31 d’octubre 2009

125 anys de Centre Catòlic i una reivindicació




www.totmataro.cat
29 octubre de 2009

L’entitat es dóna un any per arribar a un acord i vol noves instal·lacions per l’any 2016
Cugat Comas
Foto: Xènia Sola

“El Centre Catòlic de Mataró està de moda , bé potser més que el Centre en sí, les seccions que formen aquesta Entitat”. És la frase d’Antoni Blanch, el President del Centre Catòlic, quan va presentar el programa d’actes del 125è aniversari de l’entitat. Sí, una entitat històrica que segueix vitalista, que en motiu del seu aniversari regala a la ciutat un diumenge ple d’actes, una nova sardana i posa sobre la taula un debat massa cops ajornats: el de les noves instal·lacions de l’entitat.

El del 125è aniversari del Centre Catòlic no serà un diumenge qualsevol. I no només perquè s’escaigui en Tots Sants, perquè en aquests cinc quarts de segle l’entitat hagi crescut fins a esdevenir una de les principals de la ciutat i segurament la més antiga o pel carismàtic i especial programa d’actes que es planteja. Aquest diumenge no és un dia qualsevol. A més de ser un dia de molta gresca a les instal·lacions del Centre Catòlic i a la Riera, just a l’alçada de l’illa on s’hi troba la Gàbia, la Sala Cabañes i l’escola Balmes, des de la presidència de l’entitat s’ha optar per fer visible, en tan assenyalada data, una reivindicació: la de les noves instal·lacions.

Cal començar, però, per la gresca i anar després al reclam. Sembla la màxima amb la que el President del Centre Catòlic va presentar en societat els actes de diumenge, fa una setmana. “Volem convidar tot Mataró a participar de la festa” va dir Blanch i per això s’han programat un seguit d’actes. Durant el matí hi haurà jornada de portes obertes i partits de bàsquet. També s’aprofitarà per presentar l’última incorporació al Centre Catòlic, la secció de Puntes de Coixí anomenada “Els Gramenets” i al migdia hi haurà sardanes, amb una ballada ben especial.

Les Pedretes fetes Sardana
I és que la ballada a càrrec de la Cobla Iluro té un al·licent especial. Quan arribi l’hora de l’última interpretació s’estrenarà en primícia mundial la sardana del “Ball de les Pedretes”, una de les cançons més conegudes dels Pastorets. És obra de Pere Gonzàlez i Xandri Montasell que han fet equip per a l’ocasió. “Feia temps que tenia ganes de fer-la, és una manera de donar prestigi als Pastorets i donar-los a conèixer a través de la sardana” va dir Gonzàlez, “jo ja coneixia Les Pedretes i va ser fàcil posar els llargs i els curts, l’han escoltada balladors i sardanistes i tots han dit que triomfarà” va dir l’altre compositor, Xandri Montasell.

L’altre gran acte de la celebració és l’acte que se celebrarà a les set de la tarda a la Sala Cabañes. S’hi haurà d’accedir per invitació fins a l’esgotament de l’aforament i serà l’acte central de la celebració. Comptarà amb la representació de l’obra de teatre ‘Partint Peres’ amb el cèlebre actor mataroní Joan Pera donant llustre a la celebració del Centre Catòlic.

La relació d’actes programats arriba al cap de setmana que ve quan un altre il·lustre mataroní, Pep Plaza, actuarà a Sala Cabañes amb el seu nou espectacle, ‘Clònica d’humor’.

Vella reivindicació, nou impuls
La celebració dels 125 anys no passa per alt el gran cavall de batalla del Centre Catòlic els seus darrers temps, la reivindicació de noves instal·lacions. Antoni Blanch va assegurar, en la roda de premsa de presentació de la celebració, que el Centre Catòlic té “necessitat urgent de nous espais, necessitem sales d’assaig en condicions , magatzems, sales de reunions, més vestidors i sales de gimnàs per a l’esportiva, una Gàbia nova, millors instal·lacions per a l’escola , un teatre nou i una o dues sales de format més reduït, en definitiva necessitem un Centre nou, que estigui a l’alçada de tot el seu equip humà, un Centre del segle XXI, nosaltres tenim l’espai i les persones ara el que falta es arrodonir totes les converses encetades amb l’ajuntament”.

Des del Centre Catòlic, doncs es passa la pilota que ja fa temps que s’enlaira a la teulada de l’Ajuntament. Des del CC es vol arribar a un consens a la sala de sessions de la Casa Gran per desencallar la gran operació urbanística que queda per fer al centre de la ciutat. En aquest sentit, el “nosaltres tenim l’espai” de Blanch sembla posar sobre la taula –i per tant desencallar un tema que s’arrossega– els terrenys de la Unió de Cooperadors, a tocar de La Presó, just davant el Centre Catòlic, una propietat en litigi entre els propis cooperadors que “l’ocupen” i el patronat de la Sagrada Família, del propi Centre Catòlic, que se n’erigeixen com a propietaris legals.

La gran novetat posada sobre la taula pel CC són les dates: volen un acord en l’any del seu aniversari i les noves instal·lacions pel 2016. Blanch va apuntar que “són temps difícils però el millor regal que ens podríem fer tots plegats és tenir sobre la taula el projecte acabat de les nostres noves instal·lacions aquest any. Des que es va signar el conveni amb l’ajuntament pot semblar que no haguem fet res, però tampoc no es així”, va dir.

El Centre Catòlic, encoratjat en el seu aniversari, diu que buscarà “mecenatges, protectors, patrocinadors, benefactors, intentarem implicar la societat civil i econòmica de la ciutat que hi vulgui participar”, però reclama “implicació total de la classe política local”. S’acosta més diàleg, més 2010 i més 2016. Però l’únic segur, de moment, és que aquest diumenge, abans que res, toca festa.

PROGRAMA D’ACTES



Portes obertes
Durant tot el matí se celebrarà una jornada de portes obertes a totes les istal·lacions del Centre Catòlic.

Bàsquet
10 del matí. A la pista de la gàbia se celebraran partits de bàsquet, amb jugadors de l’escola i dels veterans.

Puntes de coixí
A partir de les deu del matí. Presentació de la nova secció de l’entitat, “Els Gramanets”.

Ballada de sardanes
A les 12. Amb la Cobla Iluro i estrena de la sardana amb “El Ball de les Pedretes”.

Acte commemoratiu
18h. Acte dels 125 anys del Centre Catòlic i representació de ‘Partint Peres’ a càrrec de Joan Pera. (Entrada per invitació).

L’Escola Balmes


Porta més de 100 anys dedicada a l’educació i ho va celebrar el cap de setmana passat amb una “Festassa”. Es tracta d’una escola concertada amb oferta docent en educació infantil, primària i està vinculada a l’Escola Freta per cursar l’ESO, el batxillerat i cicles formatius. “L’objectiu és formar persones, amb valors, alumnes responsables i amb criteri”.

Unió Esportiva
La secció esportiva del Centre Catòlic de Mataró va ser fundada el 1927 i és una de les escoles de bàsquet més antigues de Catalunya. Té més de 300 inscrits i ha convertit històricament Mataró en un dels bressols més importants del basquetbol a nivell de Catalunya i Espanya. La Unió Esportiva és, a més, el principal club esportiu de la ciutat.

Sala Cabañes
El particular “temple” del Centre Catòlic com a equipament i la secció teatral de l’entitat. Es tracta del principal actiu del Centre Catòlic, amb centenars de persones de tota la ciutat fent-hi vida i participant sobretot d’Els Pastorets de Mataró, l’obra del Nadal a Catalunya que a més és Patrimoni Cultural de la Ciutat. El teatre és, a més la principal instal·lació de l’illa del Centre Catòlic, la joia de la corona i a més la pedra de toc per qualsevol operació urbanística en la que es pugui involucrar l’entitat i l’Ajuntament. És, a més, juntament amb el local de la Unió de Cooperadors, els principals arguments per a una negociació per a les futures instal·lacions del Centre Catòlic a l’illa que ara ja ocupen les seves instal·lacions.

Teatro Guerra de Lorca abrirá sus puertas este sábado con la actuaciones de Triciclo


www.que.es
19 octubre 2009.

El Teatro Guerra de Lorca abrirá de nuevo sus puertas el próximo sábado tras la remodelación que se ha llevado desde junio de 2008. Así, lo hará con las actuaciones del bailarín estrella de la Ópera de Paris, José Martínez, en horario matinal, y de la compañía Clownic con la obra '100% Tricicle', incluidas ambas en la programación de octubre a diciembre.
Teatro Guerra de Lorca abrirá sus puertas este sábado con la actuaciones de Tricicle

LORCA (MURCIA)
(EUROPA PRESS)

El Teatro Guerra de Lorca abrirá de nuevo sus puertas el próximo sábado tras la remodelación que se ha llevado desde junio de 2008. Así, lo hará con las actuaciones del bailarín estrella de la Ópera de Paris, José Martínez, en horario matinal, y de la compañía Clownic con la obra '100% Tricicle', incluidas ambas en la programación de octubre a diciembre.

Así lo dio este lunes a conocer en rueda de prensa la edil de Cultura, Rosa Medina, quien precisó que "al Coliseo lorquino se le ha remodelado la fachada, así como los camerinos, sustituyendo las butacas y dotándolo en su totalidad de aire acondicionado y calefacción, para hacerlo más confortable".

En cuento a la programación que se realizará hasta final de año, la concejal de Cultura comentó las actuaciones mas reseñables, como la presencia en la ciudad de 'Carmen, Opera Andaluza de Cornetas y Tambores', con la dirección de Salvador Távora, llevando a escena una visión andaluza del mito universalmente popularizado por Merimée y Bizet; así como la actuación de la Orquesta Sinfónica de Pleven, bajo la dirección artística de Roberta Matelli, que representará a 'Rigoletto'.

También actuarán Gabino Diego y Beatriz Rico con 'Los 39 escalones', una obra que puede considerarse una farsa alegre de la película de Hitchcock, representada a un ritmo frenético; al igual que la 'La Abeja Reina', con Verónica Forqué y Miguel Rellán, "teniendo ambas obras una espectacular acogida".

Otros actos que se realizarán serán 'Casa de Muñecas', de la compañía Doble K Teatro con la presencia de actriz lorquina Inmaculada Fernández; y 'Cuento de Navidad' de la Compañía Ferroviaria, bajo la dirección de Paco Maciá.

También se realizarán en el anfiteatro el XX Festival Internacional de Cante Flamenco 'Ciudad del Sol', y una nueva edición de Cine Club Paradiso que se prolongará desde el día 29 hasta el 17 de diciembre.

Para la venta de entradas, los interesados pueden adquirirlas en el '902 150025' en venta telefónica; en el propio Teatro Guerra en horarios de 11.00 a 14.00 horas, las tardes del día anterior a la actuación de 18.00 a 20.00 horas, y el mismo día de la función desde las 18.00 horas hasta el comienzo de la misma. En Internet se pueden conseguir en las direcciones 'www.lorca.es/teatroguerra', 'www.ticktackticket.com', y 'www.cajamurcia.es'.

30 d’octubre 2009

El Centre Catòlic vol tenir definit el seu projecte de remodelació el 2010


www.capgros.com
23 octubre de 2009

Reclama que tots els partits ‘es facin seu’ el projecte, que inclou la creació d’un nou teatre, i espera que també s’hi impliqui la societat civil

per V. B.
fotos R.Gallofré

'Si tots els partits polítics, i tota la ciutat, no es fa seu el projecte, aquest mai tirarà endavant', explica Blanch


La Dada
1.200
El nombre de persones que formen part de l'entitat, en les seves diferents branques



Els actes del 125è aniversari
El Centre Catòlic mira el futur mentre celebra haver arribat als 125 anys de vida. Per fer-ho, ha organitzat un seguit d’actes que es concentraran principalment el diumenge 1 de novembre, el dia de l’aniversari. Hi haurà una jornada de portes obertes a les instal·lacions del centre, les seves dependències socials, l’escola Balmes, la Gàbia i Sala Cabañes, així com diverses exhibicions de bàsquet a càrrec de l’equip infantil i el de veterans. La festa també sortirà al carrer amb una Mostra de puntes de coixí i amb l’estrena de la sardana Les pedretes dels Pastorets de Mataró, composada per Pere Gonzàlez i Xandri Montasell. A la tarda, sala Cabañes acollirà l’acte central, amb parlaments dels responsables del centre, que precedirà la representació de Partint Peres, a càrrec del popular actor mataroní Joan Pera. El programa d’actes, que comença aquest dissabte, dia 24, amb un sopar d’antics alumnes de l’escola Balmes, es tancarà el dia 7 de novembre amb l’espectacle Clònica d’humor, a càrrec de Pep Plaza, actor mataroní que s’ha fet popular amb les seves imitacions a Crackòvia i que forma part, com tants altres, de la cantera de Sala Cabañes.

Posar fil a l’agulla, d’una vegada per totes, al projecte de remodelació del Centre Catòlic, que haurà d’incloure la construcció d’un nou recinte per a la Sala Cabañes i la renovació de les instal·lacions de la Unió Esportiva i de l’escola Balmes. Aquest és l’objectiu que s’ha marcat per a l’any que ve el Centre, l’entitat més antiga de la ciutat i que es troba immersa en la celebració del seu 125è aniversari. L’objectiu dels seus responsables és que, al llarg del 2010, es rubriqui un acord amb l’Ajuntament per definir sobre paper el projecte de remodelació i, sobretot, les vies per a executar-lo. Tot plegat amb el desig que, l’any 2016, el Centre hagi pogut deixar enrere les seves obsoletes instal·lacions actuals i ja en pugui gaudir de les noves, adequades al volum de gent que mou l’entitat, unes 1.200 persones en les seves diferents branques.

“Si tots els partits polítics, i tota la ciutat, no es fa seu el projecte, aquest mai tirarà endavant”, explica el president del Centre Catòlic, Antoni Blanch. Des de finals de 2005, quan va sortir a la llum els esbossos del primer projecte de remodelació, la situació s’ha estancat força. Tot i així, Blanch assegura que porten temps mantenint converses a diverses bandes amb l’Ajuntament, i destaca que l’actual projecte que tenen en ment els responsables del Centre, tot i que encara no en vol desvelar els detalls, és força diferent al de fa quatre anys. Llavors es contemplava un teatre soterrat, fet que amb el temps pràcticament s`ha descartat a causa de l’elevat cost que suposaria l’operació. Blanch assegura que comprenen que la situació econòmica actual “és delicada”, però també constata que l’operació “no hauria de suposar una despesa molt considerable” per al Govern. A més, té clar que des del primer moment buscaran “mecenatge i patrocinadors” per a finançar el projecte. “Mai hem fet soroll, mai no hem demanat res més del que tenim, però creiem que ara cal un pas endavant, perquè amb les instal·lacions actuals no podem seguir gaires anys més”, afegeix. Un dels punts a tenir en compte en aquesta operació, a més, serà l'opinió de la Unió de Cooperadors, que reclamen la propietat històrica del Pati del Cafè Nou, espai clau en tot el procés de reordenació urbanística que comportaria el projecte del Centre Catòlic.

Quatre vèrtexs
El Centre Catòlic ha quedat petit per donar cabuda a tota l’activitat que s’hi produeix. Per un costat, Sala Cabañes, la secció teatral del centre, que inclou l’escola de teatre de La Saca. Mou unes 500 persones, un gran potencial humà que ara mateix no disposa dels equipaments necessaris. Els assaigs a la biblioteca o a la sala del televisor, així com el material escènic emmagatzemat en espais d’arreu de la ciutat són només alguns exemples de com de petit s’ha quedat l’equipament. Després, hi ha la Unió Esportiva Mataró, fundada l’any 1927, que compta amb uns 300 esportistes i que s’ha convertit en un referent dins del bàsquet estatal. La seva pista, La Gàbia, és ben emblemàtica, però com diu Blanch “està a les últimes”. L’encaix de les instal·lacions esportives serà una de les claus del futur projecte de remodelació de l’entitat. La tercera pota és l’Escola Balmes, un centre privat concertat amb més de 100 anys d’història, que compta amb 250 alumnes i que també es veurà afectada en el cas que l’entitat arribi a un acord amb l’Ajuntament per a la remodelació. La incorporació més recent és l’Escola de puntes de coixí, per acabar de conformar els quatre vèrtexs del Centre Catòlic.

El Teatro Bernal cierra el año con una programación que apuesta por el público infantil


www.laverdad.es
14 octubre de 2009

El Teatro Bernal cierra el año con una programación que apuesta por el público infantil
Los alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático subirán a las tablas palmareñas un clásico y un musical infantil
El Teatro Bernal ha programado dos espectáculos para cada fin de semana a partir del próximo sábado y hasta finales de diciembre. En total serán 19 actuaciones, de los cuales diez estarán dedicadas a los más pequeños y nueve serán para el público adulto.
Los sábados del mes de noviembre se dedicarán un año más al teatro clásico, con la representación de 'Con quien vengo, vengo' de Calderón de la Barca; 'No puede ser el guardar a una mujer', de Agustín Moreto, que optó a los Premios Max 2008 en la categoría de espectáculo revelación; 'Sin honra no hay amistad' de Francisco de Rojas Zorrilla; y 'Estalla corazón, a partir de Otello' de Shakespeare.
Una de las novedades de esta temporada viene de la mano de la colaboración entre la Escuela Superior de Arte Dramático y el Ayuntamiento de Murcia, merced a la cual sus alumnos pondrán en escena dos espectáculos, un musical especialmente diseñado para los niños, 'Dentro del bosque', y el clásico de Calderón de la Barca ‘Con quien vengo, vengo’.
Por otra parte el Teatro Bernal será el escenario de un estreno nacional, la versión en castellano de 'SGAG (Sociedad General de Aguas Globales)', de la Compañía Vol-Ras.
Como todos los años, la Concejalía de Cultura fomenta que el Teatro Bernal acoja espectáculos de compañías murcianas, beneficiándolas de esta forma en tiempos de crisis.
Igualmente se mantienen los mismos precios desde la reinauguración del Teatro en 2003, asequibles para todos los bolsillos, ya que oscilan entre los dos euros de los espectáculos familiares, a los cuatro y seis euros del resto.
Todos los espectáculos infantiles tendrán lugar los domingos a las 12 horas mientras que los de adultos serán los sábados a las 21 horas. La programación completa es la siguiente:


ESPECTÁCULOS INFANTILES


Dentro del bosque (musical) - Escuela Superior de Arte Dramático - 18 de octubre
Naya y la biblioteca mágica - Teatro del Aire - 25 de octubre
Miki y las setas del bosque - Tercero Izquierda Teatro (Festival Títeres) - 1 de noviembre
Y a ti… ¿qué te da miedo? - Remiendo Teatro - 8 de noviembre
Cosas del mar - Ultramarinos de Lucas - 15 de noviembre
Pocosueño - Periferia Teatro - 22 de noviembre
La isla del tesoro - Rizoma Teatro - 29 de noviembre
Los siete cabritillos - Teatro Los Claveles - 6 de diciembre
Que viene el dragón - Teatro Quimera - 13 de diciembre
Atlas, el mundo en un armario - Teatro Silfo - 20 de diciembre


ESPECTÁCULOS PARA ADULTOS


Humorama - Spasmo Teatro - 17 de octubre
Con quien vengo, vengo - Escuela Superior de Arte Dramático - 24 de octubre
La ruleta rusa (Chéjov) - Producciones El Zurdo - 31 de octubre
No puede ser el guardar a una mujer - Apata Teatro - 7 de noviembre
Sin honra no hay amistad - Rezuma Teatro - 14 de noviembre
Estalla corazón (a partir de Otello) - Teatro del Aire - 21 de noviembre
S.g.a.g. (estreno nacional en castellano) - Vol-ras - 5 de diciembre
El día más feliz de nuestra vida - Alquibla Teatro - 12 de diciembre
Maté a un tipo - Distrito Producciones - 19 de diciembre

29 d’octubre 2009

El festival Guant de titelles tanca una edició amb gran èxit d'aforament

www.lamalla.cat
25 octubre de 2009

LAMALLA.CAT

A la llum de la lluna o a ple sol del dia la cinquena edició del Festival GUANT de Valls ha respirat sensibilitat pura i ha brillat amb llum pròpia. Aforaments plens i aplaudiments d'un públic cada vegada més entès i entusiasta del teatre de titelles demostren la consolidació d'un festival que s'ha acomiadat amb prop de 8.700 espectadors.


Fins a tres vegades va haver de sortir a saludar al públic Miguel Gallardo, actor, titellaire i alma mater de la companyia Pelmànec, en la funció més aplaudida del Festival, que va tenir lloc dissabte a la nit al Teatre Principal de Valls. Més de 200 persones van ovacionar l’artista i la seva particular versió del conqueridor més famós de tots els temps a 'Don Joan. Memoria amarga de mi'. Altres propostes com 'Ros. Melógamo mínimo', d'Angelico Muso, pensada per a un públic més reduït, o 'Le polichineur de tiroirs', de La Compagnie des Chemins de Terre, una reflexió filosòfica sobre l'existència humana, van seduir també els espectadors.

El festival també va acaparar l'atenció del públic familiar amb propostes com 'Dragonci' de Los Titiriteros de Binéfar, 'Résurrection à la Carte' de Microcosmos Teatre, 'Pulcinella' de la Cia. Bagattella i 'Il Giorno prima dell'inizio del mondo', de Scarlattine Teatro & Co..

Segons l'organització, prop de 8.700 espectadors han seguit algun dels 65 espectacles programats enguany. Aquesta xifra supera lleugerament la de l’any passat i és especialment rellevant, atès que en aquesta edició s’han programat 15 representacions menys que el 2008.

La representación de 'Arte' encandila al numeroso público del teatro Latorre


www.nortecastilla.es
19 octubre de 2009

M. J. C. TORO


La representación de la obra 'Arte', en la noche del sábado, encandiló al público que se congregó en el teatro Latorre. Atraídos por las excelentes críticas cosechadas por esta obra y por el tirón del reparto, formado por los actores Iñaki Miramón, Alex O'Dogherty y José Luis García Pérez, los aficionados llenaron la sala para disfrutar de la entretenida comedia de Yasmina Reza, versionada por Fernando Masllorens y Federico González del Pino.
'Arte' ha sido traducida, representada y estrenada en 35 países. Premiada y elogiada, la obra consigue aunar lo mejor del teatro comercial y del contemporáneo.
Bajo la dirección de Eduardo Recabarren, 'Arte' representa una original forma de hablar de la amistad entre tres hombres y el sentimiento trágico de sentir que no es eterna. El hilo conductor de este montaje es la adquisición por parte de uno de los protagonistas, Sergio, interpretado por Iñaki Miramón, de una obra de arte que no es más que un lienzo blanco por el que ha pagado 50.000 euros.
'Arte' consigue demostrar al público que la amistad, al igual que la vida o el arte, está sujeta a cambios, que todo tiene un precio y que la vida no es otra cosa que un lienzo blanco en el que cada uno ve lo que necesita ver.Además, 'Arte' plantea al público, como en las mejores tragedias, varias preguntas sobre la condición del hombre y del arte, tales como quién le pone precio a la amistad, cuánto vale el cariño, quién decide que algo se ponga de moda o si el teatro comercial es más frívolo que el teatro comprometido

La Sala Beckett cumple veinte años


http://w3.bcn.es
26 octubre de 2009

Hace veinte años que abrió la Sala Beckett y para celebrarlo se ha publicado un libro que repasa su historia y se han programado tres espectáculos: 'Ñaque o de pijos y actores', 'Vacío', de José Sanchis Sinisterra, y 'Aquí se aprende poca cosa', dirigida por Toni Casares.
La barcelonesa Sala Beckett, conocida por su importante aportación a la experimentación teatral, conmemora veinte años y lo hace con algunas sorpresas: tres estrenos y un libro.

Pondrán en escena dos textos del dramaturgo José Sanchis Sinisterra, fundador de la sala en 1989 con su compañía Teatre Fronterizo.

Ñaque o de pijos y actores es un espectáculo sobre la condición de actor y su postura delante de la sociedad que interpretarán los mismos actores que lo estrenaron: Manel Dueso y Luis Miguel Climent. Estará en cartel del 27 al 31 de octubre y el 1 de noviembre.

Vacío, por su parte, es un monólogo teatral en que el mundo se infiltra entre bambalinas, interpretado por el actor argentino Mario Vedoya, que sólo se podrá ver el 30 y 31 de octubre, además del 1 de noviembre.

Y entre el 12 de noviembre y el 13 de diciembre, la Beckett tendrá en cartel Aquí se aprende poca cosa, una adaptación teatral de la novela de Jakob von Gunten, dirigida por Toni Casares, el director artístico del teatro.

"Constituye una mirada adelante" de la sala, "heredera del liderazgo de Sanchis Siniestra", dice Casares de esta representación.

Para celebrar este vigésimo aniversario también se ha publicado un libro en que a base de texto y fotografías se rememoran las producciones, actividades, programaciones y profesionales que han pasado por su escenario en este tiempo, comentado por el periodista Eduard Molner. El libro, Sala Beckett. 20 anys, está editado por la Editorial Arola.

Josep Maria Pou: "En el fondo, siempre he pensado que lo que yo hago es un trabajo fácil"

www.lavanguardia.es
17 octubre de 2009

El actor protagoniza 'Máscaras', un documental de Elizabet Cabeza y Esteve Rimbau

PEDRO VALLÍN
Madrid

Mientras Josep Maria Pou entregaba el premio Donostia a Ian McKellen, ambos exhibieron esa mutua avenencia que se tienen quienes sospechan estar ante un coloso de las tablas, una categoría interpretativa que, si bien no goza del relumbrón de las estrellas de cine, o precisamente por eso, sí concita un respeto reverencial tanto más de su gremio como del público. A McKellen le entregaban el premio a su carrera y Pou estaba allí presentando Máscaras, documental de Elizabet Cabeza y Esteve Rimbau que acaba de llegar a las salas comerciales en el que se sigue al actor durante la preparación de Su seguro servidor, Orson Welles, obra del estadounidense Richard France.


No sé si usted suele verse en la pantalla…
Sólo cuando no me queda más remedio. Cuando el director, después de una toma, me pide que me acerque al monitor para ver algo. La película o la serie acabada si las veo, lo hago cuando haya pasado un tiempo, para hacerme menos daño.

¿Daño?
Espero al menos un año, cuando ya no conservo con precisión el recuerdo de lo que quise hacer y por tanto no va a resultar duro ver lo que finalmente resultó, que siempre está por debajo de lo que tú crees que hiciste.

Al pase de Máscaras en San Sebastián acudió Ian McKellen, que acababa de aterrizar en la ciudad. ¿Se quedó con él?
No, no, y menos cuando supe que estaba él entre el público. Salimos antes de comenzar la proyección, y luego me fui y esperé fuera hasta que acabó.

Si no le gusta verse, en este caso, ha de ser aún más raro, porque no media un personaje, sino el proceso desnudo de la creación.
Es cierto, pero siempre tienes la duda. Quién te dice que no hay una máscara, que no estamos, incluso involuntariamente, ficcionando. ¿Hasta qué punto no somos una máscara dentro de otra máscara?

Aún así, ¿no le produjo pudor?
Cuando me lo propusieron Esteve y Elizabet, estuve dudando, pero nunca tuve sensación de pudor. Pensé que si lo hacíamos, debíamos hacerlo a fondo y darles acceso al proceso. Ellos no acudían todos los días a rodar nuestras lecturas y ensayos, e incluso, cuando lo hacían, no avisaban hasta acabar de grabar, de modo que muchas veces no sabíamos si estaban allí. De todas maneras, yo no quería verlos, para actuar con total impudicia. La timidez es inherente al actor. Mucho más en mi caso, porque mido 1,95 desde la adolescencia y siempre he tenido la sensación de ser un bicho raro. De ese modo, siempre viví con una doble timidez que me ha costado mucho vencer.

Pero ¿ha visto el documental?
Lo vi en un pase previo y me sorprendió. Como si aquel no fuera yo, es un señor en el que me cuesta reconocerme.

¿Qué le resultó extraño?
El señor que aparece en el documental habla con mucha seguridad sobre el oficio, parece casi autoritario, y yo no siento que posea esa seguridad.

Se sienta uno seguro o no, ser capaz de transmitir esa sensación de aplomo y conocimiento hace el trabajo mucho más fácil a todos los demás. Supongo que lo habrá notado.
Sí, es verdad que mis compañeros muy a menudo a lo largo de mi carrera me han dicho que es muy fácil trabajar conmigo, porque les transmito autoridad y seguridad. Es verdad que trabajar con alguien que transmite eso, da tranquilidad. Pero siempre me han sorprendido un poco esas reacciones.

¿Por qué?
Porque en el fondo, siempre he pensado que lo que yo hago es fácil. Cuando recibo buenas críticas o el público aplaude entusiasmado, siempre pienso: "Si no es tan difícil".

En todo caso, el documental muestra que le da muchas vueltas al texto.
Nos tomamos unos trabajos enormes. Soy un apasionado de ese proceso pero, eso sí, discuto mucho durante las lecturas. Luego está el proceso de memorización, que es una cuestión mecánica, de memoria. Yo me lo tomo como un desafío, me reto a mí mismo a ver cuántas páginas soy capaz de aprender y me acuesto feliz si en vez de diez folios me aprendo doce. Tengo cierta facilidad, pero es pura técnica.

En Máscaras, usted explica que es importante haber memorizado bien para empezar los ensayos.
Lo ideal es poder ensayar sin estar pendiente del texto, por eso es importante memorizarlo cuanto antes.

Y luego, explica que hay un momento durante los ensayos en el que te das cuenta de que tienes al personaje.
Si, es una fase de los ensayos en que de pronto, aparece. Se presenta ahí y desde ese momento todo es más sencillo.

Pero no explica usted qué hace si eso no ocurre durante los ensayos, si ocurre después del estreno, cuando la obra lleva tiempo en cartel, o si no ocurre en absoluto.
Lo deseable es que pase. Pero es cierto de que no siempre ocurre y cuando no es así, llegas al estreno y te mueres de miedo. En ese caso, tienes que tirar de recursos técnicos y engañar al público. Y hay cosas peores, cuando en un ensayo aparece y luego lo pierdes. Al día siguiente no lo encuentras y lo buscas en una frase o una pausa del texto y nada. Es una caza continua y ese es uno de los aspectos que más me divierte de este trabajo. Si eres capaz de hacer que el personaje vuelva cada noche, has dado en el clavo. A veces lo logras mediante tu propia memoria afectiva y a veces a través del artificio.

Citando a Welles, usted subraya la diferencia sustancial entre cine y teatro: el primero es el truco, el segundo es la magia.
Sí.

Sin embargo, también dice que una emoción en el cine se consigue mediante la captación de un instante único, mientras que en el teatro se produce ese trabajo que antes describía y que hay que poner en escena cada noche. De algún modo, la interpretación en cine es lo excepcional, la del teatro lo mecánico.
Puede parecer así, pero muchas veces, en el cine, la interpretación no es consciente ni voluntaria, surge. Por eso muchos directores ruedan hasta los ensayos. En el teatro, lo ideal es que esa emoción especial surja cada noche, pero si eso no sucede, es bueno disponer de los recursos necesarios para convocar en un momento una emoción particular, y eso se hace mediante la técnica, echando mano de la memoria afectiva. Y en todo caso, la repetición es imposible.

¿Imposible?
Yo no soy el mismo cada noche, me han pasado cosas que me han cambiado, cada día, en muchos sentidos soy una persona distinta. Y también existe un diálogo con el patio de butacas y el público es distinto cada noche. Durante los primeros momentos estás atento a ver si vienen nerviosos o inquietos, y entonces les tratas de tomar la medida, haces más pausas o ralentizas la obra para que se vayan apaciguando y así puedas captar su atención. De modo que el resultado es diferente.

Porque desde el escenario se oye todo, ¿no?
Se oye todo y magnificado. Hasta el papel de un caramelo que se abre. Es cierto que no se ve, pero se escucha todo. Bueno, en realidad ahora, se usa cada vez más una iluminación, "desde fuera" se llama, que mancha mucho el patio de butacas y ves claramente al menos las primeras filas. Algunos somos muy sensibles a cualquier ruido en el patio de butacas. Ya ha visto a Hugh Jackman hace unos días.

Sí, detuvo la obra y le pidió a un espectador que atendiera el móvil.
Hizo bien. Yo durante la gira de La cabra paré la escena y le expliqué al público que sobre las tablas estábamos tratando de levantar un castillo de emociones y que un móvil sonando tira todo por los suelos. Cuando eso ocurre, hay que decirlo, porque altera tu interpretación. Si lo paras, todo el mundo se acordará cuando vaya al teatro de que debe apagar el teléfono.

Pero tampoco es lo más común. Mire, como desde el escenario se oye todo, el placer máximo es el silencio, cuando acabas una frase y no se oye nada, ni respirar.
En ese momento te sientes como un dios, sientes que los tienes en tu mano y puedes manejar sus emociones. Esa sensación de poder sólo la da el teatro.

Sin embargo, usted se ha prodigado mucho también en la televisión y el cine.
Hago teatro continuamente. Incluso cuando hago televisión, lo compagino con el teatro. No he estado más de cuatro meses sin hacer teatro. Pero es verdad que me gusta mucho la relación del actor con la cámara. La televisión, además, tiene una ventaja y un riesgo muy importantes: como todo va tan rápido, tienes que ir haciéndote con el personaje mientras la serie avanza, hasta que lo dominas. Y ese es un momento de gran riesgo, porque te relajas. Pero la ventaja es que funciona como un gimnasio, porque tienes que tirar de recursos técnicos continuamente, debido a la velocidad con la que se hace, y eso amplía tu paleta de colores y te mantiene muy ágil.

Máscaras tiene otra particularidad, porque su creación es un personaje que a su vez es un actor, Orson Welles.
Sí, eso permite un juego de búsqueda debajo de las máscaras. Es uno de los grandes valores que vieron Rimbau y Cabeza, y que permitía que el documental fuera más rico. No habría sido igual si hubiéramos hecho el documental durante la preparación de Los chicos de historia, por ejemplo. Con la figura de Orson Welles, al ser un personaje que aún está en la memoria de muchos, ya sabes adónde hay que llegar. Por eso creo que fue muy importante el momento en el que decidimos hacerlo sin la peluca.

Explíquese.
Era un error querer reproducir esa imagen icónica de Orson Welles. Creíamos que sin reproducir esa estampa no se podía hacer, pero resultó que sin peluca era mejor, que era del texto de donde debíamos sacar a Welles, y que el elemento añadido no lo enriquecía. Sin su peluca, en realidad, ofrecíamos muchas más cosas, porque en cierto modo era un milhojas mucho más rico... Hablando de todo esto tengo una sensación rara.

¿Por qué?
Porque estoy haciendo entrevistas con Máscaras y a la vez no tengo la sensación de que sea una película que haya hecho yo, si no que es de ellos, que Esteve y Elizabet la han hecho mientras yo pasaba por allí, hacía otras cosas. No tengo la sensación de haber trabajado.

¿La entrevista que trenza la película fue simultánea o posterior a los ensayos?
Posterior, posterior. Se hizo al acabar y con cierta distancia. No recuerdo exactamente pero se hizo cuando la obra ya se había estrenado y llevaba como diez días de representación. Quedamos un sábado por la mañana y rodamos la entrevista. De hecho se ve en ella la serenidad que da el hecho de saber que la función va bien. A veces, una obra tarda en arrancar y te provoca desazón, un bajo estado de ánimo. En cambio en esa entrevista me noto en plenitud, con la seguridad de que el producto funciona. La rodamos en Bellaterra, en un inmenso plató, sentado en una silla, perdido en mitad del plató. Ellos estaban muy lejos filmando con un teleobjetivo y apenas los veía. De vez en cuando hacían una pregunta, y así estuvimos tres horas y media. De hecho, en el DVD, que saldrá en enero, habrá 50 minutos extra de esa entrevista, que fue muy larga.

28 d’octubre 2009

La festassa de la Balmes


El dissabte a la nit un centenar de persones la majoria ex-alumnes es varen reunir al Casal Aliança per recordar vells temps.
A la trobada també hi varen assistir alguns dels professors de l’època com algun dels actuals així com els directors que porten l’escola actualment i la neta del senyor Benet
Tal com deien alguns del assistents al acte , recordar es bo i malgrat els mètodes tots reconeixent que la seva etapa a l’escola de Cal Senyor Benet els va marcar per sempre.
Els organitzadors de l’acte Manuel Pigem i Xavi Pascual també han editat una revista per commemorar l’efemèride.
Esperem que aquesta sigui l’inici de mes trobades d’antic alumnes
.

L’aportació de les religions a la llengua i la cultura catalanes, recollida en una exposició


www.20.gencat.cat
22 octubre 2009

La nova exposició “Religió, llengua, cultura, a Catalunya” recull la contribució de les religions en la configuració de la realitat cultural i lingüística de Catalunya. L’exposició estarà oberta al públic al Palau Robert de Barcelona entre el 22 d'octubre i el 31 gener de 2010.

Va inaugurar la mostra el vicepresident del Govern de la Generalitat, Josep-Lluís Carod-Rovira. També hi van assistir el comissari de l’exposició, Joan Bada, i la directora general d’Afers Religiosos, Montserrat Coll.

L’exposició “Religió, llengua, cultura, a Catalunya” es presenta en cinc àmbits, i aplega objectes, obres d’art, textos, plafons informatius i audiovisuals que posen de manifest la interrelació que s’ha produït des de l’època romana fins a l’actualitat entre religió, llengua i cultura.

El primer i el segon àmbits serveixen d’introducció i s’hi presenta el fet religiós a Catalunya: formació del calendari, cronologia de la presència del català en el catolicisme, cronologia de la implantació a Catalunya de les diverses tradicions religioses. També hi ha exposats diversos mapes: un de toponímic, amb els 131 municipis que tenen noms de sants i santes, i uns altres que mostren la distribució dels centres de culte de totes les confessions.

En el tercer àmbit, s’hi destaquen els llibres sagrats (Bíblia i Alcorà), una visió global sobre els llibres rituals i teològics de les antigues i noves religions de Catalunya editats en català, els catecismes, com a instrument d’ensenyament de les religions, i un dels primers llibres en català, les Homilies de Tortosa.

El quart espai reflecteix la influència de la religió sobre la cultura popular (representació de la Passió, dels Pastorets, de la Patum, de la Processó de Verges i el Pessebre). També s’hi recull la música religiosa, els cançoners religiosos populars i una selecció de revistes en català publicades per institucions religioses, tant en temps de la persecució de la llengua en època de la dictadura franquista com d’altres d’actuals. Finalment, el cinquè àmbit tanca l’exposició amb la presentació d’aspectes molt arrelats de la religiositat popular (ex-vots i goigs).

Activitats educatives

El Palau Robert ha programat visites i activitats didàctiques per als escolars de Primària, Secundària, Batxillerat i Cicles Formatius sobre la temàtica d’aquesta exposició. Les activitats, que són conduïdes per educadors especialitzats, tenen l’objectiu de fomentar la participació dels alumnes i proposen continguts d’acord amb les diverses etapes educatives. Per aquestes activitats, que són gratuïtes, es pot fer la reserva al telèfon 670.03.60.81.

Alícia, sota el jou franquista


www.elperiodico.cat
25 octubre 2009

• Temporada Alta aplaudeix una tragicomèdia de la dona en la dictadura

El grup d’estupendes actrius-cantants.
CÉSAR LÓPEZ ROSELL
GIRONA
Grata sorpresa. El nou exercici de memòria històrica de Josep Galindo i Pablo Ley va acabar amb el públic del festival Temporada Alta aplaudint la frescor d’Alícia ja no viu aquí. Aquesta tragicomèdia de la dona en el franquisme plantejava molts dubtes, malgrat comptar amb uns creadors que ja havien demostrat sensibilitat i ofici, malgrat la punxada de La ruta blava, amb Homenatge a Catalunya i La maternitat d’Elna.
La presència a l’escenari del figurí, la maleta i altres elements ja vistos convidava a pensar en la repetició estètica. ¿Tres quarts del mateix? En algun aspecte de la narració, sí, però no en la forma, en les estimulants coreografies utilitzades per il·lustrar els passatges temàtics ni en la banda sonora, molt ben interpretada per les estupendes actrius-cantants del vibrant elenc.
El recorregut per aquells 40 llargs anys de pèrdua dels drets de la dona s’inicia el 1939. Amb la derrota de la República, l’Alícia del país de les meravelles llibertàries ha deixat d’existir. L’obra comença quan una d’aquelles Alícies surt de la presó i s’enfronta al terrible període del primer franquisme.

PAPER ORNAMENTAL

El muntatge vist a Girona dibuixa amb força la submissió femenina al poder d’un home modelat pel nou ordre, que deixa a la dona un paper ornamental i al servei d’una família d’ideari falangista. La hipocresia del comportament sexual –divertides les pinzellades dedicades a la prostitució–, la recreació del terror de moltes dones durant la nit de bodes, la diferència de classes –unes juguen amb nines Mariquita Pérez i d’altres amb l’austera Pepona– i la generositat del rei de la creació inventant electrodomèstics per fer més suportable el dia a dia femení no són sinó elements al servei de l’opressió.
La mort del dictador Franco, l’arribada del divorci i el temor de la marxa enrere arran del cop del 23-F són ben documentats elements del relat, que és amanit amb cançons com per exemple Perfidia, La chica ye-yé, Soy rebelde, La, la, la, Què volen aquesta gent i altres peces. El muntatge se serveix dels tòpics amb una gran habilitat i agilitat, i entreté des del principi fins al final.

«El buen teatro es el que coloca un signo de interrogación en lo que crees»


www.eldiariomontanes.es
18 octubre de 2009

El responsable escénico de 'Purificado' que, entre San Petersburgo y Nueva York, asistió a su estreno en Santander, asegura que el lenguaje de la ópera está estancado

GUILLERMO BALBONA
SANTANDER

En San Petersburgo dirigió recientemente, por primera vez, a actores rusos en 'Tío Vania' de Chéjov en el Teatro Alexandrinsky, el mismo escenario donde debutó el gran escritor y dramaturgo. La pasada primavera recibía el premio 'Robert Brustein', como reconocimiento por su trayectoria excepcional, en la gala anual del Teatro Americano. Invitado por Plácido Domingo a dirigir 'Turandot' en el Kennedy Center de Nueva York, Andrei Serban (1943, Bucarest), alterna su creación entre el teatro y la ópera. El director de escena viajó a España para asistir al estreno de 'Purificado' en Santander: La propuesta inaugural de la Muestra de Teatro de la Universidad de Cantabria, de la mano del Instituto Cultural Rumano y el Teatro Nacional de Cluj. Teatro y ópera, la reinterpretación escénica, la disección teatral y la enseñanza conviven en la labor de Serban. Entre la innovación y el sello iconoclasta, se prodiga por los escenarios y templos teatrales y operísticos de todo el mundo. Afincado en Estados Unidos, desde que dejara atrás la Rumanía comunista en 1969, los galardones y distinciones en América y Europa han acompañado desde los años setenta su trabajo, entre ellos el prestigioso 'George Abbott', otorgado a los artistas de mayor impacto en el siglo XX. Desde 1992 es catedrático en la Universidad de Columbia.
-¿Por qué Purificado? ¿qué conduce a esta obra?
-Para alguien como yo que trabaja en varios campos y niveles; y, sobre todo, en óperas de gran dimensión en París, en Viena, o en el Metropolitan de Nueva York, o bien en la Comedie francesa y en el Teatro Nacional de Londres, es muy difícil, casi imposible, hacer cosas experimentales. Por consiguiente, cuando quiero preguntarme cuáles son los límites del teatro, entonces acudo a obras como las de Sarah Kane. El hecho de que una obra como esta contenga temas que son casi imposibles de plasmar conlleva un reto: el de romper ese imposible.
-¿No cree que la paradoja reside en que la escena a medida que trata de ser más experimental, la gente y el público pide cada vez más una vuelta al teatro de texto?
-Justamente por eso intentamos hacer teatro tipo 'underground'. Y esa es la clave de que tuviéramos un espectáculo en Santander, en una sala alternativa, y no en un espacio convencional. La gente no viene a sentarse de una manera cómoda, ni a dormirse, para que al final aplaudan. Estamos buscando qué tipo de público todavía necesita teatro para un experimento totalmente desconocido. Cuando trabajo en la gran ópera tengo todo ese público que aplaude y se duerme. Pero el hecho de poder montar un espectáculo como el de Sarah Kane, me permite acceder y llegar a los otros públicos.
- ¿Su concepto del teatro ha cambiado con el tiempo o la esencia permanece?
-En mi juventud trabajé con Peter Brook, pero hasta entonces hacía teatro por puro placer. Después de trabajar con él, empecé a preguntarme para qué sirve el teatro. Siempre me las hago y todavía no he conseguido ninguna respuesta.
-¿Cree que el presente de la sociedad demanda una vuelta al teatro político?
-Nunca en la historia el teatro político ha tenido algún éxito. Es muy bonito hablar de ello en entrevistas, en tertulias intelectuales, pero la eficacia del teatro político ha sido nulo en la historia. No creo en él.
-¿A qué llamaría hoy en día teatro comprometido?
-El teatro tiene que hacer y suponer una revuelta en la conciencia individual. Eso es lo más importante. Cuando personalmente te mueve algo y ves que todo lo que sabes y todo en lo que crees debe estar colocado bajo el signo de interrogación. Eso incluye todo el aspecto social. También el lado individual de la persona porque tal como vivimos hoy la vida no es sana, ni como sociedad y como individuo.
-A veces parece que cualquier drama o comedia de Shakespeare o Ibsen, por ejemplo, enseñan más que todo el teatro del siglo XX.
-Estoy totalmente de acuerdo. Los autores con los que más trabajo son concretamente Shakespeare, los griegos y Chejov. Pero de vez en cuando, a modo de regreso, llegando a Sarah Kane, se registra un acto de bienvenida, de giro. Porque esta dramaturga genial que murió a los 29 años, es para mí una forma de actualización del teatro griego.
-En términos generales, independientemente de la obra, ¿qué le pide a un actor?
-Si trabajo con actores que son cantantes todo lo que les puedo pedir en dos semanas, está claro, es mover menos los brazos. Pero si trabajo con actores a lo largo de un año, dos o tres, trato de ayudarles para que vean las máscaras sociales que todos nos colocamos y ver qué hay detrás de ellas. Cuál es la barrera que nos hace ser tan poco sinceros uno con el otro.
-Leyendo sus reflexiones sobre 'Purificado', podría uno tener la tentación de pensar que ha elegido la obra no por sí misma, sino porque le permite desarrollarse más como director....
-Al leer el texto original, que sí que es breve, y que tiene en realidad pocas palabras, estás obligado a percibir qué hay detrás de las palabras. Es exactamente igual que cuando trabajas una obra de Chejov. En él las palabras esconden la verdad, los personajes dicen exactamente lo que no quieren decir. Es como si uno se metiera en el océano e intentara bucear para ver si hay unos restos de ánforas muy antiguas que a lo mejor puedes reunir para rehacer ese objeto.
-Del contacto profuso con cantantes de ópera se desprende una queja común: la de que el director ha adquirido un protagonismo excesivo...
-Es verdad, porque esta moda de traer directores de teatro a la ópera es muy reciente, y a lo mejor no durará mucho, dado que la lírica empezó con los cantantes. Todos los que pagan muy cara la entrada, en realidad vienen a escuchar una nota muy alta de los cantantes. Incluso a las voces se les paga inmensamente por cantar esa misma nota. El esnobismo hace que cuando la clase muy burguesa acude a ver ópera, entre dos notas altas tengan que ver algo que es escandaloso y así seguir despiertos. Pero sí que es verdad, al tiempo, que cuando los cantantes se quejan tienen razón porque en la mayoría de los teatros no hay la más mínima sensibilidad hacia la música, ni la escuchan.
-Al hilo de esto, ¿cómo es posible que haya tan poca imaginación que innovar consista en meter un coche en el escenario, o en que todos los montajes recientes incluyan algún desnudo?
- Creo que se debe a la incapacidad de desarrollar el lenguaje de la ópera. No se consigue trasladar hasta la contemporaneidad una forma de hacer ópera que es muy antigua y hacer ese puente entre la tradición y la modernidad, un tipo de puente muy frágil para llegar a un nivel de espiritualidad. En vez de tocar lo que la música nos brinda, la pura emoción, llevamos coches rotos al escenario o buscamos la provocación.
-¿La ópera necesita, entonces, una revolución? ¿Hacia dónde cree que camina?
-A lo mejor la ópera reemplazará al teatro con el tiempo porque es cierto que cuando trabajo con cantantes jóvenes que quieren hacer algo nuevo, ya no están tan pegados a los antiguos manierismos de juego en la ópera, sino que son frescos, valientes, la música pasa a ser parte orgánica con el gesto del teatro. La ópera podría llegar a ser ese teatro total porque, al contrario, lo que nos falta cuando hacemos teatro es la música. Cuando música y teatro llegan a ser uno solo, no hay nada más bello.
-¿No cree que, en este sentido, el cine va por delante?
-Estoy totalmente de acuerdo. Pero se utiliza una cámara que es una máquina. En teatro, la ópera discurre sin máquinas, entre personas directamente, sin intermediarios, sin nadie que reemplace este diálogo.
-En España se vive una vuelta del público a los teatros tras una etapa de crisis. ¿Lo atribuye a que la gente está cansada de efectismo y pide cercanía y autenticidad?
-Exactamente. Pero si es verdad que esto no es pasajero y que responde a una necesidad, todo el mundo debe pedir asilo político en España, porque sólo aquí sucede esto ahora.

Comienza la temporada de teatro en Sabiñánigo

www.radiohuesca.com
24 octubre de 2009

La actividad cultural regresa al Auditorio La Colina o al Molino Periel, con la puesta en marcha de una nueva temporada de teatro y música, el regreso del cineclub y el ciclo de teatro infantil “Menudo teatro”, a los que se suman en este mes de octubre los actos programados con motivo del Día Internacional de las Bibliotecas, que a su vez coincide con el tercer aniversario de la puesta en marcha de la Biblioteca “Rosa Regás” en su nueva sede.

La temporada de teatro en el Auditorio La Colina comenzará este viernes 23 de octubre con la programación de la obra “Después de la lluvia” de Sergi Belbel a cargo de Oroel Teatro de Jaca y se mantendrá de forma estable hasta el próximo mes de junio, con la programación de al menos un espectáculo en directo cada semana.

En octubre además, el conocido y reconocido actor y humorista aragonés Javier Segarra representará “25 años con humor”, el viernes 30 a las diez y media. En esta ocasión, la temporada de teatro va a girar en torno al humor y así en semanas sucesivas el público podrá disfrutar con Vol-Ras y su obra “Canguelis” o Josema Yuste y Felisuco con su “Pareja de miedo”, todas ellas incluidas en la programación de la Red Aragonesa de Espacios Escénicos, de la que La Colina forma parte.

En cuanto al cineclub, las proyecciones, que también se mantendrán hasta el mes de junio, tendrán lugar los martes cada quince días, en el Auditorio La Colina. Como ya es sabido en este ciclo se proyectan películas de calidad, que por distintas razones no forman parte habitualmente de los circuitos que suelen comercializar cine comercial. En concreto en este mes está prevista la proyección de “La caja de Pandora” de Yesim Ustaoglu, el día 27 de octubre.

Menudo teatro, iniciará su nueva andadura el primer viernes de noviembre, con representaciones dirigidas a los más pequeños, en las que se podrá disfrutar de obras de teatro interpretadas con diferentes técnicas y especialmente pensadas para tramos de edad diferentes, de tal forma que a lo largo de toda la temporada niños de todas las edades puedan al menos encontrar una representación pensada en ellos, razón por la que para esta nueva temporada como novedad se incluirá una nota en los carteles en la que se indique claramente las edades para las que la obra está recomendada.

En cuanto a los actos programados con motivo de la celebración del Día Internacional de las Bibliotecas, este año va a girar en torno al Pirineo y va a incluir, como suele ser habitual en este tipo de programaciones, actos dirigidos a distintos segmentos de edad.

Así para los más pequeños se contará con los talleres “Cuenta …cuenta”, coordinados por la Asociación Cultural Borboleta, que tendrán lugar en la propia biblioteca y dentro del horario lectivo puesto que están dirigidos a grupos de escolares previamente concertados o el Cuentacuentos “Historias entre montañas”, narrado por Maricuela, en este caso abierto a todos aquellos que quieran adentrarse en la rica tradición oral del Pirineo y previsto para el próximo día 31 a las 12 horas en la propia Biblioteca.

La charla-Coloquio “Viajeras por el Pirineo”, dirigida fundamentalmente al público adulto y que tendrá lugar este jueves 22 a las ocho y media de la tarde también en la sede de la biblioteca, y que nos acercará nuevamente a los primeros pirineistas, pero desde una óptica diferente, puesto que se va a centrar en viajes hechos por mujeres, aspecto mucho más desconocido y sobre todo menos usual dada la época de la que el periodista Juan Gavasa hablará de los Siglos XVIII y XIX.

Todas estas actividades se complementan con la programación de dos exposiciones en la propia biblioteca, en el horario de apertura de la misma y del 15 de octubre al 15 de noviembre y una tercera en la Sala Municipal de Arte, en la primera quincena de noviembre.

27 d’octubre 2009

PASTORETS’ Y PESEBRES


http://fer-ateo-chile.blogspot.com
19 octubre 2009


Dos tradiciones puestas en jaque
Asegura Josep Maria de Ramón, presidente de la Coordinadora de Pastorets de Catalunya, que esta tradición está en plena forma. Aunque con varias diferencias con el pasado. «En su origen, los pastorets tenían una función catequizadora y ahora se han convertido más en un espectáculo que mantiene sus raíces pero en el que hay participantes de toda índole, de muy religiosos a agnósticos».
Pero la diferencia no acaba ahí. La cuna donde antiguamente nacía el interés por estas representaciones, la escuela, está empezando a darles la espalda. Algunos colegios públicos han eliminado estas funciones, y también los pesebres, «para no herir la sensibilidad» de familias de otras religiones o ateas, explica la directora de uno de estos centros. «Se trata de una postura errónea –critica Joan Estruch, director del centro de Investigacions en Sociologia de les Religions de la UAB–. Estas tradiciones tienen una dimensión más que religiosa y, siempre que no traten de adoctrinar, contribuyen a la integración». El presidente dela Federació d’Associacions de Pares d’Alumnes de Catalunya, Walter García, en cambio, opina que «si una escuela pública quiere hacer un pesebre, debería pensar si con ello excluye a parte de la comunidad escolar, por lo que tendría que planteárselo antes de montarlo»

Deliciós banquet de teatre porteny


www.elperiodico.cat
20 octubre de 2009

• Les propostes de Veronese sobre Ibsen i ‘Tercer cuerpo’, de Tolcachir, fascinen al Temporada Alta

Hernán Grinstein i Magdalena Grondona, a ‘Tercer cuerpo’.

Foto: TEMPORADA ALTA
CÉSAR LÓPEZ ROSELL
GIRONA
Un empatx de bon teatre. Una gran mostra d’imaginació, frescor i naturalitat interpretativa. Un menú amb tres propostes, dues unides pel projecte Ibsen, d’aquestes que no es disfruten tots els dies. Asseguts a la taula del deliciós banquet ofert pel Temporada Alta ens hem entregat a la digestió lenta de tanta veritat escènica, d’aquesta il·lusionada entrega que exhibeixen uns actors que, en la majoria dels casos, han d’alternar la possibilitat de donar vida al seu somni teatral amb altres feines.
Res que ens sorprengui perquè ja vam disfrutar d’un altre pack porteny similar fa dos anys, però que ens permet constatar que l’empremta d’aquest teatre independent segueix viva. Són produccions que neixen a les cases dels mateixos directors, on s’assagen i es representen i després es projecten en gires internacionals. És la seva fórmula per seguir fent teatre sense subvencions en el context d’una crisi que va més enllà del corralito.

DESPATX EN RUÏNES
Fa més de dos mesos que és fora de l’Argentina Tercer cuerpo de Claudio Tolcachir –atenció a aquest autor i director de qui el Lliure estrenarà La omisión de la familia Coleman–. A Girona va deixar bocabadat el públic amb aquest vides encreuades presentat a l’escenografia d’un despatx en ruïnes, en què el director recrea els diferents ambients de l’acció.
Comèdia existencialista, costumista, que destil·la ironia mordaç al voltant de la soledat de cinc personatges que, encara que tres treballen junts, no es coneixen bé perquè tots s’esforcen a ocultar la frustració de les seves vides: la necessitat d’amor, de tenir fills, de ser compresos. Una altra parella, que surt i entra del marc, escenifica el desa-
mor, la indecisió per orientar el rumb. Diàlegs brillants, amb dosis de surrealisme com el de la preparació de la carta per recordar la mare difunta, adornen aquest divertit i impecable espectacle.
De la fórmula Veronese per donar lectura als clàssics poc es pot dir que no se sàpiga. El talent que ja va mostrar amb Txékhov s’ha multiplicat a l’hora de revisar Ibsen al Teatre de Salt amb La casa de las muñecas (El desarrollo de la civilización venidera) i Hedda Gabler (Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo). En una mateixa escenografia dos repartiments expressen amb una força inusitada la translació dels textos.
Són dues obres marcades pel caràcter dels personatges femenins, encara que l’adaptació ha potenciat més els altres rols. Nora (esplèndida María Figueras), en altres temps emblema del feminisme, apareix com una dona més d’avui, capaç d’aclaparar la sala tant a l’hora d’expressar l’angoixa i ansietat com a la de rebel·lar-se davant del domini i la violència del marit (Carlos Portaluppi). El cop de porta final ressona amb més contundència.
Hedda (pletòrica Silvina Sabater) mostra aquí més capacitat de manipular els altres al no trobar sentit a la seva vida i els seus somnis amb un marit a qui no estima. Enginyosa la forma d’introduir en l’obra la visió sobre el paper del teatre i una delícia el personatge de l’assessor (Fernando Llosa). Un Veronese d’autèntica Champions.

"Los teatros se llenan y los cines están vacíos"


www.europasur.es
23 octubre de 2009

María Luisa Merlo regresa mañana a La Línea con la obra 'Las vacaciones de Josefa', una "alta comedia" con la que la actriz promete mucha diversión
DAVID CERVERA
LA LÍNEA

La actriz María Luisa Merlo.

María Luisa Merlo (Valencia, 1941) señorea 50 años de profesión. El cine le abrió cuatro puertas a comienzos de los sesenta, pero son el teatro y la televisión los que llenan su hoja de servicios. Las tablas la traen de regreso a La Línea mañana (Palacio de Congresos, 21.30 horas), con la obra Las vacaciones de Josefa, de la autora francesa Dany Laurent y dirigida y adaptada por Jaime Azpilicueta. Se trata de una "alta comedia", "un melodrama para partirse de risa", en expresiones de la propia Merlo, que comparte el escenario con Belinda Washington y Carlos Lozano.

Actriz e hija y madre de actores, la valenciana asegura que el de la obra con la que vuelve a la comarca es uno de los papeles más interesantes desde el punto de vista interpretativo de su carrera. "Es un personaje complejo, de doble personalidad. Jaime Azpilicueta me ha ayudado mucho a sacarlo adelante", explica.

Merlo promete al espectador de Las vacaciones de Josefa que se va a "reír mucho" con la función, una historia con más de un enredo sobre el fondo melodramático.

También fue una comedia el objeto de su última comparecencia en La Línea, en 2008 con Un adulterio casi decente. Ha tocado todos los palos en el teatro, aunque es el género por el que se ha decantado en sus dos obras más recientes. "Pero es alta comedia", precisa al detallar que se trata de propuestas inteligentes, para nada textos de contenidos vacuos.

Carlos Lozano interpreta al hijo de Merlo y Belinda Washington es su neurótica nuera. "Es estupendo trabajar con ellos. Es gente a la que no se le ha subido la fama a la cabeza", destaca.

Como en ocasiones precedentes, la actriz está inmersa en una gira en la que las paradas se cuentan por decenas. "Son muchas ciudades y no las tengo todas presentes, pero de La Línea sí me acuerdo", le guiña a su público. Giras, por cierto, en las que las sesiones se amontonan. De cualquier forma, la valenciana reconoce que la actual situación de crisis también se nota en algunos aspectos.

Merlo debutó en el cine en 1959 de la mano de José María Forqué en la película De espaldas a la puerta. Le siguieron pocos títulos más y llama la atención que hayan transcurrido tantos años y se haya prodigado tan escasamente en la gran pantalla. "Es que no me llaman", asegura, sin melodrama y mientras ríe. También reflexiona sobre ello seriamente: "En el mundo anglosajón los directores se pelean por poder contar con intérpretes del teatro. Aquí en España eso no ocurre. En eso también somos especiales". Sea como fuere, la actriz lo tiene claro: "Los teatros están llenos y los cines, vacíos".

Óscar Castellví, la apuesta más joven de la nueva compañía estable del TNC

www.adn.es
18 octubre 2009

EFE
Carola Solé
El Teatre Nacional de Catalunya (TNC) ha abierto la temporada con la puesta en marcha de su primera compañía teatral fija, que situará sobre el escenario de la Sala Tallers un elenco de actores consagrados pero, también, de nuevos rostros como el de Óscar Castellví, su apuesta más joven.

Novecientas personas de todo Cataluña se presentaron el pasado mes de abril a la multitudinaria tría organizada por el teatro, en la que se buscaban tres caras nuevas para incorporar a la compañía.

Tras varias fases de selección, el jurado eligió a Joan Negrié (el 'Tirant lo Blanc' de Calixto Bieito), Anna Moliner (el grumete Idriss de 'Mar i Cel' y protagonista de 'Aloma' en el TNC) y a un desconocido Óscar Castellví.

Este joven de 24 años, que se licenció en 2008 en el Institut del Teatre tras años vinculado a la Joventut de la Farándula de Sabadell, había participado en algunas representaciones de los teatros independientes de Barcelona e, irónicamente, estaba colaborando con la compañía elNacionalNOensvol cuando el TNC le eligió.

"Sergi, envíame un mail o vuelve a llamarme... Lo siento, no te estoy oyendo, no me entero de nada, ¿por qué es tan importante esto para mi?", de este modo reaccionó Oscar cuando el director del TNC, Sergi Belbel, lo llamó para anunciarle su incorporación a la compañía.

En una entrevista a Efe, Castellví ha afirmado que se toma el encargo como "un reto, una gran oportunidad pero también una responsabilidad", teniendo claro que no quiere "defraudar".

La nueva compañía del TNC, adscrita al proyecto T6, está compuesta por los actores Jordi Banacolocha, Rosa Boladeras, Míriam Iscla, Anna Moliner, Joan Negrié, Àngels Poch, David Vert, Lluís Villanueva y el mismo Óscar Castellví.

Los nueve actores interpretarán a lo largo de dos temporadas, y en la Sala Tallers, los textos de seis autores noveles: Jordi Casanovas, Marta Buchaca, Carles Mallol, Cristina Clemente, Josep Maria Miró y Pere Riera.

"Los actores se forman actuando, pero si tienes la oportunidad de trabajar al lado de gente tan buena, aún aprendes más. Es un regalo fantástico", sentencia el sabadellense.

Para él, y pese a haber pasado más de veinte años encima del escenario, formar parte del nuevo equipo del TNC es como "una vuelta al cole".

Tras su presentación pública y una primera lectura de contacto antes del verano, octubre ha sido el mes de partida real de la compañía, que ha iniciado los primeros ensayos de su obra de debut, "M de Mortal", de Carles Mallol.

La prueba de fuego del nuevo proyecto será el próximo 28 de enero, cuando se estrene la obra e inicien los ensayos de "A mi no em diguis amor" de Marta Buchaca, prevista para marzo, para pasar a tomar carrerilla con vistas a mayo, cuando alce el telón el "Lluny de Nuuk" de Pere Riera.

Prudente, Óscar afirma que no se ve como un actor revelación y prefiere el reconocimiento a su "esfuerzo en el trabajo" más que los grandes elogios, bajo la máxima de "si te ponen muy arriba, te estrellas".

Enérgico, ilusionado y con espíritu trabajador, empieza el "sueño cumplido" de Óscar Castellví, que lejos de prestar demasiada atención a las críticas, escuchará el consejo de sus más allegados mientras cruzará los dedos para que nadie le señale "con mala cara" como "el nuevo".

26 d’octubre 2009

Un estudi sobre els Pastorets de Mataró guanya el premi Thos i Codina per a treballs de recerca


www.elpunt.cat
15 octubre de 2009

Una imatge d'arxiu dels Pastorets de la Sala Cabañes.
Foto: E.F.
Mataró

El treball guanyador de la sisena edició del Premi Terenci Thos i Codina per a treballs de recerca de Batxillerat ha estat Descobrint Els Pastorets de Mataró, de l'alumne del col·legi Valldemia, Mireia Romagosa i del que n'ha estat tutor el professor Antoni Llamas. Es tracta d'un treball escrit amb una narració que atrau al lector des del principi i que s'inicia amb una recerca sobre la història del teatre a Mataró, així com la localització de la Sala Cabañes i el Centre Católic. Per emmarcar-ho, l'autora també explica la història dels Pastorets a Catalunya. El treball recull els trets mes importants i innovadors de l'evolució de «Els Pastorets» a la Sala Cabañes, adjuntant sempre material il·lustratiu. Es detalla també els passos que s'han de seguir per portar a terme la representació, la diversitat dels actors el caràcter d'alguns personatges, l'evolució que ha tingut el vestuari i la importància dels tècnics, entre d'altres. A l'annex s'adjunta documentació inèdita. El premi està dotat amb 300 euros.
El premi Terenci Thos i Codina de batxillerat el convoca cada any l'il·lustre Col·legi d'Advocats de Mataró i el Grup d'Història del Casal des que el van instituir l'any 2003. A l'edició d'aquest any a més del treball guanyador presentat amb el pseudònim de «Dimoni» van quedar finalistes dos treballs més: un sobre la història de Televisió de Mataró i l'altre sobre el passeig marítim de la ciutat.
El jurat també va elogiar aquests dos altres treballs per la seva qualitat. Així el que portava per títol Televisió de Mataró, 25 anys de servei públic, explica amb tot detall la història de la cadena de televisió. I l'altre estudi Un passeig per Mataró, mostra a través de diferents narracions la capital del Maresme. L'autora passeja per diferents indrets de la ciutat, fugint dels itineraris turístics, tot descrivint allò que observa, ja sigui elements històrics com actuals.

Arrenca la cinquena edició de Guant, el Festival Internacional de Titelles de l'Alt Camp


www.vilaweb.cat
16 octubre 2009

Valls (ACN)

Amb la representació de 'Circ als fils', del titellaire rus Viktor Antonov, el Festival Internacional de Teatre de Titelles de l'Alt Camp, que aquest any arriba a la cinquena edició, ha donat el seu tret de sortida aquest divendres al vespre. Un dels seus directors artístics, Jordi Cartanyà, ha destacat minuts abans de donar el tret de sortida al festival que tot i la situació econòmica actual aquest segueix creixent. Cartanyà ha dit que un senyal d'aquest bon estat de Guant és la creació d'un curs de titelles professional. El Guant, que se celebrarà entre el 16 i el 25 d'octubre a Valls i altres poblacions de la comarca, oferirà 65 representacions de 24 companyies d'arreu del món.

Darrer dia de votacions dels Premis Butaca


www.lamalla.cat
26 octubre de 2009

Els guardons es lliuraran el proper 2 de novembre

LAMALLA.CAT

Aquest dilluns finalitza el període de votacions als espectacles, pel·lícules i artistes nominats a la XV edició dels Premis Butaca de Teatre i Cinema de Catalunya, que es va obrir el passat 18 de setembre al web del certamen. La gala de lliurament dels guardons tindrà lloc el proper 2 de novembre, en aquesta ocasió al Museu marítim de Barcelona. Mort de dama de Rafael Duran, Mort d'un viatjant de Mario Gas i La casa de Bernarda Alba, de Lluis Pasqual, amb 7 candidatures cadascun, són els espectacles més nominats d'aquesta edició.

En teatro las ideas que me importan son las del espectador´


www.laopinion.es
12 octubre de 2009

Juan Mayorga (Madrid, 1965) es uno de los autores contemporáneos españoles más representados. Entre otros premios, ha obtenido el Nacional de Teatro (2007), el Valle-Inclán (2009), el Max al mejor autor (2006, 2008 y 2009) y el Max a la mejor adaptación (2008). Su obra ha sido traducida a los idiomas alemán, árabe, búlgaro, coreano, checo, francés, griego, inglés, italiano, noruego, polaco, portugués, rumano y serbocroata. El próximo día 16 de octubre se estrenará en el Teatro Cuyás su obra Hamelin, un nuevo montaje de la compañía canaria La República.

ISABEL DELGADO CORUJO - Usted no viene del mundo de la escena. Tenemos entendido que no fue hasta que ganó un accésit en el Marqués de Bradomín con Siete hombres buenos, cuando comenzó a relacionarse con la gente del teatro.

- Efectivamente, a diferencia de otros autores, no vengo del mundo de la dirección o de la interpretación. A los veinte años era un aficionado al teatro que, además de narrativa y de poesía, intentaba escribir para la escena. Fue aquel premio lo que me acercó a los escenarios. Pero haber estudiado Matemáticas y Filosofía me ha servido para mi trabajo como dramaturgo.

- Es doctor en Filosofía y Matemático ¿Qué cree que es más importante en un autor, su formación dramatúrgica, su capacidad de análisis de la realidad, su bagaje intelectual?

- Un dramaturgo ha de conocer muy bien las herramientas de su oficio, que adquiere en el estudio de las grandes piezas de la literatura dramática universal y en el trabajo a pie de escenario. Pero su teatro será más interesante cuanto más lo sea su mundo. Es decir, cuanto más rica sea su vida y más amplio su horizonte intelectual.

- En alguna entrevista afirma que intenta presentar a la humanidad ideas convertidas en teatro. ¿No cree que por eso su teatro tiene que ver más con una sensibilidad europea que con la española?

- Hoy en día no hay muchos espacios donde pensar, y tenemos que decidir si queremos que el teatro sea uno de ellos. Sófocles o Shakespeare, pero también el español Calderón, fueron capaces de hacer un teatro intelectualmente complejo al tiempo que cargado de acción y de emociones. Por lo demás, en teatro las ideas que me importan son las del espectador. No me interesa el teatro como medio para exponer un discurso, sino como espacio para presentar lo complejo como complejo. Lo que deseo compartir con el espectador es la pregunta, no su respuesta. En particular, Hamelin es una obra atravesada de preguntas.

- ¿El trabajar con ideas hace posible que sus obras funcionen en países tan diferentes como Brasil, Italia, Francia, Costa Rica, Méjico...?

- Es cierto que, para mi sorpresa, mis obras se están haciendo en lugares a los que no esperaba llegar. Supongo que esas piezas mías que han viajado más -Hamelin, Himmelweg, La tortuga de Darwin, Cartas de amor a Stalin- tienen algo que interpela personalmente a quienes las han llevado a escena. Una idea o, como antes decía, una pregunta.

- ¿Y en Asia? Se estrena próximamente su obra La tortuga de Darwin en Corea. ¿Cómo cree que será su recepción en una cultura tan distante a la española?

- El teatro es una cadena de desplazamientos, de traducciones: lo imaginado por el escritor es traducido a lenguaje escénico por el director, cuyas propuestas son asimismo desplazadas por el escenógrafo, el iluminador… y sobre todo por los actores, cada uno de los cuales recrea su personaje. La cadena concluye en el espectador, que lee la obra desde su experiencia singular. Ese proceso de traducciones sucesivas tiene un carácter especial cuando una pieza como La tortuga de Darwin -cargada por cierto de referencias a la historia europea- llega a una lengua, a una cultura y una tradición teatral tan distantes de las nuestras. Siento vértigo, pero también una enorme curiosidad, ante este estreno coreano.

- Su obra parece surgir de la realidad, anécdotas, conflictos sociales actuales. ¿Suele partir de hechos reales?

- Hay obras que han nacido de una experiencia personal -El chico de la última fila-, otras de una fotografía -La tortuga de Darwin-, otras de una noticia del periódico -Hamelin. En todo caso, cuando uno parte de lo más concreto, el desafío es hacer algo universal desde eso tan particular.

- ¿Hay una continuidad formal y temática en sus obras?

- Intento no repetirme, pero, una vez he escrito una obra, en ocasiones al verla en escena, descubro que reaparecen personajes, situaciones, asuntos de piezas anteriores. Sin duda hay un tema recurrente en mi teatro: la aspiración del ser humano a la dignidad y a la felicidad.

- Lleva más de 10 años impartiendo las materias de Dramaturgia, Historia del Pensamiento y Sociología en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) de Madrid. ¿Cómo se forman los dramaturgos en España?

- Los dramaturgos que ha estudiado en la RESAD han tenido la suerte de recibir enseñanza de magníficos profesores como Luis Landero, Ricardo Doménech, Ignacio García May o Yolanda Pallín. Creo que el trabajo de la RESAD y del Institut del Teatre de Barcelona ha sido muy importante, como también lo han sido los talleres de José Sanchis, Marco Antonio de la Parra y otros maestros.

- Pero, ¿Se ha apoyado en España la autoría?

- Más en unos lugares que en otros. En todas las comunidades debería imitarse lo que ha sucedido en Cataluña en los últimos veinte años.

- ¿Se puede hablar de dramaturgias de características diferenciales en España por comunidades? ¿Y en Europa?

- Creo que en teatro, como en otras artes, cada día son menos importantes los rasgos locales. Por el contrario, cada día son más visibles afinidades que superan las fronteras, las tradiciones y las lenguas: autores que viven en lugares muy distantes pueden estar trabajando con las mismas preocupaciones y con parecidas estrategias.

- ¿Cuál es la responsabilidad de un autor teatral contemporáneo?

- La responsabilidad de un autor teatral contemporáneo es la misma que la de Esquilo. Desde los griegos, el teatro consiste en algo muy sencillo y al mismo tiempo muy ambicioso: los actores convocan a la ciudad para, ante ella, representar posibilidades de la existencia humana. Los autores, que escribimos para los actores -nunca hay que olvidar esto: el teatro es el arte del actor-, debemos estar a la escucha del mundo, pero no para reproducir el ruido del mundo, sino para construir textos que den lugar, en escena, a una experiencia poética.

- Es autor de textos teatrales como Siete hombres buenos, Más ceniza, El traductor de Blumemberg, El sueño de Ginebra, El jardín quemado, Cartas de amor a Stalin, El Gordo y el Flaco, Sonámbulo, Himmelweg, Animales nocturnos, Palabra de perro, Últimas palabras de Copito de Nieve, Job, Hamelin, Primera noticia de la catástrofe, El chico de la última fila, Fedra, La tortuga de Darwin, La paz perpetua, El elefante ha ocupado la catedral y La lengua en pedazos. Además de un importante número de obras breves y adaptaciones. Se puede decir que es un autor prolífico a quién le estrenan en el mundo entero. - En el teatro, y en la vida en general, he tenido mucha suerte. Me he encontrado con gente que me ha ayudado. En España y fuera de España.

- Animalario es la compañía que suele estrenar sus obras. ¿Se sientes identificado con ellos? ¿Escribe alguna vez las obras pensando en ellos?

- Animalario y Ur son las dos compañías que más piezas mías han montado. Animalario puso en escena Alejandro y Ana, Últimas palabras de Copito de Nieve y Hamelin. Ur, Sonámbulo, El chico de la última fila y Cartas de amor a Stalin. A ambos grupos me une una relación de amistad. En particular, Juan Cavestany y yo escribimos Alejandro y Ana pensando en Willy Toledo, Alberto San Juan, Javi Gutiérrez y Roberto Álamo. Es un placer escribir para actores tan buenos.

- ¿Y el Centro Dramático Nacional?

- Gerardo Vera ha confiado en mí como autor y como adaptador. Trabajar junto a él en las versiones de Divinas palabras, Un enemigo del pueblo, Rey Lear y Platonov ha sido una experiencia formidable.

- ¿Qué relación mantiene en sus obras con los espectadores? ¿Se plantea lo que espera su público de usted y lo que espera usted de ellos?

- A mí me importa la reacción de cada espectador ante mis obras. Eso no quiere decir que trabaje para cumplir los deseos del espectador. El teatro debe dar a ver al espectador también lo que éste no desea presenciar. El teatro no sólo se hace ante la ciudad, sino también frente a ella, en conflicto con ella.

- ¿Crees que hay posibilidades en España de trabajar en un nuevo teatro, como autor, o con los sistemas actuales de producción y distribución es el autor el que debe adaptarse a las demandas de los teatros públicos y privados para poder ser estrenado?

- Si tú no crees en lo que haces, ¿cómo van a creer en ello los demás? Uno ha de hacer el teatro que cree que debe hacer, y sólo desde ahí ha de empezar a negociar con la realidad.

- Díganos algo más sobre Hamelin. La obra cuenta con el Premio Nacional de Teatro, El estreno de Animalario fue un gran éxito, el montaje recibió varios premios Max. ¿Cómo surgió la idea de escribirla?

- En la base de Hamelin hay varios sucesos que tuvieron gran exposición mediática: los casos Arny y Raval en España, el Casa Pia en Portugal, el Outreau en Francia. El tema más visible de la obra es la violencia sobre la infancia, pero Hamelin también es una pieza sobre el lenguaje: sobre lo que hacen y deshacen las palabras.

- Hamelin es una obra coral, donde los actores no ocultan la ficción. Cuenta una historia que no les sucede a ellos. Hay un narrador. ¿Crees que es necesario el distanciamiento cuando se tocan temas de tanta repercusión social como los abusos a menores?

- El acotador convoca la imaginación del espectador, de modo que cada espectador ve una ciudad, "su" ciudad. El distanciamiento puede provocar así un efecto paradójico: que la obra sea muy cercana, porque cada espectador la haga íntimamente suya.

- La obra es algo brechtiana. ¿Son compatibles la teatralidad y la visión crítica hoy?

- Aunque Brecht se traicionase a veces en la práctica, convirtiéndose en algunas piezas en un sermoneador maniqueo, su principio teórico central me parece vigente: el teatro debe hacer de cada espectador un crítico. Crítico hacia la obra que está viendo y hacia la sociedad en que esa obra se está representando.

- ¿Qué espera de la versión Canaria de Hamelin? ¿Y del público de las islas?

- Las conversaciones que he tenido con Nacho Cabrera me confirman que tiene una comprensión muy profunda de la obra. Espero con mucha ilusión el Hamelin de La República. Y espero que los espectadores que vean el espectáculo salgan del teatro enriquecidos en su experiencia. Para eso hacemos teatro.

El Festival Guant abre con éxito su programa de diez días de espectáculos


www.artezblai.com
19 octubre 2009

Escrito por Artezblai

Casi 700 personas no quisieron perderse ayer por la tarde la actuación del ruso Viktor Antonov y su Circ als fils en la pl. Vella de Alcover, uno de los muchos escenarios comarcales y al aire libre, que han tenido un protagonismo destacado en el primer fin de semana de la quinta edición del GUANT, Festival Internacional de Teatre de Titelles de l'Alt Camp.

El espectáculo del maestro titiritero ruso ya tuvo una gran acogida en la inauguración del Festival, el viernes por la tarde, cuando recibió una fuerte ovación del público que casi llenaba el Teatre Principal de Valls.

Otras propuestas también han conseguido llenar e incluso desbordar sus aforos, como es el caso de Martí Doy y el espectáculo Ran de Mar, que con 150 espectadores, superó, ayer por la tarde, la capacidad máxima del Centre Cívic de Bràfim. Algo similar pasó en el Local Polifuncional de Puigpelat donde, a la misma hora, tenía lugar una de las representaciones de El gall Frederic i la gallina Catarina, de Pengim Penjam. En este sentido, Jordi Cartanyà, de la Cia. d’Espectacles Pa Sucat y director artístico del Festival destaca "la acogida excepcional que hemos tenido en este arranque del GUANT en las diferentes poblaciones de la comarca, por encima de años anteriores".

En Valls, los espectáculos con más seguimiento han sido, además del Circ als fils inaugural, La Balle Rouge & Quatour, los franceses Chat Pitre, que ayer atrajo al Centre Cultural a un gran número de público, y las propuestas al aire libre Las Champignons de La Toupine o el simpático Pepe (La Cabana de Pepe, de Daniel Raffel), que desde su teatrillo ambulante se ha llevado de calle a niños y mayores, gracias a su simpatía y espontaneidad. Respecto a la Balle rouge, que levantó fuertes aplausos, Cartanyà destaca que "es uno de los espectáculos que han conseguido de una manera más evidente remover sensaciones y sentimientos entre el público". La obra cuenta una historia de ruptura familiar con un lenguaje casi minimalista -con simples objetos de espuma- y con una interpretación magistral de un cuarteto de cuerda y de un experto del bandoneón que aportan gran sensibilidad y dramatismo a la propuesta.

El arranque de GUANT también ha incluido espectáculos como El intrépido viaje de un hombre y un pez, de Onínirica Mecánica, o Zoé, de Joan Baixas, dirigidos a un público más minoritario, pero que, según el director del Festival, "han cumplido muy bien una de las finalidades y, al mismo tiempo, de las dificultades del arte: morder el alma del espectador, sorprenderle y conseguir que salga sacudido del teatro, tanto por el fondo de las propuestas, con temas punzantes y que invitan a la reflexión, como por la forma, con lenguajes experimentales". Precisamente, Cartanyà destaca como uno de los grandes valores del Festival el hecho de "poder ofrecer espectáculos como estos, que van un poco más allá y que son un ejemplo claro de la existencia de nuevos lenguajes y nuevas propuestas teatrales capaces de romper esquemas".

Dos espectáculos muy diferentes cerrarán, esta tarde, el primer fin de semana del Festival: con Sarean sun sun, Anita Maravillas Teatro pondrá sobre el escenario del Teatro Principal (18.30) una serie de marionetas, bunraku y títeres de varilla que, con una estética muy cuidada, rendirán un homenaje desde el humor y la ternura a las brujas, protagonistas de tantos cuentos. Por la noche, el público adulto podrá disfrutar de la propuesta No ho saps? Matito s’ha mort! (21.00h, Teatro Principal), en el que Arnau Colom pone en escena un títere de guante napolitano que recuerda con ironía los grandes momentos de su vida antes de morir.

Durante la próxima semana, GUANT pondrá en marcha una de las grandes novedades de esta quinta edición, el curso de guarattelle o títere de guante napolitano, que el experto titiritero Luca Ronga ofrecerá en el Teatre Principal de martes a jueves, en horario de tarde.

Además, a partir del lunes, alumnos de 21 localidades de la comarca podrán disfrutar de la programación diseñada especialmente para ellos, con sesiones escolares de los espectáculos Pinotxo, bric à brac, de Zum Zum Teatre (lunes, martes, miércoles y jueves); Frederic, i tú què fas?, de Marduix (martes, miércoles y jueves); Jaume i els seus feits, de Cia. d’Espectacles Pa Sucat (miércoles y jueves) y L’Anaguet lleig, de La Carreta Teatro (viernes). Además, el jueves, habrá una sesión familiar de cine de animación, Animac Mòbil, en el Teatre Principal de Valls.

En total, el 5é Festival Internacional de Teatre de Titelles de l'Alt Camp reunirá hasta el 25 de octubre, 24 compañías nacionales e internacionales que ofrecerán 25 espectáculos y 65 representaciones (además de la muestra de cortometrajes de animación y del curso de guarattelle).

25 d’octubre 2009

Avui a les 6 de la tarda ultima representació de "El Cafè de la Marina"


Aquesta tarda a les 6 ultima representació de "El Cafè de la Marina" clàssic català de Josep Maria de Segarra.
l'Obra dirigida per Carles Maicas compta amb un generós repartiment i la col·laboració del grup de teatre EPMA de Mataró.

El Cafè de la Marina (1933) és una obra de teatre de Josep Maria de Segarra escrita en vers estramp i allunyada de les modes teatrals de l’època, ja que com moltes altres obres seves no intenta innovar, sinó que parteix de temes tradicionals per construir l’obra. Aquestes peces, com moltes altres, va tenir un èxit notable de públic.

Fou estrenada el 14 de febrer de 1933 al Teatre Romea amb una companyia encapçalada per Maria Vila i Pius Daví, amb Maria Morera. Des de llavors ha estat una peça del repertori clàssic de Segarra representada diverses vegades.

L’obra testimonia les vacances que Segarra passava al Port de la Selva i presenta un cafè mariner, on una noia, Caterina, ha estat abandonada pel seu amant i ha hagut d’avortar. La seva tristor es posa de manifest quan la seva germana Rosa es casa. En aquest ambient només podrà casar-se amb un desconegut marxant de peix de Banyuls de la Marenda, més gran que ella. Mentrestant, es va desenvolupant un amor secret envers Claudi, un pescador geniüt que vol marxar a Amèrica. Al final tot se soluciona amb un final feliç.

Reserva d’entrades
Diumenge de 2/4 d'1 a les 2 del migdia
i una hora abans de la representació
També en horari de taquilla al 93.790.85.02

Josep Maria Mestres dirigirá a Viggo Mortensen en el Teatro Español de Madrid

www.adn.es
15 octubre de 2009

EFE
Josep Maria Mestres dirigirá al actor Viggo Mortensen en el Teatro Español de Madrid en una obra del autor chileno Ariel Dorfman, según ha explicado a Efe el director catalán.

Se trata de "Purgatorio", una obra de dos personajes en la que Mortensen actuará junto a Emma Suárez.

Mortensen se subirá a las tablas del teatro que dirige Mario Gas para interpretar una tragedia del autor de "La Muerte y la Doncella" (1992).

La obra se estrenará el 12 de febrero y llega al teatro madrileño auspiciada por el propio autor y activista de los derechos humanos además de Mortensen, actor afincado durante mucho tiempo en Argentina.

El director de teatro catalán ha señalado que Mortensen "es un actor magnífico y una entrañable persona".

I aquesta setmana... 👋 Noves places lliures per la visita guiada a La Casa de la Seda!

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