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24 de març 2019

‘El desdén, con el desdén’ según La Joven CNTC



Del 12 de marzo al 7 de abril de 2019 
Teatro de la Comedia, Madrid 

La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, dirigida por Iñaki Rikarte, lleva a las tablas del Teatro de la Comedia El desdén, con el desdén de Agustín Moreto Madrid, 1618 - Toledo, 1669) en versión de Carolina África.

Para Rikarte, “El desdén, con el desdén es título y argumento de una comedia fabulosa: Carlos, enamorado de Diana y desdeñado por ella, finge su propio desdén para conquistarla. Sobre esta contradicción, Moreto construye una estructura eficacísima en la que siempre prioriza el juego, abundando las situaciones donde los personajes se ven obligados a mentir, a disimular, a ocultar lo que sienten, conocedor de esa paradoja cruel de la comedia según la cual cuanto peor lo pasan los personajes más nos divertimos los espectadores”.

La contradicción aflora constantemente en los rasgos adolescentes de los protagonistas: son inmaduros, competitivos, tozudos, vanidosos, egoístas, tiranos, manipuladores y, casi al mismo tiempo, pueden mostrarse juiciosos, generosos, empáticos, delicados, autocríticos, ponderados. Es también contradictorio el modo en que ellos mismos describen los efectos del amor o de los celos en sus propios cuerpos: con turbación adolescente y rigor casi científico. Como si fuesen investigador y cobaya al tiempo.

Para el director, textos como éste “destilan y requieren una energía y vitalidad extraordinarias. Encarnarlos es casi un ejercicio atlético. Por eso creo que es una gran noticia que se haya pensado en La Joven CNTC para devolverlo a las tablas”.

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hoyesarte.com

22 de desembre 2018

El Teatro Español de Rojo




Del 29 de noviembre al 30 de diciembre de 2018
Teatro Español, Madrid

KEN: ¿No es un restaurante? MARK: No, yo lo convertiré en un templo. De esto va la obra Rojo que desde el pasado 29 de noviembre está llenando de martes a domingo las salas del Teatro Español: de cómo los artistas se ven obligados a convertirse en mercancías para encandilar a un público vendido, inexperto y superficial que se sirve del arte para invertir, marcar estatus en un entorno elitista o simplemente para coronar un sofá de piel de 10.000 dólares.

Es el dilema al que se enfrentan los pintores puristas, aquellos que sienten el arte como una forma de vida, más allá del dinero y de esas latas de sopa de Campbell, que representan el acecho del movimiento Pop Art encumbrado por Andy Warhol o Roy Lichtenstein. La brocha como una prolongación de su propio cuerpo y la experiencia frente al lienzo como una forma de vida sin alternativa.

Y en esta tesitura es donde se encuentra precisamente el pintor Mark Rothko (Letonia, 1903-Nueva York 1970), representante del Expresionismo Abstracto, cuando se pone delante del que puede ser el mayor éxito profesional de toda su carrera y, al mismo tiempo, su mayor problema ético: hacer una serie de murales para el nuevo restaurante del Four Seasons de Nueva York.

Representado a las mil maravillas por un Juan Echanove que grita y pinta a partes iguales, comienza su encargo de la mano de un ayudante tímido, inexperto, eclipsado: Ken, interpretado por un recién emancipado (y excepcional) Ricardo Gómez. Un joven aprendiz sin experiencia que se enfrenta también a la lucha de crecer como artista, encontrar su propia voz, y desligarse así del veterano reticente a vender su arte a esa burguesía pudiente que le reclama.

La crisis de la resistencia para no sucumbir a los estragos de dejarse vender al mejor postor.

Acunado y madurado en la pequeña pantalla y pese a su corta experiencia en teatro, -su estreno fue en 2016 con La Cocina-, Gómez encuentra así su sitio en el escenario y se convierte en una pieza clave para crecer junto a un Echanove exasperado por esa lucha interna por resolver un conflicto que no tiene una respuesta correcta: pintar o no pintar, ésa es la cuestión.


En algún momento de ese guión profundo y existencialista, el pintor parece encontrar su propia respuesta, a base de idas y venidas e incongruencias máximas: “Sí, los artistas deberían morir todos de hambre”, mientras acepta un cheque de 35.000 dólares de aquellos años 50. Una situación que se tambalea entre el roce del éxito y el miedo a no merecerlo que, de alguna forma, se representa a través de la metáfora de los colores negro y rojo: “Un día el negro engullirá al color rojo”.
A brochazos, la obra continua a ritmo palpitante, ágil, incombustible, en el que ese Rothko que se va derrumbando acaba asumiendo el mercantilismo en el que se ha convertido el arte: “Así de necios somos los seres humanos: tratamos de convertir el rojo en negro”.

Rojo fue escrita por el dramaturgo y guionista John Logan, –Gladiador, El aviador, Skyfall-, y ha conseguido gracias a este trabajo seis premios Tony, triunfando en los teatros de medio mundo, de Japón a Chile, y ahora llegando por primera vez a las salas españolas.

KEN: ¿Le da miedo el color negro?
MARK: No. Lo que de verdad me da miedo es la falta de luz.
Autor: John Logan
Director: Juan Echanove
Intérpretes: Juan Echanove y Ricardo Gómez

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16 d’octubre 2018

Nueva etapa en el Teatro Circo Price



Madrid es una de las pocas ciudades del mundo con un espacio escénico dedicado al circo. Revindicar ese patrimonio único y convertirlo en una referencia internacional es uno de los objetivos de la etapa que, bajo una nueva dirección, estrena el Teatro Circo Price. Su pista estrena un concepto y programación que ha presentado María Folguera, nueva directora elegida por concurso público, junto a la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, y la directora general de Actividades Culturales y Programas, Getsemaní de San Marcos.

Convertir el Price en un verdadero referente internacional, contar con una amplia oferta de la mejor escena circense internacional, que este otoño representa más del 70% de las citas, y recuperar la memoria de este circo son los objetivos principales que ha presentado Folguera. El apoyo y cuidado a la escena local y el aumento de las líneas de programación y pedagógicas para niños se suman al nuevo concepto.

La directora destaca el objetivo de convertir a Madrid en una “ciudad del Circo” buscando la consolidación del centro como “lugar de referencia de las artes circenses a nivel local, estatal e internacional”, llevando al Price a asumir su verdadero potencial en el panorama cultural de la ciudad.

En la misma línea, la programación busca “contribuir al extraordinario desarrollo que están experimentando las artes circenses”, y de este modo ayudar a madrileños y visitantes a descubrir este circo “como un lugar en el centro de la ciudad donde sucederán cosas extraordinarias”.

FIRCO
El Teatro Circo Price tiene previsto celebrar, del 19 al 21 de octubre, FIRCO, primera edición del Festival Iberoamericano de Circo, destinado a jóvenes artistas de países iberoamericanos. Con más de 200 propuestas recibidas se han seleccionado 16 de ellas y, siguiendo la estela de las grandes galas competitivas de la tradición circense, el festival se estructura en dos semifinales de ocho actuaciones cada una –más una actuación invitada– que se celebrarán el viernes 19 y sábado 20 de octubre respectivamente. El domingo 21 será la Gran Gala Final, donde los ocho mejores números seleccionados por el jurado volverán a ser presentados, camino a la decisión final: los premios.

Y en la misma línea y dentro del programa de Circo en Otoño se presenta la mítica compañía australiana Circus Oz, que vuelve al Price del 8 al 11 de noviembre con su última creación llena de energía, virtuosismo y humor, Model Citizens (Ciudadanos modelo), un trabajo inteligente y sutil con el que se rebelan contra los mitos de la vida moderna. Bajo la dirección artística de Rob Tannion, artista de origen australiano que ha desarrollado gran parte de su recorrido como director en España, Model Citizens desafía perspectivas, escalas y conceptos sobre sobre la idea de ‘lo normal’ y explora qué significa ser hoy un ciudadano modelo.

Circus Oz es una compañía que, con más de 30 años de existencia y una evolución marcada por la investigación escénica, constituye un caso paradigmático dentro de la historia del circo. Con Model Citizens inauguran nueva etapa llena de riesgo e innovación.

Sector
Del 23 al 26 de octubre se celebra ‘Circo, Presente Continuo’, un proyecto que reúne, con la colaboración del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y del Centro Cultural Conde Duque, dos proyectos  entrelazados: la segunda edición  del  Congreso  CircoRed, un espacio para la reflexión y el punto de encuentro de profesionales de circo de toda España, y la primera edición de CircoRed Market, un mercado circense que surge a partir de una fuerte demanda del sector del circo, que desde hace años reclama la  existencia de un espacio propio en el que dar a conocer las novedades de la creación  estatal. Una oportunidad en definitiva para esbozar y para conocer, en apenas tres días, un significativo retrato sobre la situación del circo en España.

De cara al público no profesional, CircoRed ofrece dos espectáculos en el Price. El 24 de octubre, a las 21.00 h, la compañía granadina Vol’e Temps presenta Distans, un show en el que el dúo propone circo, mezclando portes acrobáticos, cuerda floja y barra fija, mucho humor y una puesta en escena teatral acompañada de una música original creada por Iván Monje. Recomendado para todos los públicos.

Al día siguiente, pero a las 20.30 h, la compañía Circo Deriva muestra Ya es tiempo de hablar del amor, una historia basada en hechos reales con altas dosis de ficción de cuatro cuarentones del circo, que en su etapa de madurez se plantean que la única solución a sus preocupaciones es volver a hablar del amor. A través del humor, la música, los malabares, la acrobacia y una desbordante poética circense, consiguen crear un espectáculo hilarante y emotivo, para todos los públicos.

Memoria e innovación
En la línea de recuperar la memoria del circo en la ciudad, que contará con otras propuestas de programación a largo plazo y proyectos fuera de la pista, el Price ha lanzado la convocatoria ‘Se buscan espectadores: Abril 1970’, un proyecto de participación ciudadana para encontrar personas que vivieron las últimas funciones del Price en su anterior ubicación en la Plaza del Rey y construir un puzle de recuerdos y emociones de aquellas y aquellos que escucharon aquella despedida al Price.

En cuanto a la innovación, están previstas del 18 de octubre al 10 de noviembre las ‘Jornadas de investigación en circo’, organizadas en colaboración con MADPAC, Asociación de Profesionales de Circo de Madrid, para generar encuentros con artistas expertos y expertas en procesos de investigación. Un editatón de Wikipedia sobre hechos, conceptos y biografías de personas vinculadas con el mundo del circo; y el proyecto ‘Nexos’, que de diciembre de 2018 a abril de 2019 quiere convocar a cirqueros de distintas franjas de edad para hacer un recorrido por la actualidad circense en Madrid a través de diferentes actividades.

Navidad
Navidad es muchas cosas: la gran producción anual del Price, un espectáculo del que se dan más de 65 funciones, una cita en la vida de la ciudad que convoca a cientos de miles de personas… y también una invitación a un equipo creativo para que desarrolle su propuesta artística en la pista. El reto en Navidades es aunar innovación y tradición: corresponder al deseo y vínculo afectivo de miles de espectadoras y espectadores que ya han hecho de su asistencia al circo una costumbre familiar, y a la vez fomentar que el equipo artístico invitado se sienta con libertad para imaginar y aportar, lejos de fórmulas encerradas.

La Navidad llegará este año al Teatro Circo Price de la mano de la compañía madrileña Perfordance, del 30 de noviembre al 6 de enero, con un espectáculo inspirado en un clásico de la cultura navideña, A Christmas Carol, de Charles Dickens. La puesta en escena recupera ese toque de fábula clásica con formas nuevas: el ‘coreomapping’, la trepidante música en directo o por supuesto una alianza entre circo, danza y personajes a cargo de carismáticas presencias.

Avance 2019
Ya para el año próximo, del 10 de enero al 3 de marzo, vuelve al Price ‘Inver Fest’, el festival de música de invierno con cuatro semanas de música de diversos estilos, orígenes, recorridos y tendencias, consolidando una programación definida por la diversidad en la que todos los géneros musicales tienen cabida, desde el flamenco al pop pasando por el indie, la música electrónica, la canción de autor y el folk, además de propuestas pensadas para toda la familia en horarios accesibles para los pequeños y las pequeñas.

Casi simultáneamente, del 7 de febrero al 10 de marzo, tendrá lugar IX Festival de Magia, un encuentro consagrado internacionalmente donde la comunidad maga presenta trucos por primera vez o viene a descubrir las últimas novedades de sus colegas de todo el planeta, en una ciudad que es cantera de grandes magos.

Y en primavera, el ciclo de Circo en Primavera, con una programación en esta ocasión especialmente dedicada a la memoria de circo en Madrid. A través del trabajo de distintos creadores y creadoras se abordarán figuras que merecen homenaje, continuando con la línea de acción de la memoria y enlazando con 2020, año en que se cumple medio siglo del cierre del antiguo Circo Price, en la plaza del Rey de Madrid, y al que el centro rinde recuerdo con el nombre.

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26 de setembre 2018

Lluís Homar es ‘Tierra baja’




Del 19 de septiembre al 7 de octubre de 2018
Teatro de La Abadía, Madrid

Lluís Homar vuelve al Teatro de La Abadía con Tierra baja, el drama rural de tintes románticos de Ángel Guimerá (Santa Cruz de Tenerife, 1845 - Barcelona, 1924), un texto clave en la carrera del actor que le valió en 2015 el Premio Max. En esta ocasión representa los cuatro papeles protagonistas de un montaje que dirige Pau Miró y cuenta con la música y la voz de Silvia Pérez Cruz.

Esta será la tercera vez que actúe Homar en La Abadía, tras Play Strindberg y El hombre de teatro. Tierra baja es un proyecto que nace de la necesidad, el compromiso y el deseo de sacar adelante esta “fantástica locura” donde, en forma de monólogo, Homar asume todos los papeles.

Estrenada en 1896 en el Teatro Español de la mano de María Guerrero y, posteriormente, en 1897, en Tortosa y Barcelona, la obra se ha convertido en una de las más representadas y traducidas de la lengua catalana y se ha consolidado como un clásico del repertorio teatral.

Lluís Homar descubrió el texto cuando solo contaba con 16 años, interpretando por primera vez a Manelic con el grupo de teatro de aficionados de Horta. Pero no fue una obra más. Aquel primer contacto le permitió descubrir que quería ser actor. Más tarde, en 1990, protagonizó la mítica puesta en escena de Fabià Puigserver.

Ahora, en este montaje estrenado en 2014, Homar asume los cuatro papeles principales: Lluís es Sebastián, el dueño de todo y principal representante de la Tierra baja. También Marta, la víctima más evidente de este mundo sórdido. Y como no, Manelic, el rostro de la ingenuidad. Incluso, Nuri, la mirada de la inocencia en el drama de Guimerá.

Este texto ha marcado su carrera más allá de las casualidades. Hay sobre todo una identificación con el trasfondo y la simbología de la obra de Guimerá: la complejidad, la contradicción y la lucha interna que se produce en cada uno de nosotros como individuos, contrapuesta a la dialéctica que siempre se establece en sociedad entre dos mundos antagónicos: la parte “oscura” (Tierra baja) y la parte “pura” (Tierra alta). Los cuatro protagonistas acaban revolcándose en el fango de las pasiones humanas más turbias, las de la Tierra baja.

Nueva lectura
Esta nueva lectura es un proyecto muy personal de Homar que, conjuntamente con Pau Miró, presentan un Tierra baja inédito, para un solo actor, con una lectura más contemporánea donde, desde el profundo respeto por el alma de la obra original, la verdad en el terreno de la interpretación y la simplicidad en la puesta en escena, han trabajado el texto acercándolo a nuestros días, optando por una mirada más constructiva de la realidad que nos rodea.

Pero, ¿por qué transformar este texto en un monólogo? Para Miró, su director y adaptador, “esta nueva versión va directamente al conflicto, un conflicto donde se mezclan las ambiciones, las pasiones y las emociones de cada personaje. Esta soledad en el escenario nos permite mostrar con mayor claridad la complejidad que hay en cada persona, y focalizar la lucha interna que se produce en cada uno de nosotros. No estamos hechos de una sola pieza, somos fruto de nuestras elecciones. Los espectadores, más que un monólogo, verán cuatro voces en un solo actor. El vehículo de esta idea sencilla, pero sincera y generosa es Lluís”.
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21 de setembre 2018

El curioso incidente del perro a medianoche




Del 5 de septiembre al 14 de octubre de 2018
Teatro Marquina, Madrid

El curioso incidente del perro a medianoche, la obra teatral basada en el best seller de Mark Haddon adaptada por Simon Stephens, se estrena en el Teatro Marquina de Madrid de la mano de La Joven Compañía.

José Luis Arellano firma la dirección, Gerardo Vera ha diseñado la escenografía y José Luis Collado ha realizado la versión en español. En cuanto al elenco, Alex Villazán da vida a Christopher Boone, el protagonista de la historia y comparte escenario con Marcial Álvarez, Lara Grube, Mabel del Pozo, Carmen Mayordomo, Anabel Maurín, Boré Buika, Eugenio Villota, Alberto Frías y Eva Egido.

La obra cuenta la historia de Christopher Boone, un niño con síndrome de Asperger y una capacidad intelectual deslumbrante que decide investigar la extraña muerte de Wellington, el perro de su vecina. Su peculiar visión del mundo, la relación con sus padres y especialmente con su profesora Siobhan, dan pie a una conmovedora historia de superación, amistad y tolerancia arropada por un extenso grupo de personajes que se cruzarán en su camino del tenaz Christopher.

Tras escribir e ilustrar numerosos libros infantiles, Mark Haddon sorprendió en 2003 con su primera novela. Elogiada con entusiasmo por autores como Oliver Sacks o Ian McEwan, de su obra se han vendido más de dos millones de ejemplares en todo el mundo.

En 2012, el Royal National Theatre de Londres encargó a Simon Stephens la adaptación de la novela al teatro, contando con el apoyo de Mark Haddon para hacerlo. Desde entonces, sus versiones teatrales han obtenido un gran éxito en Londres y Broadway y conseguido siete Premios Olivier (Londres) y 5 Premios Tony (Broadway), incluyendo “mejor obra de teatro nueva”, “mejor director” y “mejor actor protagonista”. Además consiguió 6 Drama Desk y 5 Outer Critics Circle.

El curioso incidente del perro a medianoche. De martes a viernes a las 20.00 h; sábados a las 17.00 y 20.15 h; domingos a las 18.00 h.

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11 de setembre 2018

Concha Velasco protagoniza ‘El funeral’



Teatro
Del 12 al 16 de septiembre de 2018
Teatro Arriaga, Bilbao

Concha Velasco vuelve al Teatro Arriaga para protagonizar El Funeral, una comedia escrita y dirigida por su hijo, Manuel M. Velasco, guionista y director de cine, teatro y televisión, en la que es la primera colaboración de ambos sobre las tablas.

La actriz vallisoletana, que interpreta a Lucrecia Conti, una diva del cine, el teatro y la televisión recién fallecida, comparte protagonismo en este velatorio con Jordi Rebellón, que da vida a Alberto Luján, su representante. El barcelonés, muy querido por el público gracias a su papel de Doctor Vilches en la serie Hospital Central, se incorpora en Bilbao al reparto interpretando el papel que correspondía a Antonio Resines, convaleciente de una lesión de espalda.

Además de Velasco y Rebellón, la obra cuenta en su elenco con otros tres intérpretes: Clara Alvarado y Cristina Abad, metidas en los papeles de dos nietas (Ainhoa y Mayte); y Emmanuel Medina, quien interpreta a Miguel, un primo lejano cuyo parentesco real es desconocido.

El Funeral, producida por Jesús Cimarro, cuenta con vestuario del diseñador Ion Fiz, escenografía de Asier Sancho, iluminación de José Manuel Guerra y música de Juan Cánovas.

Sorprendente comedia
Lo que parecía que iba a ser una conmovedora despedida llena de homenajes, se torna en una sorprendente comedia al aparecerse a los presentes Lucrecia, en forma de fantasma, que se resiste a pasar a mejor vida sin dejar resueltos algunos asuntos profesionales y personales.

Los asistentes al velatorio se verán envueltos en los acontecimientos de una función que, desde el primer momento, rompe la cuarta pared e invita al público a participar tanto en la triste despedida como en los divertidos enredos que Lucrecia y Luján, las nietas y el primo, tienen que resolver. Los espectadores disfrutarán de un espectáculo lleno de guiños cómplices y todo tipo de sorpresas.

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http://www.hoyesarte.com/evento/concha-velasco-protagoniza-el-funeral-junto-a-jordi-rebellon/?utm_source=Boletin_20180903_1200&utm_medium=boletin&utm_campaign=boletin

19 de juny 2018

Un musical barroco






El Teatro La Puerta Estrecha presenta Un Musical Barroco, una comedia para voces y piano a cuatro manos dirigida por María Herrero, a partir de textos de Calderón, Lope, Cervantes, Jorge Manrique y Shakespeare, que rinde homenaje tanto a los insignes escritores como a los humildes juglares de nuestro pasado teatral.



A finales del siglo XVII, una compañía de cómicos itinerantes muere al despeñarse su carro. Son enterrados, como dictaba la ley de la época, fuera del cementerio. Esta particular familia queda atrapada en un espacio-tiempo indefinido; un lugar donde intentan descubrir qué es lo que los mantiene suspendidos en el tiempo, tratando de no olvidar quienes fueron, y reviviendo así sensaciones y emociones de cuando estaban vivos, algunas ya oxidadas por el paso de la eternidad.



Como recuerda su directora, “este proyecto comenzó a forjarse el día en que llevé al coro de actores que dirigía una pequeña pieza a dos voces que había compuesto. La pieza tuvo muy buena acogida tanto entre los integrantes del coro como en el público que vino a algunos de los conciertos que hicimos. La idea de un musical barroco empezó a cobrar forma en mi mente. Así que les propuse tirar del hilo y aventurarnos en la creación de un montaje que tuviera como protagonistas a una compañía de actores del Siglo de Oro. Todo el elenco, con una generosidad infinita, aceptó el reto”.



Un Musical Barroco, que ha sido seleccionada en el Festival Internacional de Teatro Clásico Almagroff, puede verse en el Teatro de la Puerta Estrecha todos los sábados y domingos de junio y los sábados 7 y 14 de julio.



Ficha artística

Dirección: María Herrero

Autoría: Proyecto Barroco, María Herrero

Música original: María Herrero (voces y piano), Gloria Lamadrid (piano)



Reparto (por orden alfabético)

Esther Acevedo es Antonia

Víctor Antona es Federico

Ana Crouseilles es Gabriela Rouger

Arantxa Garrastázul es Ceci

Eduardo Gutiérrez es Juan de Ochoa

Aitor de Kintana es Diego

Ana Paradinas es Catalina Rouge

Amaranta Ruiz es Rita



Del 9 de junio al 14 de julio de 2018

Horario

20:00h - 21:30h

Teatro La Puerta Estrecha, Madrid



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17 de juny 2018

La ternura shakesperiana retorna a Madrid




Del 7 de junio al 15 de julio de 2018
Teatro de La Abadía, Madrid

La Ternura de Alfredo Sanzol vuelve al Teatro de La Abadía de Madrid tras una exitosa gira que ha atraído a las salas de toda España a más de 32.000 espectadores. Un año después de su estreno, esta comedia romántica de aventuras se presenta en Madrid hasta el 15 de julio.

El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades o los espacios como elementos mágicos conectan La Ternura con obras de Shakespeare como La Tempestad, Noche de Reyes, Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces o Sueño de una noche de verano. Sanzol cuenta con la escenografía y el vestuario de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez para alcanzar, en palabras del director, “el deseo que une a todos: el deseo de encontrar la ternura como sea, donde sea, con quien sea”.

Esta obra de Sanzol, Premio Valle-Inclán, habla del sufrimiento como parte consustancial del amor, “porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir”. En la Sala Juan de la Cruz, Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón encarnan la expresión del amor concebida por el director, que no trata sino de la ternura: “Sin ternura el amor no se ve. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”.

Además del humor y sus moralejas, el montaje plantea en segundo plano un alegato en favor del entendimiento entre los dos sexos. “Tiene algo de parodia. Quería reírme de aquellos que ven el mundo dividido por sexos, porque yo nunca he entendido esa división”, dice rotundo Sanzol. “No veo cuál puede ser la razón de esa separación que aboga por una visión unitaria y holística del ser humano”.

Los líos
La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la Reina considera desierta, crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas, para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que, desde hace veinte años, viven un  leñador con sus dos hijos, que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la Reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y, en ese momento, comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos y las confusiones.

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17 de maig 2018

Lope, Calderón, Molière y Shakespeare se suman al banquete




FECHA:
Del 8 de mayo al 3 de junio de 2018
LUGAR:
Teatro de la Comedia, Madrid

Hasta el 3 de junio, la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) presenta 24 funciones de El banquete en el Teatro de la Comedia. Basada en textos de varios autores, versionada por Álvaro Tato y con Helena Pimenta y Catherine Marnas en la dirección, en esta obra todo sucede en una reunión, un banquete en el que los actores hablan en torno a una mesa recordando que la civilización se teje de fábulas, leyendas, acciones y relatos. Lope, Calderón, Molière, Shakespeare y muchos otros se suman a la celebración, convirtiendo así la velada en una gran fiesta del lenguaje.

En este espectáculo singular, en el que los espectadores se sientan a la mesa, los actores lanzan diatribas de un extremo a otro de la mesa y se prueban trajes de ilustres personajes mientras los espectadores disfrutan del intercambio de ideas en un viaje fantástico a través de la imaginación.

El escenario se transforma en una sala, en la que unos maestros de ceremonias aparecen en escena y acompañan a los comensales a su lugar en la mesa. Sobre manteles blancos se sirve buen vino y, como en una comunión entre literatura y placer, como en los días de la antigua Grecia, se desarrolla el encuentro.

Por el espectáculo desfilan piezas de La Celestina, Don Quijote de la Mancha, La vida es sueño, La dama boba, El caballero de Olmedo, El burlador de Sevilla o Don Juan Tenorio, junto a Hamlet, Romeo y Julieta, El avaro, El mercader de Venecia, Edipo Rey o Macbeth.

Álvaro Tato firma la nueva propuesta de la CNTC basándose en el espectáculo Le banquet fabulateur dirigido por Catherine Marnas y estrenado en 2015 en el Théâtre National de Bourdeaux en Aquitaine (TNBA), a su vez basado en el ensayo La especie fabuladora de Nancy Houston.

Un gran elenco formado por Lola Baldrich, Pablo Béjar, Jimmy Castro, Gonzalo de Castro, Aleix Melé y Manuela Velasco amalgama literatura y placer con la imaginación como maestra de ceremonias y elemento reivindicativo.

Equipo
Asesora de verso: Pepa Pedroche
Coreografía: Nuria Castejón
Música: Madame Miniature / Miguel Magdalena
Iluminación: Enrique Chueca
Escenografía: Carlos Calvo
Versión: Alvaro Tato
Dirección: Helena Pimenta y Catherine Marnas

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01 de maig 2018

La Joven Compañía cierra temporada con Buero Vallejo



Del 06 abril al 05 de mayo 2018
Madrid, Conde Duque

La Joven Compañía (LJC) cierra su quinta temporada con Antonio Buero Vallejo y la representación de 'En la fundación', una versión de la dramaturga canaria Irma Correa a partir de 'La fundación'. Del 6 de abril al 5 de mayo se podrá ver en el Teatro Conde Duque y 5.000 espectadores jóvenes conocerán la obra de Buero en las sesiones matinales.

La versión de Correa intenta traer la visión del dramaturgo a nuestros días y situarlo en el lugar de prestigio que le corresponde. Una actualización cercana a la ciencia ficción que viaja desde Orwell hasta Matrix o la serie Black Mirror. En la fundación es una historia de hermandad. Es el relato de un grupo de jóvenes que lucha por sobrevivir en un mundo que se ha tornado extraño, ajeno, violento y castrador. Ellos harán lo posible por defender una verdad que quizá les devuelva la libertad.

LJC nace en verano de 2012, creada por David R. Peralto y José Luis Arellano para generar una plataforma con vocación pública que concentrara a los profesionales de las artes escénicas, a la comunidad docente y sirviera como primera experiencia profesional para jóvenes. En la actualidad cuenta con cerca de cuarenta jóvenes de entre 18 y 27 años dirigidos por grandes profesionales del teatral nacional. En cuatro temporadas, más de 150.000 espectadores de toda España han visto sus producciones.

Jueves, viernes y sábados a las 20.00 h.
Matinales. Martes y miércoles / 10.00 y 12.30 h. Jueves y viernes / 11.00 h.
Excepto 1 y 2 de mayo.

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29 de març 2018

El regreso de Buero Vallejo



El concierto de San Ovidio.
Del 23 marzo al 20 de mayo 2018
Madrid, Teatro María Guerrero

Mario Gas dirige en el Teatro María Guerrero (Centro Dramático Nacional) 'El concierto de San Ovidio', obra de de Antonio Buero Vallejo(Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000), que cuenta con un elenco de 14 grandes actores: José Luis Alcobendas, Lucía Barrado, Jesús Berenguer, Mariana Cordero, Pablo Duque, Nuria García Ruiz, Javivi Gil Valle, José Hervás, Alberto Iglesias, Lander Iglesias, Ricardo Moya, Aleix Peña, Agus Ruiz y Germán Torres.

Desarrollada en un hospicio del París de 1771, el Hospital de los Quince Veintes, Valindin, un negociante, consigue que la monja que regenta la institución permita que, a cambio de doscientas libras, seis mendigos ciegos que allí se acogen puedan tocar instrumentos musicales en la inminente fiesta de San Ovidio. Al contrario de lo que los pobres ciegos se piensan, Valindin no es su salvador, sino un mangante que lo único que busca es aprovecharse de su condición de ciegos para ridiculizarlos y sacar beneficio económico de la situación.

El concierto de San Ovidio viene a replantear el tema de la ceguera, ahora en circunstancias distintas de las de En la ardiente oscuridad. Por otra parte, sitúa el tema social en un plano que hasta ese momento Buero Vallejo no había aborda do explícitamente: el de la lucha de clases.

Gas –que dirige su primera obra de Buero–, explica así su interés por El concierto: “Estoy muy familiarizado con este texto y siempre me ha gustado. He estado detrás de llevarlo a escena en varias ocasiones. Estuvimos a punto de montarlo en el Teatro Español. Un productor me ofreció incluso hacerla en cine. Me acerco al texto con mucho respeto, creo que es de las tres o cuatro mejores obras de Buero Vallejo y quiero agradecer además a la familia de Don Antonio, a su viuda y a su hijo, que sé que se han empeñado mucho en que yo fuera el que dirigiera este montaje”.

De martes a sábados, a las 20.30 h. Domingos, a las 19.30 h.
Funciones accesibles para personas con discapacidad auditiva y visual. Jueves 10 y viernes 11 de mayo de 2018.

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24 de març 2018

‘Consentimiento’, un fuego salvaje



Del 09 marzo al 29 de abril 2018
Madrid, Teatro Valle-Inclán

Sólo un año después de su estreno en Londres, el Teatro Valle-Inclán presenta 'Consentimiento', una obra de Nina Raine traducida por Lucas Criado y versionada y dirigida por Magüi Mira que cuenta con un elenco formado por David Lorente, Nieve de Medina, María Morales, Jesús Noguero, Candela Peña, Pere Ponce y Clara Sanchis.

Nina Raine, mujer, 34 años, abre en su última obra un fuego salvaje. Trenza con maestría un humor hilarante con enfrentamientos violentos y emociones extremas… Es capaz de mostrar el dolor moral y físico al que lleva a sus personajes atravesando un bosque de contradicciones. Cuatro mujeres. La abogada, la editora, la actriz, la violada. Y tres hombres, los tres abogados. Siete seres humanos incoherentes, pero que se buscan y se aman irremediablemente.

Tras dirigir Festen en la temporada pasada para el Centro Dramático Nacional, Magüi Mira recibió la invitación de Ernesto Caballero para dirigir una nueva obra: “Tropecé con Consentimiento. Fue definitivo. Amor a primera vista. Su autora, Nina Raine, una rara avis maravillosa, se inició en el teatro como directora. Dramaturga valiente, aborda temas que me atraparon desde la primera lectura. Rompe parámetros de espacio y de tiempo, lanza un envite a una justicia injusta, trenza conflictos duros con humor, es capaz de provocar la risa más hilarante en las escenas de mayor enfrentamiento de sus personajes, en momentos de pelea en torno al sexo no consentido, o a la infidelidad. Y lo plantea de forma poliédrica para que podamos ver y leer ese torbellino de contradicciones que ahoga a s us personajes. Lleva al escenario la verdad de la calle, lo que leemos a diario en la prensa, pero convierte esa realidad en arte puro, sin perder un átomo de su esencia. Consentimiento deja desnuda la verdad para que cada cual la vista según su conciencia, su ética o su conveniencia”.

Empatía
Sin consentimiento se viola un cuerpo, se viola una confianza.
¿Se viola una ley? ¿Es violada una mujer cada vez que consiente en hacer sexo con su pareja ignorando que le está siendo infiel?
Consentimiento. Palabra poderosa que en manos de abogados corta como un cuchillo nuestras verdades y decide los castigos.
Las palabras no son de fiar, la memoria nos falla, pero la justicia decide.
Consentimiento deja desnuda la verdad para que cada cual la vista según su conciencia, su ética o su conveniencia.
Hacer justicia es buscar los argumentos a favor de tu adversario como los buscarías en tu propio favor. Aristóteles s IV aC.
Eso es empatía, y sin empatía no hay justicia.
Encuentro con el equipo artístico: 27 de marzo a las 19.00 h, antes de la función, en la sala Mirlo Blanco. Funciones accesibles: 19 y 20 de abril de 2018

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http://www.hoyesarte.com/evento/2018/03/consentimiento-un-fuego-salvaje/?utm_source=Boletin_20180313_1722&utm_medium=boletin&utm_campaign=boletin

09 de febrer 2018

Versión feroz de ‘Sueño de una noche de verano’




Teatro
Del 08 al 11 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán

El dramaturgo chileno Marco Layera firma una adaptación contemporánea del clásico de Shakespeare 'Sueño de una noche de verano' que reflexiona sobre el amor, el dolor, la identidad, la pasión, el sexo y el poder. El Centro Dramático Nacional y la compañía Voadora, con la dirección de Marta Pazos, llevan a escena una fábula impactante con la libertad de elección como telón de fondo. En el reparto, Diego Anido, Areta Bolado, Jose Díaz, Borja Fernández, Paris Lakryma, Janet Novás, Andrea Quintana, Anaël Snoek y Hugo Torres.

Los amantes se transforman constantemente en esta versión feroz de Layera dirigida por la pictórica mirada de Marta Pazos. Se transforman con violencia. Corriendo libres por un bosque de límites flexibles, una floresta abierta a la diversidad de género. Vagando perdidos entre el día y la noche, lo humano y lo animal, la realidad y la ficción, lo masculino y lo femenino, entre la vigilia y el sueño. Un sueño lisérgico en el que los bajos instintos gobiernan el mundo y en el que la belleza siempre oculta intenciones peligrosas.

Horario: de martes a sábado 20.30 h y domingo 19.30 h.

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hoyesarte.com
07/02/2018

05 de febrer 2018

Emoción y reflexión en el Teatro Real



Del 26 enero al 09 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Real

Entre los días 26 de enero y 9 de febrero, el Teatro Real ofrece seis funciones de 'Dead Man Walking', de Jake Heggie, en una producción de la Lyric Opera de Chicago procedente de la Houston Grand Opera, donde se presentó en 2011 con dos de las cantantes que interpretarán la ópera en Madrid: la mezzosoprano Joyce DiDonato y la soprano Measha Brueggergosman.

Dead Man Walking es la primera ópera de Jake Heggie (Palm Beach, Florida, 1961) y el enorme éxito que ha tenido desde su estreno, en la War Memorial Opera House de San Francisco en el año 2000, ha proyectado internacionalmente el nombre de su compositor, que desde entonces ha escrito varias obras escénicas de diferentes formatos con un ritmo apabullante: The End of the Affair (2004), At the Statue of Venus (2005), To Hell and Back (2006), Three Decembers (2008), Moby-Dick (2010), The Radio Hour (2014), Great Scott (2015) o It’s a Wonderful Life (2016), entre otras.

Con más de trescientas funciones en todo el mundo, producciones muy diversas –desde conservatorios a grandes teatros–, y dos grabaciones en CD –protagonizadas por Susan Graham (2000) y por Joyce DiDonato (2011)–, Dead Man Walking se estrena en España con la presencia de su compositor y de la hermana Helen Prejean, autora del libro autobiográfico que inspiró la ópera y, antes, en 1995, la película Pena de muerte, de Tim Robbins, con Sean Penn y Susan Sarandon (que ganó un Oscar por su interpretación) en los papeles principales.

En su estremecedor relato basado en hechos reales, la hermana Prejean cuenta su inquietante y convulso camino de acercamiento a un condenado a muerte al que asiste y ampara desde el convencimiento de que su arrepentimiento le ayudará a encontrar la paz interior.

Si la película de Tim Robbins incide claramente sobre los dilemas éticos de la pena de muerte, la ópera de Heggie, con libreto del veterano dramaturgo Terrence McNally, es un viaje interior que inician paralelamente la monja y el reo, cada uno con sus fantasmas, sus miedos, sus contradicciones, sus sentimientos y sus dudas. En este camino de transformación y redención, ambos se confrontan con la contundencia de los hechos: la sed de venganza de los padres de los adolescentes asesinados, la desazón y sufrimiento de la madre del homicida, la lucha por el inviolable derecho a vivir, el acercamiento implacable a la muerte…

Escritura vocal
Utilizando con gran maestría la escritura vocal –Jake Heggie tiene un catálogo de más de 200 canciones– y con un lenguaje musical heredero de la ópera estadounidense, Dead Man Walking seduce al espectador con un su lenguaje tonal, ritmos afroamericanos, melodías que evocan el espíritu de la Calle 42 y una partitura orquestal y coral de poderosa fuerza dramatúrgica, que no rehúye nunca la comunicación directa y emocional con el público.

Un reparto coral da voz a esta ópera, que llega al Teatro Real con la puesta en escena de Leonard Foglia, profundo conocedor de la obra de Jake Heggie, con quien ha colaborado en la elaboración del libreto de The End of the Affair y en la puesta en escena de todas sus óperas.

Joyce DiDonato vuelve a asumir el papel protagonista, junto al barítono Michael Mayes, que encarna al asesino Joseph de Rocher, uno de sus papeles fetiche, que ha interpretado en una decena de producciones en Estados Unidos. Están secundados por un amplio elenco –Maria Zifchak, Measha Brueggergosman, Damián del Castillo, Roger Padullés, María Hinojosa, Toni Marsol, Marta de Castro, Viçenc Esteve, Enric Martínez-Castignani, Celia Alcedo, Marifé Nogales, Tomeu Bibiloni, Pablo García-López y Álvaro Martín– que actúa junto al coro infantil Pequeños Cantores de la ORCAM y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Mark Wigglesworth.

Dead Man Walking llega a España precedida de éxitos, que Heggie atribuye al poder intrínseco de la ópera como arte que emociona e invita a la reflexión: “El teatro nos ofrece la oportunidad de dejarnos arrastrar por el drama a lugares inesperados, y la música nos pone en contacto con aspectos de la naturaleza

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24 de gener de 2018

04 de febrer 2018

Picasso según Boadella



Del 08 al 11 de febrero 2018

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de la ópera 'El pintor', con libreto y dirección de Albert Boadella y música del compositor Juan J. Colomer. Esta producción de los Teatros en colaboración con el Teatro Real se adentra en momentos cruciales de la vida de Picasso y se presenta en tres únicas funciones, los días 8, 10 y 11 de febrero.

Sobre esta mirada crítica sobre la vida y obra de Picasso, Boadella apunta que “nadie le puede negar su trazo genial. Incluso en los centenares y miles de disparates aparece siempre un detalle de su infinita gracia. Desde la infancia parecía un ser nacido solo para pintar. Sin embargo asistimos a la paradoja del pincel más dotado del siglo XX asestando el golpe letal al arte pictórico. A semejanza de un Atila de las artes, por allí donde pasó el pintor no volvió a crecer la pintura. La convirtió en “artes plásticas” entregadas a la producción intensiva. Sometidas a las ocurrencias de la apremiante novedad. Cinco, diez, veinte obras diarias, y el mercado financiero se rindió exaltado y eufórico ante él. Ya no era el valor formal y emocional de la obra sino la pura especulación comercial dictando el camino de lo valioso y lo desechable. Con su prodigiosa astucia y el apoyo fiel de sus cofrades políticos logró ser ensalzado por los medios como el genio supremo. Fue el hombre anuncio de sus propios éxitos pero la culminación de su gloria llegaría con la apoteosis de lo monstruoso. Un aquelarre de formas descarnadas y desmedidas, regodeándose en un delirio de feísmo. ¿Existió alguna inspiración divina o diabólica que guio al pintor hacia un éxito tan duradero? Esta ópera se adentra en estos momentos cruciales de su vida. Allí donde un artista decide entre la entereza o la declinación hacia el oro y la fama”.

Acompañando al elenco formado por Alejandro del Cerro como protagonista, interpretando a Pablo Picasso; Josep Miquel Ramón en el papel de Mefisto; Belén Roig como Fernande; Toni Comas (quien ya trabajó con Boadella en Amadeu y El pimiento Verdi) como Apollinaire y Velázquez; Cristina Faus como Gertrude Stein e Ivan García como Jefe de tribu, está Manuel Coves como director musical con la Orquesta Titular del Teatro Real (Orquesta Sinfónica de Madrid) y con el Coro de la Comunidad de Madrid bajo la dirección de Félix Redondo. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el diseño de vestuario es de Mercé Paloma, la iluminación de Bernat Jansa, las pinturas de Dolors Caminal y las imágenes proyectadas son de Sergio Gracia. Este montaje de tres actos también ha contado con Blanca Li como coreógrafa.

En cuanto a la partitura, Colomer señala que “comienza con un lenguaje bastante tradicional, reminiscente de los periodos impresionista francés y nacionalista español, con apuntes musicales secos en clara alusión a la afición taurina que Picasso arrastró durante toda su vida, características que actúan a modo de leitmotifs para ayudar en la narrativa musical. A medida que la pieza va avanzando y el arte de Picasso va pasando por diversos períodos, así también la música va incorporando elementos más modernos y adaptándose a la realidad pictórica, utilizando por ejemplo una deconstrucción rítmica para emular el cubismo, todo ello conservando elementos temáticos característicos que nos permiten ver una evolución estilística en consonancia con el equivalente pictórico, pero siempre tratando de conservar la esencia de los personajes/temas originales”. No así el tratamiento vocal, “el cual se mantiene relativamente inalterado a través de toda la ópera. Un tratamiento vocal con un desarrollo melódico que da prioridad en todo momento al lirismo y la expresividad”.

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25/01/2018

29 de gener 2018

La tumba de María Zambrano



Del 07 enero al 11 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán

El Centro Dramático Nacional, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), rinde tributo a una de las pensadoras españolas más importantes del siglo XX, María Zambrano (Vélez-Málaga, 1904 - Madrid, 1991)​, primera mujer que recibió el Premio Cervantes en 1988. Las tablas del Teatro Valle-Inclán acogen hasta el 11 de febrero 'La tumba de María Zambrano. Pieza poética en un sueño', un texto de Nieves Rodríguez que dirige Jana Pacheco, con la escenografía de Alessio Melo y un reparto formado por Óscar Allo, Isabel Dimas, Aurora Herrero, Daniel Méndez e Irene Serrano.

En el epitafio de la tumba de María Zambrano se pueden leer las siguientes palabras: Levántate, amiga mía, y ven. Un Niño Hambriento, en esta noche de verano, se refugia en el cementerio y las pronuncia invocando a Zambrano, quien, con ayuda de María Niña, le dará de comer. Pero fuera hay muchas personas pasando hambre. Entonces, Zambrano intentará desesperadamente encontrar la última palabra, aquella que seguía buscando en 1988 cuando se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes: la palabra perdida, la palabra única, secreto del amor divino-humano. Una palabra que nos alimente ante la incertidumbre social y política en que vivimos: paz.

¿Por qué es importante recuperar hoy la figura de María Zambrano? Jana Pacheco lo tiene claro: “En un momento donde el mundo se caracteriza por el abuso de poder y se llena de fronteras, donde la explotación infantil y las guerras no cesan, donde los derechos humanos se convierten en privilegios, es necesario que el teatro siga siendo una herramienta política, una trinchera férrea que nos permita vivir con esperanza de cambio. La figura de María Zambrano, cuya filosofía fue un canto a la vida, a la paz, nos enseña que ‘el sentir entiende y el entender siente’ y nos deja su razón poética para que poesía y filosofía sean un camino útil para transitar la realidad”.

Para la directora, el texto de Nieves Rodríguez ha sido un desafío. “Lejos de ser una biografía de Zambrano se presenta como una ventana a su filosofía. La autora nos cuenta una historia en dos tiempos: la vida y la muerte y juega con una espiral dramática que, fragmentada por una línea divisoria, nos adentra en la infancia y la muerte de la filósofa malagueña. La infancia como semilla de su pensamiento, la muerte como ‘lugar en el que se nace del todo’, como espacio en el que encontrará su última palabra: paz. Esta estructura dramática tan personal ha hecho que nos adentremos en el texto con amor, con esperanza, para que la poesía pueda verse y escucharse en escena de manera plástica”.

¿Qué país tendríamos ahora?
“Mi dirección ha sido un intento de conjugar creatividades -explica Jana Pacheco-, partiendo de una premisa: el realismo mágico como posibilidad de reflejar la razón poética zambraniana. Nos hemos sumergido en la filosofía y la poesía y hemos aprendido, compartiendo algunas incertidumbres y algunas certezas que:
Si la guerra no hubiese expulsado a nuestros y nuestras intelectuales…
Si la dictadura no hubiese exterminado a nuestras artistas…
Si la historia hubiese dejado trasmitir conocimiento a nuestros filósofos y filósofas…
Si los maestros y maestras hubiesen podido alzar la voz…
Si se alimentara a la infancia…
Si nuestras raíces no se hubiesen perdido…

¿Qué país tendríamos ahora?”.

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20 de gener 2018

Don Quijote vigués



20 de enero 2018. A las 20:30

Tras su paso por Sevilla, la Compañía Nacional de Danza visita Vigo, única función y única parada en Galicia, con el ballet 'Don Quijote', coreografiado por el director de la formación, José Carlos Martínez, y con música de Ludwig Minkus.

“Me he querido inspirar en el Don Quijote de Marius Petipa, del que hemos cogido la partitura original y la hemos reeditado, pero dándole un toque más español. En el original ya se quería dar este aire español pero fue interpretado por bailarines rusos. Lo que yo quería era conservar el toque clásico del ballet poniéndolo en la escena actual. He montado el Don Quijote que Petipa hubiera soñado”, destaca José Carlos Martínez.

El Don Quijote de Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869. Esta obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX para poner en escena a la gente del pueblo. El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”) y la acción se centra en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio, dejando a un lado las propias aventuras de don Quijote y Sancho.

Martínez se ha basado en la coreografía original de Petipa, pero también en las diversas versiones que el bailarín y coreógrafo ha tenido la ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), pero sin olvidar la esencia de la danza española. Como él mismo asegura, “me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición”.

Para ello se ha contado con Mayte Chico para la realización de la coreografía de bolero y fandango y se ha dado un matiz más poético al personaje de don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. Además se han eliminado las parodias originales, “les he querido dar más seriedad acercándome al original de Cervantes”. La escenografía y el vestuario son muy importantes.

Este ballet clásico en tres actos es la primera coreografía de un ballet clásico completo que la CND incorpora en 25 años. Su éxito, desde el estreno en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 16 de diciembre de 2015, ha sido absoluto.

Don Quijote de la Mancha, II-XIX
Basilio se enamoró de Quiteria desde sus tiernos y primeros años, y ella fue correspondiendo a su deseo con mil honestos favores, tanto, que se contaban por entretenimiento en el pueblo los amores de los dos niños Basilio y Quiteria.

Fue creciendo la edad, y acordó el padre de Quiteria de estorbar a Basilio la ordinaria entrada que en su casa tenía; y por quitarse de andar receloso y lleno de sospechas ordenó de casar a su hija con el rico Camacho, no pareciéndole ser bien casarla con Basilio, que no tenía tantos bienes de fortuna como de naturaleza, pues si va a decir las verdades sin invidia, él es el más ágil mancebo que conocemos, gran tirador de barra, luchador estremado y gran jugador de pelota; corre como un gamo, salta más que una cabra y birla a los bolos como por encantamento; canta como una calandria y toca una guitarra que la hace hablar, y, sobre todo, juega una espada como el más pintado.

-Por esa sola gracia –dijo a esta sazón don Quijote– merecía ese mancebo no sólo casarse con la hermosa Quiteria, sino con la mesma reina Ginebra, si fuera hoy viva, a pesar de Lanzarote y de todos aquellos que estorbarlo quisieran.

-¡A mi mujer con eso! –dijo Sancho Panza, que hasta entonces había ido callando y escuchando–, la cual no quiere sino que cada uno case con su igual, ateniéndose al refrán que dicen: Cada oveja con su pareja. Lo que yo quisiera es que ese buen Basilio, que ya me le voy aficionando, se casara con esa señora Quiteria; que buen siglo hayan y buen poso, iba a decir al revés, los que estorban que se casen los que bien se quieren.

Don Quijote. José Carlos Martínez
Ballet clásico en tres actos
Música: Ludwig Minkus
Coreografía: José Carlos Martínez (inspirado en las versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski)
Escenografía: Raúl García Guerrero
Figurines: Carmen Granell
Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
Caracterización Maquillaje y Pelucas: Lou Valérie Dubuis
Coreografía Adicional de Bolero y Fandango: Mayte Chico
Duración: 2 h

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18 de gener 2018

Voltaire / Rousseau, la disputa



Del 12 enero al 04 de marzo 2018
En: Madrid, Teatro María Guerrero

El Teatro María Guerrero presenta 'Voltaire / Rousseau. La disputa'. Josep Maria Flotats dirige la obra de Jean-François Prévand, en la que también intepreta a Voltaire, mientras que Pere Ponce hace lo propio con Rousseau.

Como recuerda Prévand, este reestreno ofrece el aliciente de que “se trata de una versión que nunca antes ha sido representada. En efecto, para esta ocasión, me he entretenido en reescribir ciertas cosas, en cortar o desarrollar otras, y por eso es un texto casi nuevo, que, más allá de la adaptación que saludo, va a conocer aquí un verdadero bautismo. Por eso doy las gracias muy emocionado a Josep Maria y espero, cruzando los dedos, el veredicto del público español. ¿Quién es culpable en toda esta historia? ¿Voltaire? ¿Rousseau? Espero no serlo yo”.

En la obra, traducida por Mauro Armiño, un panfleto anónimo acusa a Jean Jacques Rousseau por haber abandonado a sus cinco hijos. Rousseau recurre a Voltaire para averiguar juntos quién es el autor de esta abominación. Esto nos da la oportunidad de asistir a una gran escena doméstica, donde los dos filósofos enfrentan sus ideas acerca de Dios, la igualdad, la educación y el teatro. Dos maneras igualmente generosas pero muy distintas de concebir la sociedad.

“Pienso –explica Flotats– que una de las cualidades de este texto es que puede ser una invitación a saber más. No es una obra filosófica, es una obra sobre dos filósofos. Es brillante e inteligente. Nos provoca reflexión con la misma intensidad que nos da placer y creo que eso es lo mejor para enganchar al público. Pude abrir una puerta a las ganas de conocer a Voltaire y Rousseau y creo que cuando alguien lee a estos dos filósofos se convierte en un ser un poco mejor”.

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31 de desembre 2017

‘Bastián y Bastiana’ o Mozart a los 12 años



Del 03 al 05 de enero 2018
En: Madrid, Teatros del Canal

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en Madrid de la ópera infantil 'Bastián y Bastiana' de Mozart interpretado por los Pequeños Cantores de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) con la dirección musical de Ana González y la dirección de escena de Marina Bollain. Este espectáculo se podrá disfrutar en tres únicas funciones los días 3, 4 y 5 de enero en la Sala Roja a las 12.00 h.

Bastián y Bastiana, un singspiel en un acto, es una de las primeras óperas de Mozart, escrita en 1768 cuando sólo tenía 12 años de edad. Se supone que esta obra fue un encargo para realizar una sátira del género “pastoral” entonces prevalente, en concreto una parodia de la ópera Le devin du village de Jean-Jacques Rousseau.

La historia tiene lugar en una villa de pastores, en un tiempo no determinado. La pastora Bastiana teme haber perdido el amor de Bastián y recurre a un brujo, Colas, para volver a enamorarlo gracias a sus poderes mágicos. Colas la reconforta diciéndole que Bastián no la ha abandonado, más bien está deslumbrado por los regalos que una noble dama le hace. El mago Colas aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián y así, él volverá corriendo.

Tema de actualidad
La historia de los dos pastores pone de relieve una realidad que no ha pasado de moda: el adolescente Bastián se deja deslumbrar por una niña más chic que su Bastiana y esta tendrá que espabilar para recuperar a su chico.

En este montaje, Bastián y Bastiana estudian en un instituto actual. Siempre han estado juntos, pero al llegar a la adolescencia hay mucha gente nueva en clase y Bastián, deslumbrado por sus nuevas compañeras, olvida a Bastiana, Las otras chicas visten ropa de marca, se maquillan y son mucho más desenvueltas que Bastiana. Colás, un profesor algo diferente, ayudará a reconciliar a los enamorados.

El montaje cuenta con jóvenes intérpretes de los Pequeños Cantores de la JORCAM y alumnos de la Escuela Superior de Canto de Madrid. Varios repartos cubrirán tanto los papeles protagonistas como los compañeros de clase de Bastián y Bastiana. La escenografía, sencilla y realista, muestra el ambiente de un instituto de secundaria.

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19 de desembre 2017

Stefan Zweig en versión musical : 24 horas en la vida de una mujer



Del 13 diciembre 2017 al 07 de enero 2018
En: Madrid, Teatro de La Abadía

En el 75 aniversario de la muerte de Stefan Zweig se presenta en el Teatro de La Abadía '24 horas en la vida de una mujer', una de sus mejores novelas breves, convertida ahora en un musical de cámara intimista protagonizado por Silvia Marsó, que tras ver el montaje original de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Coug en París se ha hecho cargo de la producción del espectáculo en España. Ignacio García dirige esta adaptación que cuenta con la música original del compositor ruso Sergei Dreznin.

Acompañan a Silvia Marsó, Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente). Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura 24 horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre.

Existen días de nuestra vida que, sin saberlo, nos colocan ante un dilema que cambiará nuestra existencia para siempre. Días que nos convierten en quienes somos… Una aristócrata, acostumbrada a una vida burguesa y estable, tendrá una experiencia única, absolutamente inesperada, que le llevará a enfrentarse a todos sus principios vitales y morales.

Con esta sencilla y poderosa historia, Zweig reflexiona sobre los misterios de la naturaleza humana y muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral. La presión social, las normas de conducta, el estatus y la religión condicionan cada uno de los actos del ser humano. Nosotros mismos somos los más activos guardianes de estas reglas aparentemente inamovibles; nuestros deseos más profundos, son autorreprimidos para no entrar en conflicto con lo establecido. Pero, cuando el destino nos empuja a una situación límite, cuando las pasiones se escapan a nuestro control… ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?

Como explica su director, Ignacio García, “la obra plantea una visión subjetiva de la pasión que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.

La Abadía acoge este espectáculo de profunda resonancia europea: autor de origen austriaco, novela escrita entre las dos guerras mundiales, compositor ruso, libretistas franceses, compañía y director españoles… y una trama que se desarrolla en Montecarlo.

De martes a sábados, 20.00 h. Domingos a las 19.00 h. Domingos 24 y 31 de diciembre, no hay función.

El encuentro con el público tendrá lugar el 20 de diciembre al finalizar la función. Entrada libre hasta completar aforo.

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