Boris Ruíz: "M'atrauen els personatges amb passat tormentós"

publicat per http://www.mataroradio.cat  09/08/2012  Elisabet Solsona

L’actor mataroní Boris Ruiz protagonitzarà el muntatge “Natale in casa Cupiello”. Aquest espectacle, d’Eduardo de Filipo, està dirigit per Oriol Broggi, i explica com la família Cupiello es prepara pel Nadal entre riures i crits. Es tracta d’una comèdia, en tres actes, amb tocs costumistes i que s’acosta al neorealisme. L’obra s’estrenarà pels volts de Nadal a la Biblioteca Nacional de Catalunya i Boris Ruiz interpretarà Cupiello.

Ruiz ho ha explicat durant una entrevista al programa “La Posta”. L’actor mataroní també ha explicat que la propera primavera pujarà a l’escenari del teatre Lliure amb “Els feréstecs”, una de les obres mestres de Carlo Goldoni, estrenada per primera vegada l’any 1760. És la història de 4 homes molt conservadors que s’oposen a la vitalitat dels joves i al tarannà de les dones.

D’altra banda, i fent repàs de la seva trajectòria, Boris Ruiz ha recordat personatges que ha interpretat, com per exemple en Mercader de “La Granja”, el notari Màrius Beltran a “Nissaga de poder” o el Ramiro a “Ventdelplà”. Ruiz ha confessat que els personatges còmics són els que interpreta amb més facilitat, però que els que més l’atrauen són els que tenen un passat tormentós.

Poden recuperar l’entrevista completa a Boris Ruiz a través del servei de ràdio a la carta de www.mataroradio.cat o a través de www.comradio.com.

“En l'art, si no hi poses intensitat, no sobrevius”

Ja han passat alguns mesos des que Àlex Rigola ha deixat la direcció del Teatre Lliure, un repte que va assumir amb 33 anys. Ara diu que es dedica de ple a la seva carrera artística i el cap de setmana vinent estrenarà Coriolà al Teatre de Salt, el seu primer muntatge com a director resident del Centre d'Arts Escèniques de Salt i Girona, El Canal, amb el qual ja va fer un laboratori, amb resultats excel•lents.
Com recorda l'etapa al Lliure, ara que hi ha una certa distància?
A tot el que em dedico hi poso força intensitat. Vaig començar telecomunicacions. M'agradava, però hi havia de posar intensitat, i no hi estava disposat, en canvi sí que ho estava en el camp de les arts escèniques. Si no poses intensitat en tot el que sigui a l'entorn de la cultura i l'art, difícilment aconseguiràs sobreviure. Aquesta intensitat fa que em dediqui al que faig actualment, i això evita que visqui de la nostàlgia, perquè tinc la Biennal de Venècia i els meus espectacles. Només sóc nostàlgic d'una cosa, la contínua pèrdua d'innocència que observo en el jovent.
Quina valoració fa de la primera experiència a la Biennal de Venècia?
La Biennal és un festival molt petit, amb un pressupost per sota del de Temporada Alta o el Grec, però amb molt de nom. Venècia, tot i tenir només 50.000 habitants, té dues universitats i és un lloc ideal per a la formació, que és cap on ens encaminem. Jo no volia fer un festival només perquè el venecià veiés teatre, sinó perquè pogués fer alguna cosa més. Vull que es converteixi en un referent en el món de la formació teatral, perquè no hi ha cap lloc al món especialitzat en això. L'experiència de Venècia el primer any ha barrejat formació amb exhibició.
Com ho articula això?
Per a mi és com una àgora, un lloc de debat al voltant de les arts escèniques. Això es fa creant laboratoris, experimentant, provant i fent possible que els participants en laboratoris puguin veure grans espectacles. Això provoca un debat continu sobre allò que veus, parles amb figures internacionals, debats sobre estètica, sobre posicions artístics, com ara la condició dels teatres com a cases d'art. Han de ser un espai d'art o d'idees? Això condiciona la programació, i aquesta, la relació amb la ciutat que l'acull, i et marca el tipus de públic. M'agradaria, i és el meu projecte, aconseguir implicar la Biennal de dansa i música en la consecució de l'objectiu.
No s'hi posa pas per poc...
S'ha d'anar pas a pas; Itàlia és a Itàlia. Els creixements els farem a curt termini, de manera gradual, però jo, com a creador, haig d'apuntar cap a la lluna. Ja veurem després quin serà el camí que em deixin recórrer, però el primer pas, la primera edició, ja és un fet. L'ambició és que les residències i la formació durin tot l'any, no només mentre duri la Biennal.
És un regal poder fer residència en un centre?
En aquests moments estic abocat a la meva carrera artística. Si un centre d'arts escèniques, en aquest cas El Canal, t'acull com a artista, no pots demanar més. He desconnectat molt a gust d'anteriors responsabilitats, i ara puc dedicar tot el temps a pensar en els projectes que faig. Ja no és només una qüestió de seguretat econòmica, sinó que hi ha una gent que creu en tu, amb qui per la seva manera de fer estàs a gust, que et donen espai i no has de pensar en res més que en el fet artístic. Tothom ho voldria, això, i crec que com a mínim tots els centres d'arts escèniques haurien de tenir un resident.
Parlem una mica de Coriolà. Què és el que l'atrau de la peça?
Acostumen a situar-la dins la trilogia romana, en què també hi ha Titus Andrònic i Juli Cèsar [ja les ha posat en escena], i les peces comencen igual: un general arriba de la batalla i, en un tres i no res, es posa el poble en contra. Això explica com en són de perillosos l'èxit i el poder, que et duen a acabar pensant que les teves idees són les idees i que els teus pensament són els bons. Com si l'èxit comportés falta de reflexió, i sembla que és veritat! Els obstacles o les equivocacions provoquen la reflexió i el debat, que s'anul•la en cas d'èxit. El cas de Coriolà, en aquest sentit, és el més extrem.
Quins són els pròxims projectes amb El Canal?
No em pertoca detallar-los. En tot cas, amb en Salvador Sunyer tenim molts camps oberts i ho estem debatent. Hi ha projectes que, a causa de la conjuntura, hauran de ser aparcats, i n'hi ha d'altres que no. El laboratori que vam fer d'Argelers és una mostra del que pot fer El Canal per mi i jo per El Canal i el territori. És un lloc d'experimentació en què joves artistes en fase de desenvolupament treballen amb algú amb experiència, i aquest pot experimentar amb vista a altres posades en escena. Voldria seguir en aquesta línia.
Quin tipus de teatre li agrada?
El teatre, per mi, ha de servir per conèixer una mica més l'ésser humà, per fer-te preguntes sobre ell, però no per voler saber moltes coses, sinó per conèixer-nos a nosaltres mateixos i acabar mirant de ser una mica millors. M'agrada el teatre que acciona en el nostre cap aquells mecanismes que tenen relació amb el bagatge vital, amb l'experiència, que provoquen rebots i paral•lelismes i inciten a la reflexió. Però no només sobre el camí del racionalisme ni només amb el text. També un moviment d'un ballarí pot activar aquests mecanismes. Dependrà de la teva capacitat d'acceptació que frueixis més d'una cosa o d'una altra.
Què és per a vostè el fracàs a l'hora de dirigir?
Començo a acumular un bagatge, no d'èxit, sinó de fracassos. De coses que han pogut ser èxits de crítica i públic, però per a mi, autèntics fracassos perquè no m'han aportat res. La dedicació a una obra no són només els dos mesos que assages. La feina te l'emportes a casa, hi convius, i un espectacle et deixa esgotat. Quan veus que no has evolucionat, que t'has estancat, és un fracàs. El més important en aquesta feina és com jugar amb la tensió contínua entre el que el públic demana i anar una mica més enllà. No pots prescindir del públic, no vull fer un espectacle per al teatre buit ni tampoc elaborar-lo pensant en l'esclavatge de l'èxit de la sala. És pervers!
Quina és la seva posició quant a les retallades en cultura?
No hi ha una posició comuna sobre com s'han de fer les coses; per tant, faré afirmacions només meves. És un error treure un cartell contra les retallades. Aquí tothom retalla de totes bandes. No som diferents. El missatge que es dóna és erroni, perquè l'arrel del problema és decidir quin percentatge del pressupost volem dedicar a Cultura, no quina quantitat. Si no entenem que la cultura forma part de la nostra formació, juntament amb l'escola, la universitat i el bagatge vital, no anem bé. Hem d'aprendre a funcionar d'una altra manera i és important decidir quant volem dedicar a la cultura, perquè cal saber què volem com a país i, si no ho fem, es retallarà cada vegada més. Al Lliure es va obrir un debat, i no me'n vaig acabar de sortir, sobre el continent i el contingut. Sempre he sentit que d'estructura no en puc retallar més, i es treu contingut. Al final tindrem una olla de 100 litres per a només 1 litre de combustible. Cal que hi hagi correspondència, i quan es redueix s'ha d'abaixar tot; no pot ser que sempre ho pagui la creació, la proporció ha de ser correcta.
Ha detectat un cert creixement en la dramatúrgia catalana?
Benvingut sigui! Perquè no és que ara estigui bé, és que abans estava molt fotuda, arraconada i, en aquest sentit, sobretot la Sala Beckett i el Teatre Nacional de Catalunya han fet força feina. És magnífic quan veus, per exemple, que un text de Guillem Clua s'estrena fora del país i ho fa de manera orgànica, per mèrits artístics, no de manera artificial, amb tot el suport econòmic del món perquè hi ha una comunitat autònoma al darrere com ha passat en ocasions, en què ha pagat molts diners per ocupar sales emblemàtiques.
És al nivell del que es fa en altres països?
Per proporció de nombre d'habitants no està gens malament. El nostre país té un nivell d'autoria important i si coneixes els textos que seleccionen agents com ara la Schaubühne i el Royal Court, que són els millors en aquest àmbit de descobrir nous dramaturgs, veus que hi ha textos catalans que no tenen res a envejar. Ara bé, això no és Catalunya contra el món.

publicat per
Dani Chicano
foto : Joan Sabater
http://www.elpuntavui.cat
19 de febrer de 2012

Lev Dodin: “Lo esencial en el teatro es preguntarse para qué existimos"

Lev Dodin es la figura más destacada del teatro ruso de los últimos treinta años. Director del Maly Drama de San Petersburgo, teórico y pedagogo, su mítica compañía visita España para representar Tio Vania, de Chejov. Actúa hoy y mañana en el Temporada Alta de Gerona, dentro de las actividades promovidas por el Plan Cultural España-Rusia 2011.


Fue a finales de la década de los 80 cuando el Drama Maly de San Petersburgo comenzó a girar por Estados Unidos y Europa Occidental. Se conoció así el trabajo de una compañía mítica y de Lev Dodin, un director de escena meticuloso y singular, también teórico y pedagogo como marca la mejor tradición del teatro ruso. Más interesado por adaptar novelas de la literatura rusa que piezas dramáticas, -cabe mencionar su trilogía de Abramov a la más reciente de Vassily Grossman, Vida y destino - Dodin se convirtió así en otra de las grandes referencia de la escena de aquel país, como antes había sido el desafortunado Liubimov y su troupe de Taganka. En el año 2000 el reconocimiento mundial le llegó con el Premio Europa de Teatro, que concede el Consejo de Europa y la Unión de Teatros Europeos.

Capítulos aparte, y muchos, han merecido el método de trabajo y la escuela que Dodin ha creado. No es fácil formar parte de su “familia”, -así concibe él el teatro, como un alma artística colectiva-, hay que entrar primero en su escuela y, después, en la compañía. Y una vez que se está dentro, y a pesar de los largos periodos de ensayos a los que somete a sus actores, pocos abandonan, se quedan casi toda su vida interpretando obras que se mantienen en cartel diez, quince y hasta veinte años. Para Dodin el teatro es una forma de vida, un aprendizaje dirigido a encontrar la vida en el arte.

-Del hall de Teatro Maly de San Petersburgo cuelgan cuatro retratos, los de Stanislavski, Brook, Boris Zon y Strehler. ¿Por qué precisamente ellos?
-Allí hay otros retratos: el de mi primer maestro de teatro Matvey Dubrovin, el de Vsévolod Meyerhold, cuyos libros me sirvieron mucho en mi aprendizaje, el de Vahtángov, que fue uno de los intérpretes más talentosos de Stanislavski. Y en lo que respecta a Stanislavski, resulta que mi primer maestro cuyo nombre acabo de mencionar (Dubrovin) fue discípulo de Meyerhold, mientras que mi segundo y principal maestro de teatro, Boris Zon, el del retrato sobre el que me pregunta, fue discípulo directo de Stanislavski. Estuvo con él en los últimos años de su vida, cuando Stanislavski se renovaba, abría nuevos métodos en la profesión, nuevas maneras de enfocar ensayos y crear papeles. Todas esas ideas no fueron registradas pero Zon fue testigo de ellas, un manual vivo del cual se podía absorber muchas verdades. Por eso me siento asociado tanto al método de Stanislavski, como al de Meyerhold.

-¿Y en cuanto a Brook y Strehler?
-Son dos grandes directores de la segunda mitad del siglo XX, o quizá se pueda decir del siglo XX. Cada uno a su modo siguieron la línea de Stanislavski, y no es importante si lo han reconocido o no. Pero siguieron su línea utilizando, desde luego, tanto la experiencia de Meyerhold como la genial clarividencia de Brecht. Cuando tenía 15 años vi por primera vez una representación de Brook. Mucho más tarde nos hicimos amigos, cuando ya era más experimental. Durante muchos años las obras de Strehler han sido una leyenda para mí, y cuando por fin pude ver Il Campiello y Arlequín servidor de dos amos, comprendí hasta dónde puede llegar el arte basado en un altísimo nivel profesional.

De la piscina al teatro
- ¿Cómo llegó al teatro?
- Fui con un amigo para abonarnos a la piscina, había en aquel entonces un club de natación, cosa muy rara en la Unión Soviética porque las piscinas se podían contar con los dedos de la mano. Resultó que la inscripción ya estaba cerrada, no se podía aprender a nadar, entonces vimos un cartel que anunciaba la admisión para un grupo recién formado de teatro para niños y jóvenes. De este modo, desde el quinto grado de la secundaria, el teatro es el lugar más interesante de mi vida. Por otro lado, probablemente había una predisposición, porque cuando estudiaba en segundo grado participaba en los espectáculos de aficionados. Y hasta ganábamos algo en el cine de al lado de casa, pues actuábamos mi amigo y yo antes de las películas. Eso nos daba algo de dinero y, claro, podíamos comprarnos helados.

-¿Cuál es la pregunta esencial que debe hacerse un director o un actor que quiera dedicarse a este oficio?
-¿Para qué existo yo? Creo que es la esencia de lo que hacemos en el teatro. El teatro para mí es un modo de aprendizaje, como las pruebas que hace un científico en su laboratorio o las de un compositor cuando busca la armonía musical en las combinaciones de sonidos. Nos conocemos a nosotros mismos en la realidad que nos rodea y así conocemos la realidad. Lo que llamamos el proceso de conocimiento es lo más interesante y es algo infinito en el teatro. Pero repito: para hacerlo hay que preguntarse a sí mismo: ¿para qué existimos todos nosotros en este mundo?

-Aplica un proceso de selección de actores y directores para la escuela poco habitual ¿Qué exige a un actor para trabajar con usted? ¿Por qué resulta que los que entran en su compañía suelen quedarse toda la vida?
-Una pregunta compuesta requiere una respuesta compuesta. En primer lugar, claro que me interesa el talento de un actor, con el que le ha dotado la naturaleza. Luego, o tal vez ante todo, cuando descubres un don, es interesante saber qué hay detrás de ese don, si será un regalo del destino o tiene algo de individual, una personalidad humana capaz de pensar en lo que acabo de decir. Creo que el teatro no es sólo la realización de la voluntad del director que dice a los actores cómo tienen que interpretar y hacia dónde deben ir, sino que es una reflexión general. Y este proceso de conocimiento es algo común que no puedes realizar si no es con todo el equipo, juntos en el escenario. Por eso puedo distinguir fácilmente las representaciones realizadas por un director, hasta las más talentosas, y los espectáculos que nacieron de un proceso conjunto como el que acabo de mencionar. No es tan fácil dedicarse a eso. En el fondo es esto lo que se llama -así lo llamaba Stanislavski- la vida en el arte. O sea que el teatro no es sólo una forma de ganarse la vida, una profesión más. Porque el que está envenenado, quien ha cogido el bacilo de amor por el teatro, no puede liberarse fácilmente, aunque desee hacerlo. Creo que si el destino y la experiencia nos concedieron esta vida juntos, nos encadenaron con intereses comunes.

-¿Por qué obliga a sus actores a ensayar todos los papeles de la obra?
-Me interesan las miles de variantes de las posibles respuestas a las preguntas que nos propone la obra (sobre la interpretación de papeles, los temas, las relaciones...). Y cuantas más personas participan en las pruebas, más variantes tenemos. Por otro lado, para mí es importante que cada actor no sólo piense en su papel, que esté contagiado por el significado general, por la concepción general, por la música que creamos todos juntos. Que los actores prueben otros papeles les permite comprender las relaciones entre las cosas. A veces, cuanto más lejos estás de tu papel final, tanto más precisa e interesante es la forma de llegar a él.

Chejov sabe amar
-Viene a España con Tio Vania de Chejov. ¿Por qué no nos cansamos de ver sus obras, aunque conozcamos al dedillo las historias que se cuentan?
-Porque en realidad lo que sabemos o creemos saber no es la historia de la que trata la obra, sino una trama de acontecimientos exteriores que alcanzamos o no a comprender. Comprender es un nivel más alto, depende de la profundidad de las preguntas que nos hacemos. Chejov es un autor para todos los tiempos. En sus obras, él no contesta como sí hace Dostoievski en su prosa, pero plantea preguntas extremas sobre la existencia: por qué existimos cada uno de nosotros. Y tortura al protagonista de Tio Vania con esta pregunta, con la idea de que a menudo no estamos satisfechos con la vida que hemos tenido, porque nos hubiera gustado vivir otra.

-¿ Amamos a Chejov por la humanidad de sus personajes?
- Chejov es muy duro con las personas, en realidad escribe sobre sí mismo y él era muy cruel consigo mismo. Pero también muestra un gran amor por las personas. Por ello es el gran dramaturgo del siglo XX. Sus obras no solo revelan este amor del escritor por el ser humano, también el que une a sus personajes. Y este amor realizado o no lo enreda todo con una luz y un respiro inesperado, con un aroma y un olor y un sentido.

publicat per
Liz PERALES
http://www.elcultural.es
25 de novembre de 2011

"Una historia potente hace un buen musical"

Cameron Mackintosh es el productor de 'Los miserables', que se estrena hoy en Barcelona


El reto era presentar un musical que tiene 25 años y adaptarlo a un público moderno, sin que ello signifique perder el impacto de la producción original", reflexiona Cameron Mackintosh ante el estreno de Los miserables esta noche en el Barcelona Teatre Musical (20.30 h). El montaje es el mismo que se pudo ver el pasado año en Madrid, es decir, con un presupuesto de 3,5 millones de euros, dirigido por Víctor Conde y protagonizado por Gerónimo Rauch, Ignasi Vidal y Daniel Diges. La versión que se verá en Barcelona la concibió el propio Mackintosh con motivo del veinticinco aniversario del estreno de la obra en el Barbican de Londres y se basa en el clásico de Víctor Hugo, de mediados del siglo XIX.

Usted ha seguido de cerca el montaje en Barcelona de Los miserables. como ya lo hizo hace un año en Madrid. ¿Es necesario hacerlo con una obra que prácticamente ya marcha sola?

Estoy muy orgulloso de mi nueva producción y es la primera vez que venimos a Barcelona. La razón principal por la que tengo éxito, de que gran parte de mis producciones sigan en cartel y de que las nuevas versiones se aguatan muy bien es que cuido mucho los detalles. Piense que en los próximos cinco años voy a tener cuarenta producciones diferentes repartidas por todo el mundo a partir de los siete musicales que ahora mismo gestiono: Los miserables, El fantasma de la ópera, Cats, Miss Saigón, Oliver!, My fair lady y Mary Poppins, lo que me obliga a racionalizar mucho mi tiempo. Y ahora, a punto de cumplir 65 años, me voy a estrenar como productor cinematográfico.

¿Por qué ha decidido meterse en el mundo del cine?

Desde que empecé con esta producción, siempre quise llevarla al cine. Vendí los derechos en 1987 a Sony pero nunca llegaron a hacerla. Y eso nos ha ido muy bien porque Los miserables ha continuado siendo un éxito y es la producción que ahora mismo triunfa más en Londres después de 26 años de su estreno. Lo que ha ocurrido allí en los últimas tres temporadas ha sido brutal. La película, pues, ha sido una consecuencia lógica y queremos que esté a la altura. Comenzamos a rodarla en marzo y la dirigirá Tom Hooper [el realizador de El discurso del rey], que contará con Hugh Jackman y Russell Crowe.

El éxito parece asegurado.

Todos son muy buenos profesionales. Por cierto, Russell me recordó no hace mucho que la primera audición que hizo en su vida fue para Miss Saigón en Australia y fui yo quien le dijo que no servía. Ya ve...

El tópico dice que el musical es un espectáculo de evasión, y especialmente en épocas de crisis. ¿Es sólo un tópico?

La verdad es que si lo piensa bien, lo que ahora conocemos como ópera antes era el teatro musical popular, y las óperas que se han acabado convirtiendo en clásicas son las que tenían una historia potente: La traviata, Rigoletto, La bohème, Carmen. En mi carrera siempre he buscado un buen material de base. Víctor Hugo, Dickens... Verdi decía siempre que el secreto de una gran ópera era un gran libreto.

¿Una gran historia necesita una gran música?

Quizás, pero los diez mejores musicales de siempre invariablemente cuentan con una historia sólida, como West Side Story o My fair lady. Y no al revés.

¿Es una casualidad que las temporadas teatrales actuales en todo el mundo estén repletas de musicales?

En los años 30, triunfaban el cine popular y el teatro musical. pero en los últimos 10 o 15 años el público que asiste a los musicales ya no sólo es de clase media y de mediana edad, sino que es joven y lo considera algo cool. No es sólo la crisis, sino nuevos hábitos y el notable papel de internet.

¿Por qué cuesta tanto que se consoliden nuevos títulos de musicales?

He producido un musical enteramente nuevo que se llama Betty blue eyes. Se estrenó hace medio año en Londres, las críticas fueran unánimes y entusiastas, pero cierra en una semana. Por alguna razón no ha aguantado más de seis meses. Igual no funcionó el boca-oreja. Musicalmente es mucho mejor que Cats o El fantasma..., pero no podemos prever cuál va a ser el veredicto del público. Él siempre decide.

PUBLICAT PER
ESTEBAN LINÉS
WWW.LAVANGUARDIA.ES
29 DE SETEMBRE DE 2011

'El món no es pot pensar que a Catalunya fem les coses a la babalà, no ens ho podem permetre'

Entrevista amb Salvador Sunyer, director del Festival Temporada Alta de Girona i Salt

A punt d'inaugurar el vintè Temporada Alta, el Festival de Tardor de Catalunya, que es fa a Girona i Salt, n'entrevistem (vídeo) el director i fundador, Salvador Sunyer. Parla del futur que imagina per a Temporada Alta, un festival de referència europeu; de la situació econòmica pensant en l'any que ve i de les retallades en la crisi actual.

En un segon vídeo, li demanem de triar cinc espectacles, dels noranta-quatre que hi ha programats enguany, que d'alguna manera tipifiquin Temporada Alta. El festival s'inaugurarà el 30 de setembre i es clausurarà l'11 de desembre.

'Volem bastir una cosa que tenen tots els països civilitzats, sobretot els europeus: un festival de país, que respongui a uns artistes de país, però de país no tancat en un espai, sinó d'un país modern i internacional, que té relació amb els països del costat, Lituània o Espanya, és igual.'

'Jo crec que va molt bé per als festivals que es facin en una ciutat mitjana. Perquè el festival es viu més, no queda tan diluït (que és una mica el mal que té el Grec). Però Temporada Alta no té com a model ni Avinyó ni Edimburg: crec que hauríem d'anar cap a un model diferent. A mi, m'agrada pensar que tot i les crisis, d'aquí a set o vuit anys podrem aconseguir un festival muntat per un país tan petit com vulguis, que és el nostre, però que sigui realment un festival europeu. Festival europeu amb pinzellades de fora d'Europa.'

Sobre les retallades de cultura: 'Crec que un país civilitzat ha de tenir un equilibri entre la sanitat, les carreteres, els aeroports, l'ensenyament, la cultura, etc. Entenc que s'han de retallar despeses supèrflues, però no linealment.' Sobre el fet que l'Ajuntament de Mataró suspengués el Festival Shakespeare quinze dies abans de començar, comenta: 'Una de les poques coses que a Catalunya no ens podem permetre és que el món es pensi que fem les coses a la babalà. No ens ho podem permetre.'

I sobre la programació de Temporada Alta 2011, sorprèn quan diu: 'A priori és esplendorosa. És la que per volum està més bé. És la que té més espectacles, més funcions, més entrades a la venda… i també més risc. Hi ha quaranta espectacles que són estrenes, i vés a saber què seran. De manera que, quan dius que és el millor festival, amb diferència, de la seva història, potser no ho serà artísticament, un cop vist. La majoria dels quaranta espectacles que no sabem què seran, seran dolents. M'agrada de dir-ho perquè és així. Però la mitjana jo crec que està bé. En un festival així s'ha de córrer un risc, sinó seria una fira. Però, a més, és que crec que hem de reivindicar l'error. No caldria sinó.'

publicat per
www.vilaweb.cat
22 de setembre de 2011

"El performance no es teatro, es un arte de acción"

Tras el éxito de la primera edición del festival de performances "Out of Mind" llega ahora una segunda edición, esta vez en el Museo del Fuego. Un cambio de la calle al escenario que pretende, según el director del festival, Sergio Muro, "mover conciencias para que el espectador reflexione sobre las normas que impone la sociedad".

Zaragoza

Descubrir lo que los entendidos en la materia denominan “arte de acción” es posible este año en Zaragoza. Una nueva edición del festival de performances “Out of Mind” tendrá lugar los próximos días 26, 27 y 28 de agosto. En el performance “el artista se presenta y no representa”. Ésta es la mejor definición que indica la esencia de este nuevo arte, según el director del festival, Sergio Muro. Un arte abierto a la improvisación y a la sorpresa porque “ni el propio artista sabe muchas veces cómo va a reaccionar el público”.

Sergio Muro es licenciado en Historia del Arte. A sus 37 años, el director del festival y del espacio creativo Artix reconoce que “siempre ha tenido inquietudes por el arte”. Empezó siendo pintor, pero vivir en Londres y en Dublín mucho tiempo le ayudó a descubrir el performance en su más estado puro. Ha participado como socio español en el programa URME (Urban Remembrance and Memory of Europe) redactando y elaborando una guía de arte y cultura en Zaragoza. Así que nadie mejor que él para explicar en qué consiste este “nuevo arte”.

Pregunta.- ¿Cómo surge la idea de crear Artix?
Respuesta.- Artix surge como galería en el barrio de la Magdalena para regenerar la zona ya en 2005 y sobre todo para potenciar los artistas emergentes que florecían en Zaragoza. Luego, como vender obras en esta ciudad es bastante complicado, decidimos que teníamos que seguir adelante porque el proyecto nos interesaba y lo que hacemos es organizar. Artix espacio creativo está formado por Sergio Muro, Juan Escós y Ana Morellón. Contamos con experiencia en la gestión cultural y con vinculación al mundo artístico en múltiples y variadas facetas. Somos gestores culturales, hacemos talleres, proyectos museísticos y gestión cultural, además de comisariar exposiciones y organizar eventos y festivales. Ahora lo que dinamizamos es distintos espacios culturales sin tener una sede fija.

P.- ¿Qué podemos encontrar en este espacio Artix?
R.- Desde el propio festival “Out of Mind”, el primero de performances en Zaragoza, hasta exposiciones tan relevantes como la que hicimos en el Centro de Historia de Luis Eduardo Aute. Ahora vamos a coordinar el Festival de Periferia trayendo una exposición de Miami, que es una colección de artistas “outsiders”, que se llama “Naemi”. Somos bastante versátiles en todo lo que se concierne a la gestión cultural.

P.- ¿Nos podría indicar alguno de los proyectos de gestión cultural en los que han participado?
R.- Intentamos presentar proyectos diferentes y un poco a medida de cada espacio. Hemos colaborado con el Centro de Historia, empezamos haciendo muchas actividades en el albergue de Predicadores, también hemos hecho muchas en centros cívicos... No cerramos puertas a ningún espacio. Por ejemplo, vamos a realizar unas jornadas de reflexión sobre cómo se podría auto/co-gestionar el Luis Buñuel, el Museo del Fuego o la Harinera para que esos contenedores culturales que están vacíos y sin uso empiecen a dinamizarse y tener vida.

P.- ¿Cuáles son los objetivos que se marcan?
R.- Sobre todo, lo que queremos hacer es cosas de calidad y nuestro objetivo es cambiar la mirada del ciudadano zaragozano. Creo que aunque está emergiendo la ciudad y floreciendo se debe reestructurar un poco la mirada porque tenemos un arte y una cultura demasiado clásica y convencional.

P.- ¿Qué le lleva a un licenciado de Historia del Arte como usted a interesarse por este “nuevo arte” de los performances?
R.- Es todo complementario y paralelo, uno tiene unas necesidades vitales como puede ser hacer deporte o leer. Siempre he estado vinculado al arte, al principio era pintor. También he estado viviendo en Londres y en Dublín y vas percibiendo otro tipo de artes y disciplinas que te van influyendo. En Zaragoza sí que había algo de poso de arte de acción y performances pero realmente estaba muy soterrado porque, como mucho, había alguna exposición. Queríamos dar un salto cualitativo y poner en valor esta disciplina porque el performance a nivel internacional está muy reconocido.

P.- ¿En qué consiste un performance?
R.- El artista se presenta y no representa. Ésta es la definición clave porque no es teatro. El propio artista conjuga una idea que tiene en la cabeza y la presenta ante el público en un momento concreto en un escenario concreto y con unos materiales u objetos concretos. También se genera una cierta improvisación y un elemento sorpresa porque ni el propio artista sabe muchas veces cómo va a reaccionar el público.

P.- ¿Dónde se encuentran los orígenes de este arte? Tengo entendido que se sitúan en Aragón.
R.- Pues sí. Según estudios de Hilario Álvarez, que es uno de los investigadores más relevantes de performances en España, el “protoperformas” surgió en Aragón. En torno a los años 30 nace esta disciplina con muchas influencias de surrealismo y dadaísmo. Los años 70 es el momento clave porque hasta entonces no se denominaba así. El performance surge ya como disciplina que eclosiona para romper el “establisment” como transgresión, provocación y como ruptura del sistema que se estaba imponiendo y liberar al artista de todos los intermediarios del clasismo y de las injusticias que puedan surgir.

"Out of mind"

P.- Este año Zaragoza acoge la segunda edición del Festival “Out of mind”. ¿Qué podemos ver en él?
R.- Tras la exitosa primera edición, porque realmente tuvimos mucho eco y difusión a nivel nacional y percibimos que vino mucha gente como espectadora, decidimos que esto tenía que tener una continuidad. Sin el apoyo del PICH (Plan Integral del Casco Histórico) indudablemente no lo podíamos haber podido plasmar. En esta segunda edición, aun con la coyuntura y la crisis económica, tenemos un cartel de lujo. Tenemos artistas de la talla de Carlos Llavata, Ramón Quanta, Dominix Garrido, Pedro Alba… Todos ellos de importante repercusión nacional. Sobre todo lo que queremos es presentar acciones y performances pero que no se quede en un mero espectáculo, sino que lo que pretendemos es importar la parte didáctica: hacemos conferencias, talleres y luego como colofón terminamos las jornadas con música.

P.- ¿Podría detallar alguno de los actos del programa del festival?
R.- El festival se va a realizar el próximo fin de semana 26, 27 y 28 de agosto. El viernes por la tarde son todo acciones más dos conciertos de música. El sábado y domingo por la mañana son talleres gratuitos para todo aquel que quiera acudir. El sábado por la tarde hay una conferencia del emérito profesor de la universidad Bartolomé Ferrando, un ilustre del tema. Las dos tardes del sábado y el domingo son acciones de gente relevante tanto aragonesa como a nivel nacional terminando con actuaciones musicales.

P.- Este año como novedad, el festival se celebra en el Museo del Fuego. ¿Qué supone para los performances cambiar la calle por un recinto cerrado?
R.- Indudablemente supone mucho. El artista se adapta al espacio donde se va a hacer la acción. Por ello, lo primero que tuvimos que hacer fue realizar fotos para enviarles a todos los artistas para que ellos fueran imaginando cuál era el espacio con el que contaban y las acciones que podían realizar y plasmar en este nuevo escenario. El espacio en sí es un lujo, el Museo del Fuego está totalmente rehabilitado, el patio interior es increíble y además está cubierto, así que incluso si estuviera lloviendo se podrían realizar los performances.

Lo que sí queremos reclamar es la puesta en uso de la gran cantidad de contenedores culturales que están vacíos en la ciudad como éste del Casco Histórico. Es una manera de empezar a dinamizarlos y que tanto Administración como entes privados empiecen a dinamizar la ciudad.

P.- ¿Recuerda alguna anécdota de esa primera edición del Festival “Out of Mind”?
R.- Después del festival fuimos al primer congreso de arte de acción de Figueras y a todos los acogieron con los brazos abiertos porque llegaron a sus oídos que lo habíamos hecho muy bien. Además, salimos en medios nacionales, algo que hasta ahora no había ocurrido con ningún festival de performances. Sobre todo, porque valoramos la obra y el artista en su justa medida, todos los artistas tienen su remuneración económica. Este año se nos ha hecho más fácil traer a los artistas precisamente por eso mismo, porque todo el mundo quiere venir a hacer un performance a Zaragoza. El presupuesto de esta edición es muy ajustado: 9.000 euros escasos.

P.- Además de los performances, paralelamente, el festival viene acompañado de exposiciones, talleres y conferencias. ¿Cuáles son las actividades más destacadas de esta oferta cultural?
R.- La exposición de las fotografías del público amateur y fotógrafos profesionales que estuvieron realizando fotos en la edición anterior y podrá verse hasta el 28 de agosto en el centro Joaquín Roncal. Además, tenemos dos exposiciones paralelas de Marta Aschenbecher, artista que está ganando muchos premios, y que ahora expone en el Espacio Orienta y Mundo Vertical. Queremos, por tanto, abarcar todas las disciplinas y diferentes espacios de la ciudad.

Talleres como el de performances “Cadáver exquisito en acción”, de Virginia Pérez, y el de “Danza Contact”, de Paula Gelpi, que son abiertos a todo el mundo. Más de 30 personas asistieron a cada uno de estos talleres y ellos mismos realizan un performance delante del público, es una manera de incentivar y educar para que vean ellos mismos que son capaces de imaginar e idear sus propios performances.

Respecto a las conferencias, tendremos la de Bartolomé Ferrando, que lleva por título “La poesía fonética y sonora”. Óscar Abril Escaso, que es además familia del republicano fallecido, es el director de un espacio dedicado en exclusiva al performance en Badalona. Él nos hablará sobre “Naustruch. Prácticas performáticas y estudios de performatividad”. Es una manera de que nos vayan inculcando de alguna manera de forma teórica y en la práctica porque ellos mismos hacen un performance. Así, los profesores enseñan al público que la teoría y la práctica tienen un significado y una fusión común.

P.- ¿Cuál es el objetivo final que se persigue con esta segunda edición de “Out of Mind”?
R.- Consolidarlo del todo y sobre todo que el público vea una necesidad en el performance porque es un arte que es crítico y genera personas críticas, y más en estos momentos tan difíciles. Pretendemos que haya una continuidad no sólo en el festival sino en la agenda cultural mensual de esta ciudad para que se pueda ver este tipo de disciplina.

P.- Una iniciativa que permite fomentar indudablemente el Casco Histórico…
R.- Claro que sí. Tenemos muchos espacios culturales y se ha olvidado que el ciudadano es parte de la ciudad. Además, he de reseñar que ganamos el concurso para revitalizar el Casco Histórico a través de la cultura con el equipo Trama y Manuel Castillo arquitectos. Creo que el ciudadano necesita expresarse en las calles, plazas y edificios que con sus impuestos están pagando. Es dar protagonismo principalmente a los ciudadanos.

P.- Ya sólo queda animar a la gente a que acuda a este festival...
R.- Animo a todo el mundo a que venga a verlo, es un espectáculo gratuito. Vamos a poner una barra de bar dentro del Museo del Fuego para que la gente pueda tomar algo y cenar durante los espectáculos. Queremos que la gente esté lo más cómoda posible. Va a ser un sitio de encuentro, un lugar para reflexionar, para criticar y que seguramente a nadie le va a dejar indiferente.

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19 agost de 2011

«Existe el desarraigo»

El actor francés Brontis Jodorowsky encarna hoy en San Javier a un gorila que se empeña en ser aceptado, «como hacemos todos»

ALEXIA SALAS

La última obra del tándem Jodorowsky, Alejandro y Brontis, padre e hijo, llega esta noche al Festival de San Javier en estreno nacional. Será la primera vez que 'El gorila' -espectáculo basado en la novela 'Informe para una academia', de Franz Kafka, adaptada por el polifacético autor Alejandro Jodorowsky- se interprete en castellano, después de que este mono medio hombre, triste pero con una buena carga de humor, haya hablado en italiano, francés e inglés en anteriores estrenos por Europa.
-¿Es la primera vez que el gorila hablará en castellano?
-Sí, es la primera vez que se representa en España y la primera vez en castellano. Yo nací en México, de madre francesa y padre chileno -su padre, a su vez, fue hijo de emigrantes ruso judíos-, y por unas cartas descubrí que aprendí primero español.
-'El gorila' es medio Kafka medio Jodorowsky, pero cómo es su mono?
-Bueno, tiene tres medios. En su adolescencia, mi padre lo leyó y le gustó mucho esta historia del mono que busca adaptarse para sobrevivir. Se identificó, pero los cuentos de Kafka son muy buenos pero no tienen punto de caída, todo está en medio de la historia, y le produjo mucha angustia. Tuvo ocasión después de prolongar el cuento y llevarlo a algo más contemporáneo sobre el desarrollo humano y adónde se llega. El gorila mío surge a la hora de darle forma en escena.
-¿Cómo encaja el humor en la triste historia de un mono capturado?
-Kafka tiene relatos en los que siempre hay algo cómico, como un mono que habla. En teatro, si cuentas un drama de forma dramática, es aburrido. En la historia de Esquilo, el hijo de Agamenón tiene que vengar la muerte de su padre, y antes del asesinato de Orestes, Esquilo pone una escena de comedia, Siempre tiene que haber un equilibrio, y aceptar que la vida tiene algo de absurda. Es fascinante que cada idioma está ligado a su historia teatral y hace que no siempre sea el mismo personaje.
-El personaje desarraigado sí que es universal
-Sí. Hay mucha gente desarraigada por todas partes. Hablamos de desarraigo nacional pero también cuando se es niño, ves a veces estrategias de comportamiento que son una violencia contra sí mismos. Somos seres sociales y hacemos de todo para ser aceptados, pero hay fronteras, no puedes dejar de ser lo que realmente eres.
-¿Qué emociones le provoca encarnar a esta víctima de la sociedad?
-En el escenario no tengo emociones personales. El público es gente que a veces se encuentra en las emociones que tiene, pero hay cosas que a alguien le producen escalofríos y a otros no. Hay que encontrar el vocabulario y el lenguaje que todos podamos entender. Yo he pasado por todo ese esfuerzo de integrarme, de que me quieran. Un actor siempre está haciendo ese esfuerzo para que lo acepten. Es constante. A veces ves en los ojos de alguien que algo de eso se reconoció y es lo más bonito.
-Su padre ha dicho que Chile, su país, se considera el ano del mundo. Cree que los países que ahora sin emisores de emigrantes lo son para Occidente?
-Somos un conjunto de individuos. Para mí no es el ano del mundo. Si lo fuera, Occidente sería la cabeza. Yo no lo veo así. Hay que tener esperanza.
-Nació en México, pero vive en Francia, ¿cómo vive allí la política de Sarkozy?
-Bueno, Sarkozy es un nombre búlgaro, tampoco es francés puro, el francés puro no existe. Es que todos venimos de India o África. Según lo que sé, España también necesita a los inmigrantes porque la población está envejeciendo demasiado. Los inmigrantes cotizan para la jubilación de los franceses, pagan impuestos. Lo que pasa que para ganar las elecciones nos tienen que asustar. Cada día me pregunto con qué me van a asustar hoy, si con los pollos, si con la crisis mundial. Así, con el susto, consumimos más y no piensas. Es absurdo, con todo esto del crédito y demás, pero no sabemos cómo salir. La cosa es tener miedo de todo, del joven, del viejo, hasta del reflejo del espejo.
-¿Cree que retrocedemos en tolerancia, tal vez por la crisis y el paro?
-Es posible. Tal vez somos como la oruga que va por la rama y se encoge para avanzar. Como Sísifo en las comedias griegas, el hombre está siempre recomenzando. Tengo fe en que la humanidad seguirá avanzando. Nuestro nivel de conciencia está ahora en el momento en que se encoge, pero cosas como lo de la Puerta del Sol nos hace ver que hay otro modo de vivir juntos. Las crisis profundas son como la fiebre de los niños, que luego pegan una crecida. Siempre para avanzar. No tengo pánico de esta crisis.
-Qué recursos le queda al hombre para reivindicarse?
-Todo está ahí. Hemos perdido la capacidad de verlo. El arte, el trabajo político, está a nuestro alcance y hemos de tender la mano. Nos queda desarrollarnos como seres humanos.
-¿Cómo fue trabajar con su padre?
-Una maravilla. Fue una lección mutua. Habíamos hecho teatro en familia y nos gustó tanto trabajar juntos que me dijo que hiciera 'El gorila'. Me dijo que volvía al teatro por mí, pero que le gustaba.
-Con la carga emocional de cada obra de su padre, debe sacudirle el interior en cada trabajo.
-Claro. Y más todavía con el éxito de 'El gorila'. Todo padre e hijo tiene una etapa en las que muchas cosas se saldan. La vida tiene muchos pequeños milagros.
-Ha sido difícil crecer con un padre tan creativo y de marcada personalidad?
-Un padre idiota y mediocre, encerrado en prejuicios tampoco te ayuda a crecer. Cada cual carga con su cruz. Cada historia personal es una carga o un tesoro.
-Cómo ve a los jóvenes, entre la indignación y la congregación ante el Papa?
-Los jóvenes son millones, cada cual con sus esperanzas, sus conformismos, a veces reproducción de los conformismos familiares, y otros que quieren revoltarse. La juventud no existe, existen millones de personas. En Francia viven rodeados de viejos, en México viven en la calle. Hay gente implicada y otros que se drogan porque no encuentran su sitio.

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www.laverdad.es/murcia
17 agost de 2011

«En tiempos de crisis las funciones se llenan porque la gente quiere evadirse»

«Afortunadamente, sigo teniendo el mismo miedo a salir al escenario que cuando tenía 14 años»

El actor sevillano Francisco Valladares, sobre el escenario.

«El teatro es donde estoy más cómodo, aunque sea donde más se trabaja y menos se cobra». Zamora
Actor de escuela como hay pocos, Francisco Valladares ha sabido labrarse una carrera sólida donde aúna los distintos géneros con gran éxito. Drama, comedia e incluso zarzuela, nada se le resiste.
-Regresa a Zamora con «Zarzuela y poesía». ¿Cómo surge la idea de unir estos dos conceptos?
-Es una ocurrencia de Luis Santana, un cantante estupendo. Con nosotros estará también la soprano Elisa Belmonte, con Paloma Camacho al piano. Dije que sí en seguida.
-Su especial manera de recitar es quizá su seña de identidad, con esa voz tan especial.
-Al parecer ahora lo de recitar no se cultiva mucho, por desgracia. Cuando yo empecé a aprender, lo hice de grandes maestros. Y uno de ellos, Manuel Dicenta, tenía una voz especial, pero no maravillosa. Lo que pasa es que lo decía muy bien y eso es lo único importante.
-¿Esa voz se hace o con ella se nace?
-Con la voz se nace, claro, porque si es horrible, dirás mejor la poesía, pero no se te arregla. Lo único que pasa es que si tú estudias, que es lo que hice yo, se conserva la voz para que cuando ya tienes cierta edad no te cambie mucho.
-¿La alegría de la zarzuela viene bien para estos tiempos?
-Justamente. En los tiempos de crisis, es curioso, pero los teatros van mejor. Hasta hace poco he estado de gira y el teatro se llenaba todos los días en plena crisis. La gente quiere evadirse porque quedándote en tu casa es como cuando estás enfermo. Si te quedas mirando la pared y pensando lo mal que estás acabas peor, es algo absurdo. Sin embargo, si sales y ves a gente y espectáculos, sobre todo cosas que te llenen el espíritu, aunque el mal sigue estando, se aminora.
-Es más llevadero.
-Se lleva muy bien, porque todo el rato que estés fuera y que estés con la gente, la crisis no existe.
-Recientemente recibió su último premio, el «Teatro Musical 2011». ¿Qué significan para usted este tipo de reconocimientos?
-Es muy emocionante, considerando que lo que más hago yo es teatro dramático, es decir, de texto. En mi vida habré hecho más de diez musicales y que te reconozcan tus compañeros y la gente joven que entra ahora y que te admira es algo precioso. Me emocionó muchísimo.
-¿Tiene tanto público el musical en España como en otros países?
-Sí que tiene público. Hace poco volví a ver «Los Miserables» y estaba el teatro hasta los topes. Ahora aquí se hacen musicales tan bien como se pueden hacer en Nueva York. La gente está preparadísima para cantar y bailar y además, los montajes son espectaculares.
-Usted es todo un ejemplo para las nuevas generaciones de actores. ¿Cómo ve estas nuevas hornadas?
-Ahora sí han entendido que tienen que aprender a cantar, a bailar y a preparar la voz. La prueba es que, por ejemplo, los musicales están hechos por gente joven y todos están preparadísimos. En la zarzuela «Las de Caín» que voy a estrenar ahora, todos los chicos son menores de 25 años y cantan de una manera que emociona, además de actuar divinamente.
-Está claro que usted en un hombre de teatro pero, ¿nunca le interesó el cine o no ha tenido ninguna propuesta atractiva?
-La verdad es que yo nunca le interesé al cine. Cuando era joven, la gente del cine era tan melón que buscaba gente que se pareciera a alguien del cine americano, cosa que a mí no me pasaba, no tenía esa suerte. No era demasiado guapo si lo querían guapo y si necesitaban a uno feo, yo era muy guapo. Los graciosos tenían que ser bajitos y feos y los galanes guapísimos y altos. Y no era ni guapísimo, no bajito y feo.
-No sería porque a usted le faltara percha.
-Yo estaba haciendo de galán en el teatro, pero no servía para el cine, a pesar de mi 1,82 de estatura y mis ojitos verdes de toda la vida. Pero no había manera. Lo gracioso es que luego era yo quien doblaba a los galanes de cine.
-¿Dejó entonces de interesarle ese mundo?
-Hubo un momento en que yo estaba interesado porque era algo así como un amor imposible. Cuando te enamoras de alguien que no te hace caso, al principio estás muy emperrado, pero luego se impone la razón y le mandas a hacer puñetas.
-Pionero de la televisión, siendo el primer locutor de continuidad en 1956, ¿cómo no se le ha visto en ninguna serie, ahora que están tan en boga?
-No lo sé, no habrán caído? o que lleve el mismo sistema del cine (risas). Pero la verdad es que a estas alturas de la vida no me importa en absoluto. Sigo haciendo televisión en lo que puedo y cuando me llaman, porque me divierte muchísimo, pero no es algo que me preocupe mucho.
-En 2009 recibió el Mayte de Teatro por toda su carrera, ¿es este quizá el reconocimiento más grande que ha tenido?
-Fue importantísimo, son los premios de teatro por excelencia. Lo que me parece absurdo es que la Academia de Televisión no me haya dado un premio por toda mi carrera, cuando he sido el primer locutor y sigo en la brecha.
-¿Mantiene la ilusión de ese niño de 14 años?
-Sin duda. Y sigo teniendo el mismo miedo al salir al escenario, afortunadamente para mí, porque si no, malo.
-La retirada no está entre sus planes inmediatos
-No se me ocurre, sería muy triste quedarse en casa, todo el día leyendo y viendo, si se puede, la televisión, o saliendo al parque. No soy un viejo, todavía tengo ilusiones, curiosidad y esperanza.
Pilas (Sevilla), 1935
El actor sevillano Francisco Valladares Barragán emigró con su familia a Madrid cuando solo tenía siete años y desde muy pequeño se vio fascinado por el teatro, que empezó a escuchar por la radio y al que ha dedicado toda su vida, desde que con catorce años entró a formar parte de una compañía infantil. También ha estado ligado a la televisión desde sus orígenes, siendo el primer presentado de continuidad que hubo, en 1956. Recitales de poesía, comedia musical, radio y televisión con programas como «Estudio 1», además de doblaje de cine están en su amplio curriculum, donde también hay hueco para los premios, como el prestigioso Mayte de Teatro, que le fue otorgado en 2009.

publicat per
B. Blanco García
foto : El actor sevillano Francisco Valladares, sobre el escenario. L. O. Z.
www.laopiniondezamora.es
25 de juny de 2011

«Los actores de musicales somos como los atletas»

Estará en el Teatro de la Laboral desde el jueves hasta el domingo dando vida a una de las protagonistas del musical más celebrado del mundo
«Ganar el Nacional de Teatro por este papel me hizo sentir orgullo, pero también vergüenza porque hay artistas mejores que yo»
«Participar en 'Supervivientes' fue una anécdota, pero me ayudó a poner los pies en el suelo»
Hija de artista (su padre es Lorenzo Valverde), madre a su vez de artista (su hijo Blas participa actualmente en 'Los miserables') y hermana de artista (Loreto), Marta Valverde (Valladolid, 1963) parece haber nacido predestinada para el arte. A los catorce años, ya acompañaba sobre las tablas a su progenitor en 'El diluvio que viene'. A partir del jueves, lucirá su figura y profesionalidad en el Teatro de la Laboral, con '¡Mamma mía!', el musical que estructura las canciones del grupo sueco Abba y el de mayor éxito internacional.
-Habrá que empezar haciéndole la pregunta del millón... O de los dos millones, que han sido los espectadores que han visto '¡Mamma mía!', en Madrid... ¿Qué tiene este espectáculo para que tanta gente lo bendiga?
-O de los cuarenta millones que la han seguido en todo el mundo... Yo siempre digo que es un musical mágico. Posee todos los ingredientes, hace reír, emocionarse, llorar, bailar, soltar adrenalina... Es incluso aconsejable como terapia. Y además tiene la precisión de un reloj suizo, todas las piezas encajan a la perfección.
-Háblenos de su personaje, Tanya...
-Es un papel que es un bombón para una actriz y cantante. Tanya se define por el amor incondicional a sus amigas, es desinhibida -está divorciada de tres millonarios- y tiene mucho gancho entre los jovencitos.
-Sí, la historia de su amiga Donna (encarnado por Nina), tratando de averiguar quién es el padre de su hija, orienta acerca de una trama muy liberal. ¿Es así?
-Es muy liberal y muy natural. Es la historia que le puede acontecer a cualquiera, expuesta con sencillez y yendo al grano. Hay amor, desamor, lucha por la supervivencia, desconfianzas, dudas... ¡Cuántas mujeres solteras han tenido que hacerse cargo de un hijo!... Pero todo está concebido en clave de humor fresco, no hay nada soez -ni tampoco ñoño- y la escenografía es limpia.
-¿Cuál es el porcentaje de importancia que tienen las canciones del grupo Abba en la enorme popularidad lograda por la obra?
-Yo diría que un noventa por ciento. Sin desdeñar un guion muy divertido y bien escrito, en el que casi todo el protagonismo recae sobre mujeres, lo que no es habitual en los musicales.
-En su caso, los musicales configuran una buena parte de su carrera... Comenzó con su padre, a los catorce años, en 'El diluvio que viene'...
-Ya me gustaría tener la mitad del talento del 'patriarca' de la familia. Él es un artista de pura cepa, y nos enseñó a amar la profesión y a respetar al público como guías indispensables.
-¿Qué dificultad supone interpretar y cantar simultáneamente?
-Yo comparo a los actores musicales con los atletas. Se requiere estar en forma tanto vocal como físicamente. En 'Barnum', por ejemplo, tuve que hacer trapecio y malabares. Es muy exigente.
-Los musicales suelen estar rodeados de anécdotas. ¿Recuerda alguna?
-En una ocasión, con mi hermana, bailando claqué, Loreto se torció un tobillo. Y yo me fui al suelo también para acompañarla. Pensaron que habíamos cambiado la coreografía... En 'My fair lady', el público se reía, sin que yo comprendiera por qué, hasta que me di cuenta de que se me había quedado prendido el sujetador en la sombrilla... Hay miles de anécdotas.
-Usted participó en la edición de 2006 del programa televisivo 'Supervivientes'. ¿Qué es más arduo sobrevivir en el Caribe o en el escenario?
-La supervivencia es ardua siempre entre seres humanos (ríe). Lo más bonito es vivir de la profesión que he elegido. Aquello fue una anécdota, aunque es verdad que me ayudó a poner los pies en el suelo y tener un baño de humildad.
-En 2009, se le ha reconocido la profesionalidad con el Premio Nacional de Teatro a la mejor actriz musical por su papel en '¡Mamma mía!'. ¿Le subió la autoestima?
-Por un lado, sentí orgullo. Por otro, una cierta vergüenza de que no lo hayan obtenido artistas mucho mejores que yo. Se lo dediqué a mi padre, que nunca lo consiguió a pesar de que su mérito es mucho mayor que el mío.


publicat per
foto : Marta Valverde Cantante y bailarina de '¡Mamma mía!'
Alberto Piquero / Gijón
http://www.elcomercio.es
14 de juny de 2011

Pep Plaza, sort que plovia

Humorista, ja prepara un nou espectacle

Encara era un adolescent quan les inclemències del temps, com explica, van conduir-lo al què seria l’origen de la seva formació. “Un dia, per accident, amb un bon amic de Mataró, en Francesc Boba, plovia molt, estàvem a la Riera i vam entrar a la Gàbia”, recorda Pep Plaza. Justament s’estava disputant un partit de bàsquet i, en veure els dos adolescents, algú els va encarregar una tasca. “Hi havia goteres i ens van demanar que passéssim una escombra quan els jugadors atacaven a l’altre camp”, diu l’actor.

Entre escombrada i escombrada, com que no parava de ploure, Plaza va estar molta estona al recinte. El suficient per veure que també hi havia un teatre. Una casualitat, tenint en compte a què es volia dedicar. “Realment, el que volia fer de petit és el que faig ara, no volia ser bomber, metge, policia... Jo volia pujar a un escenari i fer riure la gent”, assegura l’humorista.

La Sala Cabañes el va iniciar en el teatre, les ràdios d’Arenys de Mar i d’Argentona en locució i la Televisió de Mataró en les actuacions en pantalla. Segueixen una llarga cua de teatres, ràdios i aparicions en televisió. Però al llarg de la seva trajectòria només ha fet un càsting. I no hi va anar per iniciativa pròpia. “Em va trucar l’Espartac Peran i em va dir que El Terrat buscava gent per a fer imitacions en un programa que es deia Set de Nit però jo li vaig dir que em feia molta mandra”, confessa el showman. Mai li han agradat es càstings. Entre el periodista mataroní i la Sònia, la dona de Plaza, van convèncer l’humorista. Uns dies després ja tenia feina imitant Jordi González i Lluís Canut.

El més curiós és que Pep Plaza va triar l’ofici de comercial per tenir un sou fix. I divuit anys després, ja consolidat com a imitador, humorista i showman, ho compagina tot i exerceix en una mútua.
“Poc Guardiola”

“A l’escenari intento ser jo el comunicador, no les imitacions”Un dels comentaris que sovint li fa el públic després d’un dels seus espectacles és que fa poc de Guardiola, una de les imitacions més conegudes que fa al programa Crackòvia de Televisió de Catalunya. “Em diuen que no pensaven que fes tantes coses, el millor del directe és que puguis sorprendre, perquè si fas el mateix que a la tele, tampoc té massa gràcia”, opina l’imitador mataroní. Afegeix que constantment innova i que entén les imitacions com un complement, no com a eix central dels espectacles. “Hi ha un fil conductor, quan estic a l’escenari intento ser jo el comunicador i els personatges són de més a més”, diu Pep Plaza. Les imitacions agraden per l’habilitat del mataroní. Però el que de debò fa riure són, segons afirma, les situacions que crea l’artista dalt de l’escenari.
APUNTSDefineix-te
Perfeccionista desordenat

Un llibre
“Sin noticias de Gurb”, d’Eduardo Mendoza

Una pel•lícula
“La vida de Brian”, dels Monty Python

Un viatge
Al Congo per anar a buscar el nostre fill, el Teo, i a Mali per anar a buscar la Lola, la nostra filla

Un humorista
Andreu Buenafuente

Un somni
Poder arribar a avi amb salut i amb els meus

publicat per
Laura Arias
foto de : Anna Aluart
www.totmataro.cat
22 de juny de 2011

"Los periodistas de este país son bastante responsables"

Tras el éxito de 'Agost' en el Teatre Nacional de Catalunya, la actriz Emma Vilarasau encarna a la comunicadora más prestigiosa del país para entrevistar al presidente del Gobierno

Tras el éxito de 'Agost' en el Teatre Nacional de Catalunya, la intérprete encarna a la comunicadora más prestigiosa del país para entrevistar al presidente del Gobierno. 'Desclassificats', una producción de la Villarroel sin buenos ni malos, se estrena mañana en Manacor­­

–¿Qué tiene Desclassificats del Nixon-Frost de Álex Rigola?
–Casi nada. Sólo que el protagonista también es un periodista que entrevista a un presidente. Pero Desclassificats ni tiene el mismo estilo ni la misma profundidad. Lo que hace Pere Riera es plantear una situación que empieza con un elemento de comicidad y absurdo. Aquí lo que se cuestiona es si la vida privada de un dirigente debe implicarse en sus funciones públicas.
–El tema no es nuevo. ¿Esperamos una vuelta de tuerca?
–Bueno, Riera no acusa a nadie en la pieza. No ha creado sólo a personajes buenos y a personajes malos. El presidente tiene un punto oscuro pero asumible. La periodista tampoco es una santa, también tiene sus sombras. Lo que plantea Riera aquí es: ¿Dónde está la ética? El presidente ha llevado el país hacia delante. ¿Se le debe cuestionar el trabajo llevado a cabo por algo que sucede en su vida privada? ¿Debe dimitir? Riera no resuelve la situación porque no le interesa ir al fondo. Lo que quiere es plantear este dilema.
–¿Qué le ha enseñado la periodista que interpreta?
–La periodista entra muy segura en escena creyéndose en posesión de la verdad. Y luego se desmonta un poco. Al final ella pierde también su dignidad. Este personaje me ha hecho ver que no hay que estar nunca demasiado segura de nada. Todos tenemos cosas y secretos que si se hicieran públicos nos darían vergüenza. Nadie tiene una vida transparente.
–¿Qué relación deberían tener los medios de comunicación y el poder?
–Pienso que los medios deberían cuestionar el poder. Y creo que en este país algunos periodistas lo hacen. Por lo que escucho en la radio algunos ponen contra las cuerdas a los políticos. No creo que en España haya connivencia entre los medios y el poder. Otra cosa es que cada cual tenga su ideología. Los periodistas de este país son bastante responsables.
–¿En cuáles se ha fijado para desarrollar su personaje?
–Para crear mi personaje creo que Pere se fijó en la periodista Mónica Terribas.
–¿Y usted?
–Estudié el trabajo de muchas periodistas: también Terribas, Julia Otero, Ana Pastor, una americana e incluso otra italiana que entrevistó a Berlusconi. En esta entrevista, el presidente italiano llega a levantarse e irse porque le molestan las preguntas de ella.
–El caso Strauss Kahn, el senador David Vitter... ¿Deberían tenerse en cuenta sus escándalos sexuales para sus funciones públicas?
–Sí. Deberíamos tenerlas en cuenta. Alguien que sea capaz de hacer determinadas cosas no es digna de gobernar el mundo ni de contar dinero. No pueden estar en esos puestos públicos porque nunca sabes qué son capaces de llegar a hacer. Uno debe ser bastante transparente para ponerse al frente del mundo o de una comunidad.
–¿Volvería a hacer una película de miedo?
–Sí, claro. Fue estupendo trabajar con Jaume Balagueró en Los sin nombre. Lo que pasa es que hago muy poco cine. Ahora estoy centrada en el teatro.
–¿Volverá a la televisión?
–De momento no. Estoy un poco cansada. Desgasta mucho.
–¿Cómo fueron sus maestros en el Teatre Lliure?
–Tuve muchísima suerte porque me formé con los mejores al salir del Institut del Teatre. Trabajé con Lluís Pasqual y Fabià Puigserver. Son personas muy exigentes. El teatro no se puede hacer sin un nivel de exigencia alto. Es fácil contentarse y acomodarse. Para llegar a la excepcionalidad se ha de ser exigente. El Lliure fue mi gran escuela, tanto de vida como de teatro.
–Centenario de Tennessee Williams. Usted hizo Un tramvia anomenat desig en 2003. ¿Cuál es el gran legado del dramaturgo?
–Tennessee retrata como nadie la marginación que todos podemos llevar dentro. Me refiero a aquella parte que no queremos enseñar de nosotros mismos y que escondemos. Sabe mostrar también cómo esa ocultación de nuestra parte oscura puede llegar a torturarnos. Williams me encanta.
–¿Alguna vez le han dicho que no ponga tanta energía a sus personajes?
–No me han dicho exactamente eso. Ahora sé domar la energía más que antes. Porque la energía la tengo y eso no se puede cambiar. Yo prefiero dejarla salir y fluir para después domarla. Si la dejas metida dentro, atrapada, luego no funciona cuando trabajas en esto.
–¿Para qué pieza futura está trabajando su energía?
–Es un papel que hacía años que quería hacer. Ahora que tengo la edad adecuada ya puedo interpretarlo. Se trata de Qui té por de Virginia Wolf?, dirigida por el argentino Daniel Veronese. Ya tengo el texto. Empezaremos a ensayar en septiembre y estrenaremos en octubre en el Teatre Romea. Conmigo estará Pere Arquillué.

publicat per
m. elena vallés. palma
http://ocio.diariodemallorca.es
7 de juny de 2011

“L’intent de fer un teatre nazi de debò va ser un fracàs”

El teatre d’oposició més pronunciat ideològicament va tenir lloc als camps de concentració”

John London, professor de la Goldsmiths University of London. Foto: S.Amengual
El teatre durant el nazisme és el títol de la conferència que el professor i investigador britànic John London oferí ahir a la seu de l’Escola Superior d’Art Dramàtic de les Illes Balears (ESADIB). Es tracta d’un tema tan dramàtic com apassionant, amb molts de racons encara per il•luminar.
Es pot parlar d’un teatre nazi? Quins en serien els trets fonamentals?
El debat encara dura. L’intent de fer un teatre nazi de debò va ser un fracàs. Els nazis inventaren un gènere dramàtic, el thingspiel. Va ser un gran projecte que implicava la construcció de més de 200 teatres (al final, només en foren 40) a l’aire lliure. Fou un teatre a gran escala. Es representaven obres escrites per a aquest tipus de teatre, els locals del qual s’anomenaven thingstätte.
Per què fracassà el projecte?
Econòmicament, la cosa no funcionà. L’acústica dels thingstätte no era l’adequada. La temporada era molt limitada a causa del temps. Ideològicament, també fou un fracàs. Les peces tenien totes la mateixa trama: començaven amb una mena de guerra que feia referència a la I Guerra Mundial; després, passaven a una època de decadència, que era un retrat de la República de Weimar; i al final hi arribava un heroi, que s’entenia que era Hitler. Eren trames sense interès dramàtic.
Com acabà tot?
Els nazis abandonaren el projecte després de tres anys. El 1936, el ministre de Propaganda, Joseph Goebbels, va prohibir l’ús del terme thingspiel. Fou un gran fracàs. El que sí que va anar bé va ser un tipus de teatre historicista, amb una ideologia nacionalista (no sempre nazista), que existia abans de 1933, quan començà el règim. També funcionà el teatre d’evasió i diversió. Si això implica un teatre ideològicament compromès, aquesta és una altra pregunta. La realitat fou que, fins a la tardor de 1944, els teatres eren plens. I la majoria eren estatals. En aquest sentit, es podria parlar d’un teatre ideològicament nazista que sí que funcionava.
S’hi poden establir trets en comú amb altres règims totalitaris, com ara el franquisme?
Vaig trobar un article d’un hispanista alemany del 1935 (quan se celebraven els 300 anys de la mort de Lope de Vega) en què es parla de l’acte sacramental i del seu significat. Hi ha una retòrica anticatòlica, perquè els nazis eren antireligiosos, però s’hi equipara l’acte sacramental (escrit per al dia del Corpus) amb la celebració de l’arribada al poder del nazisme. Equival al thingspiel. També hi havia lligams amb professors a l’Estat espanyol, sobretot després del 39. Hi va haver visites de companyies d’òpera de l’Alemanya nazi. El 1939, es firmà un contracte cultural entre els dos països. Hi va haver contactes, encara que ideològicament no es pot comparar un règim oficialment religiós amb un altre que oficialment és ateu. L’element racista tampoc no funcionava, fins a un cert punt, a l’Estat espanyol.
Quins eren els autors teatrals de capçalera del règim nazi?
El primer lloc és per a Schiller, que era alemany. El nazisme fou gairebé l’única època del segle XX en què Schiller fou més popular que Shakespeare, que ocupa el segon lloc. En els dos casos hi va haver moltes contradiccions i canvis de política. Per exemple, el Guillem Tell de Schiller, que havia estat molt popular, fou personalment prohibit per Hitler, perquè es va adonar que la trama és la justificació de l’assassinat d’un tirà. En el cas de Shakespeare, hi havia elements que en feien difícil una interpretació nazista. Per exemple, en El mercader de Venècia es va haver de resoldre el fet que la filla del jueu Shylock es casàs amb un cristià, una cosa totalment prohibida en el nazisme. Els canvis mostren una mica la tensió que es visqué amb la imposició d’una ideologia fixa molt concreta.
Hi va haver obres crítiques, encar

Anna Lizaran: «Pensábamos que 'Agost' podía resultar un éxito, pero no tanto»

Se ha ganado un tratamiento reservado solo a las más grandes de la escena. Porque es una leyenda viva del teatro catalán. Anna Lizaran, La Lizaran, lo demostró con creces con su soberbia interpretación de Agost, el gran hit del teatro catalán del pasado año. Ella se muestra agradecida por el reconocimiento y le gusta casi tanto hablar de teatro como del Barça. Es una culé de las militantes.

-¿Qué le despierta ser candidata a Català de l'Any según la votación de nuestros lectores?

-Es importantísimo que te reconozca el público, pero me hace especial ilusión estar al lado de gente a la que admiro tanto, como Xavi, Iniesta, Montserrat Caballé, Emili Teixidor y todos los demás. No creo que me lo tengan que dar por una tarea de unos meses.

-Pero no negará que Agost fue todo un fenómeno, de crítica y de público. ¿Lo esperaba?

-Pensábamos que podía resultar un éxito, pero quizá no tanto. Cuando leí la obra, me dije que me apetecía mucho hacerla. Mi papel era un bombón para cualquier actriz. Lo hablamos con Emma [Vilarasau] y Abel [Folk]; si todo iba bien podía ser un acontecimiento.

-El bombón era un personaje como la tremenda Violet, la gran matriarca de la familia Weston. ¿Se identificó en algo con ella?

-Mi personaje es extraordinario. Me gusta jugar e inventar, y más cuando el papel está tan lejos de mi manera de ser. No soy ni americana, ni pastillera... Disfrutas cuando te encuentras con situaciones en las que has de inventar. Porque pasas de simpática a antipática, de loca a cuerda...

-Todo el mundo destacó su energía en escena. ¿Cómo recarga las pilas? ¿Se cuidó especialmente para una obra de cuatro horas y tan intensa?

-A mí, pilas me sobran. Tengo fama de perezosa, pero sí y no. Y no me cuido especialmente, lo que sí intento es dormir muchas horas. Mi terapia para recuperar la voz es dormir.

SEnDAgost en el TNC y Dues dones que ballen en el recuperado Lliure de Gràcia. ¿Cómo lo ha vivido?

-Con una gran emoción. Es una temporada perfecta. Tenía muchas ganas de volver al Lliure, un teatro donde me han salido todas las arrugas, las canas, se me ha muerto gente muy querida, he conocido a gente importantísima... Es mi casa.

-Pero lleva unos años con otra camiseta, la del TNC de Sergi Belbel.

-Es aquello del mejor postor. Me siento una privilegiada porque me han llegado papeles extraordinarios desde que me hice mayor. Tuve un tiempo difícil, de parón, en el que ya no era ni madre, ni iaia, ni guapa, ni fea. Es una suerte poder hacer Agost y luego una cosa tan sencilla, en el mejor sentido de la palabra, como Dues dones que ballen.

-Otras compañeras de generación no disfrutan de este privilegio...

-Es que todas se operan y quieren ser jóvenes. No hay iaies en el mercado y yo me lo llevo todo [Risas].

-Y eso que lleva años amenazando con retirarse. Ya lo insinuaba a mediados de los 90.

-No me dejan retirar. Me lo ponen difícil con estos papeles. Entonces no me gustaba lo que hacía.

-¿Sigue pensando antes de un estreno en lo bien que estaría en una parada de olivas en la Boqueria?

-Así es. Cuando cojo el taxi para ir al teatro siempre pienso en por qué no tengo un puesto. No tienes mucho trabajo, con todas las olivas delante... Un estreno es gratificante y, al mismo tiempo, te mortifica.

-Recuerde alguna anécdota de tantos años de carrera.

-Uf, tengo tantas obras... Me acuerdo mucho de que el día que el Bar- ça ganó la primera Copa de Europa hacíamos Electra. Había unos 25 espectadores... ¡Vaya ganas de ir al teatro un día así! Yo estaba al lado de un ataúd y cuando marcó Koeman toda Gràcia retumbó. Dejé de llorar y dije: 'Nois, creo que hemos ganado la Copa de Europa'. Y luego seguí con el texto. Soy muy culé.

-Y el mejor elogio del público.

-Me producen bastante pudor estas situaciones. En el escenario puedo hacer cosas que fuera de él soy incapaz de hacer. Y no es por ninguna terapia. Una vez me pusieron en una nota: 'Una señora se encontró un día a Groucho Marx y le dijo: señor Groucho, no se muera nunca. No lo hagas, Anna'.

-¿En la triunfadora de Agost qué queda de la joven que empezó con La Passió en Esparreguera?

-Yo nunca dije aquello de mamá, quiero ser artista. Me lo encontré todo. Hice La Passió y estuve en una compañía en Esparreguera. Vine a trabajar a Barcelona, donde un día descubrí una escuela de teatro. Estaban Boadella, Montanyès, Maria Aurèlia Capmany... Me apunté y de allí salieron Els Comediants. Luego tuve una beca de dos años en París. Me escribió Lluís Pasqual para contarme que se estaba gestando el Lliure. Y volví. Ha sido una rueda que me ha ido arrastrando.

publicat per
José Carlos Sorribes
Foto : de Albert Bertran (Lizaran, la pasada semana, en el Lliure, el teatro de Gràcia que contribuyó a fundar en 1976.)
www.elperiodico.com
30 abril de 2011

"Cuando intelectualizas, la cagas"

Claudio Tolcachir, hombre de moda del teatro latinoamericano, trae a España su trilogía 'La omisión de la familia Coleman', 'Tercer cuerpo' y 'El viento en un violín'

A sus 35 años y en escaso tiempo, el autor, director y actor bonaerense Claudio Tolcachir se ha convertido en el más claro representante de un nuevo teatro argentino que, por primera vez, tiene identidad propia y no recurre a modelos europeos. Nunca había presentado junta su trilogía escénica puesta en pie con Timbre 4 y sus excepcionales actores. Desde el pasado 6 de abril las Naves del Matadero del Teatro Español, de Madrid, acogen La omisión de la familia Coleman, Tercer Cuerpo (hasta el 15 de mayo) y El viento en un violín (del 18 de mayo al 5 de junio), obra esta que también forma parte del Festival de Otoño en Primavera.

"Parecía que no saldríamos del pozo, pero nos pusimos a hacer teatro"

¿Cómo se combina lo de estar de moda en Europa, reclamado por grandes teatros y festivales, con ser autor y director de una humilde compañía, cuyos trabajos se presentan en un sencillo piso bonaerense?

Tolcachir se siente rico. Desde hace unos meses tiene una nueva sala conectada por un pasillo con la anterior, para 50 personas. "Es para 180 espectadores", dice con su filosofía de dejarse sorprender por todo lo que sucede a su alrededor: "Soy muy inconsciente de todo cuanto no teníamos", señala al hablar de cómo nació su hoy afamado grupo. "Armamos Timbre 4 en 2001, época en que todos andaban escapándose adonde pudieran, por hambre y por desesperanza; teníamos la sensación de estar en un pozo del que no saldríamos, a pesar de lo cual nos pusimos a hacer teatro".

Con los años se vieron empujados a buscar algo más. Encontraron una nave, conectada por un pasillo con la pequeña sala: "Estaba destrozada, pero hicimos un teatro, sin plata para comprarlo, ni arreglarlo; ha sido emocionante verlo crecer y ver cómo los chicos de la escuela defienden el espacio como propio", sostiene.

Pone caras raras, de asombro e incredulidad este pelirrojo de expresión infantil, cuando se le dice que está empezando a ser considerado un gurú teatral: "No creo, de hecho me pongo muy nervioso cuando trabajo con actores como Gloria Muñoz o Carlos Hipólito, por pura inconsciencia les doy órdenes; cuando montas algo todo está lleno de fantasmas, al teatro no le importa si eres conocido o no, te pide las mismas cosas, no lee currículos".

Tolcachir es de los que piensan que tuvo mucha suerte con que las cosas le costaran tanto: "Así entiendes que el trabajo es lo único que vale, lo demás es placer, o sufrimiento si la cosa no va bien, pero lo único real y que te sostiene es el trabajo de todos los días", señala este profesional que tiene paralizada su carrera de actor.

Al hablar de lo que ahora presenta en Madrid pone en duda si es una trilogía: "Yo escribí tres obras, y no sé si escribiré la cuarta. Es un misterio. Cierto que tienen cosas en común: el tipo de personajes, perdedores que viven en lugares incómodos, tratando de integrarse, aunque diferentes por la actitud frente a la vida". Son textos con estructuras distintas, con una línea común: la tragicómica: "Es mi manera de vivir y mirar al mundo".

"La última [solo vista en el Festival de Temporada Alta de Girona] es la más violenta y esperanzada, me dije 'abramos una ventanita', aunque uno después intelectualiza el asunto y la caga". De La omisión de la familia Coleman dice: "Sus personajes son supervivientes, pero a costa de no ver; era lo que sentía en mi vida y en mi país, donde todo era tan terrible y tan sin futuro, que lo único que hacíamos era vivir, pelearnos, ir de un lado a otro".

Tercer cuerpo tiene unos personajes que desprenden aromas chejovianos: "Habla de la soledad humana; son seres con la vida por delante y no saben qué hacer para que aquello tenga sentido". En El viento en un violín (montaje que después del verano inicia una gira por España, así como la trilogía completa en 2012), los personajes son más oscuros y tremendamente violentos. "Es una obra sobre la aceptación y el amor". Su título es una metáfora, para hablar de un aire puro que está oculto y Tolcachir lo relaciona con lo que ha pasado en su país: "Hemos vivido sin saber si éramos Europa o una parte de Miami, si éramos indios, gauchos, descendientes de europeos o latinoamericanos. Nuestra crisis también fue cultural y fue la más positiva. Ahora tenemos claro que somos latinoamericanos, funcionamos como argentinos y vamos aceptando nuestra identidad".

publicat per
Rosana Torres / Madrid
foto : Luis Sevillano ( Claudio Tolcachir, actor y director teatral)
El actor y director argentino Claudio Tolcachir.
www.el,pais.com
30 abril de 2011