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24 de març 2019
‘El desdén, con el desdén’ según La Joven CNTC
Del 12 de marzo al 7 de abril de 2019
Teatro de la Comedia, Madrid
La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, dirigida por Iñaki Rikarte, lleva a las tablas del Teatro de la Comedia El desdén, con el desdén de Agustín Moreto Madrid, 1618 - Toledo, 1669) en versión de Carolina África.
Para Rikarte, “El desdén, con el desdén es título y argumento de una comedia fabulosa: Carlos, enamorado de Diana y desdeñado por ella, finge su propio desdén para conquistarla. Sobre esta contradicción, Moreto construye una estructura eficacísima en la que siempre prioriza el juego, abundando las situaciones donde los personajes se ven obligados a mentir, a disimular, a ocultar lo que sienten, conocedor de esa paradoja cruel de la comedia según la cual cuanto peor lo pasan los personajes más nos divertimos los espectadores”.
La contradicción aflora constantemente en los rasgos adolescentes de los protagonistas: son inmaduros, competitivos, tozudos, vanidosos, egoístas, tiranos, manipuladores y, casi al mismo tiempo, pueden mostrarse juiciosos, generosos, empáticos, delicados, autocríticos, ponderados. Es también contradictorio el modo en que ellos mismos describen los efectos del amor o de los celos en sus propios cuerpos: con turbación adolescente y rigor casi científico. Como si fuesen investigador y cobaya al tiempo.
Para el director, textos como éste “destilan y requieren una energía y vitalidad extraordinarias. Encarnarlos es casi un ejercicio atlético. Por eso creo que es una gran noticia que se haya pensado en La Joven CNTC para devolverlo a las tablas”.
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hoyesarte.com
22 de desembre 2018
El Teatro Español de Rojo
Del 29 de noviembre al 30 de diciembre de 2018
Teatro Español, Madrid
KEN: ¿No es un restaurante? MARK: No, yo lo convertiré en un templo. De esto va la obra Rojo que desde el pasado 29 de noviembre está llenando de martes a domingo las salas del Teatro Español: de cómo los artistas se ven obligados a convertirse en mercancías para encandilar a un público vendido, inexperto y superficial que se sirve del arte para invertir, marcar estatus en un entorno elitista o simplemente para coronar un sofá de piel de 10.000 dólares.
Es el dilema al que se enfrentan los pintores puristas, aquellos que sienten el arte como una forma de vida, más allá del dinero y de esas latas de sopa de Campbell, que representan el acecho del movimiento Pop Art encumbrado por Andy Warhol o Roy Lichtenstein. La brocha como una prolongación de su propio cuerpo y la experiencia frente al lienzo como una forma de vida sin alternativa.
Y en esta tesitura es donde se encuentra precisamente el pintor Mark Rothko (Letonia, 1903-Nueva York 1970), representante del Expresionismo Abstracto, cuando se pone delante del que puede ser el mayor éxito profesional de toda su carrera y, al mismo tiempo, su mayor problema ético: hacer una serie de murales para el nuevo restaurante del Four Seasons de Nueva York.
Representado a las mil maravillas por un Juan Echanove que grita y pinta a partes iguales, comienza su encargo de la mano de un ayudante tímido, inexperto, eclipsado: Ken, interpretado por un recién emancipado (y excepcional) Ricardo Gómez. Un joven aprendiz sin experiencia que se enfrenta también a la lucha de crecer como artista, encontrar su propia voz, y desligarse así del veterano reticente a vender su arte a esa burguesía pudiente que le reclama.
La crisis de la resistencia para no sucumbir a los estragos de dejarse vender al mejor postor.
Acunado y madurado en la pequeña pantalla y pese a su corta experiencia en teatro, -su estreno fue en 2016 con La Cocina-, Gómez encuentra así su sitio en el escenario y se convierte en una pieza clave para crecer junto a un Echanove exasperado por esa lucha interna por resolver un conflicto que no tiene una respuesta correcta: pintar o no pintar, ésa es la cuestión.
Teatro Español, Madrid
KEN: ¿No es un restaurante? MARK: No, yo lo convertiré en un templo. De esto va la obra Rojo que desde el pasado 29 de noviembre está llenando de martes a domingo las salas del Teatro Español: de cómo los artistas se ven obligados a convertirse en mercancías para encandilar a un público vendido, inexperto y superficial que se sirve del arte para invertir, marcar estatus en un entorno elitista o simplemente para coronar un sofá de piel de 10.000 dólares.
Es el dilema al que se enfrentan los pintores puristas, aquellos que sienten el arte como una forma de vida, más allá del dinero y de esas latas de sopa de Campbell, que representan el acecho del movimiento Pop Art encumbrado por Andy Warhol o Roy Lichtenstein. La brocha como una prolongación de su propio cuerpo y la experiencia frente al lienzo como una forma de vida sin alternativa.
Y en esta tesitura es donde se encuentra precisamente el pintor Mark Rothko (Letonia, 1903-Nueva York 1970), representante del Expresionismo Abstracto, cuando se pone delante del que puede ser el mayor éxito profesional de toda su carrera y, al mismo tiempo, su mayor problema ético: hacer una serie de murales para el nuevo restaurante del Four Seasons de Nueva York.
Representado a las mil maravillas por un Juan Echanove que grita y pinta a partes iguales, comienza su encargo de la mano de un ayudante tímido, inexperto, eclipsado: Ken, interpretado por un recién emancipado (y excepcional) Ricardo Gómez. Un joven aprendiz sin experiencia que se enfrenta también a la lucha de crecer como artista, encontrar su propia voz, y desligarse así del veterano reticente a vender su arte a esa burguesía pudiente que le reclama.
La crisis de la resistencia para no sucumbir a los estragos de dejarse vender al mejor postor.
Acunado y madurado en la pequeña pantalla y pese a su corta experiencia en teatro, -su estreno fue en 2016 con La Cocina-, Gómez encuentra así su sitio en el escenario y se convierte en una pieza clave para crecer junto a un Echanove exasperado por esa lucha interna por resolver un conflicto que no tiene una respuesta correcta: pintar o no pintar, ésa es la cuestión.
En algún momento de ese guión profundo y existencialista, el pintor parece
encontrar su propia respuesta, a base de idas y venidas e incongruencias
máximas: “Sí, los artistas deberían morir todos de hambre”, mientras acepta un
cheque de 35.000 dólares de aquellos años 50. Una situación que se tambalea
entre el roce del éxito y el miedo a no merecerlo que, de alguna forma, se
representa a través de la metáfora de los colores negro y rojo: “Un día el
negro engullirá al color rojo”.
A brochazos, la obra continua a ritmo palpitante, ágil, incombustible, en el que ese Rothko que se va derrumbando acaba asumiendo el mercantilismo en el que se ha convertido el arte: “Así de necios somos los seres humanos: tratamos de convertir el rojo en negro”.
Rojo fue escrita por el dramaturgo y guionista John Logan, –Gladiador, El aviador, Skyfall-, y ha conseguido gracias a este trabajo seis premios Tony, triunfando en los teatros de medio mundo, de Japón a Chile, y ahora llegando por primera vez a las salas españolas.
KEN: ¿Le da miedo el color negro?
MARK: No. Lo que de verdad me da miedo es la falta de luz.
Autor: John Logan
Director: Juan Echanove
Intérpretes: Juan Echanove y Ricardo Gómez
A brochazos, la obra continua a ritmo palpitante, ágil, incombustible, en el que ese Rothko que se va derrumbando acaba asumiendo el mercantilismo en el que se ha convertido el arte: “Así de necios somos los seres humanos: tratamos de convertir el rojo en negro”.
Rojo fue escrita por el dramaturgo y guionista John Logan, –Gladiador, El aviador, Skyfall-, y ha conseguido gracias a este trabajo seis premios Tony, triunfando en los teatros de medio mundo, de Japón a Chile, y ahora llegando por primera vez a las salas españolas.
KEN: ¿Le da miedo el color negro?
MARK: No. Lo que de verdad me da miedo es la falta de luz.
Autor: John Logan
Director: Juan Echanove
Intérpretes: Juan Echanove y Ricardo Gómez
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16 d’octubre 2018
Nueva etapa en el Teatro Circo Price
Madrid es una de las pocas ciudades del mundo
con un espacio escénico dedicado al circo. Revindicar ese patrimonio único y
convertirlo en una referencia internacional es uno de los objetivos de la etapa
que, bajo una nueva dirección, estrena el Teatro Circo Price. Su pista estrena
un concepto y programación que ha presentado María Folguera, nueva directora
elegida por concurso público, junto a la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena,
y la directora general de Actividades Culturales y Programas, Getsemaní de San
Marcos.
Convertir el Price en un verdadero referente
internacional, contar con una amplia oferta de la mejor escena circense
internacional, que este otoño representa más del 70% de las citas, y recuperar
la memoria de este circo son los objetivos principales que ha presentado
Folguera. El apoyo y cuidado a la escena local y el aumento de las líneas de
programación y pedagógicas para niños se suman al nuevo concepto.
La directora destaca el objetivo de convertir
a Madrid en una “ciudad del Circo” buscando la consolidación del centro como
“lugar de referencia de las artes circenses a nivel local, estatal e
internacional”, llevando al Price a asumir su verdadero potencial en el
panorama cultural de la ciudad.
En la misma línea, la programación busca “contribuir
al extraordinario desarrollo que están experimentando las artes circenses”, y
de este modo ayudar a madrileños y visitantes a descubrir este circo “como un
lugar en el centro de la ciudad donde sucederán cosas extraordinarias”.
FIRCO
El Teatro Circo Price tiene previsto celebrar,
del 19 al 21 de octubre, FIRCO, primera edición del Festival Iberoamericano de
Circo, destinado a jóvenes artistas de países iberoamericanos. Con más de 200
propuestas recibidas se han seleccionado 16 de ellas y, siguiendo la estela de
las grandes galas competitivas de la tradición circense, el festival se
estructura en dos semifinales de ocho actuaciones cada una –más una actuación
invitada– que se celebrarán el viernes 19 y sábado 20 de octubre
respectivamente. El domingo 21 será la Gran Gala Final, donde los ocho mejores
números seleccionados por el jurado volverán a ser presentados, camino a la
decisión final: los premios.
Y en la misma línea y dentro del programa de
Circo en Otoño se presenta la mítica compañía australiana Circus Oz, que vuelve
al Price del 8 al 11 de noviembre con su última creación llena de energía,
virtuosismo y humor, Model Citizens (Ciudadanos modelo), un trabajo inteligente
y sutil con el que se rebelan contra los mitos de la vida moderna. Bajo la
dirección artística de Rob Tannion, artista de origen australiano que ha
desarrollado gran parte de su recorrido como director en España, Model Citizens
desafía perspectivas, escalas y conceptos sobre sobre la idea de ‘lo normal’ y
explora qué significa ser hoy un ciudadano modelo.
Circus Oz es una compañía que, con más de 30
años de existencia y una evolución marcada por la investigación escénica,
constituye un caso paradigmático dentro de la historia del circo. Con Model
Citizens inauguran nueva etapa llena de riesgo e innovación.
Sector
Del 23 al 26 de octubre se celebra ‘Circo,
Presente Continuo’, un proyecto que reúne, con la colaboración del Instituto
Nacional de las Artes Escénicas y del Centro Cultural Conde Duque, dos
proyectos entrelazados: la segunda
edición del Congreso
CircoRed, un espacio para la reflexión y el punto de encuentro de
profesionales de circo de toda España, y la primera edición de CircoRed Market,
un mercado circense que surge a partir de una fuerte demanda del sector del circo,
que desde hace años reclama la
existencia de un espacio propio en el que dar a conocer las novedades de
la creación estatal. Una oportunidad en
definitiva para esbozar y para conocer, en apenas tres días, un significativo
retrato sobre la situación del circo en España.
De cara al público no profesional, CircoRed
ofrece dos espectáculos en el Price. El 24 de octubre, a las 21.00 h, la
compañía granadina Vol’e Temps presenta Distans, un show en el que el dúo
propone circo, mezclando portes acrobáticos, cuerda floja y barra fija, mucho
humor y una puesta en escena teatral acompañada de una música original creada
por Iván Monje. Recomendado para todos los públicos.
Al día siguiente, pero a las 20.30 h, la
compañía Circo Deriva muestra Ya es tiempo de hablar del amor, una historia
basada en hechos reales con altas dosis de ficción de cuatro cuarentones del
circo, que en su etapa de madurez se plantean que la única solución a sus
preocupaciones es volver a hablar del amor. A través del humor, la música, los
malabares, la acrobacia y una desbordante poética circense, consiguen crear un
espectáculo hilarante y emotivo, para todos los públicos.
Memoria e innovación
En la línea de recuperar la memoria del circo
en la ciudad, que contará con otras propuestas de programación a largo plazo y
proyectos fuera de la pista, el Price ha lanzado la convocatoria ‘Se buscan
espectadores: Abril 1970’, un proyecto de participación ciudadana para
encontrar personas que vivieron las últimas funciones del Price en su anterior
ubicación en la Plaza del Rey y construir un puzle de recuerdos y emociones de
aquellas y aquellos que escucharon aquella despedida al Price.
En cuanto a la innovación, están previstas del
18 de octubre al 10 de noviembre las ‘Jornadas de investigación en circo’,
organizadas en colaboración con MADPAC, Asociación de Profesionales de Circo de
Madrid, para generar encuentros con artistas expertos y expertas en procesos de
investigación. Un editatón de Wikipedia sobre hechos, conceptos y biografías de
personas vinculadas con el mundo del circo; y el proyecto ‘Nexos’, que de
diciembre de 2018 a abril de 2019 quiere convocar a cirqueros de distintas
franjas de edad para hacer un recorrido por la actualidad circense en Madrid a
través de diferentes actividades.
Navidad
Navidad es muchas cosas: la gran producción
anual del Price, un espectáculo del que se dan más de 65 funciones, una cita en
la vida de la ciudad que convoca a cientos de miles de personas… y también una
invitación a un equipo creativo para que desarrolle su propuesta artística en
la pista. El reto en Navidades es aunar innovación y tradición: corresponder al
deseo y vínculo afectivo de miles de espectadoras y espectadores que ya han
hecho de su asistencia al circo una costumbre familiar, y a la vez fomentar que
el equipo artístico invitado se sienta con libertad para imaginar y aportar,
lejos de fórmulas encerradas.
La Navidad llegará este año al Teatro Circo
Price de la mano de la compañía madrileña Perfordance, del 30 de noviembre al 6
de enero, con un espectáculo inspirado en un clásico de la cultura navideña, A
Christmas Carol, de Charles Dickens. La puesta en escena recupera ese toque de
fábula clásica con formas nuevas: el ‘coreomapping’, la trepidante música en
directo o por supuesto una alianza entre circo, danza y personajes a cargo de
carismáticas presencias.
Avance 2019
Ya para el año próximo, del 10 de enero al 3
de marzo, vuelve al Price ‘Inver Fest’, el festival de música de invierno con
cuatro semanas de música de diversos estilos, orígenes, recorridos y
tendencias, consolidando una programación definida por la diversidad en la que
todos los géneros musicales tienen cabida, desde el flamenco al pop pasando por
el indie, la música electrónica, la canción de autor y el folk, además de
propuestas pensadas para toda la familia en horarios accesibles para los
pequeños y las pequeñas.
Casi simultáneamente, del 7 de febrero al 10
de marzo, tendrá lugar IX Festival de Magia, un encuentro consagrado
internacionalmente donde la comunidad maga presenta trucos por primera vez o
viene a descubrir las últimas novedades de sus colegas de todo el planeta, en
una ciudad que es cantera de grandes magos.
Y en primavera, el ciclo de Circo en Primavera,
con una programación en esta ocasión especialmente dedicada a la memoria de
circo en Madrid. A través del trabajo de distintos creadores y creadoras se
abordarán figuras que merecen homenaje, continuando con la línea de acción de
la memoria y enlazando con 2020, año en que se cumple medio siglo del cierre
del antiguo Circo Price, en la plaza del Rey de Madrid, y al que el centro
rinde recuerdo con el nombre.
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26 de setembre 2018
Lluís Homar es ‘Tierra baja’
Del 19 de septiembre al 7 de octubre de 2018
Teatro de La Abadía, Madrid
Lluís Homar vuelve al Teatro de La Abadía con Tierra
baja, el drama rural de tintes románticos de Ángel Guimerá (Santa Cruz de
Tenerife, 1845 - Barcelona, 1924), un texto clave en la carrera del actor que
le valió en 2015 el Premio Max. En esta ocasión representa los cuatro papeles
protagonistas de un montaje que dirige Pau Miró y cuenta con la música y la voz
de Silvia Pérez Cruz.
Esta será la tercera vez que actúe Homar en La Abadía,
tras Play Strindberg y El hombre de teatro. Tierra baja es un proyecto que nace
de la necesidad, el compromiso y el deseo de sacar adelante esta “fantástica
locura” donde, en forma de monólogo, Homar asume todos los papeles.
Estrenada en 1896 en el Teatro Español de la mano de
María Guerrero y, posteriormente, en 1897, en Tortosa y Barcelona, la obra se
ha convertido en una de las más representadas y traducidas de la lengua
catalana y se ha consolidado como un clásico del repertorio teatral.
Lluís Homar descubrió el texto cuando solo contaba con 16
años, interpretando por primera vez a Manelic con el grupo de teatro de
aficionados de Horta. Pero no fue una obra más. Aquel primer contacto le
permitió descubrir que quería ser actor. Más tarde, en 1990, protagonizó la
mítica puesta en escena de Fabià Puigserver.
Ahora, en este montaje estrenado en 2014, Homar asume los
cuatro papeles principales: Lluís es Sebastián, el dueño de todo y principal
representante de la Tierra baja. También Marta, la víctima más evidente de este
mundo sórdido. Y como no, Manelic, el rostro de la ingenuidad. Incluso, Nuri,
la mirada de la inocencia en el drama de Guimerá.
Este texto ha marcado su carrera más allá de las
casualidades. Hay sobre todo una identificación con el trasfondo y la
simbología de la obra de Guimerá: la complejidad, la contradicción y la lucha
interna que se produce en cada uno de nosotros como individuos, contrapuesta a
la dialéctica que siempre se establece en sociedad entre dos mundos
antagónicos: la parte “oscura” (Tierra baja) y la parte “pura” (Tierra alta).
Los cuatro protagonistas acaban revolcándose en el fango de las pasiones
humanas más turbias, las de la Tierra baja.
Nueva lectura
Esta nueva lectura es un proyecto muy personal de Homar
que, conjuntamente con Pau Miró, presentan un Tierra baja inédito, para un solo
actor, con una lectura más contemporánea donde, desde el profundo respeto por
el alma de la obra original, la verdad en el terreno de la interpretación y la
simplicidad en la puesta en escena, han trabajado el texto acercándolo a
nuestros días, optando por una mirada más constructiva de la realidad que nos
rodea.
Pero, ¿por qué transformar este texto en un monólogo?
Para Miró, su director y adaptador, “esta nueva versión va directamente al
conflicto, un conflicto donde se mezclan las ambiciones, las pasiones y las
emociones de cada personaje. Esta soledad en el escenario nos permite mostrar
con mayor claridad la complejidad que hay en cada persona, y focalizar la lucha
interna que se produce en cada uno de nosotros. No estamos hechos de una sola
pieza, somos fruto de nuestras elecciones. Los espectadores, más que un
monólogo, verán cuatro voces en un solo actor. El vehículo de esta idea
sencilla, pero sincera y generosa es Lluís”.
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21 de setembre 2018
El curioso incidente del perro a medianoche
Del 5 de septiembre al 14 de octubre de 2018
Teatro Marquina, Madrid
El curioso incidente del perro a medianoche,
la obra teatral basada en el best seller de Mark Haddon adaptada por Simon Stephens,
se estrena en el Teatro Marquina de Madrid de la mano de La Joven Compañía.
José Luis Arellano firma la dirección, Gerardo
Vera ha diseñado la escenografía y José Luis Collado ha realizado la versión en
español. En cuanto al elenco, Alex Villazán da vida a Christopher Boone, el
protagonista de la historia y comparte escenario con Marcial Álvarez, Lara
Grube, Mabel del Pozo, Carmen Mayordomo, Anabel Maurín, Boré Buika, Eugenio
Villota, Alberto Frías y Eva Egido.
La obra cuenta la historia de Christopher
Boone, un niño con síndrome de Asperger y una capacidad intelectual
deslumbrante que decide investigar la extraña muerte de Wellington, el perro de
su vecina. Su peculiar visión del mundo, la relación con sus padres y
especialmente con su profesora Siobhan, dan pie a una conmovedora historia de
superación, amistad y tolerancia arropada por un extenso grupo de personajes
que se cruzarán en su camino del tenaz Christopher.
Tras escribir e ilustrar numerosos libros
infantiles, Mark Haddon sorprendió en 2003 con su primera novela. Elogiada con
entusiasmo por autores como Oliver Sacks o Ian McEwan, de su obra se han
vendido más de dos millones de ejemplares en todo el mundo.
En 2012, el Royal National Theatre de Londres
encargó a Simon Stephens la adaptación de la novela al teatro, contando con el
apoyo de Mark Haddon para hacerlo. Desde entonces, sus versiones teatrales han
obtenido un gran éxito en Londres y Broadway y conseguido siete Premios Olivier
(Londres) y 5 Premios Tony (Broadway), incluyendo “mejor obra de teatro nueva”,
“mejor director” y “mejor actor protagonista”. Además consiguió 6 Drama Desk y
5 Outer Critics Circle.
El curioso incidente del perro a medianoche.
De martes a viernes a las 20.00 h; sábados a las 17.00 y 20.15 h; domingos a las
18.00 h.
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11 de setembre 2018
Concha Velasco protagoniza ‘El funeral’
Teatro
Del 12 al 16 de septiembre de 2018
Teatro Arriaga, Bilbao
Concha Velasco vuelve al Teatro Arriaga para
protagonizar El Funeral, una comedia escrita y dirigida por su hijo, Manuel M.
Velasco, guionista y director de cine, teatro y televisión, en la que es la
primera colaboración de ambos sobre las tablas.
La actriz vallisoletana, que interpreta a
Lucrecia Conti, una diva del cine, el teatro y la televisión recién fallecida,
comparte protagonismo en este velatorio con Jordi Rebellón, que da vida a
Alberto Luján, su representante. El barcelonés, muy querido por el público
gracias a su papel de Doctor Vilches en la serie Hospital Central, se incorpora
en Bilbao al reparto interpretando el papel que correspondía a Antonio Resines,
convaleciente de una lesión de espalda.
Además de Velasco y Rebellón, la obra cuenta
en su elenco con otros tres intérpretes: Clara Alvarado y Cristina Abad,
metidas en los papeles de dos nietas (Ainhoa y Mayte); y Emmanuel Medina, quien
interpreta a Miguel, un primo lejano cuyo parentesco real es desconocido.
El Funeral, producida por Jesús Cimarro,
cuenta con vestuario del diseñador Ion Fiz, escenografía de Asier Sancho,
iluminación de José Manuel Guerra y música de Juan Cánovas.
Sorprendente comedia
Lo que parecía que iba a ser una conmovedora
despedida llena de homenajes, se torna en una sorprendente comedia al
aparecerse a los presentes Lucrecia, en forma de fantasma, que se resiste a
pasar a mejor vida sin dejar resueltos algunos asuntos profesionales y
personales.
Los asistentes al velatorio se verán envueltos
en los acontecimientos de una función que, desde el primer momento, rompe la
cuarta pared e invita al público a participar tanto en la triste despedida como
en los divertidos enredos que Lucrecia y Luján, las nietas y el primo, tienen
que resolver. Los espectadores disfrutarán de un espectáculo lleno de guiños
cómplices y todo tipo de sorpresas.
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http://www.hoyesarte.com/evento/concha-velasco-protagoniza-el-funeral-junto-a-jordi-rebellon/?utm_source=Boletin_20180903_1200&utm_medium=boletin&utm_campaign=boletin
19 de juny 2018
Un musical barroco
El Teatro La Puerta Estrecha presenta Un
Musical Barroco, una comedia para voces y piano a cuatro manos dirigida por
María Herrero, a partir de textos de Calderón, Lope, Cervantes, Jorge Manrique
y Shakespeare, que rinde homenaje tanto a los insignes escritores como a los
humildes juglares de nuestro pasado teatral.
A finales del siglo XVII, una compañía de
cómicos itinerantes muere al despeñarse su carro. Son enterrados, como dictaba
la ley de la época, fuera del cementerio. Esta particular familia queda atrapada
en un espacio-tiempo indefinido; un lugar donde intentan descubrir qué es lo
que los mantiene suspendidos en el tiempo, tratando de no olvidar quienes
fueron, y reviviendo así sensaciones y emociones de cuando estaban vivos,
algunas ya oxidadas por el paso de la eternidad.
Como recuerda su directora, “este proyecto
comenzó a forjarse el día en que llevé al coro de actores que dirigía una
pequeña pieza a dos voces que había compuesto. La pieza tuvo muy buena acogida
tanto entre los integrantes del coro como en el público que vino a algunos de
los conciertos que hicimos. La idea de un musical barroco empezó a cobrar forma
en mi mente. Así que les propuse tirar del hilo y aventurarnos en la creación
de un montaje que tuviera como protagonistas a una compañía de actores del
Siglo de Oro. Todo el elenco, con una generosidad infinita, aceptó el reto”.
Un Musical Barroco, que ha sido seleccionada
en el Festival Internacional de Teatro Clásico Almagroff, puede verse en el
Teatro de la Puerta Estrecha todos los sábados y domingos de junio y los
sábados 7 y 14 de julio.
Ficha artística
Dirección: María Herrero
Autoría: Proyecto Barroco, María Herrero
Música original: María Herrero (voces y
piano), Gloria Lamadrid (piano)
Reparto (por orden alfabético)
Esther Acevedo es Antonia
Víctor Antona es Federico
Ana Crouseilles es Gabriela Rouger
Arantxa Garrastázul es Ceci
Eduardo Gutiérrez es Juan de Ochoa
Aitor de Kintana es Diego
Ana Paradinas es Catalina Rouge
Amaranta Ruiz es Rita
Del 9 de junio al 14 de julio de 2018
Horario
20:00h - 21:30h
Teatro La Puerta Estrecha, Madrid
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17 de juny 2018
La ternura shakesperiana retorna a Madrid
Del 7 de junio al 15 de julio de 2018
Teatro de La Abadía, Madrid
La Ternura de Alfredo Sanzol vuelve al Teatro de La
Abadía de Madrid tras una exitosa gira que ha atraído a las salas de toda
España a más de 32.000 espectadores. Un año después de su estreno, esta comedia
romántica de aventuras se presenta en Madrid hasta el 15 de julio.
El juego, el engaño, los cambios de identidad, la
confusión de personalidades o los espacios como elementos mágicos conectan La
Ternura con obras de Shakespeare como La Tempestad, Noche de Reyes, Como
gustéis, Mucho ruido y pocas nueces o Sueño de una noche de verano. Sanzol
cuenta con la escenografía y el vestuario de Alejandro Andújar, la iluminación
de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez para alcanzar, en palabras del
director, “el deseo que une a todos: el deseo de encontrar la ternura como sea,
donde sea, con quien sea”.
Esta obra de Sanzol, Premio Valle-Inclán, habla del
sufrimiento como parte consustancial del amor, “porque si queremos amar nos
tenemos que arriesgar a sufrir”. En la Sala Juan de la Cruz, Paco Déniz, Elena
González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón
encarnan la expresión del amor concebida por el director, que no trata sino de
la ternura: “Sin ternura el amor no se ve. Una sociedad sin ternura es una
sociedad en guerra”.
Además del humor y sus moralejas, el montaje plantea en
segundo plano un alegato en favor del entendimiento entre los dos sexos. “Tiene
algo de parodia. Quería reírme de aquellos que ven el mundo dividido por sexos,
porque yo nunca he entendido esa división”, dice rotundo Sanzol. “No veo cuál
puede ser la razón de esa separación que aboga por una visión unitaria y
holística del ser humano”.
Los líos
La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y
sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe
II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se
lograse con éxito la invasión. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque
siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está
dispuesta a que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada
pasa cerca de una isla que la Reina considera desierta, crea una tempestad que
hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con
sus hijas, para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen
una isla en la que, desde hace veinte años, viven un leñador con sus dos hijos, que huyeron allí
para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la Reina y las dos
princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y,
en ese momento, comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos y las
confusiones.
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17 de maig 2018
Lope, Calderón, Molière y Shakespeare se suman al banquete
FECHA:
Del 8 de mayo al 3 de junio de 2018
LUGAR:
Teatro de la Comedia, Madrid
Hasta el 3 de junio, la Compañía Nacional de
Teatro Clásico (CNTC) presenta 24 funciones de El banquete en el Teatro de la
Comedia. Basada en textos de varios autores, versionada por Álvaro Tato y con
Helena Pimenta y Catherine Marnas en la dirección, en esta obra todo sucede en
una reunión, un banquete en el que los actores hablan en torno a una mesa
recordando que la civilización se teje de fábulas, leyendas, acciones y
relatos. Lope, Calderón, Molière, Shakespeare y muchos otros se suman a la
celebración, convirtiendo así la velada en una gran fiesta del lenguaje.
En este espectáculo singular, en el que los
espectadores se sientan a la mesa, los actores lanzan diatribas de un extremo a
otro de la mesa y se prueban trajes de ilustres personajes mientras los
espectadores disfrutan del intercambio de ideas en un viaje fantástico a través
de la imaginación.
El escenario se transforma en una sala, en la
que unos maestros de ceremonias aparecen en escena y acompañan a los comensales
a su lugar en la mesa. Sobre manteles blancos se sirve buen vino y, como en una
comunión entre literatura y placer, como en los días de la antigua Grecia, se
desarrolla el encuentro.
Por el espectáculo desfilan piezas de La
Celestina, Don Quijote de la Mancha, La vida es sueño, La dama boba, El
caballero de Olmedo, El burlador de Sevilla o Don Juan Tenorio, junto a Hamlet,
Romeo y Julieta, El avaro, El mercader de Venecia, Edipo Rey o Macbeth.
Álvaro Tato firma la nueva propuesta de la
CNTC basándose en el espectáculo Le banquet fabulateur dirigido por Catherine
Marnas y estrenado en 2015 en el Théâtre National de Bourdeaux en Aquitaine
(TNBA), a su vez basado en el ensayo La especie fabuladora de Nancy Houston.
Un gran elenco formado por Lola Baldrich,
Pablo Béjar, Jimmy Castro, Gonzalo de Castro, Aleix Melé y Manuela Velasco
amalgama literatura y placer con la imaginación como maestra de ceremonias y
elemento reivindicativo.
Equipo
Asesora de verso: Pepa Pedroche
Coreografía: Nuria Castejón
Música: Madame Miniature / Miguel Magdalena
Iluminación: Enrique Chueca
Escenografía: Carlos Calvo
Versión: Alvaro Tato
Dirección: Helena Pimenta y Catherine Marnas
Publicat per
01 de maig 2018
La Joven Compañía cierra temporada con Buero Vallejo
Del 06 abril al 05 de mayo 2018
Madrid, Conde Duque
La Joven Compañía (LJC) cierra su quinta
temporada con Antonio Buero Vallejo y la representación de 'En la fundación',
una versión de la dramaturga canaria Irma Correa a partir de 'La fundación'.
Del 6 de abril al 5 de mayo se podrá ver en el Teatro Conde Duque y 5.000
espectadores jóvenes conocerán la obra de Buero en las sesiones matinales.
La versión de Correa intenta traer la visión
del dramaturgo a nuestros días y situarlo en el lugar de prestigio que le
corresponde. Una actualización cercana a la ciencia ficción que viaja desde
Orwell hasta Matrix o la serie Black Mirror. En la fundación es una historia de
hermandad. Es el relato de un grupo de jóvenes que lucha por sobrevivir en un
mundo que se ha tornado extraño, ajeno, violento y castrador. Ellos harán lo
posible por defender una verdad que quizá les devuelva la libertad.
LJC nace en verano de 2012, creada por David
R. Peralto y José Luis Arellano para generar una plataforma con vocación
pública que concentrara a los profesionales de las artes escénicas, a la
comunidad docente y sirviera como primera experiencia profesional para jóvenes.
En la actualidad cuenta con cerca de cuarenta jóvenes de entre 18 y 27 años
dirigidos por grandes profesionales del teatral nacional. En cuatro temporadas,
más de 150.000 espectadores de toda España han visto sus producciones.
Jueves, viernes y sábados a las 20.00 h.
Matinales. Martes y miércoles / 10.00 y 12.30
h. Jueves y viernes / 11.00 h.
Excepto 1 y 2 de mayo.
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29 de març 2018
El regreso de Buero Vallejo
El concierto de San Ovidio.
Del 23 marzo al 20 de mayo 2018
Madrid, Teatro María Guerrero
Mario Gas dirige en el Teatro María
Guerrero (Centro Dramático Nacional) 'El concierto de San Ovidio', obra de de
Antonio Buero Vallejo(Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000), que cuenta con un
elenco de 14 grandes actores: José Luis Alcobendas, Lucía Barrado, Jesús
Berenguer, Mariana Cordero, Pablo Duque, Nuria García Ruiz, Javivi Gil Valle,
José Hervás, Alberto Iglesias, Lander Iglesias, Ricardo Moya, Aleix Peña, Agus
Ruiz y Germán Torres.
Desarrollada en un hospicio del París de
1771, el Hospital de los Quince Veintes, Valindin, un negociante, consigue que
la monja que regenta la institución permita que, a cambio de doscientas libras,
seis mendigos ciegos que allí se acogen puedan tocar instrumentos musicales en
la inminente fiesta de San Ovidio. Al contrario de lo que los pobres ciegos se
piensan, Valindin no es su salvador, sino un mangante que lo único que busca es
aprovecharse de su condición de ciegos para ridiculizarlos y sacar beneficio
económico de la situación.
El concierto de San Ovidio viene a
replantear el tema de la ceguera, ahora en circunstancias distintas de las de
En la ardiente oscuridad. Por otra parte, sitúa el tema social en un plano que
hasta ese momento Buero Vallejo no había aborda do explícitamente: el de la
lucha de clases.
Gas –que dirige su primera obra de Buero–,
explica así su interés por El concierto: “Estoy muy familiarizado con este
texto y siempre me ha gustado. He estado detrás de llevarlo a escena en varias
ocasiones. Estuvimos a punto de montarlo en el Teatro Español. Un productor me
ofreció incluso hacerla en cine. Me acerco al texto con mucho respeto, creo que
es de las tres o cuatro mejores obras de Buero Vallejo y quiero agradecer
además a la familia de Don Antonio, a su viuda y a su hijo, que sé que se han
empeñado mucho en que yo fuera el que dirigiera este montaje”.
De martes a sábados, a las 20.30 h.
Domingos, a las 19.30 h.
Funciones accesibles para personas con
discapacidad auditiva y visual. Jueves 10 y viernes 11 de mayo de 2018.
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24 de març 2018
‘Consentimiento’, un fuego salvaje
Del 09 marzo al 29 de abril 2018
Madrid, Teatro Valle-Inclán
Sólo un año después de su estreno en
Londres, el Teatro Valle-Inclán presenta 'Consentimiento', una obra de Nina
Raine traducida por Lucas Criado y versionada y dirigida por Magüi Mira que
cuenta con un elenco formado por David Lorente, Nieve de Medina, María Morales,
Jesús Noguero, Candela Peña, Pere Ponce y Clara Sanchis.
Nina Raine, mujer, 34 años, abre en su
última obra un fuego salvaje. Trenza con maestría un humor hilarante con
enfrentamientos violentos y emociones extremas… Es capaz de mostrar el dolor
moral y físico al que lleva a sus personajes atravesando un bosque de
contradicciones. Cuatro mujeres. La abogada, la editora, la actriz, la violada.
Y tres hombres, los tres abogados. Siete seres humanos incoherentes, pero que
se buscan y se aman irremediablemente.
Tras dirigir Festen en la temporada pasada
para el Centro Dramático Nacional, Magüi Mira recibió la invitación de Ernesto
Caballero para dirigir una nueva obra: “Tropecé con Consentimiento. Fue
definitivo. Amor a primera vista. Su autora, Nina Raine, una rara avis
maravillosa, se inició en el teatro como directora. Dramaturga valiente, aborda
temas que me atraparon desde la primera lectura. Rompe parámetros de espacio y
de tiempo, lanza un envite a una justicia injusta, trenza conflictos duros con
humor, es capaz de provocar la risa más hilarante en las escenas de mayor
enfrentamiento de sus personajes, en momentos de pelea en torno al sexo no
consentido, o a la infidelidad. Y lo plantea de forma poliédrica para que
podamos ver y leer ese torbellino de contradicciones que ahoga a s us
personajes. Lleva al escenario la verdad de la calle, lo que leemos a diario en
la prensa, pero convierte esa realidad en arte puro, sin perder un átomo de su
esencia. Consentimiento deja desnuda la verdad para que cada cual la vista según
su conciencia, su ética o su conveniencia”.
Empatía
Sin consentimiento se viola un cuerpo, se
viola una confianza.
¿Se viola una ley? ¿Es violada una mujer
cada vez que consiente en hacer sexo con su pareja ignorando que le está siendo
infiel?
Consentimiento. Palabra poderosa que en
manos de abogados corta como un cuchillo nuestras verdades y decide los
castigos.
Las palabras no son de fiar, la memoria nos
falla, pero la justicia decide.
Consentimiento deja desnuda la verdad para
que cada cual la vista según su conciencia, su ética o su conveniencia.
Hacer justicia es buscar los argumentos a
favor de tu adversario como los buscarías en tu propio favor. Aristóteles s IV
aC.
Eso es empatía, y sin empatía no hay
justicia.
Encuentro con el equipo artístico: 27 de
marzo a las 19.00 h, antes de la función, en la sala Mirlo Blanco. Funciones
accesibles: 19 y 20 de abril de 2018
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09 de febrer 2018
Versión feroz de ‘Sueño de una noche de verano’
Teatro
Del 08 al 11 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán
El dramaturgo chileno Marco Layera firma una adaptación
contemporánea del clásico de Shakespeare 'Sueño de una noche de verano' que
reflexiona sobre el amor, el dolor, la identidad, la pasión, el sexo y el
poder. El Centro Dramático Nacional y la compañía Voadora, con la dirección de
Marta Pazos, llevan a escena una fábula impactante con la libertad de elección
como telón de fondo. En el reparto, Diego Anido, Areta Bolado, Jose Díaz, Borja
Fernández, Paris Lakryma, Janet Novás, Andrea Quintana, Anaël Snoek y Hugo
Torres.
Los amantes se transforman constantemente en esta versión
feroz de Layera dirigida por la pictórica mirada de Marta Pazos. Se transforman
con violencia. Corriendo libres por un bosque de límites flexibles, una
floresta abierta a la diversidad de género. Vagando perdidos entre el día y la
noche, lo humano y lo animal, la realidad y la ficción, lo masculino y lo
femenino, entre la vigilia y el sueño. Un sueño lisérgico en el que los bajos
instintos gobiernan el mundo y en el que la belleza siempre oculta intenciones
peligrosas.
Horario: de martes a sábado 20.30 h y domingo 19.30 h.
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hoyesarte.com
07/02/2018
05 de febrer 2018
Emoción y reflexión en el Teatro Real
Del 26 enero al 09 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Real
Entre los días 26 de enero y 9 de febrero, el Teatro Real
ofrece seis funciones de 'Dead Man Walking', de Jake Heggie, en una producción
de la Lyric Opera de Chicago procedente de la Houston Grand Opera, donde se
presentó en 2011 con dos de las cantantes que interpretarán la ópera en Madrid:
la mezzosoprano Joyce DiDonato y la soprano Measha Brueggergosman.
Dead Man Walking es la primera ópera de Jake Heggie (Palm
Beach, Florida, 1961) y el enorme éxito que ha tenido desde su estreno, en la
War Memorial Opera House de San Francisco en el año 2000, ha proyectado
internacionalmente el nombre de su compositor, que desde entonces ha escrito
varias obras escénicas de diferentes formatos con un ritmo apabullante: The End
of the Affair (2004), At the Statue of Venus (2005), To Hell and Back (2006),
Three Decembers (2008), Moby-Dick (2010), The Radio Hour (2014), Great Scott
(2015) o It’s a Wonderful Life (2016), entre otras.
Con más de trescientas funciones en todo el mundo,
producciones muy diversas –desde conservatorios a grandes teatros–, y dos
grabaciones en CD –protagonizadas por Susan Graham (2000) y por Joyce DiDonato
(2011)–, Dead Man Walking se estrena en España con la presencia de su
compositor y de la hermana Helen Prejean, autora del libro autobiográfico que
inspiró la ópera y, antes, en 1995, la película Pena de muerte, de Tim Robbins,
con Sean Penn y Susan Sarandon (que ganó un Oscar por su interpretación) en los
papeles principales.
En su estremecedor relato basado en hechos reales, la
hermana Prejean cuenta su inquietante y convulso camino de acercamiento a un
condenado a muerte al que asiste y ampara desde el convencimiento de que su
arrepentimiento le ayudará a encontrar la paz interior.
Si la película de Tim Robbins incide claramente sobre los
dilemas éticos de la pena de muerte, la ópera de Heggie, con libreto del
veterano dramaturgo Terrence McNally, es un viaje interior que inician
paralelamente la monja y el reo, cada uno con sus fantasmas, sus miedos, sus
contradicciones, sus sentimientos y sus dudas. En este camino de transformación
y redención, ambos se confrontan con la contundencia de los hechos: la sed de
venganza de los padres de los adolescentes asesinados, la desazón y sufrimiento
de la madre del homicida, la lucha por el inviolable derecho a vivir, el
acercamiento implacable a la muerte…
Escritura vocal
Utilizando con gran maestría la escritura vocal –Jake
Heggie tiene un catálogo de más de 200 canciones– y con un lenguaje musical
heredero de la ópera estadounidense, Dead Man Walking seduce al espectador con
un su lenguaje tonal, ritmos afroamericanos, melodías que evocan el espíritu de
la Calle 42 y una partitura orquestal y coral de poderosa fuerza dramatúrgica,
que no rehúye nunca la comunicación directa y emocional con el público.
Un reparto coral da voz a esta ópera, que llega al Teatro
Real con la puesta en escena de Leonard Foglia, profundo conocedor de la obra
de Jake Heggie, con quien ha colaborado en la elaboración del libreto de The
End of the Affair y en la puesta en escena de todas sus óperas.
Joyce DiDonato vuelve a asumir el papel protagonista,
junto al barítono Michael Mayes, que encarna al asesino Joseph de Rocher, uno de
sus papeles fetiche, que ha interpretado en una decena de producciones en
Estados Unidos. Están secundados por un amplio elenco –Maria Zifchak, Measha
Brueggergosman, Damián del Castillo, Roger Padullés, María Hinojosa, Toni
Marsol, Marta de Castro, Viçenc Esteve, Enric Martínez-Castignani, Celia
Alcedo, Marifé Nogales, Tomeu Bibiloni, Pablo García-López y Álvaro Martín– que
actúa junto al coro infantil Pequeños Cantores de la ORCAM y el Coro y Orquesta
Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Mark Wigglesworth.
Dead Man Walking llega a España precedida de éxitos, que
Heggie atribuye al poder intrínseco de la ópera como arte que emociona e invita
a la reflexión: “El teatro nos ofrece la oportunidad de dejarnos arrastrar por
el drama a lugares inesperados, y la música nos pone en contacto con aspectos
de la naturaleza
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24 de gener de 2018
04 de febrer 2018
Picasso según Boadella
Del 08 al 11 de febrero 2018
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan
el estreno absoluto de la ópera 'El pintor', con libreto y dirección de Albert
Boadella y música del compositor Juan J. Colomer. Esta producción de los
Teatros en colaboración con el Teatro Real se adentra en momentos cruciales de
la vida de Picasso y se presenta en tres únicas funciones, los días 8, 10 y 11
de febrero.
Sobre esta mirada crítica sobre la vida y obra de
Picasso, Boadella apunta que “nadie le puede negar su trazo genial. Incluso en
los centenares y miles de disparates aparece siempre un detalle de su infinita
gracia. Desde la infancia parecía un ser nacido solo para pintar. Sin embargo
asistimos a la paradoja del pincel más dotado del siglo XX asestando el golpe
letal al arte pictórico. A semejanza de un Atila de las artes, por allí donde
pasó el pintor no volvió a crecer la pintura. La convirtió en “artes plásticas”
entregadas a la producción intensiva. Sometidas a las ocurrencias de la
apremiante novedad. Cinco, diez, veinte obras diarias, y el mercado financiero
se rindió exaltado y eufórico ante él. Ya no era el valor formal y emocional de
la obra sino la pura especulación comercial dictando el camino de lo valioso y
lo desechable. Con su prodigiosa astucia y el apoyo fiel de sus cofrades
políticos logró ser ensalzado por los medios como el genio supremo. Fue el
hombre anuncio de sus propios éxitos pero la culminación de su gloria llegaría
con la apoteosis de lo monstruoso. Un aquelarre de formas descarnadas y
desmedidas, regodeándose en un delirio de feísmo. ¿Existió alguna inspiración
divina o diabólica que guio al pintor hacia un éxito tan duradero? Esta ópera
se adentra en estos momentos cruciales de su vida. Allí donde un artista decide
entre la entereza o la declinación hacia el oro y la fama”.
Acompañando al elenco formado por Alejandro del Cerro
como protagonista, interpretando a Pablo Picasso; Josep Miquel Ramón en el
papel de Mefisto; Belén Roig como Fernande; Toni Comas (quien ya trabajó con
Boadella en Amadeu y El pimiento Verdi) como Apollinaire y Velázquez; Cristina
Faus como Gertrude Stein e Ivan García como Jefe de tribu, está Manuel Coves
como director musical con la Orquesta Titular del Teatro Real (Orquesta
Sinfónica de Madrid) y con el Coro de la Comunidad de Madrid bajo la dirección
de Félix Redondo. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el diseño de
vestuario es de Mercé Paloma, la iluminación de Bernat Jansa, las pinturas de
Dolors Caminal y las imágenes proyectadas son de Sergio Gracia. Este montaje de
tres actos también ha contado con Blanca Li como coreógrafa.
En cuanto a la partitura, Colomer señala que “comienza
con un lenguaje bastante tradicional, reminiscente de los periodos
impresionista francés y nacionalista español, con apuntes musicales secos en
clara alusión a la afición taurina que Picasso arrastró durante toda su vida,
características que actúan a modo de leitmotifs para ayudar en la narrativa
musical. A medida que la pieza va avanzando y el arte de Picasso va pasando por
diversos períodos, así también la música va incorporando elementos más modernos
y adaptándose a la realidad pictórica, utilizando por ejemplo una
deconstrucción rítmica para emular el cubismo, todo ello conservando elementos
temáticos característicos que nos permiten ver una evolución estilística en
consonancia con el equivalente pictórico, pero siempre tratando de conservar la
esencia de los personajes/temas originales”. No así el tratamiento vocal, “el
cual se mantiene relativamente inalterado a través de toda la ópera. Un
tratamiento vocal con un desarrollo melódico que da prioridad en todo momento
al lirismo y la expresividad”.
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25/01/2018
29 de gener 2018
La tumba de María Zambrano
Del 07 enero al 11 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán
El Centro Dramático Nacional, unidad dependiente del
Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), rinde tributo
a una de las pensadoras españolas más importantes del siglo XX, María Zambrano
(Vélez-Málaga, 1904 - Madrid, 1991), primera mujer que recibió el Premio
Cervantes en 1988. Las tablas del Teatro Valle-Inclán acogen hasta el 11 de
febrero 'La tumba de María Zambrano. Pieza poética en un sueño', un texto de
Nieves Rodríguez que dirige Jana Pacheco, con la escenografía de Alessio Melo y
un reparto formado por Óscar Allo, Isabel Dimas, Aurora Herrero, Daniel Méndez
e Irene Serrano.
En el epitafio de la tumba de María Zambrano se pueden
leer las siguientes palabras: Levántate, amiga mía, y ven. Un Niño Hambriento,
en esta noche de verano, se refugia en el cementerio y las pronuncia invocando
a Zambrano, quien, con ayuda de María Niña, le dará de comer. Pero fuera hay
muchas personas pasando hambre. Entonces, Zambrano intentará desesperadamente
encontrar la última palabra, aquella que seguía buscando en 1988 cuando se
convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes: la palabra
perdida, la palabra única, secreto del amor divino-humano. Una palabra que nos
alimente ante la incertidumbre social y política en que vivimos: paz.
¿Por qué es importante recuperar hoy la figura de María
Zambrano? Jana Pacheco lo tiene claro: “En un momento donde el mundo se
caracteriza por el abuso de poder y se llena de fronteras, donde la explotación
infantil y las guerras no cesan, donde los derechos humanos se convierten en
privilegios, es necesario que el teatro siga siendo una herramienta política,
una trinchera férrea que nos permita vivir con esperanza de cambio. La figura
de María Zambrano, cuya filosofía fue un canto a la vida, a la paz, nos enseña
que ‘el sentir entiende y el entender siente’ y nos deja su razón poética para
que poesía y filosofía sean un camino útil para transitar la realidad”.
Para la directora, el texto de Nieves Rodríguez ha sido
un desafío. “Lejos de ser una biografía de Zambrano se presenta como una
ventana a su filosofía. La autora nos cuenta una historia en dos tiempos: la
vida y la muerte y juega con una espiral dramática que, fragmentada por una
línea divisoria, nos adentra en la infancia y la muerte de la filósofa
malagueña. La infancia como semilla de su pensamiento, la muerte como ‘lugar en
el que se nace del todo’, como espacio en el que encontrará su última palabra:
paz. Esta estructura dramática tan personal ha hecho que nos adentremos en el
texto con amor, con esperanza, para que la poesía pueda verse y escucharse en
escena de manera plástica”.
¿Qué país tendríamos ahora?
“Mi dirección ha sido un intento de conjugar
creatividades -explica Jana Pacheco-, partiendo de una premisa: el realismo
mágico como posibilidad de reflejar la razón poética zambraniana. Nos hemos
sumergido en la filosofía y la poesía y hemos aprendido, compartiendo algunas
incertidumbres y algunas certezas que:
Si la guerra no hubiese expulsado a nuestros y nuestras
intelectuales…
Si la dictadura no hubiese exterminado a nuestras
artistas…
Si la historia hubiese dejado trasmitir conocimiento a
nuestros filósofos y filósofas…
Si los maestros y maestras hubiesen podido alzar la voz…
Si se alimentara a la infancia…
Si nuestras raíces no se hubiesen perdido…
¿Qué país tendríamos ahora?”.
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20 de gener 2018
Don Quijote vigués
20 de enero 2018. A las 20:30
Tras su paso por Sevilla, la Compañía Nacional de Danza
visita Vigo, única función y única parada en Galicia, con el ballet 'Don
Quijote', coreografiado por el director de la formación, José Carlos Martínez,
y con música de Ludwig Minkus.
“Me he querido inspirar en el Don Quijote de Marius
Petipa, del que hemos cogido la partitura original y la hemos reeditado, pero
dándole un toque más español. En el original ya se quería dar este aire español
pero fue interpretado por bailarines rusos. Lo que yo quería era conservar el
toque clásico del ballet poniéndolo en la escena actual. He montado el Don
Quijote que Petipa hubiera soñado”, destaca José Carlos Martínez.
El Don Quijote de Petipa fue, junto con El Lago de los
Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869. Esta
obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o
etéreas de los ballets clásicos del XIX para poner en escena a la gente del
pueblo. El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote
(capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos
sucesos…”) y la acción se centra en los amores tumultuosos de Quiteria y
Basilio, dejando a un lado las propias aventuras de don Quijote y Sancho.
Martínez se ha basado en la coreografía original de
Petipa, pero también en las diversas versiones que el bailarín y coreógrafo ha
tenido la ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), pero sin olvidar la
esencia de la danza española. Como él mismo asegura, “me parece muy importante
que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una
versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura
y nuestra tradición”.
Para ello se ha contado con Mayte Chico para la
realización de la coreografía de bolero y fandango y se ha dado un matiz más
poético al personaje de don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado
por Dulcinea. Además se han eliminado las parodias originales, “les he querido
dar más seriedad acercándome al original de Cervantes”. La escenografía y el
vestuario son muy importantes.
Este ballet clásico en tres actos es la primera
coreografía de un ballet clásico completo que la CND incorpora en 25 años. Su
éxito, desde el estreno en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 16 de
diciembre de 2015, ha sido absoluto.
Don Quijote de la Mancha, II-XIX
Basilio se enamoró de Quiteria desde sus tiernos y
primeros años, y ella fue correspondiendo a su deseo con mil honestos favores,
tanto, que se contaban por entretenimiento en el pueblo los amores de los dos
niños Basilio y Quiteria.
Fue creciendo la edad, y acordó el padre de Quiteria de
estorbar a Basilio la ordinaria entrada que en su casa tenía; y por quitarse de
andar receloso y lleno de sospechas ordenó de casar a su hija con el rico
Camacho, no pareciéndole ser bien casarla con Basilio, que no tenía tantos
bienes de fortuna como de naturaleza, pues si va a decir las verdades sin
invidia, él es el más ágil mancebo que conocemos, gran tirador de barra,
luchador estremado y gran jugador de pelota; corre como un gamo, salta más que
una cabra y birla a los bolos como por encantamento; canta como una calandria y
toca una guitarra que la hace hablar, y, sobre todo, juega una espada como el
más pintado.
-Por esa sola gracia –dijo a esta sazón don Quijote–
merecía ese mancebo no sólo casarse con la hermosa Quiteria, sino con la mesma
reina Ginebra, si fuera hoy viva, a pesar de Lanzarote y de todos aquellos que
estorbarlo quisieran.
-¡A mi mujer con eso! –dijo Sancho Panza, que hasta
entonces había ido callando y escuchando–, la cual no quiere sino que cada uno
case con su igual, ateniéndose al refrán que dicen: Cada oveja con su pareja.
Lo que yo quisiera es que ese buen Basilio, que ya me le voy aficionando, se
casara con esa señora Quiteria; que buen siglo hayan y buen poso, iba a decir
al revés, los que estorban que se casen los que bien se quieren.
Don Quijote. José Carlos Martínez
Ballet clásico en tres actos
Música: Ludwig Minkus
Coreografía: José Carlos Martínez (inspirado en las
versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski)
Escenografía: Raúl García Guerrero
Figurines: Carmen Granell
Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
Caracterización Maquillaje y Pelucas: Lou Valérie Dubuis
Coreografía Adicional de Bolero y Fandango: Mayte Chico
Duración: 2 h
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18 de gener 2018
Voltaire / Rousseau, la disputa
Del 12 enero al 04 de marzo 2018
En: Madrid, Teatro María Guerrero
El Teatro María Guerrero presenta 'Voltaire / Rousseau.
La disputa'. Josep Maria Flotats dirige la obra de Jean-François Prévand, en la
que también intepreta a Voltaire, mientras que Pere Ponce hace lo propio con
Rousseau.
Como recuerda Prévand, este reestreno ofrece el aliciente
de que “se trata de una versión que nunca antes ha sido representada. En
efecto, para esta ocasión, me he entretenido en reescribir ciertas cosas, en
cortar o desarrollar otras, y por eso es un texto casi nuevo, que, más allá de
la adaptación que saludo, va a conocer aquí un verdadero bautismo. Por eso doy
las gracias muy emocionado a Josep Maria y espero, cruzando los dedos, el
veredicto del público español. ¿Quién es culpable en toda esta historia?
¿Voltaire? ¿Rousseau? Espero no serlo yo”.
En la obra, traducida por Mauro Armiño, un panfleto
anónimo acusa a Jean Jacques Rousseau por haber abandonado a sus cinco hijos.
Rousseau recurre a Voltaire para averiguar juntos quién es el autor de esta
abominación. Esto nos da la oportunidad de asistir a una gran escena doméstica,
donde los dos filósofos enfrentan sus ideas acerca de Dios, la igualdad, la
educación y el teatro. Dos maneras igualmente generosas pero muy distintas de
concebir la sociedad.
“Pienso –explica Flotats– que una de las cualidades de
este texto es que puede ser una invitación a saber más. No es una obra
filosófica, es una obra sobre dos filósofos. Es brillante e inteligente. Nos
provoca reflexión con la misma intensidad que nos da placer y creo que eso es
lo mejor para enganchar al público. Pude abrir una puerta a las ganas de
conocer a Voltaire y Rousseau y creo que cuando alguien lee a estos dos
filósofos se convierte en un ser un poco mejor”.
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31 de desembre 2017
‘Bastián y Bastiana’ o Mozart a los 12 años
Del 03 al 05 de enero 2018
En: Madrid, Teatros del Canal
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan
el estreno en Madrid de la ópera infantil 'Bastián y Bastiana' de Mozart
interpretado por los Pequeños Cantores de la Joven Orquesta y Coro de la
Comunidad de Madrid (JORCAM) con la dirección musical de Ana González y la
dirección de escena de Marina Bollain. Este espectáculo se podrá disfrutar en
tres únicas funciones los días 3, 4 y 5 de enero en la Sala Roja a las 12.00 h.
Bastián y Bastiana, un singspiel en un acto, es una de
las primeras óperas de Mozart, escrita en 1768 cuando sólo tenía 12 años de
edad. Se supone que esta obra fue un encargo para realizar una sátira del
género “pastoral” entonces prevalente, en concreto una parodia de la ópera Le
devin du village de Jean-Jacques Rousseau.
La historia tiene lugar en una villa de pastores, en un
tiempo no determinado. La pastora Bastiana teme haber perdido el amor de
Bastián y recurre a un brujo, Colas, para volver a enamorarlo gracias a sus
poderes mágicos. Colas la reconforta diciéndole que Bastián no la ha
abandonado, más bien está deslumbrado por los regalos que una noble dama le
hace. El mago Colas aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián y
así, él volverá corriendo.
Tema de actualidad
La historia de los dos pastores pone de relieve una
realidad que no ha pasado de moda: el adolescente Bastián se deja deslumbrar
por una niña más chic que su Bastiana y esta tendrá que espabilar para
recuperar a su chico.
En este montaje, Bastián y Bastiana estudian en un
instituto actual. Siempre han estado juntos, pero al llegar a la adolescencia
hay mucha gente nueva en clase y Bastián, deslumbrado por sus nuevas
compañeras, olvida a Bastiana, Las otras chicas visten ropa de marca, se
maquillan y son mucho más desenvueltas que Bastiana. Colás, un profesor algo
diferente, ayudará a reconciliar a los enamorados.
El montaje cuenta con jóvenes intérpretes de los Pequeños
Cantores de la JORCAM y alumnos de la Escuela Superior de Canto de Madrid.
Varios repartos cubrirán tanto los papeles protagonistas como los compañeros de
clase de Bastián y Bastiana. La escenografía, sencilla y realista, muestra el
ambiente de un instituto de secundaria.
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19 de desembre 2017
Stefan Zweig en versión musical : 24 horas en la vida de una mujer
Del 13 diciembre 2017 al 07 de enero 2018
En: Madrid, Teatro de La Abadía
En el 75 aniversario de la muerte de Stefan Zweig
se presenta en el Teatro de La Abadía '24 horas en la vida de una mujer', una
de sus mejores novelas breves, convertida ahora en un musical de cámara
intimista protagonizado por Silvia Marsó, que tras ver el montaje original de
Christine Khandjian y Stéphane Ly-Coug en París se ha hecho cargo de la
producción del espectáculo en España. Ignacio García dirige esta adaptación que
cuenta con la música original del compositor ruso Sergei Dreznin.
Acompañan a Silvia Marsó, Felipa Ansola y
Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré /
Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo
(Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente). Además, la música original de Sergei
Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía,
Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las
imágenes permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la
Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura 24
horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre.
Existen días de nuestra vida que, sin saberlo,
nos colocan ante un dilema que cambiará nuestra existencia para siempre. Días
que nos convierten en quienes somos… Una aristócrata, acostumbrada a una vida
burguesa y estable, tendrá una experiencia única, absolutamente inesperada, que
le llevará a enfrentarse a todos sus principios vitales y morales.
Con esta sencilla y poderosa historia, Zweig
reflexiona sobre los misterios de la naturaleza humana y muestra cómo el
destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral. La
presión social, las normas de conducta, el estatus y la religión condicionan
cada uno de los actos del ser humano. Nosotros mismos somos los más activos
guardianes de estas reglas aparentemente inamovibles; nuestros deseos más
profundos, son autorreprimidos para no entrar en conflicto con lo establecido.
Pero, cuando el destino nos empuja a una situación límite, cuando las pasiones
se escapan a nuestro control… ¿somos capaces de romper esas barreras para
conquistar la libertad?
Como explica su director, Ignacio García, “la
obra plantea una visión subjetiva de la pasión que conduce a los personajes por
la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos
vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.
La Abadía acoge este espectáculo de profunda
resonancia europea: autor de origen austriaco, novela escrita entre las dos
guerras mundiales, compositor ruso, libretistas franceses, compañía y director
españoles… y una trama que se desarrolla en Montecarlo.
De martes a sábados, 20.00 h. Domingos a
las 19.00 h. Domingos 24 y 31 de diciembre, no hay función.
El encuentro con el público tendrá lugar el
20 de diciembre al finalizar la función. Entrada libre hasta completar aforo.
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