de su obra “Cómica Vida”, escrita por Juan Lluís Bozzo y dirigida por Pep Cruz. La obra que inicia en el Festival de Teatro y Danza de San Javier su gira fuera de Cataluña habla, entre otras cosas,de la relación entre el teatro “amateur” y el teatro profesional, con fragmentos en los que hay teatro dentro del teatro.

El director, Pep Cruz da vida también a uno de los tres personajes del texto, Paco que junto a Lara, (Noel Olivé) forma un matrimonio de actores famosos que durante unas vacaciones conocen a Eloy, (Jordi Coromina), policía local y director del grupo amateur de teatro del pueblo. Juntos deciden montar “Fedra” en cuya producción Eloy invierte todo su dinero. El estreno en un teatro de la capital será un fracaso provocando un final inesperado y repleto de irónicas reflexiones sobre la ambición, la vanidad y la superficialidad en el teatro.

Con una sencilla escenografía, el patio de butacas se convierte en prolongación del escenario vacío, para esta obra en Pequeño Formato de Dagoll Dagom en la que el director y dramaturgo de la compañía catalana, Joan Lluís Bozzo estrena su primer texto teatral estrictamente como autor. Con este espectáculo, Dagoll DAgom inicia, asimismo, una nueva apuesta por los montajes en pequeño formato con los que pretenden ofrecer teatro de calidad en cualquier escenario.

Joan Lluís Bozzo ha explicado que se trata de una obra “ue habla del teatro y de las personas que lo hacen, pero que quiere hablar también de las personas muy solas y muy frágiles que intentan permanecer a flote ante los embates de la existencia , de la ambición que devora a los artistas, de la insatisfacción como fuente de infelicidad permanente”. Su director, Pep Cruz añade que “también es un reconocimiento al teatro de aficionados, que ha sido el taller donde se ha mantenido el espíritu del teatro en nuestro país”.

Animación de calle

El Festival de Teatro y Danza de San Javier inicia mañana viernes 1 de agosto un ambicioso y extenso programa de animación teatral en diferentes espacios abiertos urbanos, con el objetivo ambientar teatralemente el municipio durante el desarrollo del Fstival hasta el 22 de agosto.

La compañía Íbero Teatro será la encargada de llevar diferentes propuestas a las pedanías del municipio, empezando mañana viernes 1 de agosto, en Santiago de la Ribera con “Esquiadores”, a partir de las 12.00h. en las playas de la localidad. También en Santiago de la Ribera, a las 19.00h. presentarán “Personajes de Teatro”, y en San Javier a las 21,30h. llevarán el pasacalles “FF: Funeral y Fiesta”.

30 de juliol 2008

El Festival Shakespeare arrenca a Mataró


Inauguració a Mataró
Dimecres 30 de Juliol
A les 21.00h (1’ 20’’)
CAN RIBOT - ESPAI PATI
TEATRE
Norah Krief
presenta
Sonnets
Concert Shakespeare
Composició i direcció Musical: Norah Krief
Direcció artística: Eric Lacascade
Traducció/adaptació: Pascal Collin
Amb: Norah Krief, Philippe Floris, Frédéric Fresson i Daniel Largent
Producció: Centre Dramatique National de Normandie / Comédie de Caen
avec le soutien de la CAMAC et la SPEDIDAM.
Norah Krief canta aquests sonets, una vintena d’entre els cent cinquanta quatre del recull,
com si es tractés del seu propi cant d’amor. Aquest concert de Shakespeare no és una simple successió de cançons. El temps d’un espectacle, és tota una vida travessada pel cant.
La vintena de sonets de Shakespeare, adaptats i traduïts per Pascal Collin, amb música de Frederik Fresson i interpretats per l’actriu Norah Krief, són un electro-xoc poètic. Qui podria imaginar que aquests sonets d’amor apassionats dirigits a un jove home són dignes de William Shakespeare, escrits l’any 1604? L’obra publicada té cent-cinquanta-quatre poemes d’amor, presentats sota la forma de sonet shakespirià, que parlen de desig, gelosia, de la vellesa i de la mort. Norah Krief i els seus músics reinventen una versió molt contemporània d’aquests vertígens de l’amor Norah Krief. Dirigida per Yann-Joel Collin a Homme pour homme i L’enfant d’Éléphant de Bertolt Brecht, Henry IV de Shakespeare; Florence Giorgetti a Blanche Aurore Céleste de Noëlle Renaude; Françoise Delrue a Visitation; Jean François SIvadier a Italienne avec orchestre i, sota la direcció d’Eric Lacascade, a Les Trois Soeurs d'Anton Tchekhov, La Double Inconstance de Marivaux, Phèdre d'après Racine, Ivanov d'après Tchekhov
Darrerament ha actuat a la Phèdre de Yanis Ritsos i a Le Mariage de Figaro de
Beaumarchais sota la direcció de Jeaan François Sivadier.

El Centre Parroquial estrena ‘Viatge en un trapezi’


www.totmataro.cat
22 de juliol de 2008

L’obra de Jaume Salom s’estrenarà el dia 1 d’agost ales 10 de la nit
El proper divendres 1 d’agost a les 10 de la nit, el Centre Parroquial acollirà l’estrena de l’obra de teatre “Viatge en un trapezi” del barceloní Jaume Salom, i que dirigirà el director argentoní Pere Vallamjor. Salom és un artista de fama internacional que en els últims anys ha escrit més d’una cinquantena d’obres, moltes d’elles traduïdes al francès, l’alemany, anglès, àrab, portuguès i moltes altres llengües de la geografia mundial. “Viatge en un Trapezi” és una sàtira on es posa de relleu la fragilitat de l’amor i del matrimoni, que té com intenció aconseguir que el públic es posi a la pell dels protagonistes.

Viatge al món del circ
“Viatge en un Trapezi” és, com bé diu el seu nom, un viatge al món irreal del circ, entès com un conjunt de famílies, amb les seves alegries i misèries, que l’autor utilitza com a marc per a unes reflexions sobre l’atracció, l’amor, el desamor i la idealització dels diferents personatges.

Vendidas mil entradas del musical 'Hoy no me puedo levantar'

www.elalmeria.es
21 de juliol de 2008

Prácticamente la totalidad de los billetes han sido vendidos por internet para este musical

Redacción /roquetas

Aunque todavía faltan tres meses para que el espectáculo Hoy no me puedo levantar se presente en el Teatro Auditorio de Roquetas, ya se han despachado más de 1.000 entradas para las diferentes funciones que se ofrecerán entre el 16 y el 19 de octubre.

El precio de las localidades oscila entre los 35 y los 55 euros, y se pueden conseguir en la web www.teatroauditorioroquetas.org Este musicalestá basado en la historia de dos adolescentesque van a probar suerte a la capital, ya ha batido todos los récord de audiencia, y ya ha sido visto por más de 1.225.000 espectadores en España, que acudieron a las 1.400 representaciones que durante cuatro temporadas se han realizado en el Teatro Rialto de Madrid.

El espectáculo refleja las dificultades que tienen que pasar dos jóvenes que quieren triunfar en el mundo de la música: Mario y Colate. Los dos comparten un mismo sueño, viajar a Madrid para montar allí un grupo de música.

Hoy no me puedo levantar es un viaje con música en directo a través de la década de los 80 de la mano de estos dos amigos. El espectáculo incluye 25 temas del mítico trío Mecano con himnos como Mujer contra mujer, Hijo de la luna, Hawai-Bombay, Cruz de navajas o, cómo no Me colé en una fiesta.

Los datos avalan por sí solos el éxito del musical: más de 1.200.000 espectadores y récord de permanencia en Madrid (durante 4 temporadas) con 1.400 funciones.

Las entradas están a la venta en la página Web del Teatro Auditorio de Roquetas de Mar (www.teatroauditorioroquetas.org) desde el día 1 de Julio. Desde el 1 de Septiembre podrán también adquirirse en la taquilla del Teatro Auditorio de Roquetas de Mar de Martes a Viernes desde las 11:00 horas hasta las 13:00 horas y de 18:00 horas a 20:00 horas. Sin duda, un musical que es todo un éxito.

Jóvenes de todo el mundo ayudan a restaurar el teatro romano de Itálica

El Arte Dramático un arte que no debemos dejar en el olvido


www.lostiempos.com
20 de juliol de 2008

Texto Britt Ahdev

Fotos Cortesía de Daniel Larrazabal, Colectivo Katari, Limbert Cabrera

El hombre aprende a través de los sentidos. Y como el escritor colombiano Carlos José Reyes describe: “Entre más sentidos intervengan en el proceso enseñanza – aprendizaje, más fácil se logra la aprehensión de los conocimientos y más rápidamente se establece la interacción entre el sujeto y el medio ambiente. En la formación integral del ser humano intervienen no sólo la capacidad intelectual del hombre, sino también factores sociales, emocionales, perceptivos, físicos y psicológicos. Una sociedad que mediante su educación sólo hace énfasis en el pensamiento racional, y en la cual los sentidos parecen estar destinados a que se los ignore, no llega a conocer su máxima potencia. Para mantener las mentes flexibles y libres y estimular los distintos aspectos de la sensibilidad y la vida espiritual, algo que beneficie tanto al individuo como a la sociedad, es muy bueno ejercer y/o consumir arte dramático o como lo llamamos más frecuentemente; teatro.”

La actividad teatral en Cochabamba está luchando por sobrevivir en un ambiente muy difícil, donde el apoyo de la sociedad es muy limitado y la ayuda estatal es casi nula.

“La mayoría de nuestra gente no tiene el hábito de consumir teatro”, dice Limbert Cabrera, miembro de la asociación NADA y responsable del área de arte escénico del espacio mArtadero.

“Incluso, muchos argumentan que lo importante es desarrollar este país que es tan pobre y que no hay de perder el tiempo con teatro. Pero es un hecho que en nuestra sociedad también hay necesidades espirituales y necesidades de reflexionar sobre lo que está pasando a nuestro alrededor. En este sentido, el teatro cumple un rol importante.” A pesar de la falta de apoyo de la sociedad y a pesar del hecho de que no existen políticas de estado que apoyen al teatro, existen varios individuos y grupos de teatro comprometidos a seguir desempeñando el oficio tan poco apreciado de hacer arte dramático.

Una profesión, no sÓlo un hobby

Daniel Larrazabal es una de las figuras admirables en el ámbito local que tienen el valor y el coraje de caminar contra la corriente; dejando a un lado el enriquecimiento económico, dedicando su vida a la actuación, enriqueciendo nuestras vidas y dándonos, entre muchas otras cosas, inspiración, esperanza y ganas. El ambiente cochabambino es sumamente escéptico a la profesión de ser actor.

“La sociedad tiende a ver la actuación como un hobby y no como una profesión. Tengo la esperanza de que el hecho de que haya una nueva escuela de teatro en Santa Cruz (que es la primera escuela en el país que otorga títulos de Técnico Superior en Teatro y de Licenciado en Arte Dramático), refuerce la idea de la necesidad del teatro y que la idea común de la actuación como un hobby se vaya modificando a una idea más amplia que implica ver la actuación como la profesión que es. Mi esperanza también se basa en el gran movimiento de teatro que hay en La Paz, y en el que existe, aunque en menor grado, en nuestra ciudad sin olvidar la importancia del teatro de Los Andes”.

Como la mayoría de los actores en Cochabamba, Daniel se sostiene trabajando en otros campos. Desde que empezó con la actuación, ha tenido un sinfín de diferentes trabajos paralelamente a su vocación artística. Por el momento, está trabajando como director de los talleres de teatro en los colegios Don Bosco e Isaac Attie, como en la Escuela Superior de Artes y Ciencias (ESCA), donde tiene la posibilidad de pasar herramientas de actuación a niños y jóvenes.

“Una razón por la que mucha gente no tiene el hábito de consumir teatro puede ser la escasez del teatro en el campo educativo. Por lo general, el sistema educativo no promueve el arte de teatro y la actuación y nuestros niños y adolescentes no reciben el incentivo temprano de teatro. En vez de analizar cómo el teatro podría ayudar a los alumnos en las otras materias, es más común pensar que el teatro quita la concentración de los alumnos para otras asignaturas”.

Daniel se ha dedicado a la actuación desde el año 1997, cuando por primera vez asistió a un taller realizado por el grupo de teatro Kíkinteatro, dirigido por Diego Aramburo.

“Sentí que la carrera de Sociología no llenaba mis expectativas y que tenía deseos de intentar algo diferente; entonces, gracias al azar, de alguna manera se dio la oportunidad de que tomara un taller de teatro al cual fui con muchísimo entusiasmo porque creí que quizás eso era lo que estaba buscando”.

Daniel fue incluido en el Kíkinteatro, que durante los años 90 había ganado un espacio significativo en el panorama del teatro nacional. A inicios del nuevo siglo se abrieron las puertas para la primera gira internacional del grupo y en los años siguientes tuvieron la oportunidad de actuar en varios países como Cuba, Chile y Argentina. Según muchos de los actores activos en Cochabamba, Kíkinteatro ha sido un grupo sumamente importante para la actividad teatral en la ciudad.

El grupo logró una propuesta propia que, a pesar de estar actualmente activo en La Paz, sigue inspirando a los elencos locales. Desde Kíkinteatro, Daniel ha continuando con la actuación independientemente; en los últimos años, ha tenido papeles importantes en obras como “El Jardinero Nocturno” (Rainsford Towner, Australia), "Crudo" (Diego Aramburo), “Desaparecidos” (Claudia Eid), “La fábula del Camaleón y la Salamandra” (Beba Rodríguez), entre otras. El último trabajo de Daniel fue en la obra “Máquina Hamlet” (Heiner Müller) dirigida por Alejandra Lanza. Daniel también ha incursionado en el campo del cine trabajando en películas y documentales. Entre otros, tuvo un papel en la película “Guerrilla” que se filmó en España y que fue dirigida por Steven Soderbergh. En este último filme, estrenado en el festival de Cannes en mayo pasado, trabajó junto a actores como Benicio del Toro (Puerto Rico).

Considerando su éxito como actor profesional, es una curiosidad que nunca haya estudiado teatro en ninguna institución que no sea la de la vida propia.

“Un actor es de alguna manera un artista que siempre está creando. Los que no tienen la posibilidad de formarse en una escuela, no tienen por qué perder el ánimo. Vale muchísimo ir a talleres temporales, leer libros, hasta apreciar algo en la calle y aprender de lo que ves y de lo que vives”.

Similar a lo que menciona Limbert, Daniel también reconoce que un problema para los actores de Cochabamba es la falta de público. Sin embargo, agrega que la oferta siempre tiene que ver con la demanda y viceversa. Si la demanda sube, las ofertas tienen que ser más y con mejor calidad. Y si las ofertas no son de buena calidad, la demanda es naturalmente baja.

Un aporte significativo para el teatro en Cochabamba

“¡Abuso de calidad!” es la lema de la escuela de teatro Hecho a Mano que ha ganado un gran espacio en el teatro cochabambino. La escuela, fundada en 1997 por el actor cochabambino Bernardo Franck, empezó con un pequeño grupo de artistas que con los años fue creciendo. Hoy, cuenta con 117 alumnos formándose en sus salas y aspirando a títulos equivalentes al de Técnico Superior. La escuela ha influenciado al movimiento teatral de Cochabamba en varios aspectos. Hace nueve años fundó el Festival Internacional de Teatro Bertolt Brecht que, junto con el de Peter Travesí, es el festival más grande en Cochabamba y en el que participa la mayoría de los grupos locales. Además de éste, la escuela organiza cinco festivales anuales a los cuales están invitados a tomar parte todos los elencos locales. Bernardo piensa que entre los logros más significativos del Instituto, está el haber podido abrir una sala de teatro estable dónde cada fin de semana hay alguna presentación realizada por los alumnos o por el elenco profesional que lleva el mismo nombre de la escuela.

“Con el número de presentaciones que realizamos, hemos logrado hacer pequeñas temporadas de teatro”. Respecto de la calidad de las presentaciones, Bernardo explica que se presenta una variedad de obras, unas muy buenas y otras no tanto. Esto, con relación a que esta es una escuela y los espectadores deben comprender las limitaciones que tienen los alumnos.

“Cada módulo que los alumnos pasan tiene que terminar con algo. Si ves una obra del primer módulo, hay una diferencia abismal con la de una del sexto módulo porque los últimos tienen más experiencia y más trayectoria; pero si nos sigues, te das cuenta si una obra es de primer semestre, del primer módulo y la juzgas como tal.”

La escuela Hecho a Mano tiene también un elenco profesional con el mismo nombre pero con la diferencia de que este grupo está experimentando mucho más, buscando su propia propuesta.

Bernardo lamenta que el estado apoye muy poco al teatro y que los artistas tengan que estar sujetos al oficial de cultura.

“Si el oficial es músico siempre va a promover la música más que el teatro y viceversa, un hecho que probablemente no cambiará hasta el día en que el municipio asuma que la cultura es parte del presupuesto anual”. El teatro, según Bernardo, no sólo es una terapia ocupacional, sino una actividad que puede brindar apoyo al área de salud, de educación, a campañas de prevención, etc. La escuela Hecho a Mano trabaja con varias instituciones que requieren la potencia del teatro como actividad fortalecedora.

El arte dramático debe competir actualmente con muchas actividades: entradas folklóricas, conciertos de música, televisión, Internet, etc.; sin embargo, Bernardo habla de una esencia del teatro que le permite sobrevivir a pesar de nuestro tiempo de inacabables ofertas.

“Vivimos en una época en que nada nos sorprende. Cada vez la tecnología llega con soluciones más interesantes y más eficientes, pero no nos sorprenden porque el avance tecnológico ha llegado a ser algo completamente natural. En este sentido, el teatro, por ser manual, de habilidad humana y no tecnológica, sí logra sorprender y cuando nos sorprendemos, encontramos que nuestro espíritu está a gusto”.

Montajes callejeros como herramienta política

Otro de los muchos rostros que tiene la actividad teatral en Cochabamba es el teatro callejero. El Colectivo Katari es un elenco estable de teatro y títeres que trabaja con montajes callejeros. Presenta sus obras en calles, canchas y plazas de pueblos, entre otros. Con frecuencia recibe invitaciones de colegios y de instituciones como la Defensoría del Pueblo para realizar trabajos inspiradores y educativos que muchas veces llegan a funcionar como fundamento de debates. A menudo, son convocados por provincias cercanas a la ciudad de Cochabamba que solicitan ayuda para su población en actividades que de una u otra forma promueven los derechos humanos en diferentes áreas.

“Frecuentemente, cuando llegamos a una provincia para dar una presentación, salimos antes de ella y caminamos calle por calle con tambores, con gritos, con canto y acordeón y convocamos a la gente. Los sacamos de su ocio, de su siesta, de su trabajo y los llevamos al lugar de la presentación y les mostramos un espectáculo ágil que no les permita escapar”, describe Carmen Cárdenes, parte del grupo que fundó el colectivo Katari en el año 2002. Su teatro está caracterizado por su energía y ritmo y por su relación directa con el público, algo que en ciertos modos crea una actuación más flexible que la de las salas. Si llegan a una población donde la mayoría habla quechua y, por tanto no va a entender sus obras en español, tratan de usar más mímica que palabras y, de la misma manera, van cambiando las palabras para modificar la presentación al público que la vea; estar embarazada puede convertirse en un estar preñada y la cigüeña en una vaca preñada.

“Nosotros queremos salir del círculo tradicional de consumir teatro y llegar a impactar la vida cotidiana de personas que circulan por la calle, personas que normalmente no buscan el teatro” explica Alexia Loredo, otra de las fundadoras. “Queremos ser un teatro movilizador que, de cierta forma, cree un diálogo con el público. Mostramos obras que provocan risa y queremos lograr que la gente se identifique y ría de si misma y que después, tal vez, tenga ganas de agarrar algo en su vida y ponerlo de otra forma, de cambiar sus relaciones con el poder”. Algunos definen su actividad como política, a lo que Carmen explica: “Nuestro grupo ha nacido bajo la idea de hacer un teatro político y todos los actores compartimos el mismo compromiso ideológico. Hemos visto una necesidad de un teatro que se cuestione, en el que se hable de la realidad, de la coyuntura y queremos compartir, cuestionar y conversar sobre temas actuales”.

La energía que fluye entre los miembros del colectivo es tangible y se ve que cada uno de sus miembros tiene una gran motivación personal.

“El arte tiene un componente extra, un sabor que no lo tiene lo racional puro”, explica Alexia y da énfasis a su posibilidad del arte como un medio para expresar cosas de una manera alternativa. Sergio Velasco, otro miembro del colectivo, aclara cómo la expresión teatral callejera tiene una capacidad enorme de canalizar energías y que a través de la misma se puede impactar sobre muchos niveles de la vida.

“A mí, me llama la actuación en el colectivo Katari porque se trata de un teatro de conciencia social y más que un teatro- propuesta o recreativo, es un teatro de reflejo.”

El teatro – un espacio de reflexión

La actividad teatral en Cochabamba está lejos de lo que fue durante los años 60 y 70, cuando hubo una época de oro; sin embargo, después de los estancados 80, la actividad creció en los 90 y hoy tiene varios rostros; desde los espectáculos conocidos como cafés conciertos vía títeres, montajes callejeros y grupos que presentan obras más clásicas, hasta los que dan propuestas nuevas con elementos contemporáneos. Hay dos teatros con apoyo de la Alcaldía: el Teatro J.M Achá y el Teatro Adela Zamudio. En el teatro Achá existe un taller municipal de teatro, abierto para todos y dirigido por Roberto Crespo. Fuera de éste, los teatros municipales no están abiertos para que diferentes elencos puedan usar su espacio en ocasiones que no sean para las presentaciones.

“Nosotros no discriminamos a nadie, pero si quieres presentar en nuestras salas, tienes que solicitar un año antes y por falta de espacio podemos dar sólo tres días de ensayo antes de la presentación. En el Achá tenemos que cobrar un alquiler alto, mientras que el Adela Zamudio tiene más posibilidades de bajar costos para los diferentes elencos”, explica Orlando Crespo, administrador de los teatros municipales.

Sin embargo, muchos de los elencos locales expresan la dificultad de acceder a los teatros municipales y concentran su actividad en la escuela Hecho a Mano (mayormente el elenco Hecho a Mano o módulos de la escuela) o en el espacio mArtadero. mArtadero alberga al festival Bertolt Brecht y parte del festival Peter Travesí. Además, es el espacio principal para elencos como “Masticadero”, “Exilio Teatro”, “Makhurka” y “Teatro Invisible”.

Talleres universitarios también encuentra en mArtadero un espacio abierto para ensayar y presentar sus proyectos; el taller de teatro UPB es uno de ellos. Todos los grupos mencionados presentan generalmente propuestas alternativas a lo común, con técnicas avanzadas y efectos audiovisuales, entre otros.

“Estamos intentando proponer algo nuevo. Queremos lograr que mArtadero sea un espacio de buena calidad que pueda mostrar obras ligadas a lo que está pasando en nuestro ambiente hoy en día; que sea un espacio de reflexión para la gente,” comenta Limbert Cabrera, que también es parte del elenco Makhurka.

Dedicarse al teatro es vivir en lo profundo. Es ser sensible a uno mismo, tanto como a la realidad que nos rodea. Es nunca parar de analizar y tratar de entender el mundo. El teatro, a diferencia del cine, tiene personas en vivo en escenario, algo que resulta en un contacto más directo con el público. Se convierte en un foro artístico directo que puede ayudarnos a interpretar nuestro mundo. El poder del teatro no sólo es despertar sentimientos y entendimientos, sino generar efectos económicos positivos para la ciudad. Una urbe que es rica en cultura también gana credibilidad de empresas y otras entidades que pueden invertir en diferentes áreas de la sociedad. Invertir en cultura es una inversión con proyección productiva. Sin embargo, el público es el sustento de las expresiones teatrales y, sin éste, el teatro se estanca. Es responsabilidad del público formarse un criterio y ayudar a que la actividad de teatro florezca; y esto es solamente posible si asistimos continuamente a las diferentes presentaciones que se ofrecen. Así quitamos la tapa a la olla del movimiento teatral que está borboteando, y damos a la sociedad la posibilidad de disfrutar de sus aromas.

Xucrut Teatre presenta a Manlleu una obra crítica amb la societat de consum

www.osona.com
29 de juliol de 2008

La companyia Xucrut Teatre presentarà a Manlleu demà dimecres, dia 30 de juliol, l’obra de teatre "No et consumeixis". La representació tindrà lloc a l’Embarcador del Ter, a les 22 hores. L’actuació havia de tenir lloc el passat 12 de juliol però es va suspendre a causa de la pluja.
Aquesta és una obra de teatre crítica i satírica amb la societat del consum i el ritme de vida que mica en mica ens anem imposant realitzada per artistes professionals.

29 de juliol 2008

Festivall Shakespeare : Avui aixeca el teló a Santa Susanna


A les 21.00h (1’05 ‘’)
CAN RATÉS
TEATRE
Cia. Dei Furbi
presenta
Homes de Shakespeare
Dramatúrgia, espai escènic i direcció: Gemma Beltran
Intèrprets: Toni Vinyals, Òscar Bosch i Robert González
Violoncel·listes: Nerea de Miguel, Sara Guri, Romain Boyer i Maria Bou
Producció : Baubo, SCCL
Amb la col·laboració del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya; ICIC Institut Català de les Indústries
Culturals
Hereda de la tradició irreverent i procaç de la comèdia, la companyia dei furbi proposa una divertida immersió en l’univers de Shakespeare. En una combinació de teatre de l’absurd i Shakespeare, tres personatges deixen endevinar la relació entre les situacions pròpies dels clowns i la de l’home abandonat al seu destí. Els jocs i les accions que realitzen són els propis de la comèdia, dels bufons-clowns, sempre acompanyats per la música dels dos violoncel·listes en directe. Trobant-se al final d’un camí, lluny d’un quotidià perdut, els personatges sostenen un diàleg absurd, espontani, el provoquen; inventen les accions més
absurdes a partir de fragments de l’obra de Shakespeare.
Gemma Beltran va crear la companyia Dei Furbi l’any 2002. Acumula un ampli currículum on hi destaquen múltiples treballs en la creació, posada en escena i direcció d’obres teatrals. Dels treballs més recents destaquen: L’illa dels esclaus, Tocata i Fuga, Divertimento i Scherzo. Es professora a l’ESAD, l’Institut del Teatre, Universitat Ramon Llull
i a l’escola “Timbal”.

El mito de don Juan


www.lne.es
19 de juliol de 2008

MARIANO LÓPEZ SANTIAGO

Aunque recientemente se ha puesto en duda la autoría de la obra «El burlador de Sevilla» por Tirso de Molina, seudónimo como se sabe de Fray Gabriel Téllez, lo cierto es que a su fama se debe haber perfilado y dar renombre universal al arquetipo de don Juan Tenorio.

El argumento de la obra, que se respeta en la versión representada bajo la eficiente dirección del británico Dan Jemmett, es el castigo del protagonista que muere y se condena después del banquete macabro ofrecido por la estatua del comendador, se presenta como un justo final a toda una vida de sevicias y desenfrenados placeres.

Es curiosa la diferencia que ante la figura de don Juan Tenorio ofrece el Romanticismo, adopta una actitud de considerarlo como un símbolo de rebeldía contra las trabas de la moral y los prejuicios sociales, de ahí que, en la conocida obra de Zorilla, don Juan acaba salvándose acogido a la piedad de Dios.

El arquetipo de don Juan Tenorio, hoy situado en la cumbre literaria, ha tenido expresiones múltiples en la cultura universal. En España autores tales como Zorilla, Jacinto Grau y el doctor Marañón. Y en el extranjero Moliêre, Goldoni, Byron, Bernard Shaw...

La personalidad de don Juan suscita las más variadas interpretaciones, de ahí el apego que genera en el pueblo español y es que don Juan es un hombre enamoradizo o nunca se enamora, es seductor o seducido, un símbolo de masculinidad o lo más opuesto a ella.

La obra representada en el teatro Jovellanos ha constituido un pleno éxito dentro de la línea que marca su director. Pretende desmitificar el mito, pero a su vez, con un profundo respeto a su perfil tradicional y, todo ello, con una gran agilidad y dinamismo, dentro de un humorismo sutil que envuelve toda la representación, aderezada con interpretaciones musicales que con oportunidad y mesura completan la obra.

En escena y con un gran telón central, al modo de los viejos retablos juglarescos, sitúa en ambos extremos, en el lado izquierdo una especia de music-bar que propicia aparentes escenas de cabaret y, a su lado derecho, sitúa el vestuario de los actores que lo utilizan simultáneamente con la representación, pero sin que distraiga al público de la acción principal.

Para todo ello se precisa de un gran elenco de actores, que limitado en su número a cinco, llegan a representar hasta diecisiete personajes con una gran entrega y profesionalidad muy propia de la categoría que ha logrado en el panorama escénico español el «Teatro Abadía».

En resumen, una obra excelente que fue unánimemente aplaudida por el público premiando así la gran actuación de sus intérpretes. Felicitamos a la dirección del teatro Jovellanos por su acierto en la elección.

Hay un aspecto en la personalidad de don Juan Tenorio que está profundamente enraizado en el espíritu de nuestro colectivo nacional... su excesiva confianza, pues cuando a don Juan le hablan del más allá, responde despreocupadamente: «Tan largo me lo fiáis».

Esa respuesta se oye en muchas circunstancias actuales y no se trata solamente del temor del más allá... sino del más acá.

Eficaç versió de la tragèdia 'Ariadna'


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16 de juliol de 2008

• El Centro Andaluz de Teatro i Atalaya convencen amb la senzillesa narrativa de la seva visió de l'heroïna

Imatge del muntatge.

Foto: IVÁN QUINTERO / EFE

CÉSAR LÓPEZ ROSELL
SANT FELIU DE GUÍXOLS


La tela d'un veler --procedent, això sí, de la Copa Amèrica--, quatre gerros de ceràmica, una bona il.luminació que accentua tant la claredat dels somnis més purs com les ombres dels més tenebrosos, una aràcnida xarxa i l'elenc d'actors i de membres del cor amb un vestuari que ens acosta a l'època són suficients perquè Ricardo Iniesta situï l'espectador en l'univers de la tragèdia Ariadna en només 70 minuts. L'adaptació del relat, basant-se en fonts clàssiques i altres de més actuals, del desaparegut Carlos Iniesta, ha permès que aquesta peça s'estrenés a Espanya en castellà.
Al Festival de la Porta Ferrada de Sant Feliu de Guíxols li correspon el mèrit d'haver donat acollida a la presentació del muntatge a Catalunya. La coproducció del Centro Andaluz de Teatro i la companyia Atalaya compta amb el valor afegit de tancar el projecte de la trilogia d'heroïnes de la tragèdia grega. Primer va ser Elektra (1996), després Medea, la extranjera (2004) i ara és aquesta versió d'Ariadna, que barreja el llenguatge modern amb el clàssic, exposada amb una eficaç senzillesa narrativa.
Ariadna, filla del rei Minos de Creta, es vol escapar de la tutela del seu pare. Afrodita, deessa de l'amor, entrega un cabdell a la noia perquè el desenredi un futur amant entrant al laberint on ella habita. Aquest no és cap altre que Teseu, fill del rei d'Atenes, que arriba a l'illa per enfrontar- se al Minotaure, engendrat per la mare d'Ariadna, per alliberar el seu poble del tribut que paga a Minos: el periòdic sacrifici d'una dotzena de joves atenesos que alimenten el monstre.
El bé s'imposa al mal i Ariadna fuig a Naxos amb Teseu, però l'obsessió del déu Dionís per obtenir els favors de la noia impedeix l'amor entre els herois. El muntatge escull el més tràgic dels finals coneguts, el suïcidi d'Ariadna, davant l'obligat abandonament de Teseu. La noia renuncia a jeure amb Dionís i a presidir el firmament amb la seva corona boreal perquè no vol sobreviure sotmesa al poder del seu pare i al dels déus.

RECITATIUS
El relat es desenvolupa amb recitatius, expressats amb bona dicció, i amb belles coreografies. L'esforç actoral recolza en músiques dels Balcans i l'Àsia. Els ocasionals desajustos dels cors de joves atenesos, vestals, dones cretenques, bacants i el seguici de Dionisi desmereixen en algun moment el bon resultat global.

'Las troyanas' conquisten el Grec

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23 de juliol de 2008

• El públic de l'amfiteatre es rendeix a Gloria Muñoz i la resta d'actrius del muntatge de Mario Gas

MARTA FERNÁNDEZ
BARCELONA

Va ser la gran vencedora de la nit. Gloria Muñoz, enorme actriu que ja va deixar un bon exemple del seu ofici amb l'extensíssim monòleg en cinc idiomes (incloent-hi l'afganès) que va brodar a Homebody/Kabul, va tornar a exhibir-se en la pell d'Hècuba, la reina viuda que maleeix la seva desgràcia. Era una obra sobre dones --les troianes d'Eurípides que van caure captives dels grecs-- i elles --el quartet d'actrius i el cor-- van guanyar la batalla als homes. Encara que el petit Luis Jiménez (fill d'Andròmaca i nét d'Hècuba) també va emocionar amb els seus gestos i el seu imaginat sacrifici.
El muntatge es va iniciar amb un preàmbul que en va desubicar més d'un: Carles Canut i un Ángel Pavlovsky transvestit de dama francesa van donar veu i presència (Pavlovsky va superar el número dels seus talons sobre la sorra) a les divinitats Posidó i Pal.les Atena. Va ser un toc d'humor que, poc encertat, va servir perquè el protagonista d'Història del soldat acabés el Grec amb grans aplaudiments.
Després van arribar elles, les dones, i va començar la tragèdia. Excel.lent quartet d'actrius, encara que també hi va haver un indici terrorífic amb la interpretació d'Anna Ycobalzeta, que en la pell de la trastornada Cassandra, ens va recordar en algun moment la Linda Blair de L'exorcista. Clara Sanchis (Helena) i Mía Esteve (Andròmaca) van completar el pòquer.
Encara que el públic no va acabar dret com en l'estrena a Mèrida, el brillant muntatge de Mario Gas va captivar els espectadors, que van aplaudir fortament l'espectacle. Una atractiva i espectacular escenografia, especialment encertada la platja, els efectes lumínics i sonors (bombardejos, foc...), el treballat vestuari (parracs per a les captives i conjunts bèl.lics per als soldats) i maquillatge, van seduir el personal el dia de l'estrena.

28 de juliol 2008

Eurípides torna al Grec amb un exitós muntatge de 'Las troyanas'


www.elperiodico.cat
21 de juliol de 2008

• Mario Gas presenta avui a l'amfiteatre la seva espectacular versió de la tragèdia

• Gloria Muñoz encapçala l'obra sobre les dones captives de la guerra

Una escena de l'espectacle, estrenat el 3 de juliol al Festival de Mèrida.

IMMA FERNÁNDEZ
BARCELONA
El festival Grec torna aquesta nit a Troia (després de Troilus & Cressida i Andròmaca) amb la triomfant versió de Las troyanas d'Eurípides estrenada a Mèrida sota la direcció de Mario Gas. El relat de l'últim dia de la guerra entre troians i grecs, centrat en les conseqüències per a les dones, grans perdedores de totes les batalles, es desenvolupa sobre una escenografia espectacular i amb un gran repartiment de 30 actors encapçalat per l'aplaudida Gloria Muñoz. L'amfiteatre de Montjuïc acollirà el muntatge, d'una hora i 45 minuts, fins dijous, 24 de juliol.
"Els clàssics sempre et sorprenen. És fascinant veure com segueixen parlant-nos de coses que no hem resolt aquí i ara", subratlla el director, que reprèn la reflexió antibel.licista d'Eurípides a partir dels personatges d'Andròmaca, Hècuba, Cassandra i la repudiada Helena, envoltades per un cor femení a l'estil clàssic. Les dones, convertides en esclaves de l'enemic després de perdre els fills i els marits, són les heroïnes d'un drama que està ple d'"oprimits, dominants i dominats, on queda clar que qualsevol persona pot canviar de bàndol i no hi ha bons ni dolents", afegeix Gas.
L'espectacle s'obre amb un preàmbul que va a càrrec de les divinitats Posidó (Carles Canut) i Pal.les Atena (Ángel Pavlovsky) i prossegueix amb l'esquinçament d'Hècuba (Muñoz), "una perdedora, però no una víctima", segons l'opinió de l'actriu. "Pateix la mort del seu marit i dels seus fills i l'esclavitud de les seves filles, però és dèspota i venjativa", afegeix Muñoz, que es resisteix a donar tota la culpa als homes. "Hi ha molts personatges femenins de la història que no tenen res d'innocents, només cal veure com Condoleezza Rice és tan bèstia com els seus amics".

SUPERVIVENTS

Enfront de la vençuda Hècuba, Helena no es presenta com "la dolenta de la pel.lícula, sinó com una supervivent", anuncia Clara Sanchis, l'actriu que la interpreta. Mia Esteve, en el paper d'Andròmaca, al fill de la qual dóna vida el nen Luis Jiménez, i Anna Ycobalzeta, com a Cassandra, filla trastornada d'Hècuba dotada d'una certa lucidesa, completen el quartet principal de la tragèdia.
La representació conjuga el "respecte" al text clàssic amb "la modernitat en el seu punt just ", segons Ramon Irigoyen, que ha adaptat el text original d'Eurípides. Del disseny de vestuari se n'ha encarregat Antonio Belart, col.laborador habitual de Gas. "Hem buscat una escenografia i un vestuari sense elements superflus que ens permetin caminar en l'aprofundiment del text, que no obstrueixin i ens remetin a temps passats i temps presents", sosté el director.

Paulina Andreu, filla de Charlie Rivel, guanya el Premi Nacional de Circ de la Generalitat


www.avui.cat
26 de juliol de 2008

L'artista ha sigut reconeguda "per la seva extraordinària trajectòria com a acròbata, equilibrista, ballarina, domadora de cavalls i per la valuosa aportació a la història del circ

EUROPA PRESS
Barcelona

Paulina Andreu, filla del pallasso Charlie Rivel, ha sigut guardonada amb el Premi Nacional de Circ que atorga el jurat dels Premis Nacionals de Cultura, presidits pel conseller de Cultura i Mitjans de Comunicació, Joan Manuel Tresserras, segons ha informat la Generalitat en un comunicat.

Aquests premis, dotats cadascun amb 18.030 euros, van ser instituïts pel govern català el 1982. Es concedeixen anualment a persones o entitats per les aportacions o activitats més rellevants a cadascun dels àmbits culturals desenvolupats durant l'any passat. La cerimònia de lliurament serà el 25 d'octubre al Teatre Kursaal de Manresa.

A Paulina Andreu, més coneguda com a Paulina Schumann, se li ha concedit el premi "per la seva extraordinària trajectòria com a acròbata, equilibrista, ballarina, domadora de cavalls i per la valuosa aportació a la història del circ, que servirà d'impuls per a les noves generacions circenses", ha declarat el jurat.

Paulina Andreu va néixer a Barcelona l'any 1921 i és filla del pallasso català Josep Andreu, Charlie Rivel, del qual demà se celebra el 25 aniversari de la seva mort. Des que el 1969 es va tancar el circ Schumann, Paulina va actuar al costat del seu pare com a clown.

el héroe escarnecido

www.hoy.es
19 de juliol de 2008

LEANDRO POZAS

Título: Áyax.
Autor: Sófocles en versión de I. Gryparis.
Director: Theodoros Terzopoulos.
Compañía: Attis Theatre.

Estreno: Anfiteatro Romano de Mérida. 17 de julio de 2008.La tragedia 'Áyax' frecuenta poco las tablas. En la historia del Festival de Mérida se recuerda un montaje de la obra dirigido por Antonio Amengual en 1977. Es difícil saber por qué se da esta especie de rechazo, aunque hay otras tragedias griegas que no se han representado nunca en Mérida ni en casi ningún sitio en nuestra época.

La propuesta del Attis interesa porque permite revisitar el mito, acercarse a un héroe clave de la guerra de Troya, pese a no alcanzar la fama posterior de otros. No es un héroe menor ya que en la 'Ilíada' ocupa un lugar de honor inmediatamente detrás de Aquiles. Y es esta circunstancia la que va a originar un conflicto que dibuja la conducta del ser humano en situaciones extremas.

Muerto Aquiles, su armadura pasa a manos de Ulises por decisión de los jefes de los ejércitos que sitian Troya. Áyax se cree merecedor del premio y al no conseguirlo monta en cólera y quiere vengar la afrenta liquidando a sus agraviantes. Furioso, ataca a los que cree desprevenidos rivales causando una gran mortandad y haciendo numerosos prisioneros.

En realidad, la diosa Atenea lo ha sumido en una locura (manía) transitoria, y Áyax, confundido, ha atacado el ganado que el ejército sitiador mantiene cerca del campamento para alimentarse. Cervantes hizo un uso magnífico de la anécdota en su 'Quijote'. Cuando Áyax recupera su plena conciencia se siente humillado y se suicida. Luego se plantea el problema del héroe mancillado al que no se quieren rendir honores funerarios y que Sófocles desarrolla en 'Antígona'.

Resumo el argumento porque Terzopoulos prescinde del desarrollo clásico y se centra en los estados emocionales del héroe. Para profundizar en el mito recurre a mecanismos propios del drama satírico griego, del cabaret, de la parodia, de la ópera La sustancia trágica se traviste con elementos propios de la cómica. El leit motiv de la representación es una larga carcajada que se quiebra en lamento, y el uso ritual de utensilios (urnas, espadas, zapatos ), que manejan los personajes en un plástico juego sin fin.

En este y otros sentidos, el espectáculo es esencialmente experimental. El problema radica en que Theodoros Terzopoulos en su camino investigador cae en una suerte de auto manierismo y deja en el espectador una cierta sensación de haber asistido a un espectáculo no acabado. El director griego avisa de que es un «trabajo en marcha», que viene evolucionando desde su estreno hace unos años.

El trabajo de dirección es sólido. Los actores ofrecen todo un recital de expresión oral y gestual. El texto, dicho en griego y español alternativamente, se sigue con interés. Pero en el espectador no habituado puede pesar la reiteración ritual y la sensación de estar viendo un estimable ejercicio teatral, un producto destinado a unas minorías avisadas y cómplices. El público cerró con un largo aplauso la representación.

Mario Gas opina que el talento es 'el único límite' del arte

www.lukor.com
16 de juliol de 2008

El actor y director escénico considera además que el teatro goza de una "salud encomiable"

SANTANDER,
(EUROPA PRESS)

El actor y director escénico Mario Gas opinó hoy en Santander que en arte "todo está permitido" y que "el único límite" que tiene esta disciplina es si "se hace con talento o no".

Además, estimó que el teatro, "si sabe colocarse en el lugar que le corresponde", goza de una "salud encomiable" y que la dirección escénica "corre pareja con la sociedad y la época en que vivimos".

Gas hizo estas reflexiones con motivo del Curso Magistral 'El director ante los textos. Teatro: contemporaneidad y esencia' que dirige esta semana en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP).

En rueda de prensa, y al ser preguntado por las críticas que en ocasiones algunos directores de escena, --sobre todo de ópera--, han recibido por exceso de protagonismo, Mario Gas consideró que "todo" es "criticable y opinable" y que en arte está permitido todo siempre y cuando, reiteró, se haga con talento.

Señaló que, en el caso de la ópera, aunque pueda parecer que hay "cierta preponderancia" de los directores escénicos, "no es así en el fondo". En este sentido, explicó que los directores escénicos se dedican "a maquillar y camuflar" las cosas que aparecen en las óperas pero que la estructura interna de las mismas "no se toca". "Hay que juzgar caso a caso, y no globalmente", alentó.

En este sentido, el director de 'Martes de Carnaval' o 'La gata sobre el tejado de zinc caliente' también dijo que es "evidente" que en un mundo "cegado por la prisa y el fast-food" haya "de todo" y se encuentren "verdaderas obras maestras" y "verdaderos tochazos incomestibles, incoyunturales".

En cualquier caso, Mario Gas afirmó que lo deseable es que "el hecho teatral triunfe por encima de los elementos que lo componen" en todas las disciplinas, sea teatro, teatro musical u ópera.

"SALUD ENCOMIABLE".

Al respecto, el también director de producciones operísticas cómo 'La Traviata' o 'Un ballo in maschera' de Giuseppe Verdi consideró que el teatro goza en la actualidad de una "salud encomiable" a pesar de que "siempre ha estado en peligro de extinción". "Siempre está ahí, siempre está aguantando. Por algo será", reflexionó. A su juicio, y en una época en la que todo está "digitalizado y robotizado", el teatro constituye una "respiración vital" entre los humanos, "entre los actores y los que asisten a ese oficio laico". "Es un salvoconducto para la eternidad", agregó.

Gas también consideró que si el teatro se mantiene es porque a los seres humanos "nos gusta que nos expliquemos las cosas en vivo y en directo, de unos a otros, para conjuntamente quitarnos el miedo que produce la existencia y el miedo que produce los que mandan". "Mientras eso exista y haya alguien que quiera explicar algo y alguien que lo quiera escuchar", dijo, "el teatro seguirá ahí".

CONTUNDENTE.

Por otro lado, el director de 'Lulú' o 'La habitación azul' afirmó que la dirección escénica, "desde que se inventó o se separó del teatro", ha "corrido con el pulso del teatro y de la sociedad". A su entender, no se trata de aportar algo "desconocido" o "novedoso" sino de que la dirección sea "contundente" y que reúna una serie de elementos que diferencian al teatro de las demás artes.

Así, Mario Gas entiende la dirección escénica como un "conductor" que intenta explicarse a sí mismo una situación, conducir y dirigir a un grupo, y comunicárselo al público.

Respecto a las nuevas generaciones de actores y directores, estimó que no son de los "momentos más deficitarios" a pesar de que hay muchos autores y algunos se quejan porque no estrenan con frecuencia. "No es un momento óptimo para lanzar las campanas al vuelo", dijo al tiempo que reiteró que no hay que ser "pesimistas".

"ESPAÑA, UN PAÍS DE ACTRICES".

Además, estimó que España es "un país de actrices" ya que las mujeres ofrecen al director "un abanico más grande" de posibilidades que los hombres, a quienes "les cuesta más abrirse". Sin embargo "ellas enseguida se ponen el traje de faena", hecho que calificó de "una generosidad aplastante".

Aún así, dejó claro que le gusta dirigir tanto a unos como a otras porque el teatro "está hecho de hombres y mujeres".

Finalmente, y preguntado por sus proyectos de futuro, Mario Gas destacó que va a seguir dirigiendo durante cuatro años más en el Teatro Español de Madrid donde alrededor del 15 de octubre estrenará 'Sweeney Todd' y, en 2009 "hay apalabrada" una pequeña gira para llevar esta obra a Bilbao, Valencia, Sevilla y Barcelona.

"Nos gustaría llevarla a más sitios pero es un montaje complejo", dijo, al tiempo que señaló que la posibilidad de traerla al Palacio de Festivales de Cantabria depende de las "posibilidades económicas" de este escenario ya que, según dijo, mantiene con sus responsables una "amistad artística y personal". "Ya veremos donde más la podemos llevar", concluyó

LA REIAL COMPANYIA DE TEATRE DE CATALUNYA ASSAJA A TÀRREGA L’ESPECTACLE QUE ESTRENARÀ A LA FIRA


www.firatarrega.cat
25 de juliol de 2008

La companyia finalitza avui la seva estada a Tàrrega, després de tres setmanes assajant ‘in situ’ el seu muntatge Kurva

La Reial Companyia de Teatre de Catalunya finalitza avui la seva estada a Tàrrega després de tres setmanes intenses d’assajos ‘in situ’ del seu espectacle Kurva, que estrenarà en aquesta 28a edició de la Fira. Aquest muntatge, on l’espai escènic no és un teatre sinó una carretera als afores de Tàrrega, ha implicat la residència de la companyia a Tàrrega durant el període de temps que ha durat el procés de creació i assaig de l’espectacle, ja que requeria adaptar-se als condicionants dels espais escollits i a les peculiaritats i dificultats que porten implícites el fet de fer un espectacle a l’aire lliure i en un espai poc convencional. Jordi Centelles, codirector d’aquesta producció juntament amb Laia Alsina, considera que l’experiència ha estat molt positiva. “Poder assajar ‘in-situ’ ens permet concentrar-nos molt i controlar millor el tempo de l’espectacle”, ha assegurat.

L’equip, format per 12 persones, ha realitzat assajos en sessió de matí i tarda en el lloc on es desenvoluparà el muntatge, concretant i perfilant els detalls d’un espectacle que forma part d’una de les propostes més experimentals d’aquesta 28a edició de la Fira.

Aquesta iniciativa s’emmarca en un nou plantejament de FiraTàrrega per reforçar el seu caràcter de territori creatiu. La Fira és fonamentalment un espai d’exhibició i mercat d’espectacles escènics però també es vol reafirmar cada cop més com un espai creatiu per a les companyies. Un lloc que, sempre que es donin els condicionants, serveixi per estimular processos creatius que pretenen arriscar i avançar en noves dramatúrgies pensades per a espais no convencionals. Amb aquesta voluntat i arran de la proposta de la Reial Companyia de Teatre de Catalunya, enguany, FiraTàrrega ha tingut l’oportunitat de plantejar aquest laboratori de creació, un espai que dóna cabuda i suport (tant tècnic, com logístic i promocional) a les propostes que aposten pel risc i l’experimentació. “Per nosaltres, poder estrenar aquest espectacle al a Fira és un trampolí excel·lent, una oportunitat inigualable”, afirma Centelles. “Són espectacles arriscats que a altres llocs són impensables, no hi tenen cabuda”, afegeix. En definitiva, es tracta d’un espai de suport a aquests joves creadors, preocupats per ampliar la mirada, per treballar en espais insòlits, interessats en la investigació que això comporta.

Precisament això és el que fa la Reial Companyia de Teatre de Catalunya amb el seu muntatge Kurva, que trasllada l’escena a una carretera secundària on transcorre la vida de dues prostitutes, amb personatges que entren i surten a banda i banda de la carretera i un públic que arriba a l’escena en autocar i s’asseu en cadires de fusta, en un camp de blat proper, per mirar-s’ho des del punt de vista d’un voyeur. “Hem intentat sortir dels tòpics, apropar-nos a la vessant més humana de les prostitutes, treballar sobre la persona”, explica Alsina, Per això, afegeix, “volem fer aturar el públic i que vegin com viuen aquestes dues noies, perquè quan les veiem amb el cotxe, per la carretera, les veiem només un segon”.

Font:Servei de premsa FiraTàrrega

Comença la sisena edició del Festival Shakespeare

http://diarimaresme.com
28 de juliol de 2008

La sisena edició del Festival Shakespeare s’ha posat en marxa aquest dilluns amb un atractiu programa. Enguany, Santa Susanna i Mataró organitzen conjuntament aquest esdeveniment artístic.

Un nou acord

L’acord entre els dos municipis maresmencs ha permès impulsar econòmicament i consolidar artísticament el Festival Shakespeare d’arts escèniques en el territori del Maresme, traslladant la major part de la seva celebració a la capital de comarca. D’aquesta manera, el consistori mataroní acull la major part de la programació a la Masia Can Ribot. Per la seva banda, Santa Susanna ha donat el tret de sortida aquest dilluns 28 de juliol a la Masia Can Ratés amb l’espectacle de la cia. Dei Furbi “Els homes i Shakespeare”.

Mataró, el nou protagonista

La incorporació de Mataró a l’organització del Festival aporta una dimensió territorial més àmplia, un major pressupost, una voluntat de creixement i de consolidació d’aquesta singular proposta, per bé que el municipi que va donar vida al projecte, Santa Susanna, manté la seva presència en la Fundació del festival.

Sisena edició

Per aquesta sisena edició, i primera a Mataró, el Festival Shakespeare proposa un cartell de transició que permet posar a prova l’oferta en el nou espai i amb nous públics. Montse Vellvehi, que continua en l’equip del Festival com a directora artística, ha preparat un programa que es concentra en aquests propers 5 dies - dia 28 i del 30 de juliol al 3 d’agost - i manté l’estructura de combinar teatre, dansa i música, amb espectacles d’aquí i internacionals.

Programa

Les representacions s’han iniciat aquest dilluns 28 a Can Ratés amb l’espectacle de la cia. Dei Furbi Els homes i Shakespeare, dirigit per Gemma Bertran. La proposta del Centre Dramàtic Nacional de Normandia (Caen), Sonnets, de Norah Krief, dona pas el dia 30 de juliol a una programació que, fins el dia 3, recull a Can Ribot espectacles de Xavi Sabata i Laberintos Ingeniosos, la companyia de dansa Transit de Maria Rovira, el Xespir de Tortell Poltrona i el seu Circ Cric i el Rei Lear ja estrenat al Grec 2008 per Oriol Broggi, a banda de dues propostes internacionals més: Les peines d’amour pèrdues, de Helen Cinque i el Burgher King Lear dels portuguesos de Joao Garcia Miguel.

27 de juliol 2008

Terzopoulos y la deconstrucción escénica


www.elpais.com
19 de juliol de 2008

El estructuralista director griego estrena en el Festival de Mérida un Àyax abstracto y minimalista


ROSANA TORRES
Mérida

Theodoros Terzopoulos, una de las grandes figuras internacionales de la escena contemporánea, es al teatro grecolatino lo que Peter Brook es a Shakespeare. Los dos han aportado una nueva lectura sobre algo que desde hacía siglos recaían todas las miradas. Brook como si fuera un impresionista que va a la esencia; Terzopoulos como un estructuralista abstracto que se deshace de todo lo prescindible y superfluo de un texto al que despoja hasta la extenuación para deconstruirlo con su famosa metodología escénica.

Esa reinterpretación de los clásicos griegos del director heleno ha regresado al territorio del anfiteatro romano, en el marco del Festival de Teatro de Mérida, donde el pasado jueves presentó su última revisión sobre Áyax con su emblemático grupo Attis Theatre, lo que supuso el estreno europeo de esta producción que acaba de estar en China, ya que Terzopoulos la ha creado para las Olimpiadas (culturales) de Pekín.

Allí se vio también en un anfiteatro, pero muy distinto al que acoge el montaje en Mérida, un bello espacio del año ocho a.d.c. que el festival ha utilizado en distintas ocasiones a lo largo de su historia, aunque no en los últimos años, y que ahora se ha decidido a recuperar abiertamente para celebrar en él un ciclo denominado Otra mirada, con espectáculos más vanguardista y que se ha inaugurado con este montaje que se despide hoy sábado de la programación. El anfiteatro es el mismo espacio en el que Terzopoulos ya visitó este festival en cuatro ocasiones anteriores (1986, 1988, 1996 y 2000) con otros mitos griegos reinterpretados.

La propuesta de Terzopoulos parte del mito de Áyax y de la obra que sobre él escribió Sófocles, aunque muy versionado ya que el director griego, que ya se ha detenido en tres ocasiones en este héroe casi contemporáneo, por lo que de perdedor y fracasado tiene, es de los que cogen un texto y bucean hasta el fondo de él, eliminando fragmentos y palabras y ahondando en las profundidades emocionales del mismo, como en esta ocasión que transita con bellísimas imágenes más propias de una ópera contemporánea y minimalista por los mundos de la traición, la locura, la ira, la venganza y sobre todo la culpabilidad.

Esta vez Àyax está teñido de sarcasmo y más cerca de lo que podría ser un drama satírico, aunque aparecen los elementos propios de la tragedia, como el lamento y los remordimientos. "Mi Àyax siempre está dentro de un proceso de trabajo, en progresión permanente, porque nunca nos despedimos de las historias que afrontamos, y este montaje también lo sometemos a una permanente búsqueda de la dimensión ontológica de la tragedia", señala Terzopoulos quien ha incorporado como elementos nuevos un coro y un personaje femenino.

Hoy el puesto de dios lo ha tomado el alcalde

Con Àyax el director griego pone de relieve a través de este héroe, que el castigo y el sentimiento de culpa es algo que ha desaparecido de nuestra sociedad, aunque sí lo encontramos en los héroes clásicos: "En el mundo actual no existen los remordimientos, que son los que dan la dimensión grande a la tragedia, en la que siempre encontramos todo teñido de eros y tánatos; pero hoy ha desaparecido el sentimiento de culpa, porque no existe el castigo, los políticos comenten crímenes y no son castigados, pero los hombres en su cotidianidad sí se castigan, aunque no con la conciencia, sino como animales, masacrándose, el hecho es que dios está ausente y en la Grecia antigua todo se basaba en un triangulo: la relación con dios, con la naturaleza y con la polis, la ciudad", señala este hombre que concluye rotundo: "Hoy los dioses han muerto y la naturaleza, la ciudad, el mundo, están en condiciones muy malas, y sólo desde ahí nos puede llegar lo que es verdaderamente importante, como es la naturaleza o la poesía, pero hoy el puesto de dios lo ha tomado el alcalde o el director del banco o mi suegra, y sólo hablamos de eso, de las miserias cotidianas, por eso hoy las tragedia se ven como dramas, porque falta el horizonte"

Terzopoulos, que se formó en los años setenta en el Berliner Ensemble con Heiner Müller y Manfred Wekwerth, entre otros, fundó la compañía Attis Theatre en 1986 con la que ha hecho casi dos mil representaciones fuera de Grecia. Ella es la principal beneficiaria de su método de trabajo que se enseña en numerosas universidades del mundo y que consiste en buscar el ritmo y la energía en el propio cuerpo: "A través de ellos podemos llegar a comprender el alma interna de la obra, es sólo un camino para alcanzar la armonía, a la que nunca se llega, porque lo importante es estar siempre en el camino de Itaca", dice este hombre que cada vez se acerca más a su concepto de arte total que contiene danza, luces, la música, canción, todo.

Cuando se le señala que su montaje tiene algo de ópera minimalista impregnada de aromas de Artaud dice: "Quizá mi montaje sea una forma de ópera moderna, como las basadas en la música de Stockhausen, aunque también está lo que aprendí de Müller que me enseñó unos caminos para aproximarme al núcleo de lo clásico, pero no a la parte luminosa de ese núcleo, sino a la parte oscura y tenebrosa y ahí está el encuentro con Artaud, con su estética basada en lo que está fuera de uno mismo y de su lógica, toda una dimensión brillante del arte del teatro, en la que está la creación del caos y luego la geometría perfecta de ese caos", dice este hombre que de Bertolt Brecht (trabajó con su mujer) heredó la sistematización del trabajo, la autoconcentración y el estudio de un objeto, cosas que le han servido para posicionarse junto al estructuralismo de la Bahaus alemana y los suprematistas rusos, al tiempo que ha tenido influencias del teatro Noh.

El director griego, que acepta como un piropo que se le diga que él con el teatro está en un camino similar al de Ferrán Adriá con la cocina, dice para remarcar ese aspecto: "Como Picasso uno puede trabajar toda la vida con un pequeño papel", señala mientras toma con sus manos una pequeña servilleta, "se pueden crear mundos enteros sólo partiendo y basándose en este papel, sólo hace falta que haya amor, dedicación, fe, disciplina, auoconcentración, fantasía, educación...., desde una prisión pequeña se puede crear un gran mundo", dice este hombre que tiene una apretada agenda para los próximos años. En mayo y junio de 2009 la Academia de Artes de Berlin le hace un homenaje centrado en su trabajo en cooperación con la Academía del Teatro y el teatro nacional alemán con laboratorios, exposiciones, publicaciones. Un mes después en Polonia celebran el 90 cumpleaños de Grotowski, y dentro de las conmemoraciones habrá cinco grandes homenajes en los que se dedicará una semana a un gran creador internacional; estos serán Pina Baush, Peter Brook, Eugenio Barba, Suzuki y Atthis Theatre. Además el 2009 será un año en el que Terzopoulos publicará varios libros en varios países, montará la ópera Electra, de Strauss en el Bolshoi de Moscú, y hará una larga gira con su compañía. De momento Àyax estará en Sagunto (día 22) Niebla (día 26), Chipre, varias ciudades de Egipto y varios países de América Latina.

Rubianes será "Dios" en el musical 'Monthy Python's Spamalot'

www.lavanguardia.es
16 de juliol de 2008

El actor suspendió su gira 'La sonrisa etrusca' al serle diagnosticado un cáncer de pulmón

Barcelona.
(EFE)

El actor y director de teatro Pepe Rubianes interpretará al personaje de "Dios" en el musical "Monthy Python's Spamalot" pese a encontrarse de baja laboral por enfermedad, ha informado la compañía Tricicle.

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El personaje de "Dios" aparece a lo largo de toda la obra como voz en off y, según ha explicado la compañía, Rubianes ya ha grabado su intervención.

El actor Pepe Rubianes anunció el pasado mes de abril la suspensión de las funciones y la gira de su espectáculo "La sonrisa etíope" al serle diagnosticado un cáncer de pulmón.

La compañía Tricicle estrenará el próximo 9 de septiembre en el Teatro Victoria de Barcelona la obra "Monty Python's Spamalot", que narra en clave de humor la búsqueda del Santo Grial por parte del Rey Arturo y sus caballeros.

Es formalitza la xarxa de Ciutats Amigues del Circ


www.lamalla.cat
24 de juliol de 2008

JOSE SOLER

La Bisbal d'Empordà, Figueres, Tarragona, Tortosa, Vilanova i la Geltrú, Pineda de Mar, Lleida, Mataró, Reus, Sant Cugat del Vallès i Sabadell són, des d'aquest dimecres, ciutats amigues del circ. El conseller de Cultura, Joan Manel Tresserras, i el president de l'Associació de Professionals del Circ de Catalunya (APCC), Jordi Juanet, han presentat avui la creació d'aquest col·lectiu de ciutats integrades a petició pròpia per a la promoció dels espectacles de circ. L'acord, que format part del Pla Integral del Circ de Catalunya presentat el passat mes de març, compta amb un compromís de quatre anys per part dels consistoris per a una programació continuada de circ en igualtat de condicions que la resta d'arts escèniques.

En marxa la primera fase de la creació de la xarxa de Ciutats Amigues del Circ, que ja compta amb una onzena de consistoris i amb una programació definida amb més de 300 actuacions i activitats de circenses. Aquest dimecres s'ha presentat en roda de premsa aquest circuit per a la promoció, educació i producció d'espectacles de circ amb voluntat d'estabilitat per a un sector que ha sofert diversos ensurts en els darrers anys. En un principi una onzena de ciutats formen part del projecte durant quatre anys però es preveu que aquesta xifra creixi, ja que, segons ha informat el Departament de Cultura, hi ha moltes ciutats interessades en formar part de la xarxa.

Aquests municipis es comprometen a programar de manera estable espectacle de circ en les mateixes condicions que la resta de les arts escèniques, formant part important en les programacions de l'agenda cultural de les seves ciutats. Les ciutats amigues del circ hauran de garantit que hi hagi un mínim d'artistes i companyies catalanes en almenys un 50% del pressupost i hauran de prendre les mesures necessàries per adaptar les instal·lacions per a que els espectacles es desenvolupin en condicions òptimes.

El Departament de Cultura, de la seva banda, finançarà fins a un 40% del pressupost de les actuacions fins un màxim de 5.000 euros per als municipis de menys de 25.000 habitants; de 8.000 euros per als municipis fins a 50.000 habitants, i de 15.000 euros en aquells municipis de més de 50.000 habitants

El Grec programa dues nits d'acrobàcies i funambulisme


www.elperiodico.cat
24 de juliol de 2008

• Els jardins i el recinte de Montjuïc acolliran 'Nit de circ' diumenge i dilluns

• El muntatge marroquí 'Taoub' omplirà de màgia, teles, música i cabrioles l'amfiteatre

El muntatge Taoub, a càrrec de 12 acròbates marroquins, serà el plat fort de Nit de circ.
Foto: GREC

IMMA FERNÁNDEZ
BARCELONA

Després de l'èxit de la Nit de circ programada l'estiu passat, el Festival Grec repeteix la iniciativa i la duplica oferint els pròxims 27 i 28 de juliol dues vetllades d'acrobàcies, funambulisme, música i malabars destinades a tota la família. Les activitats --10 en total-- es desenvoluparan en diferents espais dels jardins i l'amfiteatre de Montjuïc a partir de les 20.30 hores, encara que les portes s'obriran una hora abans.
Sota la direcció de Bet Miralta i Jordi Aspa, integrants d'Escarlata Circus, les propostes circenses es distribuiran en quatre zones del recinte. Als jardins hi actuaran, en tres espais diferents, la companyia Irracionael --un duo de quadrant aeri--; Tichobates --una trapezista i un funambulista-- i Solfasirc –corda fluixa--.
Paral.lelament s'oferiran altres funcions en dos balcons laterals ubicats a prop de l'entrada principal. En el de l'esquerra hi participaran les companyies Hula Hoopla!!! i Juanma y Olée --malabars de rebot a ritme de flamenc--. Al mateix temps, al racó de la dreta, Mumusic Circus exhibirà la seva combinació d'acro-
bàcies i pal xinès.
De tots aquests espectacles, de 20 minuts de durada, se'n programaran dues sessions: a les 20.30 hores i a les 21.30 hores. Definits pels organitzadors com "els aperitius" del menú de Nit de circ --la majoria plats catalans--, aniran acompanyats de les animacions a càrrec de Claret Papiol --"presentador i malabarista de frases"-- i De Mortimers i Mazalda, que acompanyaran el públic durant tot el recorregut.

TAPISSOS COM A TRAMPOLINS
El plat principal, Taoub, arribarà a les 22.30 hores i se servirà al recinte de l'amfiteatre. Cuinat a Tànger, el 2003, combina les espectaculars acrobàcies tradicionals del Marroc amb les aromes contemporànies que ha aportat el seu director, el francès Aurélien Bory.
Taoub, que significa tela en àrab, desplegarà sobre l'escenari un bonic i poètic muntatge a partir de la utilització de tapissos, robes i una gran tela blanca com a elements circenses (serviran de trampolí, per parar caigudes...). Una dotzena d'acròbates, que també interpretaran i cantaran música en directe, executaran les cabrioles i els salts, i al seu torn manipularan projeccions d'imatges: fotografies, ombres xineses i vídeo. Un plat combinat que farà les delícies de grans i petits, encara que els organitzadors insisteixen a recomanar que hi assisteixin nens a partir de 8 anys.

26 de juliol 2008

Joan Pera protagonitza la proposta teatral més còmica de les Santes


www.capgros.com
26 de juliol de 2008

'Òscar. Una maleta, dos maletas, tres maletas' es representa dissabte, 26 al Teatre Monumental

per capgros.com
fotos TNC

Què tenen en comú Louis de Funès, Sylvester Stallone i Joan Pera? Els tres actors han donat vida a l’hipocondríac i atabalat empresari protagonista d’Oscar. Una maleta, dos maletas, tres maletas, una obra teatral adaptada en dues ocasions al cinema i que arriba aquestes santes al Teatre Monumental. 'Oscar. Una maleta, dos maletas, tres maletas' relata com la vida del senyor Costabella, un ric empresari del sector de la cosmètica, es veu trasbalsada quan el seu home de confiança li demana un augment de sou per poder-se casar. La situació s’agreuja quan Òscar descobreix que la futura núvia és la seva filla.

L’obra, basada en un text del frances Claude Magnier, està dirigida pel també actor Abel Folk, que destaca el talent de l’autor "per dosificar els gags" i per "crear una comèdia de situació esplèndida". El text original de Magnier ironitzava sobre el món de la cosmètica. Folk, que ha adaptat la situació en el temps i en l’espai, hi ha afegit també certa ironia sobre l’ús dels productes ecològics.

El muntatge es va estrenar l’any passat al Teatre Condal. Per l’actor mataroní Joan Pera, aquesta obra suposa el seu primer treball sense el seu partenair dels darrers tretze anys Paco Morán. A canvi, Pera comparteix repartiment amb Lloll Bertran, Mont Plans, Miquel Sitjar, Mireia Aixalà, Eva de Luis, Damià Plensa, Anna Azcona i Aliou Danfa. En el moment de la seva estrena, la crítica va destacar la capacitat de l’obra per fer riure el públic així com el talent de Joan Pera com a actor de teatre còmic.

Dissabte, dia 26. A les deu de la nit al Teatre Monumental

UN SHAKESPEARE CON SAL Y PIMENTA


www.lacomarcadepuertollano.com
21 de juliol de 2008

Muy buen sabor de boca dejó en el Municipal, la versión de Helena Pimenta y representada por la compañía Ur Teatro. Una historia en clave de comedia, repleta de gags y con aires de musical cabaretero.

Shakespeare transformado en cabaret (Foto: Gabinete Prensa Almagro)

El sirviente de Proteo caracterizado como "The jazz singer" (Foto: Gabinete Prensa Almagro)
J. Carlos Sanz
A Shakespeare le hacía falta picante. He aquí que llega Helena Pimenta y decide cocinarnos la procaz versión de "Dos caballeros de Verona" donde Ur Teatro muestra en clave de comedia un texto elaborado por un Shakespeare joven y todavía renuente a la solemnidad del género clásico.

Como ya ocurriera en años anteriores con el "Ricardo III" de Teatre Lliure o "The Canterbury Tales" de la Royal Shakespeare Company, el festival de Almagro reserva un hueco para montajes como el que ayer pudo verse en el Municipal y que tiene como principal ingrediente la deconstrucción del registro clásico.

En el caso de Pimenta, una deconstrucción sagaz pues aprovecha las posibilidades escénicas de un texto apenas conocido por el público además de ofrecer, bajo su prisma dramatúrgico, los inicios cómicos de un Shakespeare descarado y en ocasiones irreverente.

En "Dos caballeros de Verona", estrenado por cierto para conmemorar el 20 aniversario de la compañía que dirige Pimenta, el núcleo de la acción se centra en contrastar dos actitudes diametralmente opuestas, dos maneras de entender y sentir el amor por parte de Valentín y Proteo, amigos de la infancia; mientras que para uno hay que respetar a rajatabla los códigos de honor, lealtad y amistad, para el díscolo Proteo su método del "todo vale" es la materia prima de la que se sirve con tal de conseguir conquistar a la mujer que le apetezca, incluso defenestrar en el plano amistoso a Valentín.

Este pugilato amatorio se enriquece con una escenografía próxima al musical, con irrepetibles momentos donde los personajes bailan y cantan al más puro estilo del cabaret, y con un vestuario que remite al período de entreguerras, intención deliberada en Pimenta para resaltar que pese a la disputa pasional, los personajes viven inmersos en un ambiente de despreocupación y frivolidad.

Además, el acertado encadenado de escenas ?en ningún momento el escenario se queda a solas, ya que los tránsitos de secuencias se solapan- confieren dinamismo y vivacidad a una propuesta cargada de cómica procacidad. Pimenta que ya se conoce al dedillo la trayectoria de Shakespeare, invita al espectador con este montaje a tomarse a risa la tragedia y el drama implícitos en todo texto clásico; ésta parece ser la consigna.

Por supuesto, que los actores se ponen serios cuando viene al caso, pero en todos se percibe un flanco cómico. Por destacar, la genial interpretación del sirviente de Proteo, caracterizado como el protagonista de "El cantante de jazz" y cuyos ácidos comentarios apuntalan la tentativa de Pimenta por ofrecernos una historia llena de enredos amorosos, felonías, tácticas y estrategias pasionales que a fin de cuentas son las que mueven los hilos en el ámbito amatorio.

Pese a la dureza de la trama, un Proteo embaucador que se camela a su ansiada Julia hasta que en su llegada a Milán se queda prendado de Lucía, la hija del duque milanés, pretendida por Valentín, con lo que Proteo no se anda con ambages y llega a dilapidar su amistad con tal de alcanzar su objetivo, el desarrollo de la obra es tan desenfadado que la percepción de estar viendo una comedia picante no deja de adquirir grosor.

A fin de cuentas, con su versión Pimenta nos presenta al Shakespeare más juguetón, capaz de trenzar un drama clásico con la comedia y donde los personajes desenfundan una munición de ironía y aceptación de las reglas del juego amatorio. Hacía falta salpimentonar al solomillo shakesperiano y con el aderezo de "Dos caballeros de Verona", el plato sabe de rechupete.

El cuerpo de baile del Sodre se declaró en pre-conflicto

Causal. Rescisión de contratos es resistida
www.elpais.com.uy
17 de juliol de 2008

FERNANDO MANFREDI

El cuerpo de baile del Sodre se encontraba ayer en situación de pre-conflicto, enfrentado con el Consejo Directivo de la institución por la rescisión de los contratos de 7 de sus bailarines.

Hasta última hora de ayer se realizaba una reunión entre las partes, a fin de que se dejara sin efecto la rescisión de los contratos de los bailarines que terminaban a fin de año. De acuerdo a lo que señalaron miembros del cuerpo de baile, se entendía que los motivos argumentados por la directora del cuerpo, Sandra Giacosa, no se ajustaban a la lógica. Según lo que señalaron las mismas fuentes a El País, los argumentos de la jerarca fueron la caída de las temporadas planeadas (como se recuerda uno de los títulos anunciados fue Giselle), la imposibilidad de contar con un teatro (esto podría estar indicando que el Auditorio no estaría todavía disponible) y la falta de plata en el rubro 042 en el que se los contrató.

Aunque se intentó comunicar con las autoridades del servicio a fin de tener la visión de las mismas sobre el problema, no fue posible hacerlo. En el caso de la directora del cuerpo de baile, la misma se excusó cortésmente de hacer declaraciones, hasta que no se dilucidara la instancia marcada para la tarde de ayer.

Por otro lado, otros integrantes del ballet se desligaron de la emisión de un comunicado de prensa, que hacía referencia a esta situación y efectuaba varias denuncias. Aunque se informaba sobre el pre-conflicto y sus motivos, los bailarines indicaron que las razones aludidas no marcaban la postura oficial del grupo. No obstante ello, algunos puntos sí fueron corroborados. Entre ellos, el hecho de que la causal de rescisión de los contratos, sólo se fundamenta en el incumplimiento de sus actividades por parte del artista.

También manifestaron su disconformidad con la falta de una actividad regular. Los bailarines entienden que el cuerpo es un conjunto de tipo clásico, lo que indica que está capacitado para abordar los grandes títulos del género y no las obras contemporáneas de ballet donde su rendimiento aparentemente no sería el más óptimo.

De hecho, grandes producciones como El lago de los cisnes y Cascanueces han tenido gran recepción por parte del público, justificando plenamente las inversiones que en ellos se hicieron.

El conjunto, en el que la propia Sandra Giacosa realizó una brillante y aplaudida carrera, no pasa por un buen momento producto de factores internos y externos. Un grupo importante de su plantilla de bailarines no pueden ejercer su labor en razón de su edad, pero al mismo tiempo tampoco pueden jubilarse al existir un vacío legal en la materia que nunca se termina de llenar, por no existir una ley jubilatoria para la profesión de bailarín. Esto hace que no se generen vacantes y que deban hacerse contrataciones del tipo de las que han desencadenado el conflicto.

La fuente de nuevos integrantes está en la destacada escuela Nacional de Danza, dependiente también del Sodre, de la cual han egresado en los últimos años varias figuras destacadas a nivel internacional. Algunos ingresan en forma precaria al cuerpo de baile y un porcentaje menor abandona el ballet para dedicarse a cualquier otra actividad.

Se puede palpar entre todos los actores intervinientes en esta controversia, descontento e incertidumbre, no sólo por elementos contractuales, sino frente a la pocas perspectivas de una actividad a corto plazo. De todos los cuerpos estables del Sodre, el ballet ha sido en los últimos tiempos el que menos presentaciones ha tenido.

Balance de una magra temporada
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En lo que va del año el cuerpo de baile del Sodre ha tenido sólo cuatro presentaciones. Las mismas fueron en el Teatro Solís con la obra Tierra y Luna, creación de la catalana María Rovira con la asistencia del cubano William Castro. La coreografía, basada en el poema Nocturno del hueco de Un poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, se pudo ver los días 28, 29, 30 y 31 de marzo en el Solís.

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