27 de juny 2016

Frinje16 se adentra en la realidad política y social



Del 01 al 17 de julio 2016
En: Madrid, Matadero Madrid

Frinje Madrid celebrará su quinta edición del 1 al 17 de julio en Matadero Madrid. El festival de artes escénicas organizado por el Teatro Español apuesta por una programación ecléctica de calidad en la que se darán cita 23 compañías, ocho menos que en 2015, que presentarán al público múltiples relatos sobre la actualidad, con especial interés en la realidad política y social.

A pesar de que el presupuesto ha aumentado hasta los 250.000 euros, Frinje16 verá reducidos los días que estará activo de 23 a 16, y también desciende el número de compañías. Según explica José Manuel Mora, el aumento del presupuesto se destinará a aumentar el caché de las compañías, que pasa de 1.200 y 1.500 a 3.000 euros, y en ayudas a la creación, fomentando así la calidad y apostando por los nuevos creadores, por lo que se estrenarán siete proyectos.

Las propuestas escénicas han sido elegidas, entre 800 solicitudes llegadas desde 20 países, por una comisión artística que formada por Marion Betriu, coordinadora artística de Frinje Madrid; Marcia Dias, directora artística Festival Tempo de Río de Janeiro y productora; José Manuel Mora, dramaturgo y coordinador artístico de Frinje Madrid; Tiago Rodrigues, creador y director artístico del Teatro Nacional D. Maria II de Lisboa, y José Antonio Sánchez, catedrático, investigador y autor de numerosos textos críticos sobre las artes escénicas.

La programación se divide en tres bloques principales centrados en los conceptos de Pasado, Presente y Futuro. El primero reúne los trabajos diferentes compañías que vuelven la mirada atrás para reflexionar sobre la construcción del presente: toda una serie de viajes a la memoria más íntima y personal que ayudan a comprender las raíces y cambios sociales. En estas piezas, los creadores cuestionan su identidad, personal y colectiva, a través de la transformación de materiales biográficos en ficción escénica.

Entre las obras destacadas en esta sección están La Blanca (3 y 5 de julio) de la Compañía La increíble, un teatro disfrazado de conferencia con aspiraciones de monólogo y voluntad de confesión; Testigo de las ruinas (8 y 9 de julio), un acto de despedida a cargo de la compañía colombiana Mapa Teatro; o MODËRNA, de La Belloch Teatro, que indaga en los tópicos de la escena contemporánea más vanguardista desde la mirada de Lola Cordón, actriz octogenaria con una sólida y reconocida trayectoria a su espalda.

Modos de vida
En Presente, Frinje16 aúna propuestas de compañías que cuestionan los modos de vida contemporáneos, sus vicios y miedos desde ópticas multidisciplinares como la danza y la música y atravesadas por el humor. Esta sección se abre los días 1 y 2 de julio con Herederos del ocaso (Crónicas Ibéricas II), de Club Caníbal, que cuenta la historia de Juan Alegría, un deportista fracasado que quiere ganar una medalla en los Juegos Paralímpicos de Sídney. Otras propuestas son El resistente y delicado hilo musical (2 y 3 de julio), de Amalia Fernández; Wasted (7 y 8 de julio), de Íntims Produccions; Homo Ridens_Madrid (9 y 10 de julio), de Teatro Sotterraneo, o BBBB (15 de julio), de Agrupación Sr. Serrano.

Por último, en Futuro dialogan piezas escénicas que imaginan lo que vendrá. Así lo hacen obras como Lichen-man (1 y 2 de julio), de Frédéric Sonntag y la AsaNIsiMAsa Company, en la que se retoma el mito del superhombre; La Banda del fin del mundo (16 y 17 de julio), con la que la compañía loscorderos.sc ofrece una desconexión del mundo tal y como lo conocemos; o Apocalypse Uploaded (12 y 13 de julio), donde LAminimAL se pregunta ¿cuánto hay de imaginación en los relatos que conforman nuestras identidades?

Talleres, música y más
Durante el transcurso del festival se desarrollarán una serie de laboratorios escénicos destinados a los amantes del teatro y a jóvenes profesionales. Agrupados en la sección Procesos, con ellos el Frinje16 aspira a ser un lugar para la formación y reflexión teatral. Estos son Etnoficciones: Poéticas de lo real (6 de julio), una muestra del laboratorio de creación impartido por Mapa Teatro; Amor líquido (16 de julio), impartido por Cibele Forjaz; Entonces baila (16 de julio), por Laura Szwarc en colaboración con Intermediae; En busca de una nueva identidad (17 de julio), laboratorio de creación de Falk Richter, Nils Haarman y Nir de Volff; y Pícnic (17 de julio), que imparte Rocío Bello, Carlos González y Miguel Rojo en colaboración con la Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid e Intermediae.

Los más pequeños también contarán con experiencias singulares dispuestas a estimular su imaginación con el apartado de Nuevos Públicos. Se han preparado talleres relacionados con la música y la expresividad diseñados para los niños: Corroc (2 y 3 de julio), de Escarlata Circus, está concebido como una visita guiada a una colección de piedras con formas de corazón que cobran vida y explican historias; Música para bebés (2 y 3 de julio), un taller a cargo de la Escuela de Música Creativa; Lost Dog (9 y 10 de julio), espectáculo de títeres y objetos de Cal y Canto Teatro; Iniciación a la música electrónica para niños (9 y 10 de julio) de David Crespo; Trípula (16 y 17 de julio), un viaje apacible y poético de Farrés Brothers i Cia, y el concierto acústico de LaliBeGood (17 de julio).

Matadero Madrid también estará plagada de música con cinco conciertos acústicos y de pequeño formato para sobrellevar el calor de julio y disfrutar de las noches de verano: Lu Rois (1 de julio), Nicola Cruz (5 de julio), Paul Fuster (6 de julio), Aurora & The Betrayers (12 de julio) y Soledad Vélez (13 de julio).

La programación se completa con los Cócteles: el 2 de julio se reunirán Mark Ravenhill con Carolina África, María Folguera, Frédéric Sontag y Carlos Tuñón; el 9 de julio, Mapa Teatro con Cibele Forjaz, Roger Bernat y Marc Caellas, y el 17 de julio, Falk Richter, Nils Haarman y Nir de Volff.

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hoyesarte.com 22/06/2016
Lichen-Man. Foto: Gaelic.
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26 de juny 2016

MONÒLEGS DRAMÀTICS A L'ESPAI ALARONA



Companyia de Teatre LA FUSTA  

Avui diumenge 26 de juny a les 20:00 h. es presenta a l'Espai Alarona (Plaça Sta. Maria, 6 Mataró)

ESPAIS BUITS
Cinc monòlegs on dues actrius parlen sobre les seves pors, els seus desitjos més íntims, l'amor, la solitud, la mort i la bogeria, fent tot d'això un espai buit on la soledat i l'egoisme lluiten contra la possibilitat de ser una mica millors.
Actrius: Elisabeth Noè i Miriam Sacristán.
Direcció: Kiko Martínez.


Taquilla inversa (pagues el que vols a la sortida)

Torna l'obra 'Acorar' a La Seca





El monòleg de Toni Gomila és tot un èxit del teatre alternatiu

Quan es va estrenar ni el mateix director, Rafel Duran, augurava una vida massa llarga a l'espectacle. Això va ser el 2011 a Mallorca i des d'aleshores el monòleg Acorar ha guanyat una desena de premis i acumula més de 30.000 espectadors. El text s'ha traduït a l'italià, el portuguès o el castellà i, fins i tot, s'ha rodat un documental titulat Acorats. Crònica d'un fenomen on s'explica amb pèls i senyals la història de la peça. Ara, l'obra torna a la Seca – Espai Brossa, l'escenari que la va popularitzar a la ciutat de Barcelona, allí la podrem (re)descobrir fins al 2 de juliol.

La peça tracta des d'una òptica molt personal i irònica l'evolució de la identitat col·lectiva dels pobles. L'exemple que mou la trama és la descripció d'un tradicional dia de matances a Mallorca, on s'apleguen tradicions i rituals ancestrals molt significatius per a la comunitat com, per exemple, l'elaboració de la sobrassada. El punt de partida casolà i íntim es transforma en universal a través de l'oposició entre tradició i modernitat, entre el vell i el nou i tot allò que els uneix.

Toni Gomila, el protagonista, aporta un punt íntim i personal a la narració, el que fa que l'espectador acabi submergit en la intimitat d'una comunitat en principi aliena però que a poc a poc acaba transformant-se en un referent proper. La descripció s'atura en els detalls típicament locals però que no costa identificar com universals. Una peça, en definitiva, que des del detall ens apropa al bagatge comú que tenim els humans com a part d'una comunitat.

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Talleres Intensivos de Verano 2016

Ya están aquí los Cursos Intensivos de verano 2016.


INCRIPCIONES E INFORMACIÓN
susana@impromadrid.com / 91 543 73 63 / 681 23 71 67
 
VER CURSOS

 

Fechas y Horarios: 1, 2 y 3 de julio
Viernes 1 de 18 a 21h / Sábado 2 de 11 a 14h y de 16 a 19h / Domingo 3 de 11 a 14h
Precio: 100 euros

Impartido por: Ignacio López 
Fundador y codirector de “Impromadrid Teatro” Trabaja desde 1999 como director y/o actor en los montajes de la compañía: “Corten”, “Nuevo Catch de Impro”, “Teatruras”, etc… Profesor de Improvisación desde hace más de diez años en diferentes escuelas y países (Amsterdam, Berlín, Belo Horizonte, México D.F., Lisboa…) Dramaturgo/guionista (Premio Jóvenes Creadores de la Comunidad de Madrid con “Medicarte” editada por Ñaque) y licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid.

 

Fechas y Horarios: 9 y 10 de julio

Sábado 9 de 11 a 14h y de 15 a 18h / Domingo 10 de 15 a 21.30h

Precio: 100 euros

Taller y montaje serán dirigidos por Omar Argentino Galván
Actor-docente-director-investigador especializado en Impro (técnicas de improvisación teatral). Con su improtour constante, ya pasó por más de veinte países. Cofundador de la compañía Sucesos Argentinos (1996), desde el años 2000 en viaje unipersonal. Creador de formatos (Solo de Impro, Improlandia, Impro no more, Links…). Organizador del Primer festival de Impro en español (México 04). Desarrollando método “impropainting” basado en Soundpainting de Walter Thompson. Reside en Madrid, pero está en constante gira.

Te invitamos a un fin de semana de Impro que terminará con un montaje de lo trabajado en el workshop intensivo.

Contenidos:
  • Impro en el mundo, usos y costumbres. Módulo teórico.
  • El cuerpo poético. La teatralidad en la Impro más allá de la pantomima básica. Módulo práctico.
  • La palabra precisa. Estructuras de relatos. Hacia una dramaturgia espontánea y fina.
  • La primera persona. Improvisación testimonial. La honestidad en la ficción.
  • Comedia rápida. Dota a tus escenas de comedia.
  • Transiciones. Formas de atravesar, cambiar, fundir escenas e historias.
  • Hacia un montaje. Variaciones de las usuales maneras de presentar la Impro a público.
.

 

Fechas y Horarios: 22, 23 y 24 de julio.
Viernes 22 de 19 a 22h / Sábado 23 de 11 a 14h y de 16 a 19h / Domingo 24 de 11 a 14h

Clase abierta (gratuita, necesaria reserva) el miércoles 29 de junio de 20 a 22h

Precio: 100 euros

Impartido por: Julián Bozzo
Pedagogo formado en Antropología, Terapia Gestalt y Pedagogía Sistémica. Diplomado en Ciencias Químicas. Poeta y Músico. Director de Mundo Aladuría que incluye ImproVersa Escuela de Creatividad y Canto Improvisado, Danza Palabra Pedagogía y Mundo Aladuría Música.
Es un taller introductorio dedicado a todas aquellas personas que quieran explorar su creatividad y su voz desde el humor, la improvisación y el contacto con su autenticidad. Un curso donde conectar con nuestra esencia creativa y abandonar el juicio y la exigencia. Todo ello desde la improvisación, el teatro, la escritura poética, el canto improvisado y el contacto con un grupo donde confiar y compartirnos.
 No son necesarias nociones de canto.
Contenidos:
  • Composición poética / Construcción de letras: Técnicas para la creación de letras, construcción de rimas, metáforas, metonimias, verso libre, canción espontánea, etc.
  • Encontrando nuestra voz: Nos pasa que, a menudo, cantamos imitando la voz de alguien o, al enseñarnos canto, ponen toda la atención en querer llevarnos a un registro que no es el nuestro. La idea es encontrar nuestro sitio desde el que cantar sintiéndonos cómodos.
  • Afinación emocional: Aprender a cantar afinando desde la emoción surgida y aprender a construir melodías que se adapten a nuestra tesitura.
  • Técnias de ImproMusical: Canción en coro, canción a trío, kayak, canción por estilos, dúo, romántico, etc.

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El adiós al Teatro Guindalera



El TEATRO GUINDALERA nació como centro de creación teatral con la voluntad de ser
un servicio público, un servicio público para la ciudad de Madrid, con un espacio físico
para la creación y difusión de sus producciones. Durante estos trece años y en ese
espacio concreto hemos intentado crear un estilo propio, con unas características
específicas, que son el sello de nuestras producciones.
Como “verso suelto” que somos en la profesión, hemos buscado la independencia, la
dignidad artística, técnica y laboral, así como el equilibrio entre lo que nos interesa a
nosotros y a nuestra sociedad, entre la elección de textos sólidos y el deseo de
renovación, además del entretenimiento y la búsqueda de temas que hablen de la
condición humana y planteen nuevos interrogantes sobre el ser humano en el
universo. Nos interesa fundamentalmente el actor como centro de la experiencia
teatral y sus procesos creativos, al tiempo que nos alejamos del “efecto teatral”, en la
búsqueda de la esencia del arte escénico. Buscamos la magia del juego sin estridencias
circenses ni trucos escondidos bajo la manga. En nuestros montajes damos prioridad a
la cercanía con el espectador, que siente la proximidad de las emociones desnudas de
nuestros actores.
La sala, situada en el número 20 de la calle Martínez Izquierdo, fundamentalmente ha
sido ese espacio físico que ha propiciado que el proyecto se desarrollara
adecuadamente; un lugar donde poder elaborar y mostrar nuestra propia producción
teatral, enriquecida con la aportación de otros espectáculos cercanos a nuestra forma
de concebir el arte escénico. De esta forma, el Teatro Guindalera se ha convertido con
los años en un espacio de culto con un público fiel, en un referente por la calidad
artística y por su modelo de gestión independiente (se paga un precio muy alto por la
independencia), en algo que, como servicio público muy localizable, sin los
presupuestos de los teatros “oficiales”, enriquece a la sociedad a la que pertenecemos.
Es también un lugar que,por sus características,propicia intimidad y cercanía –que se
amplía con el licor de guindas que comparten espectadores y actores en al hall al final
del espectáculo, como excusa para intercambiar comentarios sobre la obra,o en
pequeños debates programados–.
Sin embargo, después de remontar muchas situaciones críticas -que nos llevaban
durante varios años a un posible cierre-, nos vemos finalmente en la obligación,
definitivamente, de cerrar la sala como centro de exhibición,por la única razón de una
total imposibilidad económica para su mantenimiento.
El TEATRO GUINDALERA se convierte así en un lugar donde únicamente se ensayarán
nuestros espectáculos -que deberán exhibirse en otros teatros-, o se llevarán a cabo
otros proyectos de investigación teatral. No podemos seguir manteniéndonos como
sala de teatro con una programación estable. Es verdad que una posible solución para
evitar el cierre sería la derenunciar al centro de creación para convertirnos en sala
multiprogramación, programando incluso varios espectáculos diarios o exigiendo un
porcentaje superior a las compañías. Pero, por razones que nos alejan de nuestros
objetivos anteriormente expuestos o, simplemente, por dignidad profesional, nos
negamos a ello. No buscamos la supervivencia a través de un servicio comercial.
Por tanto, después de muchos años buscando soluciones cada vez mas ingeniosas,
llega el momento en el que en la balanza pesa más la desesperación del presente (el
21% del IVA es solo un matiz más) que la esperanza de un futuro mejor -en el que
siempre habíamos creído-, especialmente porque llegamos a la conclusión de que
nuestras administraciones no sólo son incapaces, sino queno tienen interés en
proyectos como el nuestro.
Hay que añadir que las instituciones apenas ayudan a las salas de creación, pero
sevuelcan con festivales que todo el mundo difunde y de los que se sienten
muyorgullosos (FRINGE, TALENT, SURGE...), que no miran por la calidad de
laprogramación ni por la profesionalidad o legalidad de las personas que participan.
¡Nadie premia ni destaca que los artistas estén contratados! La cuestión es ganar
dinero o servir de imagen, y no crear un proyecto decalidad y un equipo de trabajo
estable... Por otro lado, el teatro profesional tiene que ser cosa de profesionales con la
estabilidad necesaria para su desarrollo profesional, y si no están al servicio de las
necesidades del mercado, mejor.
Debemos agradecer a todos los ángeles que han desfilado por Guindalera, que han
sido multitud, espectadores, colaboradores, artistas y, porqué no, a algún demonio
que quiso hacernos daño -aprovechándose de nuestra ingenuidad-, pero que nos abrió
los ojos un poco más a la realidad. Nos vamos con la alegría y satisfacción de haber
sido fieles a nuestros postulados y con la tristeza de comprobar que el país no puede
permitirse proyectos como el de GUINDALERA o, simplemente, no le interesan.
¡Ojo! Tenemos que cerrar la sala, ¡pero Guindalera seguirá dando que hablar en sus
producciones! Seguimos con nuestro montaje de Tres hermanas de Chéjov que en
octubre iniciará su gira, y en noviembre El año del pensamiento mágico estará
programado en el Teatro de la Abadía.
23 de Junio 2016
Juan Pastor Millet

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25 de juny 2016

La Sala Hiroshima presenta el teatre físic d'Alejandro Curiel



'All by myself' ens parla de la dualitat entre la solteria i viure en parella

La situació de partida és un menjador d'allò més normal on conflueixen una sèrie d'individus. Entre altres històries paral·leles trobem la de l'Alejandro, un noi que amb trenta anys no ha tingut parella mai, un individu sol que viu a un món on el que compta, diuen, és deixar d'estar sol. L'arribada de més personatges obrirà el debat sobre si en la nostra societat actual ser solter és una xacra o un símbol de llibertat. La conversa s'anima i el grup d'individus reunits al voltant d'un sofà acabaran cantant acompanyats d'un teclat, llegint un perfil de GayRomeo sobre una cobla de Rocío Jurado.

Aquesta és la situació de partida d'All by myself, un espectacle multidisciplinari d'un grup d'individus que intenten transformar tot allò que veuen en imatges en moviment. Viuen les arts escèniques com un procés d'aprenentatge constant, alimentat per tota mena de disciplines com ara dansa, teatre, pintura, escultura, literatura, filosofia, cinema, televisió o drogues. La creació, en definitiva, com un procés aglutinador d'experiència. Alejandro Curiel dirigeix aquesta peça, un creador format a l’Escola d’Art Dramàtic de Valladolid que completa la seva formació amb dansa contemporània i teatre visual. El 2015 estrena el seu primer projecte a la Sala Hiroshima, Bona bella dolça. Ara, torna a repetir amb una nova creació sobre una de les tendències socials més significatives de la nostra època.

Quan es fa
Data d'inici:
24/06/2016
Data de finalització:
26/06/2016

On es fa
Lloc:
Sala Hiroshima

Adreça:
C Vila i Vilà, 61*67

Districte:
Sants-Montjuïc

Telèfon:
933155458

divendres i dissabte
a les 21:00 h     
Entrada general de: 13 eueros
diumenge           a les 20:00 h

Idea + direcció: Alejandro Curiel
Creació+ interpretació: Guillem Barbosa i Alejandro Curiel
Piano + veu: Laura Maure i Matilde Campano Pando
Disseny d´il·luminació, espai i vestuari: Patricia Albizu i Alejandra Lorenzo

Un menjador ordinari amb un habitant ordinari. Un convidat que sembla prometre una festa que pal·liï la solitud de l´amfitrió fins que tots dos defugen la confraternització per recrear la història d´un paleontòleg assassinat en algun lloc d´Itàlia i per parlar-nos d´ell, Alejandro, amb 30 anys i solter des de fa 30 anys: al final, diuen, el que compta és deixar d´estar sol. L´entrada de dos convidades més converteix la sala en un desenfocat decorat de Friends (encara que Alejandro sempre ha estat més de l´Un, dos, tres ...) situat en una Espanya en la qual la cultura popular és font ideològica i validadora constant de la "parella-parella" però que, sota la influència de Les Amistats perilloses, lluita per trobar un equilibri entre el compromís i la diversió. En una societat que no sap si un solter empedreït és un caspós solter o un single alliberat, aquest grup d´amics, o de coneguts, o de gent que s´ha reunit al voltant d´un sofà per parlar-nos i cantar-nos acompanyats d´un teclat, es permet llegir un perfil del GayRomeo sobre una cobla de Rocío Jurado i practicar el kama sutra per la meitat (és a dir, amb la meitat que queda inscrita sota la pell d´un sol individu) i somia amb reinventar els enyorats passejos dominicals amb la núvia sota el signe d´una inquietud política (o de la inquietud per la desinquietud sobre la política) restaurada pels efectes de la cocaïna.
Ell, dèiem, està solter, i està sol: és possible que la solitud estigui infravalorada com a factor de risc per a ofegar-se en la peixera del saló de casa, però també ho està com epidèmia que, imparable, ens fa oblidar que l´ésser humà és un ésser gregari i que la nostra civilització va néixer, potser, en alguna cosa no tan diferent a la terrassa d´un bar.

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21 de juny de 2016
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‘La villana de Getafe’ se moderniza en Alcalá



Del 25 al 26 de junio 2016
En: Alcalá de Henares, Teatro Salón Cervantes (Alcalá de Henares)

Tras su debut en el Teatro de la Comedia (Madrid), la cuarta promoción de la Joven Compañía de Teatro Clásico recala en el Festival Clásicos en Alcalá con 'La villana de Getafe', una nueva versión del clásico de Lope de Vega que versiona Yolanda Pallín. Dirigida por Roberto Cerdá, este montaje incorpora la danza contemporánea y está ambientado en un escenario y con un vestuario totalmente modernos, creados por Anda Garay.

La diferencia de clases sociales entre ricos y pobres (cortesanos y campesinos) es la base de la historia. Esta comedia presenta dos estamentos sociales: en Getafe se encuentran los villanos, los aldeanos; mientras que en Madrid está la Corte, un mundo al que aspiran a llegar algunos ambiciosos. El texto se pregunta sobre la existencia de los prejuicios en la sociedad y la verdad de los sentimientos.

“La fuerza de la mujer que es capaz de adoptar actitudes diferentes para demostrar su valentía; la promesa no cumplida y su consecuente dolor; la dignidad frente a la mentira; el amor (verdadero o no) que encubre el ansia de dinero, son algunas de las cuestiones que trataremos de actualizar para que afloren los profundos sentimientos (no exentos de humor) dibujados con maestría por Lope de Vega”, explica Cerdá.

Diecisiete actores, entre ellos dos veteranos, Pepa Pedroche y Sergio Otegui, son los encargados de dar vida sobre el escenario a la historia de Inés, una chica al borde de la locura por culpa de Don Félix, un depredador sexual, a la que prometió amor, como también lo hizo a una dama, doña Ana. Inés, que es ‘villana’ por ser habitante de la villa de Getafe, vivirá una especie de locura que le impulsará a escalar socialmente. El dinero y el poder serán los motores de algunos de los personajes, enredados en promesas e intentos de medrar en las alturas.

Sábado y domingo a las 21.00 h.

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24 de juny 2016

Aclaridor rescat de la veu silenciada



'Diari d'una miliciana' denuncia a La Seca el tràgic destí de cinc joves republicanes en la guerra civil

Hi ha moltes històries com la que ha recopilat Jaume Miró Adrover (Cala Millor, Mallorca, 1971) a 'Diari d’una miliciana' que segueixen ocultes. Aquest silenci «antic i molt llarg» a què al·ludeix Raimon en la seva coneguda cançó himne va ser l’escut utilitzat pel franquisme i els seus valedors per evitar que aquests fets sortissin a la llum i posessin en evidència tanta injustícia i tant d’horror. L’autor de l’obra, que fins al 3 de juliol es representa a La Seca, s’ha basat en el testimoni íntim i personal recollit en el diari d’una jove infermera destinada, junt amb altres quatre companyes, a Mallorca l’estiu del 1936 amb l’il·lusori objectiu d’intentar aturar l’avanç del feixisme.

Els 18 dies de vivències narrats per la desconeguda autora d’aquest testimoni acaben sent un material aclaridor. El relat no solament reflecteix les dures situacions de guerra en què es van veure implicades unes protagonistes abandonades a la seva sort, sinó que denuncia el comportament masclista d’uns comandaments i soldats que les van relegar, per la seva condició de dones, a tasques menors a la rereguarda, completament allunyats dels ideals que els havien impulsat a embarcar-se en la seva aventura en defensa de la llibertat.

Aquesta crítica a la discriminació soferta, unida a la descripció del caos al bàndol republicà, és la que aporta un valor afegit a aquest muntatge. «Si algun dia ens han de governar aquests, estem aviades», ve a dir una de les milicianes després dels primers dies de convivència amb els camarades sense endevinar encara el seu tràgic destí de víctimes dels vencedors.

SENZILLESA I DENSITAT

La posada en escena del també mallorquí Toni Gálmez aconsegueix projectar l’atmosfera del patiment de les protagonistes amb senzills elements escènics. Un actor, cinc actrius i tres músics de la companyia La Belle Ensemble recreen amb frescor i energia les accions d’aquest document teatralitzat. El vestuari, que utilitza granotes blaves, útils i armes de soldats, bandera negra i vermella i uns braçals de la Creu Roja, són suficients per situar els espectadors a l’època. I és molt important la música, composta de reconeixibles himnes i cançons de la guerra civil que s’intercalen per donar ritme i agilitat en el desenvolupament del muntatge.

L’investigador dels fets introdueix l’obra i apareix abans de l’inici de diferents escenes recordant les dificultats que va suposar trobar tant de material silenciat. L’espectacle connecta amb l’emoció d’un públic còmplice que assisteix atònit a la revelació de fets que imagina però que poques vegades li han sigut descrits amb tanta versemblança. Miró i els joves actors aconsegueixen amb aquesta història aixecar alfombres de premeditat oblit demostrant que aquest és l’únic camí per assolir la definitiva reconciliació.

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21 de juny de 2016
César López Rosell – Barcelona
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Abierto Plazo de Inscripción IETM Valencia






El encuentro internacional que se celebrará del 3 al 6 de noviembre con sedes principales en Teatre el Musical y Las Naves, abre el plazo de registro con un precio reducido para las inscripciones tempranas.  

El encuentro contará, entre otras, con dos sesiones de networking – Newsround y Showroom, donde los participantes seleccionados presentarán sus proyectos y búsqueda de socios. Cualquier participante registrado puede solicitarlo hasta el 26 de agosto.

Las solicitudes para la Mentor Room – una sesión intensiva que ofrece a los participantes del encuentro la oportunidad de aprender del conocimiento y la experiencia de los mentores – serán aceptadas también hasta el 26 de agosto.

IETM Valencia

Desde este momento y hasta el 19 de septiembre queda abierto el plazo de inscripciones con precio reducido para el Encuentro de Otoño de la IETM en Valencia. La IETM (International Network for Contemporary Performing Arts), red europea de las artes escénicas contemporáneas que cuenta con más de 500 miembros internacionales, individuales y organizaciones, lleva a cabo dos encuentros plenarios al año en diferentes ciudades europeas, así como otros encuentros menores alrededor del mundo. La IETM tiene como objetivo estimular la calidad, el desarrollo y los contextos de las artes escénicas contemporáneas a nivel global propiciando el networking y la comunicación entre profesionales, el intercambio dinámico de información y la transmisión de ejemplos de buenas prácticas.

En este caso la Red de Teatros Alternativos junto a Teatro de lo Inestable son los encargados de organizar el plenario de otoño en la ciudad de Valencia del 3 al 6 de noviembre. El lema elegido para el encuentro es Crossroads – Encrucijadas – y pretende reflexionar sobre la situación en la que muchos agentes culturales se encuentran en este momento en el sector de las artes escénicas. El registro, con un precio de 95 euros por persona inscrita, se hace de forma sencilla mediante un formulario a través de la web. A partir del 19 de septiembre el precio se incrementará a 120 euros por persona y permanecerá con la misma cantidad hasta unos días antes del encuentro. El registro da acceso a una cuenta personal desde donde se podrá acceder a toda la programación y listado de asistentes y a las inscripciones a las diferentes sesiones de contenido.

AGENCIA DE COMUNICACIÓN artes escénicas

Al mismo tiempo, se encuentra abierto el plazo de solicitud de participación en las sesiones de Newsround, Showroom y Mentor Room hasta el 26 de agosto. La metodología de las Newsround se basa en presentaciones cortas de aquellos proyectos que se quieran dar a conocer y especialmente de aquellos que se encuentren en búsqueda de posibles socios para optar a fondos europeos de cultura. Durante las sesiones de Showroom, 4 proyectos financiados por la UE preseleccionados serán presentados con 20 minutos de duración. Las Showroom no solo dan la oportunidad de presentar las mejores prácticas, sino también sirven para identificar y cuestionar nuevos modelos de cooperación.

Las Mentor Room son sesiones intensivas de dos horas de duración que ofrecen a los participantes la oportunidad de aprender de las experiencias y el conocimiento de otros. Las tres opciones, dependiendo de las necesidades de cada asistente, son oportunidades indispensables como lanzadera de proyectos y punto de encuentro de pensamiento y metodologías comunes.

Como cada año, la IETM ha publicado ya también sus Ayudas de Viaje – Travel Grants – disponibles para aquellos miembros de más de un año de antigüedad cuyos ingresos anuales no superen los 100.000 euros. El importe de cada ayuda puede cubrir hasta un 75% de los gastos de viaje y alojamiento para asistir al encuentro plenario y se pueden solicitar hasta el 28 de agosto a través de la web.

Para más información dirígete a ietm@ietm.org

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23 de juny 2016

Programació internacional de juny a la Vilella

Programació internacional
de juny a la Vilella!

Passatges

workshop de dansa butoh
24 i 25 de juny

Passatges és un viatge espiritual cap a la transformació del cos, alliberant la ment en una celebració per la vida.

Horari
Divendres 24 de juny de 17h a 20h
Dissabte 25 de juny de 11h a 15h

Més informació aquí

Reserves
 info@lavilella.com    |  931 132 015  |   whatsapp: 637 598 146
In the shadow of darkness + Factor X
25 de juny - Programa doble de dansa 
Concepte, coreografia i dansa de Tebby W.T. Ramasike
+ info aquí!

Tebby Ramasike arriba a Europa el 1995, després de treballar amb diverses companyies a Sud Àfrica. Va treballar com a ballarí amb diferents coreògrafs internacionals, practicant diferents formes de dansa, i autodidacta pel que fa a la dansa africana. Va trobar el vertader Butoh amb Carlota Ikeda.
Actuar para Nadie
El 27 i el 30 de juny
Aquest espectacle, de Malena Vieytes, arriba des d'Argentina, i és una compilació de personatges, textos i textures. Amor, humor i poesia.

Per reservar
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Arriba la programació de FiraTàrrega 2016!

Juny de 2016No ho veus? Vés al navegador

Arriba la programació de FiraTàrrega 2016!

La Cie. Artonik, amb el seu espectacle The colour of time, inaugurarà FiraTàrrega 2016, que  tindrà lloc del 8 a l’11 de setembre. Una nova edició marcada per l'eix conductor de la interculturalitat, que presenta els treballs de 57 companyies provinents de 9 països i on destaquen 33 espectacles d’estrena.
El programa de la Fira s’estructura en 5 seccions: Secció Oficial (èxits de la temporada i estrenes internacionals), Plataforma (espectacles provinents del Programa de Suport a la Creació i altres coproduccions), Ondara Park (la programació més festiva), Programa Obert (programació oferta des del sector privat) i Bonus tracks.
Per tal de fer-lo més accessible, la Fira proposa els Itineraris artístics, que agrupen les propostes a fi que cada espectador pugui trobar fàcilment els seus espectacles.
Mira el vídeo FiraTàrrega 2016 Coming Soon!
Ens veiem a Tàrrega, del 8 a l'11 de setembre!
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FiraTàrrega
Pl. St. Antoni, 1
E25300 Tàrrega
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