31 d’octubre 2011

Artesanato Escénico porta un món de somni a Mataró



La companyia busca un nou espai on poder seguir creixent

Color, andròmines reutilitzades i molta imaginació. Aquests tres elements van ser l’eix central de la mostra que la companyia “Artesanato Escénico” va dur a terme dissabte a la tarda a la fàbrica del carrer Churruca. L’artesania és el punt de partida dels set col•lectius que formen la companyia de circ, implantada a Mataró i que ara resta a la busca d’un nou espai a la ciutat on poder seguir treballant. Sense cap més premissa que la de transportar els visitants a un món de somni i imaginació, a la fàbrica on es feia l’exposició s’hi van poder veure andròmines reinventades, espectacles de petit format, vestits excèntrics i atraccions curioses.

Jordà Ferré, president de la companyia, va assegurar que “volem ensenyar què fem, mostrar el nostre circ intimista i curiós”. A la fàbrica, s’hi van poder elements dels set col•lectius: des d’espectacles de petit format fins a una exposició de màquines que parlen de sentiments – d’Antigua i Barbuda. A banda d’ensenyar quina és la seva tasca, però, des de la companyia es va reclamar un nou espai on poder treballar. “La fàbrica del carrer Churruca ja té un pla urbanístic assignat per a l’escola de música i altres edificis i nosaltres volem negociar amb l’Ajuntament perquè ens cedeixin un nou espai on poder tirar endavant aquest projecte”, va afirmar Ferré.

Tres anys
Aquesta companyia de circ ja fa tres anys que va néixer. “Antigua i Barbuda”, “Los Corderos” o “Los hermanos Oligor” són tres dels col•lectius agrupats sota el nom d’”Artesanato Escénico”, que també aglutina “Calle Goya 7”, “Coser y cantar”, “Mesclanimics” i “Ne Me Titere Pas”. Es tracta d’una companyia que mescla espectacles de carrer i d’altres d’intimistes de petit format. Tots set grups desenvolupen activitats a partir de l’artesania, ja sigui restaurant mobles, fent titelles o cosint vestits exuberants, entre altres. Han actuat en circuits internacionals, trepitjant països com Brasil o França i d’aquí a uns mesos també seran presents al Centre d’Arts Santa Mònica.

publicat per
Mireia Biel
Fotos de Lluís Rugama
www.totmataro.cat
26 octubre de 2011

Dues nominacions pel "Cadira" de Moisès Maicas als Premis Butaca

Emocionat i il•lusionat. Així ha rebut el director teatral mataroní Moisès Maicas, les dues nominacions que ha rebut el seu muntatge “cadira” com a millor espectacle de petit format i la nominació que ha rebut Tilda Espluga com a millor actriu de repartiment. Per Maicas és gratificant i positiu. Alhora, també, reconeix que el reguitzell de nominacions que han rebut diversos espectacles i actors mataronins a la XVII edició dels Premis Butaca són el fruit d’un llarg i rigorós treball que es fa a les escoles de teatre de Mataró des de fa molts anys.

A més de les nominacions que ha rebut Maicas, el Somorrostro de Maria Rovira, In on It de Roger Pera i les actuacions de Boris Ruíz a Celebració i Montse Vellvehí a Madame Melville també estan en aquesta cursa final d’aquests premis que vota el públic. El director teatral afirma, en aquest sentit, que les arts escèniques no existirien sense el públic que va a les sales i que, precisament, aquest reconeixement és especialment significatiu.

Per Moisès Maicas l’èxit de nominacions que han recaptat els representants mataronins és un símptoma de la bona salut de la que gaudeix el teatre a Mataró. Maicas apunta, a més, que demostra el potencial que té la ciutat en les arts escèniques i que és una ciutat amb suficient talent com per exportar-lo.

En aquest sentit, Moisès Maicas destaca el paper que tenen les escoles i els grups de teatre de Mataró. Companyies aficionades i grups de formació en teatre com l’aula del Monumental i la Sala Cabanyes, d’on han sortit la majoria dels actors mataronins que triomfen als escenaris, més enllà de les nominacions que alguns han rebut en aquesta ocasió.

publicat per
Cristina Salad
www.mataronoticies.cat
21 octubre de 2011

‘El Rey León, el Musical’ llega al Teatro Lope de vega de Madrid



Su estreno es el 21 de octubre y ya se han agotado las entradas prácticamente hasta diciembre

'El Rey León' fue, hace diecisiete años, el 32º clásico de Walt Disney Pictures que se estrenó en todos nuestros cines y, sin embargo para muchos se convirtió en el primero de nuestra lista de favoritos. Quizás por el trasfondo que la marca quiso hacer sobre el Hamlet de Shakespeare traducido en la tragedia de un león africano; Quizás por la música de Elton John; Por la cantidad de colores del film o por su moraleja implícita tan característica de la Casa. A lo mejor por todo ello junto, no sólo yo u otros fans nos fijamos en la historia de Simba y de su ciclo de la vida. Broadway también quiso echarle el lazo, y lo haría tres años después del estreno original, acogiendo la filosofía del'Hakuna Matata' entre sus espectáculos con una más feroz cogida que su propio rugido, el 14 de noviembre de 1997.
‘El musical de El Rey León’ se hizo realidad en Nueva York con el beneplácito de los mejores críticos del mundo y, desde entonces, ha viajado de Londres a Tokyo, de Sidney a Shanghai y de Hamburgo a Johanesburgo, hasta aterrizar por fin en Madrid con un total de más de 60 millones de espectadores a sus espaldas.

Con 33.000 funciones en su curriculum, este musical hacía una apuesta segura al comprometerse con una ciudad como es ésta en la que vivo, en donde el género se ha venido consolidando en los últimos años con otros grandes como ‘Chicago‘, ‘Los Miserables‘ o el también de Disney, ‘La Bella y la Bestia’.

Joop Van Den Ende, presidente y propietario de Stage, la compañía encargada de llevar la obra al teatro, ha reconocido que “debemos agradecerle en gran medida a su directora, Julie taymor, que ha introducido elementos y técnicas del teatro tradicional asiático en el musical proporcionando un nuevo impulso al género”. Y no es para menos; Las reminiscencias africanas no cesan en ningún momento desde el primer momento, no sólo por el diseño de vestuarios, máscaras y títeres bajo el sello de taymor como forma de hacer teatro más tradicional, cercano y artesanal, sino también por sus 21 músicos y 53 actores, de los cuales siete de ellos son puramente africanos.

La historia del león más famoso de nuestra infancia es fiel a su largometraje salvo por la letra de sus canciones adaptada con otra letra, quizás por refrescar sus versiones o tal vez porque ha sido traducida de su versión en broadway y no de la película original. la cuestión es que deja de lado el sentimiento de los más nostálgicos que queden con ganas de cantar sus canciones.

No obstante, hasta este tipo de detalles quedan eclipsados por el espectáculo y la puesta en escena.

Cabe reseñar que, mientras algunos hechos, diálogos o tonos de la obra sí son estrictamente fieles, otros han recibido un toque innovador que, a mi parecer, resultan interesantes. Por ejemplo, nos damos cuenta (Y no desde el principio) que quien interpreta aquí a Rafiki (Brenda ‘Brinzo’ Mhlongo) es una mujer con una voz africana espectacular, de esas que ponen los pelos de punta, y otros rasgos cambiantes como un Scar (Sergi Albert) bailando con Nala (Daniela Pobega) a ritmo de tango, o un Timón (David Ávila) españolizado que cambia su baile hawaiano del film por uno sevillano muy andaluz en el musical.

De tal modo, la bonita historia del ciclo de la vida que se estrena este viernes 21 de octubre en el Teatro Lope de Vega de Madrid, toma un cariz diferente pero conservando el espíritu original.

PUBLICAT PER
MANUEL SANCHEZ
WWW.REPUBLICA.COM
20 OCTUBRE DE 2011

TNC actualiza "Pulgarcito" en montaje con música en directo, mimo y títeres

Lenguaje gestual, música en directo, sombras chinas, marionetas y proyecciones audiovisuales componen el montaje de "Polzet" ("Pulgarcito"), un espectáculo marcadamente contemporáneo que mañana se estrena en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC).
La obra de la compañía Pa Sucat inaugura la programación infantil y familiar de la sala Tallers del TNC con una adaptación del famoso cuento de Charles Perrault que otorga especial protagonismo a la música compuesta para la ocasión e interpretada en directo por la Barcelona Modern Project.
Según ha explicado hoy el director de la obra, Lluís Graells, su adaptación pretende que "los niños pasen miedo" y subrayar dos de las ideas del cuento: "qué pasa cuando la familia que te toca no te quiere y qué pasa con los ogros, que por su puesto existen".
"Polzet" narra la historia del hijo pequeño de siete hermanos que son abandonados por sus padres porque no los pueden alimentar y caen en manos de un ogro.
El autor de la música original, Jesús Rodríguez, ha señalado que durante la composición "ha habido mucha complicidad" con la compañía teatral y el resultado final "está inspirada en la música de los dibujos animados mudos de Hollywood".
El juego de luces, pantallas con proyecciones audiovisuales, ilustraciones y sombras chinas ayudan a crear el espacio inquietante en el que los protagonistas viven sus alegrías y sus miedos.

publicat per
www.abc.es
19 octubre de 2011

El Escalante instala el “Shakespeare’s Globe” de Londres en el corazón de Valencia

Una réplica del “Shakespeare’s Globe”, de tres metros de altura, es el motivo central de la exposición “In love with Shakespeare” que permanecerá abierta al público escolar y general durante la temporada 2011/2011 del Centre Teatral Escalante de la Diputación de Valencia.
El diputado provincial Cristóbal Grau ha presentado la programación completa junto al director del Escalante, Vicent Vila, y el ilustrador Miguel Calatayud, que ha colaborado de manera muy especial en el proyecto.
“La temporada centra su atención en uno de los dramaturgos más universales de todos los tiempos, William Shakespeare, con el objetivo de aproximar esta gran figura de las artes escénicas a niños y jóvenes” ha explicado Grau al tiempo que ha destacado que otra de las grandes líneas de la temporada es el teatro “hecho en Valencia”.
En este sentido, Vila ha recordado que “el presidente Alfonso Rus solicitó más apoyo para las compañías valencianas, especialmente en estos tiempos de crisis, una gran idea que ha contado con el impulso de Cristóbal Grau y que ponemos en práctica con el ciclo de compañías valencianas que presentará nueve espectáculos producidos por empresas valencianas y estrenados aquí en el Escalante”.
La participación del prestigioso ilustrador Miguel Calatayud –tres veces distinguido con el Premio Nacional de las Artes- “es un auténtico lujo para el Escalante “, han destacado Grau y Vila.
El director del Escalante ha recordado que la vinculación de Calatayud con el Escalante se remonta a los inicios del teatro: “participó en el Llibre de la Selva y es el autor de la escultura homenaje a Escalante que tenemos en el patio desde 1998”. “L’hem embolicat”, ha bromeado Vila y ha explicado que sólo la buena voluntad de Calatayud ha hecho posible su participación “dado que tenemos un presupuesto muy ajustado”.
En su intervención, Miguel Calatayud ha señalado su agradecimiento a “Vicent Vila y a Paula Salinas –comisaria de la exposición sobre Shakespeare-, los auténticos cerebros del proyecto”.
Sobre la muestra “In love with Shakespeare” el ilustrador ha avanzado que “pretendemos que todo esto se refleje en un libro que actúe como catálogo de la actividad que homenajea a Shakespeare y que, al igual que la exposición, tenga cierta interactividad”.
“In love with Shakespeare” es el eje central de la 27ª temporada del Escalante. Se trata de una exposición guiada que gira alrededor de diversos espacios estructurados en función de las pasiones reflejadas por Shakespeare en sus obras, tales como el amor, la codicia, el odio, el poder, etc. En esta ocasión las visitas se podrán concertar en valenciano, castellano e inglés.

El domingo arranca la temporada
La temporada teatral arranca el domingo, 23 de octubre, con la apertura de la exposición “In love with Shakespeare” y con la puesta en escena de “Desperta bella dorment”, de Teatre Exprés de Valencia, el primer espectáculo del ciclo de compañías valencianas. También se reanudará la exitosa actividad didáctica “Buscant el fantasma del teatre” dirigida al público escolar.
El ciclo de compañías valencianas reúne nueve espectáculos diferentes. Todas las obras se presentan por primera vez en Valencia. Tras el ciclo valenciano, y como ya es tradicional, llegará la programación extraordinaria navideña “NADAL A L’ESCALANTE”. Se presentarán ocho espectáculos de otras tantas compañías procedentes de Japón, España y Valencia y una Gala Benéfica de PayaSOSpital.

Vuelve “Somni d’una nit d’estiu”

En el primer trimestre de 2012, Shakespeare vuelve al escenario del Escalante con la reposición de la comedia “Somni d’una nit d’estiu”, producida por el propio centro teatral de la Diputación de Valencia, dirigida por Antonio Díaz Zamora y puesta en escena por Teatre dels Navegants, también de Valencia.
Para la primavera 2012, y como es habitual, se plantean dos ciclos: “Ecología y Teatro Social” y “Menut Teatre”.
“En Ecología i Teatre Social, disfrutaremos de cinco espectáculos de diversas técnicas: actores, marionetas, danza, etc., que llevan como base temática valores ecológicos y sociales. Con Menut Teatre el Escalante cerrará la temporada ofreciendo espectáculos para niños y niñas de cero a tres años con la presencia de tres compañías, una de ellas de origen cubano, especializadas en este tipo de propuestas”, ha detallado Vicent Vila.

Escola de Teatre

El Escalante no sólo es un centro de exhibición teatral sino que dentro de su proyecto general está la pedagogía teatral y la docencia, vehiculada a través de la Escola de Teatre.
Tal como ha comentado Vila, la Escola también dedicará sus ciclos de Filmología a Shakespeare al tiempo que continuará con sus habituales ciclos de Formación Profesional, Especialidades -Teatro Musical, Teatro de Objetos y Commedia dell’Arte- y Teatro Amateur, atendiendo así las necesidades de más de 260 alumnos.
La Escola, cerrará su Curso a mediados de junio 2012 con un Encuentro de Escuelas de Artes Escénicas en el que se presentarán trabajos de diferentes escuelas de España. El Escalante participará con su producción “Nemlingham”, presentada en octubre en el concurso de teatro “Vila de Mislata”.

PUBLICAT PER
WWW.ELPERIODIC.COM
17 OCTUBRE 2011

30 d’octubre 2011

“El Concert de Sant Ovidi” de Buero Vallejo : avui ultima representació a Sala Cabanyes



Es tracta d’una producció conjunta entre la Sala i el Grup Independent de Teatre, amb direcció d’Antonio García i Carles Maicas

La Sala Cabanyes acull aquesta obra, produïda amb el Grup Independent de Teatre de Mataró, una entitat concebuda ara fa un any com una escola de teatre i que ofereix classes als seus socis i també sessions de teatre i de ball. Aquest muntatge és l’estrena davant del públic d’aquest grup teatral i Maicas agraeix “la sensibilitat de la Sala per voler realitzar aquesta coproducció”.

Dies de representació:
Diumenge 30 d’octubre, a dos quarts de set de la tarda (18:30 h)

Informació i Reserves:
618.77.30.13, de 18h a 21h
recollida de localitats :
de 12.30 a 14.00 hores
i una hora abans de la representació

«El Rey León»: El cachorro de Disney se hace mayor en Madrid

Convertida en un clásico de Broadway, la aventura vital de Simba llega a la selva de Gran Vía. Un gran espectáculo que, cuentan, es el rey de los musicales.

Dónde: Teatro Lope de Vega. Madrid. l Cuándo: desde el 19 de octubre. l Cuánto: de 29,90 a 130 euros. Tel. 902 888 788 /902 332 211.

Amenudo no es tanto el paso del tiempo como las circunstancias lo que convierte a una historia en un clásico, al menos en uno contemporáneo, si se permite la contradicción. «El Rey León» nació en 1994 como película, y hoy en día dos generaciones saben quién es Simba, el cachorro de león que ha de pasar por un rito de transición y vencer sus miedos para reinar en la sabana. Millones de niños y mayores han tarareado aquello de «Hakuna matata, aprende a ser feliz». La clave de este éxito hay que buscarla tanto en la pantalla como en la escena: el filme ganó dos Oscar y marcó el camino para Disney, pero sólo tres años después, en 1997, una artística traslación al lenguaje teatral de Julie Taymor demostró que hasta con una historia infantil se puede hacer un musical histórico que cautive a todo tipo de públicos. Dicen algunos que es el rey de los musicales. Frases promocionales aparte, es cierto que conquistó a la crítica en Broadway, y se llevó seis premios Tony y un Grammy, entre una lista de 70 galardones internacionales.

Con este curriculum incontestable, es lógico que haya expectación ante su llegada a Madrid el día 20. La encargada del estreno español es Stage Entertainment España, empresa que produce buena parte de los grandes musicales en nuestro país, pero el montaje es básicamente el mismo, con dirección de Taymor, que acudió a Madrid para supervisar parte de los ensayos.

Aunque hay novedades: el escenario del Lope de Vega es menor que los del extranjero y ha habido que adaptar la producción; también se ha invertido en arreglar el teatro de arriba a abajo. Entre estos gastos y los de poner en pie el musical, el presupuesto alcanza 10 millones de euros: nada que no esperen recuperar si las previsiones se cumplen: llevan 80.000 entradas de preventa (para el estreno esperan alcanzar las 100.000, el triple de lo habitual) y tienen precedente de Broadway, donde la recaudación semanal es de un millónde dólares. Así las cosas, y dadas sus características, el musical no tiene fecha de salida ni habrá gira por otras ciudades. El reto es aguantar en Madrid todo el tiempo que sea posible: «La previsión ideal son 10 años, como en Hamburgo; una más realista serían 4 o 5 años. Y desde luego, lo mínimo, para que sea rentable, es que aguante al menos dos en cartel», explicaba ayer Julia Gómez Cora, la presidenta de Stage Entertainment España.

Rugidos desde México
Lo que sí es nuevo es el idioma: como es tradición en nuestra escena, se canta en español, y el dramaturgo Jordi Galcerán («El método Grönholm») firma la adaptación. El reparto ha salido de un casting que ha durado meses, y se mantienen algunos intérpretes surafricanos por expreso deseo de la directora: es fundamental para las canciones tribales aportadas por el músico Lebo M, que son la marca de la casa, mezcladas con el sonido más americano de Elton John, autor de la banda sonora de la película junto al letrista Tim Rice, que Lebo M. amplió para la versión escénica.

El mexicano Carlos Rivera cargará con la corona de Simba. «Imagínate. Es el reto más grande de mi vida, pero también el mayor sueño, llevaba años deseándolo», explica a LA RAZÓN. Y es que a este televisivo cantante de «Las Academia» –el equivalente mexicano a nuestro «O. T.»– le va el género: protagonizó en su país «La Bella y la Bestia» y «Mamma Mia!». «Cuando empecé a hacer musicales, la banda sonora del montaje me impactó. La música, la escenografía, son una maravilla. La primera vez que vi a Simba se me salió el corazón». Ya sabe lo que es salir bajo kilos de maquillaje: lo hizo como la Bestia. Con Simba se le verá más, a pesar de la exótica máscara. «Aquí tienes un reto más especial, porque tienes que darle vida a una máscara, pero tu cara sí se ve, pero es una de las maravillas del trabajo de Julie. En cuanto llegamos al equipo nos empezaron a enseñar: hay que saber cómo mostrar con la máscara si el personaje está triste, contento, preocupado... Somos atletas en todos los sentidos para poder bailar, actuar, cantar».

Para el papel del malvado Scar los responsables del musical confiaron en el español Sergi Albert, que no es precisamente un recién llegado: «Jesucristo Superstar», «Spamalot», «Poe» y «Mar i cel» son algunos de los musicales que ha protagonizado. Pero tiene claro que «éste es el más grande. El problema lo tendremos después, porque no es posible hacer algo mayor. Lo bueno de este musical es que es una historia bastante africana. Tenemos un elenco internacional con zulúes, que realmente sólo hablan en su idioma y unas pocas palabras en español, cubanos, costarricenses, y algunos catalanes y madrileños... Eso hace que el espectáculo crezca». La clave del éxito del título está, según Albert, en la novedad: «Los movimientos de los animales se los debemos a Julie Taymor, que fue la creadora y diseñadora del espectáculo. Sabe mejor que nadie cómo se tenían que mover las personas. Son animales, pero no podían hacerlo igual que en la película. En escena se ha incluido lo que llamamos puppets: máscaras móviles, algunas corporales, otras van enganchadas a la cabeza con un mecanismo al cual damos vida».

Y, para los escépticos del resultado, explica sobre la parte técnica: «Trabajamos en el método de Broadway, aquí no vale hacerlo a la española. Estás obligado a hacerlo exactamente igual que se hace en Londres o en cualquier otra parte del mundo. La única variedad es el idioma, estamos descubriendo cómo suenan los personajes en español. Hasta ahora estábamos acostumbrados a las voces del filme. En el caso de Scar eran muy conocidos, porque en inglés era Jeremy Irons y en español Constantino Romero, compañero y amigo mío». ¿Y cómo suena Scar? «No lo sabes tú bien», cita con tono malvado: es la frase que repite su personaje a Simba. Y es que Scar es «todo un nazi», reconoce el actor. Y una curiosidad: «Hace dos años, vi en Londres el musical y pensé que jamás me darían el papel por ser blanco. Luego me enteré de que Scar, en todas las producciones del mundo, tiene que ser blanco y con ojos azules, mientras que Simba y Mufasa son de color».

De todas partes
Junto a Rivera y Albert, el reparto es un mosaico de etnias y nacionalidades: en la piel de Mufasa se mete el panameño David Comrie, la italo-brasileña Daniela Pobega da vida a la joven Nala y la surafricana Brenda Mhlongo será la «sangoma» o curandera de la historia, el mandril Rafiki. Los acompañan la cubana Yelena Lafargue como Sarabi, el navarro Esteban Olivie, que es Zazu, y los catalanes David Ávila Sánchez y Albert Gracia Martín, como Timón y Pumbaa, respectivamente: imposible olvidar al perrillo de las praderas y al jabalí verrugoso de escasa higiene corporal que enseñan a Simba la más moderna y entrañable versión del clásico «carpe diem».

Rugidos globales
El musical «El Rey León», convertido ya en una marca casi –es uno de los clásicos del cine Disney–, puede verse en Londres y Nueva York. Ese carácter global lo tiene la producción española: entre sus 53 actores y 21 músicos hay artistas de trece países (abajo, el mexicano Carlos Rivera, como Simba en la versión madrileña). La función cuenta con 200 vestidos, 49 pelucas y 25 tipos de animales que cruzan el escenario.

PUBLICAT PER
MIGUEL AYANZ
WWW.LARAZON.ES
14 OCTUBRE DE 2011

29 d’octubre 2011

Sala Cabanyes estrena una obra històrica d’Antonio Buero Vallejo



'El Concert de Sant Ovidi' és un drama històric ambientat a París

La Sala Cabanyes fins ara no ha destacat pas en la programació de clàssics del teatre espanyol. Aquest cap de setmana, però, dóna un tomb a aquest fet amb la representació d’El Concert de Sant Ovidi, del dramaturg Antonio Buero Vallejo. L’espectacle, que es representarà en dues úniques sessions aquest dissabte i diumenge, és una coproducció de Sala Cabanyes i el Grup Grup Independent de Teatre de Mataró. Es tracta d’una entitat fundada fa un any per Carles Maicas, un dels grans noms del teatre local, com una escola de teatre i que ofereix classes als seus socis i també sessions de teatre i de ball.

El Concert de Sant Ovidi es va estrenar l’any 1962. La seva acció transcorre al París del segle XVIII, on uns músics cecs són explotats per un negociant sense escrúpols. Carles Maicas i Antonio García dirigeixen conjuntament aquest drama. Maicas destaca que la representació de l’obra vol ser “un homenatge als invidents” i a dos personatges decisius en la seva educació, com ara el creador de la primera escola per a cecs, Valentin Haüy, i l’inventor del sistema de lectura per a invidents, Louis Braille.

publicat per
www.capgros.com
28 octubre de 2011

Geronimo Stilton, El Musical del Regne de la Fantasia : El ratolí més famós visita Mataró amb quatre funcions al Monumental



És un dels musicals de l'any per a públic familiar

El Teatre Monumental de Mataró acollirà els dies 29 i 30 d’octubre "Geronimo Stilton. El Musical del Regne de la Fantasia", un dels èxits de la temporada, que s'ha pogut veure al Teatre Condal de Barcelona. L’espectacle, que ha guanyat premis com a millor musical de l’any, forma part d’una gira per altres ciutats de Catalunya: Girona, Lleida, Reus, Sabadell, Vic, Manresa i Terrassa, entre d’altres.

L'espectacle, dirigit per Àngel Llàcer i amb música de Manu Guix, està basat en els llibres de Geronimo Stilton, autèntic fenòmen amb més de 30 milions de llibres venuts a Itàlia, on va néixer, i prop de 4 milions a l'estat espanyol.

Geronimo Stilton és el director de L’Eco del Rosegador, el diari més famós de Ratalona, la capital de l’illa dels ratolins. Gràcies a ell, el públic viatjarà a un món on els somnis, la màgia i la imaginació són el fil conductor d’una història fascinant, que permetrà conèixer la força de la companyia, aprendre l’alfabet fantàstic, descobrir la regla d’or de les fades, volar damunt del llom de Draghan (el drac daurat de l’arc de Sant Martí), patir les males intencions de la bruixa Stria... amb la finalitat de salvar Flordiana, la reina de les fades.

Fitxa artística
Autor: Geronimo Stilton
Guió: Enric Llort
Compositor i director musical: Manu Guix
Direcció: Àngel Llàcer
Escenografia: Soren Christensen i Tatiana Halbach (DSLNC STUDIO)
Espai escènic: Carles Pujol
Espai sonor: Damien Bazin
Coreografia: Pedro del Rey
Il•luminació: Kiko Planas (AAI)
Vestuari: Amadeu Ferré (Clap Realitzacions SL)
Caracterització: Toni Santos

Repartiment
Geronimo Stilton
Marc Pociello
Enric Cambray (Scribacchinus Scribacchius)
Lloll Bertran (Stria)
Diana Roig (Alys)
Enric Boixadera (Boletus)
Maria Cirici (Thalassa, Fritil•lària, Provolinda)
Óscar Jarque (Gingebre, Pústula)
Anna Ferran (Flordiana)

Durada aproximada: 2 hores amb entreacte inclòs

Funcions
29 i 30 d'octubre, a les 12 i a les 19 h

Preus de les entrades
24 € platea
21 € amfiteatre
Descomptes per a grups i socis del TR3C

Punts de venda: a les oficines de l'IMAC (carrer de Sant Josep, 9) de dilluns a divendres de 9 a 14 h i de dimecres a divendres de 18 a 20 h.
Telentrada de Catalunya Caixa 902101212 (24 hores) i a totes les oficines de Catalunya Caixa.

Valdemorillo, diez años de puro teatro

Para los amantes del teatro y para todos aquellos que les gusta retroceder en el tiempo, el Ayuntamiento de Valdemorillo, a través de la Concejalía de Cultura, ha organizado una exposición que recorre los diez años de vida del Certamen Nacional de Teatro Aficionado de la localidad.
A través de fotografías, carteles y todo tipo de material original, incluido atrezo, el público podrá contemplar la evolución de este Certamen, un ciclo que cada año reúne a siete compañías de toda España y que estos días está en pleno apogeo, con representaciones los viernes y sábados del este mes en el auditorio municipal.
La exposición “Sobresaliente: 10 años de Certamen de Teatro en Valdemorillo” permanecerá abierta desde el próximo viernes a las siete de la tarde, hora de la inauguración con la asistencia de las autoridades muncipales, hasta el 5 de noviembre. El horario de visita de la muestra, ubicada en la sala Vulcano de la Casa de Cultura ‘Giralt Laporta’ (C/ La Paz, s/n) es de lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 18.00 a 20.00 horas, los sábados de 11.00 a 13.00 hs.

publicat per
http://www.diariodelasierra.es
4 octubre de 2011

28 d’octubre 2011

“El Concert de Sant Ovidi” de Buero Vallejo es representa aquest cap de setmana a la Sala Cabanyes



Es tracta d’una producció conjunta entre la Sala i el Grup Independent de Teatre, amb direcció d’Antonio García i Carles Maicas

La col•laboració entre la Sala Cabanyes i el recentment creat Grup Independent de Teatre porta aquest cap de setmana a l’escenari mataroní un drama històric del destacat dramaturg espanyol Antonio Buero Vallejo, “El Concert de Sant Ovidi”. L’espectacle es representarà en dues úniques sessions, el dissabte 29 i el diumenge 30 d’octubre, en què la Sala ofereix aquest clàssic de gran recorregut. Es va estrenar per primer cop l’any 1962 i se n’han fet representacions en anglès i en alemany i fins i tot compta amb una versió cinematogràfica.

“El concert de Sant Ovidi” és una metàfora històrica. Parla de la ciutat de París al segle XVIII, on s’hi recrea la història d’uns músics cecs i d’un negociant sense escrúpols, que pretén explotar les misèries dels invidents per convertir-les en un espectacle. La història comença en un hospici de la capital francesa quan hi arriba Valendin, el negociant, que a canvi d’una donació s’emporta els músics cecs per a formar una orquestra a la fira de Sant Ovidi. Les monges ho permeten pels diners, però desconfien que puguin arribar a tocar seriosament. A mesura que avancen els assajos, un dels músics, David, descobreix que el que pretén Valendin amb l’espectacle és burlar-se d’ells.

Carles Maicas i Antonio García dirigeixen conjuntament aquest drama que es representarà el proper cap de setmana. Maicas destaca que la representació de l’obra vol ser “un homenatge als invidents” i a dos personatges decisius en l’educació com són el creador de la primera escola per a cecs, Valentin Haüy, i l’inventor del sistema de lectura per a invidents, Louis Braille.

La Sala Cabanyes acull aquesta obra, produïda amb el Grup Independent de Teatre de Mataró, una entitat concebuda ara fa un any com una escola de teatre i que ofereix classes als seus socis i també sessions de teatre i de ball. Aquest muntatge és l’estrena davant del públic d’aquest grup teatral i Maicas agraeix “la sensibilitat de la Sala per voler realitzar aquesta coproducció”.

Dies de representació:
Dissabte 29 d’octubre, a dos quarts de deu de la nit (21:30 h)
Diumenge 30 d’octubre, a dos quarts de set de la tarda (18:30 h)

Informació i Reserves:
618.77.30.13, de 18h a 21h

Alcalá Teatro ilusiona a los vecinos con dos obras por su quinto aniversario



Durante el fin de semana representó 'El sí de las niñas' en el teatro Martínez Montañés y una obra al aire libre en el Paseo

Con mucha ilusión y pocos medios, Alcalá Teatro celebró durante este pasado fin de semana su quinto aniversario. El pasado sábado representaron en el teatro Martínez Montañés la obra 'El sí de las niñas' de Leandro Fernández de Moratín, una comedia con unos 90 minutos de duración, en la que un reparto encabezado por Pablo J. Ramírez, y seguido por Saúl Fernández, Merce Siles, Ana María Cano, Eva Zamora, Marta Garrido y Fernando Serrano, llenaron el recinto de este teatro municipal, bajo la dirección y puesta en escena de Nono Vázquez, con la asistencia de Marta Garrido y el vestuario de Dori Muñoz, además llevaron la ilusión de la magia del teatro a cientos de personas que respondieron a su llamada. Hay que hacer notar la vuelta de Pablo J. Ramírez a los escenarios, siendo aplaudido con gran intensidad junto a sus compañeros, en una comedia del siglo XIX en la que muy pocas personas eran dueñas de sus actos en España y los jóvenes generalmente se veían arrastrados a cumplir las expectativas de sus padres aunque ello iba a suponerles la renuncia a su propia felicidad.
En el día de ayer, sobre las 12:00 horas, continuaron su aniversario, llevando al centro del Paseo de los Álamos, su gracia, su buen hacer y de nuevo sus ilusiones por hacer reír a un público que los envolvió y se divirtió. Representaron, en esta ocasión una parodia de los espacios televisivos, interviniendo un gran número de actores, que hicieron marionetas, presentaciones televisivas y cantaron los ritmos actuales.
Por otro lado, Alcalá Teatro ha programado el III festival de Teatro Aficionado que desde hace tres años se celebra en el municipio, en un evento teatral en el que el área de Cultura del Ayuntamiento patrocina y convoca. Se pretende que el público se acerque a ver el teatro aficionado que se propone en este festiva y por eso también los precios serán totalmente populares, deseando que los grupos participantes se sientan arropados en su paso por Alcalá la Real y por este festival que poco a poco se afianza en la programación cultural de otoño. La primera de estas obras se representará el día 29 de octubre con 'La fierecilla, el musical' de teatro Torreón de Albolote.

publicat per
Santiago Campos
www.ideal.es
11 octubre de 2011

27 d’octubre 2011

Teatre retrospectiu, no pas caduc




Èxit de 'Truca un inspector' al Monumental

Bona assistència i satisfacció general entre el públic a la segona cita de la programació del Teatre Monumental en aquest últim trimestre de 2011. S'hi presentava 'Truca un inspector', l'obra de l'anglès J. B. Priestley (1894-1984) que ha estat traduïda per primer cop al català per Joan Sellent i que Josep Maria Pou va estrenar com a director i protagonista el febrer passat al Teatre Goya de Barcelona.

Estil que retorna
Tal com va sentenciar amb raó l'actor Carles Canut a la tertúlia que divendres va precedir la funció a Mataró, 'Truca un inspector' és un estil de teatre que temps enrere havia estat molt de moda, que després se'l va considerar caducat, però que torna a agradar si se'l fa ben fet i sense recreacions artificioses. I és que el prolífic John Boynton Priestley, que també va ser assagista, novel•lista i crític literari, com a autor teatral s'inscriu en una tradició de dramaturgs britànics –entre els quals Oscar Wilde o George Bernard Shaw– que plasmen en clau realista una sàtira de la classe benestant del seu temps. Els textos de Priestley van tenir predicament fins als anys cinquanta i seixanta del segle passat, tant en els circuits de teatre professional com d'aficionats. Després d'un període llarg de força oblit, a Catalunya qui el va recuperar notòriament va ser Mario Gas, que l'any 1992 va posar en escena al Teatre Condal de Barcelona una molt bona versió de 'El temps i els Conway', segurament el millor títol dels més de quaranta que va escriure Priestley.

Denúncia social
'Truca un inspector' va ser escrita just després de l'acabament de la Segona Guerra Mundial. És una obra que, tant per les circumstàncies del context històric com per l'activa militància socialista que J. B. Priestley tenia en aquell moment, utilitza l'eina de la ficció teatral per accentuar la crítica als estaments detentors del poder polític i empresarial amb un to melodramàtic proper a l'amonestació moralitzant. Constitueix, doncs, una peça hàbil, ben construïda i amb gràcia que fa diana contra l'individualisme ferotge i l'explotació econòmica que la classe dominant havia exercit a la societat anglesa i que el conservadorisme de l'època podia perpetuar. Ambientada al 1912, l’acció transcorre aparentment en temps real en el sumptuós menjador de la casa de l’empresari Birling que celebra el prometatge de la seva filla amb un jove ric i ambiciós, la qual cosa permetrà a la família d’ampliar guanys i influències. La sobretaula s’interromp quan Goole, un desconcertant inspector de policia, truca inesperadament a la mansió i inicia un interrogatori sobre el suïcidi d’una noia sense recursos ocorregut fa poques hores. A mida que avança la investigació descobrim que tots els familiars estan involucrats d’alguna manera en aquesta mort tràgica. Davant l'evidència, la reacció dels pares i del promès busca només tapar l’escàndol i mantenir les aparences. Per contra, la filla i el seu germà qüestionen aquesta hipocresia i es plantegen que la sortida al conflicte només es pot donar trencant amb tanta misèria moral. De cop la tranquil•litat sembla retornar a cals Birling, quan descobreixen que aquell subjecte intrigant que els ha trasbalsat a preguntes en realitat no és policia. Però l'alleujament dura poc. Perquè de seguida sona efectivament el telèfon anunciant la visita d'un inspector per aclarir les implicacions en la mort recent d'una jove, provocada per la ingestió d'una substància corrosiva. Aquest és un gir final molt propi del teatre de J. B. Priestley, a qui agrada barrejar sovint el temps objectiu i el temps imaginat. Així queda en suspens si el tal Goole és un impostor o purament la visió premonitòria del drama en què estan immersos els Birling.

Direcció eficaç
En el muntatge de Josep Maria Pou, tot està acuradament disposat perquè 'Truca un inspector' arribi als espectadors d'avui en condicions òptimes. Començant per una escenografia detallista, que recrea amb eficàcia l'ambient de luxe ostentós que l'obra vol criticar i que ajudada pel vestuari posa de seguida en situació els actors i el públic per un igual. La interpretació de tota la companyia també és encertada, tant la dels membres amb més experiència com la dels més joves. Una menció especial mereix el paper central de Pou, molt contingut, executat amb un tempo marcadament lent i un cert aire de melangia que subratlla amb l'enginy de les seves rèpliques el caràcter mig enigmàtic mig irreal del personatge de l'inspector Goole.

publicat per
Comas - Soler
www.totmataro.cat
24 octubre de 2011

El Teatro de la Estación estrena temporada con Mein Kapital, un texto sobre la crisis




El Teatro de la Estación estrena temporada con Mein Kapital, un texto sobre la crisis, escrita por ocho autores contemporáneos, y que es una coproducción de Tranvía Teatro (Zaragoza), Teatre Tantarantana (Barcelona) y Teatro del Astillero (Madrid).

Mein Kapital es un ejemplo de teatro de autores contemporáneos sobre un asunto también contemporáneo. Es teatro comprometido con su entorno y el mundo en que resisten el mismo teatro y su público.

Es una coproducción de tres compañías independientes y el texto está firmado por Inmaculada Alvear, Marta Buchaca, Francesc Cerro Ferrán, Raúl Hernández Garrido, Daniel Martos, Albert Tola, Helena Tornero, con dramaturgia de Luís Miguel González Cruz, y bajo la dirección escénica de Cristina Yáñez.

Según su directora, Cristina Yañez, es "una comedia que habla sobre las relaciones de poder y las explotación en las relaciones humanas".

Yañez ha anadido que "habla de la crisis de las ideologías, de la deshumanización progresiva que conduce a la violencia o a la indiferencia, del trabajo, el dinero, los padres y de los hijos, la televisión y de la supervivencia del ser humano con ritmo televisivo, no en vano, algunos de nuestros autores se han forjado en el guión y la realización audiovisuales".

Esta obra colectiva contiene ocho piezas de diferentes géneros: drama, comedia, misterio, tragedia y auto de fe.

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17 octubre de 2011

Broadway abre sucursal hispana para "El rey León" en la Gran Vía madrileña

Diez millones de euros, cientos de audiciones para elegir al elenco y la ampliación de un teatro son sólo algunos de los "retos" que ha habido que superar para "españolizar" "El rey León", el "excepcional" musical que se estrena el día 20 en Madrid, donde se mantendrá, al menos, dos años.
De la expectativa que ha despertado este montaje, que pasó desde la factoría Disney a los escenarios de Broadway en 1997, tres años después de estrenarse en el cine, y que ya han podido ver 60 millones de personas en 18 montajes distintos en 13 países, da muestra que una semana antes de su estreno ya se han vendido 80.000 entradas, tres veces más que con cualquier otra producción.
"Han sido tres años haciendo malabares para conseguir traerla pero es apasionante ver el resultado", ha resumido Julia Gómez Cora, directora de la productora Stage Enterteinment, socia de Disney para este montaje.
"Es un sueño que ha requerido mucho esfuerzo, tiempo y dinero, incluida la remodelación del Lope de Vega, el único teatro en el que puede hacerse en España", explicaba Gómez en rueda de prensa junto al consejero delegado de Walt Disney España y Portugal, Simón Amselem; el directivo de DisneyTheatrical Group Felipe Gamba y el director asociado del musical, John Stephaniuk.
El español se convierte así en el séptimo idioma al que se traduce la obra, ambientada en la sabana africana, y que en escena se combina con "el sudafricano".
La traducción y adaptación al castellano, que firma el autor de "El método Grönholm", Jordi Galcerán, es, según el colombiano Felipe Gamboa, "sorprendente" porque transmite "de forma increíble" el afán de universalidad de esta "alegoría" con "el ADN Disney".
"Este primer intento de llevarlo al habla hispana ha enriquecido el show", ha asegurado Stephaniuk, que no ha descartado que, dentro de unos años, pudiera ir a otro país hispano.
El mexicano Carlos Rivera, "muy orgulloso" de ser "latinoamericano", ha confesado que hacer de Simba, el cachorro que llega a ser el "rey de la Selva", es "uno de los grandes sueños" de su vida y que siempre ha tenido "la premonición" de que la protagonizaría.
Esta parábola del paso de la niñez a la madurez, que contiene, dicen, "los primeros 15 minutos mejores de la historia de Broadway", se transformó en musical gracias a Julie Taymor, que puso como condición indispensable para su montaje en otros países que en todos haya un mínimo de seis intérpretes sudafricanos.
A ellos se suman en España otros 47 actores, el 50 por de ciento de ellos extranjeros. Los 11 niños que aparecen son de Madrid y fueron seleccionados a partir de un taller de interpretación.
La música que se interpreta en directo es la banda sonora de la película, compuesta por Elton John y el letrista Tim Rice, que hicieron tres nuevos temas "pop" para el musical, y en el que además hay composiciones tradicionales del sudafricano Lebo M.
"Todos los grandes éxitos empiezan a partir de una gran historia, y esta es conmovedora, emocionante y una gran aventura", ha detallado Amselem como las claves de su éxito.
"El rey León", el primer espectáculo estadounidense que logra 60 millones de espectadores y el cuarto de la historia -"Cats, "Los miserables" y "El fantasma de la ópera" son ingleses- ha supuesto una inversión de 10 millones de euros.
Para la producción se ha hecho cada traje a mano, con sedas traídas de África, como las piedras que adornan los corsés y la madera de los cuerpos de los animales que los actores "visten" en el escenario.
La creativa ha ideado para cada actor una máscara que permite "una doble personalidad" para humanizar a animales y plantas, como en la película, que se reestrenará estas Navidades en 3D, según ha anunciado Amselem.
"Que estrenáramos hace 12 años en Madrid 'La bella y la bestia' ha cambiado Madrid. Ya hay muchos más visitantes de la ciudad por sus musicales", ha asegurado Gómez Cora, que desea que esta historia de superación se convierta "en icono" de la capital.

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Concha Barrigós.
http://noticias.lainformacion.com
13 octubre de 2011

26 d’octubre 2011

Quatre mataronins, nominats als Premis Butaca de Teatre



Moisès Maicas, Maria Rovira, Boris Ruiz i Montse Vellvehí opten als premis, que es donaran a conèixer el 22 de novembre

La XVII edició dels Premis Butaca de Teatre de Catalunya han donat a conèixer les nominacions en les seves 21 categories, i entre elles hi figuren quatre mataronins. Moises Maicas, en l’àmbit de millor muntatge de petit format; Maria Rovira, entre els millors espectacles de dansa; i Boris Ruiz i Montse Vellvehí, com a millors actor i actriu de teatre de repartiment. La gala de lliurament dels guardons, oberts a les votacions del públic teatral català, tindrà lloc el proper 22 de novembre al Teatre Lliure de Montjuïc.

Moisès Maicas opta al Butaca al millor espectacle de petit format amb l’obra Cadira, que ha dirigit a la sala Muntaner de Barcelona. El muntatge, que també ha rebut la nominació de millor actriu de repartiment per a Tilda Espluga, se situa en l’any 2077, en una societat repressiva i absolutament deshumanitzada, on tota mostra de compassió és considerada delicte. La coreògrafa Maria Rovira, per la seva banda, és una habitual en les nominacions dels premis Butaca. Enguany hi opta amb la companyia Trànsit per l’obra Somorrostro, una recreació a través de la dansa del barri de barraques barceloní d’on van sorgir talents com el de Carmen Amaya.

Boris Ruiz ha estat nominat pel seu paper d’actor secundari a Celebració, dirigida per Lluís Pasqual en base a un text del Premi Nobel Harold Pinter. El muntatge, protagonitzat pel també mataroní Jordi Bosch i Eduard Farel•lo, entre d’altres, es va poder veure al Teatre Lliure de Gràcia. Per últim, Vellvehí opta al Butaca a millor actriu de repartiment per la seva participació a l’obra Madame Melville, una comèdia romàntica estrenada al Teatre Borràs de Barcelona i que explica les ganes de viure i de sentir en llibertat a través del periple de dos personatges que comparteixen un dia d’estiu.

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www.capgros.com
25 octubre de 2011

Un musical para toda la familia




Los amantes de los musicales tienen cita en el Teatre Principal de Maó el próximo sábado 29 a las 18h, y el domingo a las 12 del mediodía. Tras cosechar numerosos éxitos en Mallorca, llega “La Bella i la Bèstia, un conte cantat“. El mallorquín Rafel Brunet, autor y director, presenta una versión divertida de la obra de Leprince de Beaumont, una crítica al materialismo, la apariencia y el físico.
Formado en estudios superiores de danza, baile y canto en Nueva York, La Habana, Londres y España, Brunet aglutina numerosos éxitos, entre ellos, los musicales de Aladdín, Peter Pan, Tarzán, Jekyll y Hide, … En prácticamente todas las funciones realizadas se han agotado las localidades, lo que convierte a este próximo espectáculo en apuesta segura para toda la familia. ¡Id a reservar vuestras localidades!

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http://www.menorcaexplorer.com
22 octubre de 2011

"Hemos generado una afición que no existía"

La compañía Stage Entertainment ha invertido 10 millones de euros en la producción de El rey león, lo que le convierte en el musical más caro estrenado en España.

Julia Gómez Cora opina sobre la gestión teatral.

Más de 50 millones de espectadores en el mundo, 14 años en cartel y más de 70 premios son el increíble aval que trae consigo el próximo musical que se estrenará el 21 de octubre en la Gran Vía madrileña: El rey león. Detrás de esta apuesta que ha supuesto una inversión de 10 millones de euros se encuentra Julia Gómez Cora (Buenos Aires, 1971), la directora general de Stage Entertainment España.
Es una mujer sonriente, locuaz, apasionada y atenta a los detalles. Ahora, a unos días del estreno oficial en el Teatro Lope de Vega, respira tranquila. "Ha sido un proceso largo y trabajoso. Parecía que siempre había un impedimento y para Disney, Madrid no era una prioridad. Sin embargo, el éxito de Los Miserables el año pasado, en plena crisis, demostró que la ciudad estaba preparada". Ahora, esta representación sigue en cartel en Barcelona.
Desde que Disney aprobó el proyecto hasta hoy, han pasado tres años en los que se ha adaptado el espectáculo, se ha traducido, se ha realizado un casting multicultural �hay un 50% de extranjeros en este elenco�, y se ha remodelado el Lope de Vega. "Stage Entertainment gestiona los espacios que ocupa y mejorar el lugar donde se desarrolla un espectáculo es esencial porque estamos convencidos que nuestro mejor embajador es el público. Su experiencia tiene que ser única, excepcional", comenta.
Buenos resultados
Sea como sea, esta economista de formación que aterrizó en el mundo de los musicales por un guiño del destino, puede estar tranquila. La preventa ha superado todas sus expectativas y en Stage Entertainment calculan que podrían alcanzar la cifra de 100.000 entradas antes del estreno, lo que supone 5 millones de euros. "Está claro que estos datos son tranquilizadores, pero todavía tenemos mucho trabajo por delante. Para amortizar la inversión que se ha hecho para este espectáculo tenemos que mantenernos en cartel durante dos años seguidos. Eso sería la apuesta realista. Y a los tres años entraríamos en beneficios. Sin embargo, yo estoy convencida de que El rey león podría estar en cartel más de cinco años y seguir siendo rentable. Madrid ha crecido mucho como destino turístico y el público es muy maduro".
Para Gómez Cora, la Gran Vía es como Broadway o el West End londinense, aunque a menor escala. "Madrid ya es una referencia en este género para el público hispanohablante. Sus ciudadanos asisten a los espectáculos y mucha gente organiza sus viajes pensando en asistir a un musical. Esto antes no ocurría". Y aquí radica uno de sus grandes logros a la cabeza de Stage: "Hemos generado una afición que no existía antes. No sólo lo hemos conseguido con el público español, sino que muchos turistas asiáticos, por ejemplo, están comprando entradas para asistir a este tipo de espectáculos sin hablar la lengua. Eso recuerda al público de todo el mundo que acude a los espectáculos de Broadway o del West End y además indica que nuestros espectáculos han dado un salto de calidad".
Para conseguir cada día este nivel de calidad, Stage Entertainment cuenta con una plantilla cercana a las 400 personas, repartidas entre Madrid, Barcelona y las oficinas de la compañía.
"Hemos crecido mucho y muy rápido, y ya no puedo atender personalmente todo. Pero toda esta pequeña locura se gestiona gracias a un equipo que siente y vibra por el musical como lo vivo yo. Cuento con un grupo de gente con mucha experiencia, muy dedicado y que sigue aprendiendo cada día. He sabido delegar, aunque me gusta estar informada... Facebook me ayuda mucho a mantener el contacto con mi gente".
Gestión de estrés
A pesar de lo bonito que pueda parecer este mundo, el estrés también forma parte del día a día. La presión cotidiana por la venta de entradas no es fácil de llevar. "Al principio lo pasaba muy mal. Pero he aprendido a tomármelo con relatividad y perspectiva. Tengo que pensar en el presente, pero también en el futuro y debo transmitir calma a mi equipo", concluye.

publicat per
Víctor Moreno
http://www.expansion.com
14 octubre de 2011

25 d’octubre 2011

Concha es 'despulla' en un 'biopic' musical




3'Yo lo que quiero es bailar' relata 50 anys de carrera i altres vivències

Una camisa blanca gran, de senyor, unes mitges negres i unes sabates de xarol vermell. Com si fos a casa seva, que hi és, si no fos pels talons tan cridaners. Així es presenta Concha Velasco en l'obra que representa al Teatre Goya, amb l'únic títol del seu nom, Concha, i l'afegit de Yo lo que quiero es bailar. Com explica el director de l'espectacle, Josep Maria Pou, és «Concha en estat pur».

La idea de muntar una funció sobre una carrera que ha arribat a les noces d'or va sortir de l'actriu. S'havia de convertir en un material dramàtic, i per fer-ho Pou va reclutar el dramaturg Juan Carlos Rubio, l'artesà encarregat d'ordenar tots els records i les vivències de l'artista. «Ell li va estirar la llengua en unes converses gravades a les tardes a casa seva», explica Pou. Això després de repassar les biografies escrites, les pel•lícules, discos, sèries i funcions teatrals dels 50 anys de carrera.

CINC QUILOS MENYS
Concha Velasco diu que ha perdut cinc quilos en la preparació d'un espectacle que va estrenar a principis de setembre a Valladolid, la seva ciutat, i que ja ha passat per Bilbao i Pamplona abans d'arribar a Barcelona. «Per fi puc fer en escena una cosa que m'agrada. Perquè jo el que volia era ser ballarina», afirma. Balla, canta i dialoga amb el públic durant gairebé dues hores. Ho fa acompanyada de les veus de Xavier Mestres (piano), també director musical, Tomàs Alcaide (violí i teclat), Roger Conesa (saxo i bateria) i Xavi Sánchez (contrabaix). A través del seu aclamat muntatge de Killer, estrenat l'any passat a la Muntaner, Pou va descobrir que era el quartet ideal per acompanyar l'estrella. La versió de Mamá, quiero ser artista, que emmarca els 20 primers minuts de l'espectacle en què Concha Velasco narra els seus inicis, és de Mestres.

AMOR PEL TEATRE
«Augusto Algueró és el compositor de la meva vida, però ni ell hauria fet una versió com aquesta de Mamá, quiero ser artista». No hi ha millor elogi per al treball de Mestres, que ha adaptat clàssics com El día de los enamorados i Las chicas de la Cruz Roja.L'artista no ha eludit parlar de la seva cara més íntima en l'obra, i ho ha fet a través dels seus personatges, d'«aquelles dones maltractades per l'amor», diu. Però puntualitza que la seva vida s'ha mogut sempre al voltant de l'escena. «No li he donat a cap home el que li he donat al teatre. El teatre és l'amor de la meva vida».

Potser per això de Concha. Yo lo que quiero es bailar el que li arribarà a l'espectador, segons opina Pou, és «l'amor i la passió per l'ofici». Sense aquesta il•lusió no seria possible despullar l'ànima en un escenari un mes abans de fer 72 anys. I a més, atrevir-se a amb clàssics de Broadway com Nothing i I'm still here. La segona, que en català vol dir «encara sóc aquí», és una declaració d'intencions. Concha ha oblidat la qüestió de retirar-se.

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FOTO : JOAN CORTADELLAS
JOSÉ CARLOS SORRIBES / BARCELONA
WWW.ELPERIODICO.CAT
18 OCTUBRE DE 2011

La Federación de Teatro Amateur sienta las directrices de su "hoja de ruta"



Crearán una comisión específica para desarrollar un marco de colaboración con el Gobierno de Navarra

Asistentes a la asamblea de ayer, reunidos en la Casa de Cultura de Estella. FEDERACIÓN DE TEATRO AMATEUR.
Un año después de su creación, la Federación de Teatro Amateur de Navarra sentó ayer las bases de su próxima andadura, encaminada a defender su espacio dentro del sector de las artes escénicas. Una veintena de grupos amateurs se reunieron en la Casa de Cultura de Estella para participar en la III Asamblea General de la federación, en la que se expuso un documento base para informar, entre otros aspectos, de que se van a reanudar las conversaciones con el Gobierno de Navarra para proteger sus actividades de los recortes.

"Los recortes presupuestarios están haciendo peligrar las muestras de teatro amateur que creamos el año pasado, como las de Huarte, Alsasua, Tafalla o Estella, cuando son las que más económicas salen y las que más afluencia de público están teniendo", señaló Javier Salvo, presidente de la junta directiva de la Federación y miembro del grupo de teatro Gabalzeka de Tafalla.

A la reunión de ayer asistieron los siguientes grupos: Míreni (Allo), Gabalzeka (Tafalla), La Trapera (Peralta), Alhama (Corella), Kilkarrak (Estella), Define"s (Carcastillo), Kromlech (Huarte), La Cascajera (Azagra) y Tarima Beltza (Alsasua). Desde Pamplona acudieron Jus La Rocha, Incierto Troupe , Zarrapastra, Teatralis, Jácaranda, Bululu, Auzoa y Talo.

Sumarse a la Red de Teatros

Con la idea de establecer un mínimo marco de colaboración con el Gobierno, se creará una comisión de relaciones institucionales para reanudar las conversaciones con los responsables de la política cultural de Navarra y los agentes del sector. En este apartado, el teatro amateur trabajará para no quedarse excluido de la Red de Teatros de Navarra, que otorga subvenciones a los grupos profesionales.

"Hasta ahora, nuestra presencia en la Red de Teatros ha sido cero, porque está encaminada a los grupos profesionales, que pueden llegar a tener hasta un 70% de subvención. De hecho, muchos coordinadores culturales nos dicen que les sale más caro programar teatro amateur. Nosotros creemos que la actividad de los espacios públicos debe complementarse con el teatro amateur", manifestó Salvo.

Así, piden al Gobierno de Navarra que fomente las ayudas a la creación de ciclos de teatro amateur por toda Navarra y que facilite el acceso de los grupos a los espacios escénicos públicos, subvencionando a los ayuntamientos que programen dichos ciclos.

Autogestión

Durante la reunión también se abordaron varias propuestas para asentar el funcionamiento de la federación. En una apuesta decidida por la "autogestión", se establecerá el pago de una cuota anual de 50 euros por parte de los 24 grupos que están adheridos. Asimismo, se creará una comisión de actividades para "dinamizar" las futuras muestras de teatro amateur con actividades "complementarias", como conferencias, cursos o talleres.

Dentro de estas actividades, la federación ya está trabajando con vistas a la celebración de la fiesta del teatro amateur, coincidiendo con el Día Internacional del Teatro, que tendrá lugar el próximo 25 de marzo en Pamplona. "Queremos organizarlo de manera itinerante, de manera que cada año se celebre en una localidad diferente", adelantó Javier Salvo. En 2013, la fiesta se trasladará a Estella, para hacerla coincidir con la celebración del 30 aniversario del grupo local Kilkarrak.

Además, la Federación decidió ayer dar el paso para formar parte de Escena Amateur, asociación que agrupa a federaciones de toda España

PUBLICAT PER
NEREA ALEJOS . PAMPLONA
WWW.DIARIONAVARRA.ES
16 OCTUBRE DE 2011

Teatro catártico

La Villarroel ofrece 'L'any que ve serà millor', un collage de la vida de cuatro mujeres que han superado los 30 años


A L'any que ve serà millor, que se puede ver en La Villarroel hasta el 27 de noviembre, le cuesta arrancar hasta que, poco a poco, va sumergiéndose en un in crescendo. El gag acaba funcionando gracias a una panorámica de situaciones corrientes en las que el espectador se siente plenamente identificado.

El texto, escrito a cuatro manos por Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias y Victòria Szpunberg, está dirigido por Mercè Vila. Nos encontramos ante un teatro comercial, con una ambición controlada y que sabe cuál es su principal objetivo: hacer reír. Y, aunque en los primeros momentos de la pieza la utilización de lugares comunes puede ser un obstáculo, a medida que van pasando los minutos se convierte en una buena herramienta de trabajo.

Las cuatro actrices – especial atención a la vis cómica de Alba Florejachs – saben representar a una mujer urbanita, que ha pasado de los 30 años, generalmente sola, y que se ve obligada a aceptar trabajos estúpidos en los que no se siente realizada. "Entres en un bucle del que no pots sortir, perquè tothom et diu: la meta, la meta, la meta", reza una de las protagonistas.

Hasta aquí, nada nuevo. Pero los diálogos, rápidos y efectivos, van labrando una suerte de collage que llega a su punto álgido justo al final de la obra, cuando se utilizan los arquetipos para reírse de ellos. Se trata, pues, de una comedia hecha desde el oficio, y dirigida a todos los públicos. El humor como terapia milenaria.

Una de las escenas que gusta más al público es un sketch en el que – en medio de la función – las cuatro actrices parodian una pausa publicitaria. También hay espacio para la caricatura (dos cubanas se ríen de la crisis económica de Catalunya, comparándola con su situación). Pero, aunque el tono general es de una ironía neutra, blanca, es de agradecer que se vaya más allá de lo políticamente correcto en dos momentos: se refieren a un peruano que toca en el metro e imitan a una disminuida psíquica. Y lo resuelven con inteligencia, sin prejuicios. Una obra, en definitiva, perfecta para pasar una tarde de catarsis.

publicat per
foto : 'L'any que ve serà millor' Villarroel/David Ruano
Albert Lladó
www.lavanguardia.com

24 d’octubre 2011

L'univers de Sabina inspira un musical



El cantautor, ara de gira pels EUA, va beneir el xou

l'univers canallesc i tèrbol del cançoner de Joaquín Sabina és l'antítesi de l'optimisme lluminós, a vegades carrincló, que solen transmetre els musicals. No és gens estrany, doncs, que el 2006, davant d'un cocido madrileny, el cantautor d'Úbeda respongués amb un «¡ni de broma!» als productors José María Cámara i Ángel Suárez, que, a part de convidar-lo a menjar cigrons, pretenien convidar-lo a convertir el seu repertori en un muntatge estil Broadway.

Una escena del muntatge 'Más de 100 mentiras', que s'acaba d'estrenar a Madrid. JOSÉ LUIS ROCA Edició Impresa Versió en .PDF Informació publicada en la página 65 de la secció de Espectacles de l'edició impresa del dia 17 de octubre de 2011 VEURE ARXIU (.PDF)
Des d'aquell dinar fins avui han passat dues coses: el boom experimentat pels musicals ha fet que Sabina es miri amb menys manies aquest gènere tan allunyat d'ell. I dos: el respecte demostrat pels creadors d'Hoy no me puedo levantar i Enamorados anónimos a l'hora d'adaptar cançons populars al format musical, unit a la fiable presència de David Serrano (El otro lado de la cama, Días de fútbol) al capdavant del projecte van acabar per convèncer l'andalús, que ahir va iniciar, amb un concert a Nova York, la que és la seva primera gira pels Estats Units.

Quatre anys de treball, dos de preparació de guió, tres milions d'euros de pressupost, 26 actors i ballarins, nou arranjadors, set coreògrafs i 22 cançons de Sabina conflueixen des de fa una setmana en el barret fort gegant que presideix l'entrada del Teatro Rialto de la Gran Vía madrilenya. Avisem: Más de 100 mentiras no és un xou sobre la vida del cantant ni de cap dels personatges de les seves melodies. Es tracta d'una obra de teatre que gira al voltant d'una estafa perpetrada per tres delinqüents i una prostituta, en què els temes de Sabina posen el to i el ritme del musical. I també el ganxo comercial.

Les melodies de Calle melancolía, El pirata cojo, Quién me ha robado el mes de abril i La Magdalena, entre altres, han estat adaptades a la paleta sonora que un aficionat al musical espera sentir en un pati de butaques. «El resultat no irritarà la talibania sabinera, ni incomodarà els fanàtics del musical», promet Cámara.

El repertori va ser consensuat amb el cantautor i la seva mà dreta, Pancho Varona. Segons els responsables del muntatge, «Sabina no s'hi ha ficat gaire, ha donat plena llibertat». Dues reunions a casa del músic van ser suficients per obtenir el seu vistiplau. «És una trama amb principi i final, no una història banal, com sol ser habitual en els musicals», sub­ratlla Serrano. Caldrà creure en el seu entusiasme: planegen portar el muntatge a Mèxic i Buenos Aires i, el 2015, convertirlo en cine.

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FOTO : JOSÉ LUIS ROCA
JUAN FERNÁNDEZ / MADRID
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17 OCTUBRE DE 2011

Aixecat el teló de la 17a edició dels Premis Butaca de teatre

Amb la tradicional foto de família dels nominats i organitzadors, que enguany ha tingut com a marc l'Antiga Fàbrica Damm de Barcelona, s'ha aixecat el teló de la 17a edició dels Premis Butaca de teatre de Catalunya. Ser-hi o no ser-hi és el lema que fa una crida a la votació que comença aquest divendres, a través del web www.premisbutaca.cat, i que finalitza el 16 de novembre, ha informat la Diputació de Barcelona mitjançant un comunicat.

En la presentació dels guardons han intervingut el vicepresident de l'Àrea de Coneixement i Noves Tecnologies de la corporació provincial, Ferran Civil, el director de l'Àrea de les Arts Escèniques de l'Institut Català de les Indústries Culturals de la Generalitat, Antoni Bartomeus, i els directors i presentadors dels guardons, Glòria Cid i Toni Martín.

Dues noves categories
La novetat de l'edició d'enguany dels premis, que reconeixen totes les produccions escèniques que s'han vist a Catalunya en la darrera temporada, és la incorporació de dues noves categories: millor espectacle familiar i millor caracterització.

Les obres més nominades
Pel que fa a les obres amb més opcions a premi per tenir més nominacions, encapçalen el rànquing Gata sobre teulada de zinc calenta, Agost, Coses que dèiem avui, Truca un inspector i Geronimo Stilton, especifica el comunicat de la Diputació. El resultat se sabrà el pròxim 22 de novembre, en el decurs de la gala que tindrà lloc al Teatre Lliure de Montjuïc. Els guardons estan promoguts per la Diputació de Barcelona, Estrella DAMM i l'Associació Premis Butaca.

Noms destacats entre els nominats
Entre els nominats com a millor director teatral ressalten els noms d'Àlex Rigola, Sergi Belbel, Josep Maria Pou i Julio Manrique. Altres personalitats destacades dels escenaris que també opten a guardons són les actrius Anna Lizaran i Emma Vilarasau, i els actors Josep Maria Pou, Jordi Boixaderas, Lluís Marco i Pere Arquillué.

La implicació del públic en els guardons
Els espectadors podran votar les seves representacions preferides de la llista de nominades. La directora dels premis, Glòria Cid, ha destacat la implicació del públic: "Aquesta sintonia entre professionals i públic és el que sempre hem volgut destacar i potenciar; el criteri del públic és molt vàlid, molts criteris són vàlids, però realment pensem que el del públic és el més lliure i per tant el més directe".

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14 OCTUBRE 2011

La Rous Teatro, Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia

El jurado ha destacado su capacidad de emocionar "abordando temas tan difíciles como la muerte o la guerra"

La compañía La Rous Teatro, radicada en Granada, ha sido hoy galardonada con los 30.000 euros del Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, que concede el Ministerio de Cultura, en reconocimiento a su calidad artística, "coherencia y originalidad" de sus montajes.
El jurado del premio, presidido por el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Félix Palomero, ha destacado también su capacidad de emocionar, "abordando temas tan difíciles para la infancia como la muerte o la guerra, tal y como queda reflejado" en sus espectáculos La casa del abuelo y El refugio.
La compañía fue creada en 2008 en Granada por la directora y actriz Rosa Díaz Martínez-Falero, que ha explicado a Efe nada más conocer la decisión que ella estaba en el jurado y se ha tenido que retirar cuando ha sabido que cuatro de sus miembros proponían a su compañía.
"Me han echado a la calle a pasear hasta que han fallado, pero ha sido superbonito. ¡Que me echen todos los días!", bromeaba.
Díaz lleva dedicada al teatro, "lo único" que sabe hacer, treinta años, y al teatro infantil y juvenil, veinte, aunque no se decidió a fundar su propia compañía hasta 2008, pero los dos trabajos que ha hecho hasta ahora se han llevado el máximo premio de la Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas de Gijón (FETEN).
"Se está haciendo muy buen teatro para niños y muy cuidado, se está avanzando mucho. Yo lo hago, básicamente, con el corazón. Me emociona y sigo tocando temas que me dicen que son muy heavys, pero creo que es lo que hay que hacer: la muerte, la pérdida, la miseria, la guerra o el hambre, pero para construir un mundo mejor hay que empezar por ahí, no con imbecilidades ni cosas ñoñas".

Son "temáticas", resume, que "pueden ayudar al crecimiento personal del niño y del joven, ayudarles a que reflexionen y se conviertan en buenos adultos".
"Al niño no hay que tratarle de tonto. Hay una forma de hacer de los años 60, creemos que la infancia no ha avanzado y lo ha hecho mucho a muchos niveles. Al final, es teatro para todos, sin distinción de edad, aunque trato de dulcificar los finales y que sean todos optimistas".
El dinero del premio, asegura, lo destinará a "hacer más teatro" porque, insiste, no sabe hacer otra cosa.
Díaz trabajó unos años como actriz en la compañía Cambaleo Teatro, en espectáculos como Proyecto Van Gogh y Lorca de atar, fundó la compañía Lavi e Bel, en Granada, y durante seis años (1992-1998) estrenó cinco espectáculos para niños y niñas y público adulto.
Con su nueva compañía, La Sal, siempre en Granada, y ya en 2000, estrenó como actriz y directora trabajos como Zapatos y El gran traje.
Como actriz, ha trabajado además con las compañías Ur Teatro y Els Comediants, entre otras, y ha dirigido una veintena de montajes con sus compañías y con otros colectivos.
El jurado de este premio ha estado formado también por Cristina Santolaria, subdirectora general de Teatro del INAEM; Ignacio Juárez, Olga Margallo, José Luis Paraja, Idoia Otegui, Enrique Cabrera, en representación de Aracaladanza, el premio del año pasado.

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13 octubre 2011

23 d’octubre 2011

El Mikado diu adéu a Sala Cabanyes



Aquesta tarda a 2/4 de 7 a Sala Cabanyes es posarà en escena l'ultima representació d'aquesta popular opereta còmica de Gilbert i Sullivan, ambientada a la cort imperial de Sa Majestat El Mikado i els habitants del poble japonès de Titipú
Les entrades per aquesta ultima representació les podeu recollir a taquilla de 12.30 a 14.00 hores i una hora abans de la representació.
Encara hi haurà però oportunitat de continuar gaudint d'aquesta opereta properament per que participarà en l'estrena del VII Concurs de Teatre Ciutat de Sant Feliu de Guíxols el proper dia 6 de novembre

El Escalante despierta con la bella durmiente

El escenario del teatro valenciano se convierte en el Reino de los Sueños durante la tarde del domingo 23
El teatro Escalante arranca la temporada 2011/2012 con la obra 'Desperta bella dorment' de Teatre Exprés. Con esta representación, el espacio despierta a un nuevo curso a partir del domingo 23. En este cuento, Lilia es una princesa encantada que vive en el Reino de los Sueños, ya que un encantamiento la mantendrá dormida a ella y a todos sus súbditos durante cien años. Pero cien años es mucho tiempo, así que Lilia está decidida a poner patas arriba el lugar para despertar cuanto antes.
La historia de la joven dormida se incluye dentro del ciclo de compañías valencianas. Le seguirán otras ocho obras de la tierra entre las que se encuentran 'Consonant' o 'Un soldat de plom', que serán las primeras en aterrizar en el escenario de la calle Landerer, 5.
En torno a Shakespeare girarán la mayoría de obras y actividades restantes. Dentro del mismo ciclo, 'Helsinore' de Perros Daneses adaptará la historia de Hamlet al público más joven. A su vez, la apertura de la exposición 'In love with Shakespeare'/ 'Enamorats de Shakespare' marcará la nueva temporada de actividades en el Escalante. Y, en el primer trimestre de 2012, la comedia 'Somni d'una nit d'estiu', dirigida por Antonio Díaz Zamora y puesta en escena por Teatre dels Navegants, volverá a pisar las tablas de este centro.
Antes de ello, en navidades, se abrirá la programación extraordinaria de fiestas con 'Nadal a l'Escalante'. En ella tendrán cabida ocho espectáculos de otras tantas compañías procedentes de Japón y diferentes partes de España. Además, las risas visitarán el escenario con la Gala Benéfica de PayaSOSpital.
Más allá de las exhibiciones, el Escalante continúa con su escuela propia. Para este año, el centro dedicará sus ciclos de Filmología a Shakespeare al tiempo que continuará con sus habituales ciclos de Formación Profesional, Especialidades y Teatro Amateur, atendiendo a las necesidades de más de 260 alumnos.

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María Gardó
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21 octubre de 2011

Rigola, Belbel, Pou y Manrique optan a los premios Butaca al mejor director

Los mejores espectáculos teatrales nominados son 'Gata sobre teulada de zinc calenta'; 'Agost'; 'Truca un inspector'; 'La presa'; 'Pedra de tartera' y 'Primer amor'

Alex Rigola, Sergi Belbel, Josep Maria Pou, Julio Manrique y Ferran Utzet optan al premio al mejor director teatral en la 17ª edición de los Premios Butaca de Teatro y Cine de Catalunya, que abren hoy el período de votación.
Los Premios, promovidos por la Diputación de Barcelona, Estrella DAMM y la Asociación Premios Butaca, se entregarán por tercer año consecutivo en Barcelona.
En esta ocasión, será en el Teatre Lliure de Montjuïc, donde el 22 de noviembre tendrá lugar la habitual gala de entrega, que cada año reúne a la mayoría de los profesionales del sector.
Los premios constan de 21 categorías que reconocen todas aquellas producciones escénicas que se han visto en Catalunya y las votaciones se podrán realizar exclusivamente a través de la web www.premisbutaca.cat hasta el 16 noviembre.
Los nominados al mejor director teatral han sido este año Alex Rigola por Gata sobre teulada de zinc calenta; Sergi Belbel por Agost; Josep Maria Pou por Truca un inspector; Julio Manrique por Coses que dèiem avui, y Ferran Utzet por La presa.
Los mejores espectáculos teatrales nominados son Gata sobre teulada de zinc calenta; Agost; Truca un inspector; La presa; Pedra de tartera y Primer amor.
En el apartado de mejor actriz han sido nominadas Anna Lizaran y Emma Vilarasau por Agost; Alicia Pérez por Dues dones que ballen; Àurea Márquez por Pedra de tartera; Chantal Aimée por Gata sobre teulada de zinc calenta y Rosa Renom por Copenhaguen.
En la categoría de mejor actor han resultado nominados Josep Maria Pou por Truca un inspector; Joan Carreras por Gata sobre teulada de zinc calenta; Jordi Boixaderas por El Misàntrop; Lluís Marco por Copenhaguen, y Pere Arquillué por Primer amor.
Autorretrato, de la compañía de María Pagés; Carmen, de La Cuadra de Sevilla, y La lección, del Teatro Español, optan a la Butaca a la mejor producción teatral española, mientras que Eurydice, Gardenia y Persona, Marilyn compiten por el premio a la mejor producción teatral extranjera.
Además de los estos premios principales, en la gala también se concederán las Butaca a los mejores montaje teatral de pequeño formato, espectáculo de danza, espectáculo familiar, musical, escenografía, vestuario, iluminación, caracterización, texto teatral o composición musical.
Los espectáculo más nominados son Agost, Gata sobre teulada de zinc calenta y Truca un inspector, con seis opciones cada uno, seguidos por La presa, con 4, y Pedra de tartera, con tres.

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14 octubre de 2011

Andorra continúa con su ciclo de Teatro 'En Familia' con actuaciones de danza y teatro musical

Andorra continúa con su ciclo de Teatro 'En Familia' con actuaciones de danza y teatro musical

La localidad turolense de Andorra ofrecerá las representaciones teatrales de 'Piel de asno' y 'Algretto', incluidas en la quinta edición del ciclo Teatro 'En Familia', que tendrán lugar en el nuevo Espacio Escénico de la Casa de la Cultura.
Este próximo viernes día 14, la compañía aragonesa Templanza presentará la obra 'Piel de asno'. Se trata de un espectáculo de teatro y danza para un público familiar basado en el cuento de Charles Perrault.
La danza, apoyada por música impresionista, servirá para contar una historia con guiños humorísticos, tiernos y líricos. Un rey, tras morir la reina, se enamorará de su hija y, con la bendición de un druida, decidirá casarse con ella.
La princesa pedirá como condición una serie de vestidos, como la piel de un asno que carga monedas de oro. El rey sacrificará al asno y llevará la piel a su hija, que huirá disfrazada hasta llegar hasta otro reino.
La segunda actuación estará a cargo de la compañía catalana Teatre Mobil, que cerrará este ciclo, el viernes 21 de octubre con la obra de teatro musical 'Alegretto'.
Esta representación pondrá en contacto la música, el teatro, los payasos y el circo. De esta manera, músicos, pianistas enamorados, vedettes y parientes de dudosa credibilidad se reunirán en el homenaje que se le rinde al genio Saturnino Mayolas, a quien las musas de la música otorgaron el don de la música hace un siglo.
Estas dos representaciones tendrán lugar a partir de las 20.30 horas en el Espacio Escénico de la Casa de Cultura de Andorra.

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12 octubre de 2011

22 d’octubre 2011

El Mikado : avui a 2/4 de 10 a Sala Cabanyes



Comença la recta final de les representacions de "El Mikado"
Tots aquells que encara no hàgiu tingut l'oportunitat de veure aquesta divertida opereta teniu avui dissabte a 2/4 de 10 de la nit i demà diumenge a 2/4 de 7 de la tarda per poder gaudir d'aquesta versió de els actors de Sala Cabanyes fan d'aquesta conegudíssima opereta.

Dies:
Dissabte, 22 d'octubre, a les 21:30
Diumenge, 23 d'octubre a les 18:30

Informació i reserva de localitats:
618.773.013 (de 6 a 9 de la tarda)
També dissabte a partir de les 8 de la tarda i diumenge de 2/4 d'1 a 2 del migdia i una hora abans de la representació

El oasis del teatro infantil

Teatro del Andamio ofrece en su sede una programación estable de espectáculos infantiles

Los dos pases de su espectáculo que ofrecerá el Mago Paco a las 12.30 y las 19.00 horas son un buen ejemplo del espíritu de la oferta del Teatro del Andamio, que lleva casi una década entreteniendo a los coruñeses más jóvenes a través de su programación regular de funciones infantiles.
Situado en la calle Suárez Ferrín desde hace cinco años, Teatro del Andamio fue creado por el dramaturgo Álvaro Guevara con el único fin inicial de formar actores adultos, aunque el desarrollo de los acontecimientos le han llevado a dirigir la única sala de Galicia especializada en teatro infantil: “Al año y medio de comenzar a dar mis clases, en 2003, organizamos una función infantil en el local que teníamos entonces. Ni siquiera cobrábamos entrada, pasábamos la gorra al final y lo que sacábamos se lo dábamos a una ONG. Pero cada vez venía más gente, y las madres nos sugirieron dar clase a los niños, y el local se nos quedó pequeño”.
Con la mudanza al actual auditorio de la asociación, comenzó la relación con la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic) y su red de salas, lo que propició la programación estable de la que actualmente disfrutan los coruñeses cada fin de semana. Además, Teatro del Andamio amplió su oferta docente a los adolescentes.
“Al principio programábamos muchos espectáculos nuestros, y algunos de otras compañías gallegas —recuerda Guevara—, pero ahora tenemos muchos espectáculos del resto de España. De todas las compañías que han pasado por el teatro, me llamaron mucho la atención La Tartana, que representó un espectáculo titulado El Monstruo, y Tarambana, que fueron premiados por el Ministerio de Cultura”.
Esta temporada, que Teatro del Andamio acaba de iniciar y que no terminará hasta finales de abril, la compañía cuenta con más alumnos que nunca, y el público parece responder con el mismo entusiasmo a las propuestas que en años anteriores, por lo que parece que la recesión económica no puede con ellos: “En épocas de crisis es cuando más se desarrolla el teatro. Nosotros llenamos bien un hueco que existe en la ciudad, porque tampoco hay muchas actividades que se puedan hacer con los más pequeños. Aunque la afluencia de público depende mucho de la climatología; si hace sol o llueve mucho, viene menos gente, pero si llueve flojito, llenamos y hasta queda gente fuera”, explica Guevara entre risas.
Entre los futuros proyectos de Andamio, que acaba de reformar su coqueto auditorio para poder recibir más público, está el de elaborara un sistema que permita reservar pases para los espectáculos por internet, y otro de más calado artístico, ofrecer la posibilidad a los grupos amateur de acceder a su local para representar allí sus montajes: “Queremos completar la programación con funciones para adultos los viernes, pero no tanto para profesionales como para que grupos aficionados tengan donde mostrarse”.

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Luis P. Ferreiro | A Coruña
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21 octubre de 2011

Da comienzo la 8ª temporada teatral de TEM




La 8ª temporada del TEM dará comienzo en este mes de octubre, con una programación para todos los gustos, desde el teatro transgresor de Ibsen, el estilo poético de Titzina Teatre, la danza evocadora de La Coja Dansa, una adaptación de “Don Juan Tenorio” o la comedia musical de los televisivos Ángel Martín y Ricardo Castella, entre otros muchos espectáculos.

El encargado de abrir la temporada, el 13 de octubre, será el teatro”transgresor” de la Hongaresa de Teatre, con la obra “Patos Salvajes” de Henrik Ibsen, dividida en ocho piezas no del todo independientes, que gira sobre las mentiras de nuestra vida y la necesidad de ellas para sobrevivir.

Tras Ibsen llega el turno de Titzina Teatre con “Exitus”, una tragicomedia que transcurre a un ritmo frenético, que cuenta la vida de cuatro personajes, que se enfrentan a la muerte de distintas formas. Del 19 al 23 de octubre.

Los días 29 y 30 de octubre, y del 2 al 4 de noviembre, llega la danza de mano de La Coja Dansa, la cual estrenara “Amagatall“, una producción para público familiar, donde se mezcla el baile con efectos audiovisuales, creando un mundo fantástico que nos hará reflexionar sobre el poder de transformación que posee la fantasía para enfrentarse a la vida cotidiana.

Noviembre comienza con “Art”, de mano de Albena Teatre y basada en un texto de Yasmina Reza, la cual nos habla de la fragilidad de las relaciones humanas y la incapacidad para entender o amar.

Del 24 al 27 de noviembre, Teatro del Temple, vuelve al TEM con una adaptación del clásico de Don Juan Tenorio, transgresora que demuestra como un clásico es capaz de estar vigente en otras épocas.

Para finalizar el mes de noviembre y empezar diciembre con una sonrisa en la cara llega la comedia musical “Nunca es tarde… para hacer tus sueños realidad” con Ángel Martín y Ricardo Castella, un espectáculo en el que puedes hacer tus sueños realidad, y que nos cuenta como Ángel Martín pasó de tenerlo todo a perder absolutamente todo.

Y para cerrar el trimestre, el 17 y 18 de diciembre, “Kafka i la nina viatgera“, la versión teatral del Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil de 2007, de manos de Albena Teatre, Emedous y Tanttaka Teatroa. Una historia que le pasó a Kafka cuando se encontró con una niña que había perdido su muñeca y éste le convenció de que se había ido de viaje, por ello se convirtió en un improvisado cartero y cada día escribía una carta de la muñeca para la niña, donde le contaba sus aventuras por otros países.

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psoriano
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15 octubre de 2011

‘La Duarte’ en el teatro: vuelve Eva Perón

‘La Duarte’ en el teatro: vuelve Eva Perón

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen el estreno en España de La Duarte, el último espectáculo de la bailarina Eleonora Cassano, con el que pone fin a su carrera como intérprete en el mundo de la danza.

Su despedida de los escenarios en Madrid tendrá lugar del 6 al 16 de octubre, en la Sala Roja, con este montaje inspirado en la vida del gran mito argentino Eva Duarte -Evita-. Este espectáculo de danza-teatro fue creado especialmente por Silvia Vladimivsky, responsable de la coreografía y la dirección, para Cassano, sobre una idea original de Lino Patalano. Llega a Madrid presentado por la Fundación Julio Bocca, interpretado por su ballet y la propia Eleonora Cassano. Durante la presentación que tuvo lugar hoy se ha emulado el recorrido que realizó Eva Perón durante su visita a Madrid en 1947. En esta ocasión la comitiva partió de la Plaza de Oriente y continuó por la calle Alcalá y la Gran Vía madrileña, hasta los Teatros del Canal. El espectáculo representa una mirada especial sobre la vida de una mujer, Eva Duarte, cuya vida arrancó en el barrio argentino de Los Toldos y finalizó en la cúspide del poder. Pasa por alto el rigor histórico, político y cronológico, para detenerse en la personalidad de una mujer que cambió la vida de los argentinos y su visión de cara al poder establecido.

La música original ha sido compuesta por el compositor y pianista Sergio Vainikoff, la escenografía es de Lucía Trevisacce y Carlos Bustamante, y el fabuloso vestuario corre a cargo de Mónica Mendoza. Los trajes de Eleonora Cassano son de la diseñadora Elsa Serrano, recreados sobre los originales de la época. En La Duarte, Vladimivsky rescata a una ‘Eva mujer’ con sus pasiones, sus conflictos, sus amores, sus odios, sus resentimientos y, sobre todo, su objetivo de vida. El espectáculo empieza con una Eva ausente de sí misma, que parte hacia la gran urbe con una pequeña valija, en busca de una identidad. Según la coreógrafa y directora de este espectáculo, Silvia Vladimivsky, no se aborda su vida desde el concepto puramente biográfico, sino que se centra en mostrar el alma de Eva. Eleonora dice adiós Los principales maestros de Eleonora Cassano fueron Mirta Furioso, Karemia Moreno, Lidia Segni, Graciela Sultanik y Wilhelm Burmann. Pasó por el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón en 1983, y seguidamente fue contratada por la Fundación Teresa Carreño de Venezuela, donde intervino en diversas producciones. De regreso a Buenos Aires, accedió rápidamente a los roles protagónicos en el Teatro Colón, donde baila con Julio Bocca, Carla Fracci, Ludmila Semeniaka, Ekaterina Maximova y Vladimir Vassiliev.

Entre 1989 y 1996 bailó con Julio Bocca presentándose en los festivales y galas más importantes de Europa y participó de la creación del Ballet Argentino, con el que realizaron giras por toda Argentina, Europa y América, incluido los Estados Unidos. Desde 1998 ha realizado giras por Europa y América al tiempo que ha actuado con Julio Bocca y el Ballet Argentino en el Luna Park y en el Teatro Colón. Ahora protagoniza La Duarte, un espectáculo de danza-teatro estrenado en el teatro Maipo de Buenos Aires y con el que ha realizado innumerables giras por el interior del país, mientras preparaba su gira por España e Italia.

Ha sido reconocida con varios premios, y participó en la función de despedida de Julio Bocca en el Obelisco de Buenos Aires, el 22 de diciembre de 2007. Desde el pasado mes de septiembre, y hasta diciembre de 2012, Eleonora Cassano ha emprendido su despedida de la danza en una gira que ha bautizado como ¡Chapeau!-Último Tour. A lo largo de este tiempo, tras las funciones presentadas hoy en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, pasará por varias ciudades europeas, además de otras de Asia y África, para concluir en diciembre de 2012 con una despedida en el Obelisco de Buenos Aires. Más información en www.teatroscanal.com.

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10 octubre de 2011

21 d’octubre 2011

El Mikado’, un viatge efímer al Japó



‘El Mikado’ reapareix a la Sala Cabanyes amb una història que ens trasllada de primera mà al Japó més clàssic. En la seva segona temporada al recinte mataroní, l’obra de Gilbert & Sullivan dirigida per Marc Molina ofereix una bona combinació de sons i imatges que tot plegat confeccionen una creació uniforme amb petites llums d’ironia. Tot i que és cert que durant l’obra es poden apreciar alguns estereotips en personatges com l’emperador del Japó -de qui precisament l’obra n’agafa el seu nom - , el pas de les escenes condueix cap a una evolució de la trama on els protagonistes canvien amb freqüència les seves característiques, mostrant-se així com a personatges rodons. Un exemple el podem trobar en Ko-Ko, l’honorable senyor Botxí de Titipú, qui en l’inici de la funció mostra un caràcter ferm i rocós però que amb el pas de les diferents situacions va minvant, convertint-se progressivament en un personatge vulnerable.

La trama del musical s’inicia quan l’emperador del Japó, El Mikado, prohibeix el flirteig entre els ciutadans de Titipú, un indret de l’imperi japonès on es desenvolupa l’acció. Com a càstig, qualsevol persona que jugui amb les cartes de l’amor sense tenir un mer objectiu matrimonial haurà de ser decapitat per l’honorable botxí de Titipú, el senyor Ko-Ko. En la trama es poden veure vincles i desafeccions amoroses entre Nanki-Poo, que és el segon trombó enamorat de Yum-Yum, l’honorable senyor botxí de Titipú i Katisha, una vella dama de la cort enamorada de Nanki-Poo. Amb aquesta connexió a quatre bandes es poden presenciar accions de sàtira acompanyades pels sentiments de la gelosia, l’amor, la desesperació, el ressentiment o la por. A més, amb petites bromes i puntuals interaccions amb el públic l’obra aconsegueix el punt exacte que la defineix com una opereta còmica. Destaca la feina de vestuari gràcies a indumentàries que encerten i s’adeqüen amb la trama i la cultura japonesa. D’altra banda, la combinació d’algunes escenes de diàleg amb d’altres on el fil conductor i regnant és la música, fa que la transició de les accions sigui distesa i atractiva pel públic.

En resum, veient ‘El Mikado’ es podrien fer els primers passos per trencar un dels estereotip predominant vers els japonesos, concebuts pel món occidental com a persones amb un modus vivendi serè, pausat i sense cap tipus d’atrafegament. No obstant això, aquest clàssic que porta més de 120 anys en escena vol anar més enllà i per això, entre d’altres motius, aterra de nou a la Sala Cabanyes en època de tardor. Precisament, aquesta és una de les estacions de l’any més estimades pels japonesos juntament amb la primavera pels magnífics paisatges que deixen els pètals de flor del seu tradicional cirerer. Tot plegat, ‘El Mikado’ es converteix així en una interessant oportunitat per fer un viatge efímer al Japó sense moure un peu de la ciutat.

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Rubén Escobar - Periodista
www.capgros.com
17 octubre de 2011

Josep Maria Pou es vesteix d’inspector


L’actor i director català porta a la temporaada de teatre del Monumental aquest muntatge policíac i de crítica social

Un inspector de policia es presenta al domicili de la família Birling, que es troba en ple sopar de celebració del prometatge de Sheila, la filla. El policia s’ha presentat a la mansió per indagar la implicació de tots els presents en el suicidi d’una noia. Aquest és el punt de partida de Truca un inspector, l’obra dirigida i protagonitzada per Josep Maria Pou, basada en un text del dramaturg britànic John Boynton Priestley. L’obra arriba aquest divendres al teatre Monumental, després de la seva exitosa temporada al teatre Goya de Barcelona i el seu pas per La Latina de Madrid.

Truca un inspector ha estat descrita com un prodigi de construcció formal, que desplega una trama pròpia de la novel•la negra que funciona a la perfecció i que, a través de lús del suspens, estableix un profund missatge social. Boynton Priestley recorda a través d’aquesta obra que tothom forma part d’un mateix organisme i, per tant, és el responsable de tot el que li passa a la resta de la gent. És una de les obres mestres d’aquest dramaturg nascut a Stratford-Upon-Avon, la ciutat de Shakespeare, al tombant del segle XIX. Corresponsal durant els anys de la II Guerra Mundial i prolífic autor literari, Boynton Priestley va assolir una gran popularitat a Gran Bretanya.

Josep Maria Pou, un dels grans noms del teatre estatal, amb més de 40 anys de trajectòria a les espatlles, ha portat a escena aquest muntatge, una tasca que combina amb la direcció artística del Teatre Goya de Barcelona i de La Latina de Madrid. Pou compagina direcció i protagonisme, al costat d’un altre veterà dels escenaris catalans com és Carles Canut. El repartiment es completa amb Rubén Ametllé, Paula Blanco i David Marcé. Un parell d’hores abans de la funció, el Monumental acollirà l’habitual “Un cafè amb...” amb representants de l’obra, per poder coneixer-ne els seus secrets de primera mà.

Divendres, dia 21. A les 9 del vespre al teatre Monumental

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V.B.
WWW.CAPGROS.COM
20 OCTUBRE DE 2011

Truca un inspector : Josep Maria Pou torna al Teatre Monumental




Ho fa amb una història d'intriga, escrita per J. B Priestley

Josep Maria Pou torna al Teatre Monumental amb la doble faceta de director i actor per presentar el seu darrer èxit Truca un inspector. Recolzat per una efectiva escenografia obra de Pep Duran i un vestuari ple d’elegància que signa Nina Pawlowsky, Pou es posa a la pell d’un inspector de policia que es presenta al domicili de la família Birling. Interromp el sopar amb què celebren el prometatge de Sheila i indaga la implicació dels comensals en el suïcidi d’una noia. L’obra, un gran exercici de construcció formal, desplega aleshores una trama que progressa com un aparell de rellotgeria. L’ús hàbil del suspens, però, no eclipsa en cap cas un missatge de profunda repercussió social: tots formem part del mateix organisme i som plenament responsables de tot allò que passa a la resta de la gent.

Fitxa artística
Autor: J.B. Priestley
Direcció: Josep Maria Pou
Intèrprets: Josep Maria Pou, Carles Canut, Victòria Pagès, Ruben Ametllé, Paula Blanco i David Marcé.
Traducció: Joan Sellent
Escenografia: Pep Duran
Vestuari: Nina Pawlowsky
Il•luminació: Albert Faura
Espai sonor: Jordi Ballbé
Caracterització: Toni Santos
Producció: Grup Focus

Divendres 21 octubre a les 21 hores

A les 7 de la tarda , al vestíbul del teatre, Cafè amb... presentat per Oriol Colomer, professor teatral, i amb la presència de Carles Canut i Victòria Pagès.
Preus de l'entrada: platea: 28 €/ amfiteatre: 26 €

Durada aproximada: 1 hora i 30 minuts sense pausa

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18 OCTUBRE DE 2011

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