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26 de setembre 2018

Lluís Homar es ‘Tierra baja’




Del 19 de septiembre al 7 de octubre de 2018
Teatro de La Abadía, Madrid

Lluís Homar vuelve al Teatro de La Abadía con Tierra baja, el drama rural de tintes románticos de Ángel Guimerá (Santa Cruz de Tenerife, 1845 - Barcelona, 1924), un texto clave en la carrera del actor que le valió en 2015 el Premio Max. En esta ocasión representa los cuatro papeles protagonistas de un montaje que dirige Pau Miró y cuenta con la música y la voz de Silvia Pérez Cruz.

Esta será la tercera vez que actúe Homar en La Abadía, tras Play Strindberg y El hombre de teatro. Tierra baja es un proyecto que nace de la necesidad, el compromiso y el deseo de sacar adelante esta “fantástica locura” donde, en forma de monólogo, Homar asume todos los papeles.

Estrenada en 1896 en el Teatro Español de la mano de María Guerrero y, posteriormente, en 1897, en Tortosa y Barcelona, la obra se ha convertido en una de las más representadas y traducidas de la lengua catalana y se ha consolidado como un clásico del repertorio teatral.

Lluís Homar descubrió el texto cuando solo contaba con 16 años, interpretando por primera vez a Manelic con el grupo de teatro de aficionados de Horta. Pero no fue una obra más. Aquel primer contacto le permitió descubrir que quería ser actor. Más tarde, en 1990, protagonizó la mítica puesta en escena de Fabià Puigserver.

Ahora, en este montaje estrenado en 2014, Homar asume los cuatro papeles principales: Lluís es Sebastián, el dueño de todo y principal representante de la Tierra baja. También Marta, la víctima más evidente de este mundo sórdido. Y como no, Manelic, el rostro de la ingenuidad. Incluso, Nuri, la mirada de la inocencia en el drama de Guimerá.

Este texto ha marcado su carrera más allá de las casualidades. Hay sobre todo una identificación con el trasfondo y la simbología de la obra de Guimerá: la complejidad, la contradicción y la lucha interna que se produce en cada uno de nosotros como individuos, contrapuesta a la dialéctica que siempre se establece en sociedad entre dos mundos antagónicos: la parte “oscura” (Tierra baja) y la parte “pura” (Tierra alta). Los cuatro protagonistas acaban revolcándose en el fango de las pasiones humanas más turbias, las de la Tierra baja.

Nueva lectura
Esta nueva lectura es un proyecto muy personal de Homar que, conjuntamente con Pau Miró, presentan un Tierra baja inédito, para un solo actor, con una lectura más contemporánea donde, desde el profundo respeto por el alma de la obra original, la verdad en el terreno de la interpretación y la simplicidad en la puesta en escena, han trabajado el texto acercándolo a nuestros días, optando por una mirada más constructiva de la realidad que nos rodea.

Pero, ¿por qué transformar este texto en un monólogo? Para Miró, su director y adaptador, “esta nueva versión va directamente al conflicto, un conflicto donde se mezclan las ambiciones, las pasiones y las emociones de cada personaje. Esta soledad en el escenario nos permite mostrar con mayor claridad la complejidad que hay en cada persona, y focalizar la lucha interna que se produce en cada uno de nosotros. No estamos hechos de una sola pieza, somos fruto de nuestras elecciones. Los espectadores, más que un monólogo, verán cuatro voces en un solo actor. El vehículo de esta idea sencilla, pero sincera y generosa es Lluís”.
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10 de setembre 2018

La Ternura en el teatro Infanta Isabel



Una comedia de Alfredo Sanzol

“Amores posibles en situaciones imposibles”
a partir del 5 de septiembre

Después de acometer la investigación sobre la tragedia griega en su primera temporada, Teatro de la Ciudad se enfrentó durante la temporada 2017-2018 a la comedia, la otra máscara que simboliza el teatro.

Tras un año de talleres bajo la inspiración de Shakespeare centrado en el arte de hacer reír. En el sentido del humor. En el humor. En la risa… Teatro de la Ciudad presenta ‘La ternura’  de Alfredo Sanzol y ‘Sueño’ de Andrés Lima en el Teatro de La Abadía.

El TdlC invadió Teatro de la Abadía o, dicho de otro modo, La Abadía acogió al TdlC, que aúna la energía y el talento de Andrés Lima y Alfredo Sanzol y sus respectivos equipos, abiertos a sumar a otros creadores. Un teatro que parte de una premisa similar a La Abadía, el deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos.

El 27 de abril se estrenó LA TERNURA, una comedia escrita y dirigida por Alfredo Sanzol bajo la inspiración de Shakespeare y con un reparto formado por Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón. Fue tal el éxito que regresó a la Abadía del 7 de junio al 15 de julio de 2018. Y ahora, en tercera temporada, lo hace al Teatro Infanta Isabel.

Tras el sobresaliente ‘Edipo Rey‘ de la temporada pasada, Alfredo Sanzol regresa a un género en el que se mueve como pez en el agua: la comedia. Sanzol humaniza a sus personajes a través del humor, los trata con delicadeza, con ternura… hasta conseguir esa risa mágica que caracteriza su teatro.

Una vez más el director se rodea de su equipo de confianza, no solo en el reparto (Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón) sino en la escenografía y vestuario, a cargo de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez.

El primero en estrenarse será Alfredo Sanzol, que sitúa a los personajes de su espectáculo en una isla desierta lejana. Las comedias de errores, comedias de suplantaciones o de amores no correspondidos servirán de punto de partida a Sanzol y su equipo, que nos hablarán de la ternura, lo absurdo, lo surrealista… con unas personajes y unas situaciones que nos guiará por unos amores posibles en situaciones imposibles. ‘La Ternura’, avisa Sanzol, estará dedicada a todos los que “anden en su búsqueda.”

Quiero que ‘La Ternura’ sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar ‘La Ternura’ como sea, donde sea, con quien sea.
“La ternura tiene todos los números para ser un clásico, y, si no, al tiempo” Marcos Ordóñez

SINOPSIS
La Ternura cuenta la historia de La Reina Esmeralda (Elena González) y sus dos hijas princesas Salmón (Natalia Hernández) y Rubí (Eva Trancón) que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un leñador (Juan Antonio Lumbreras) con sus dos hijos Verdemar (Paco Déniz) y Azulcielo (Javier Lara) que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos, y las confusiones.

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03 d’agost 2018

Tierra Baja en el Teatro de la Abadía




Del 19 de septiembre al 7 de octubre, 2018

Acercamiento actual y contemporáneo a una de las obras más emblemáticas de la literatura catalana. Esta nueva interpretación del clásico de Àngel Guimerá es un proyecto muy personal de Lluís Homar que, con dramaturgia y dirección de Pau Miró, nos presenta un Tierra baja inédito, para una sola voz, asumiendo en solitario todos los papeles de la obra: el ingenuo pastor Manelic, que desciende de la tierra alta al fangar de las pasiones humanas más turbulentas, así como Marta, obligada a casarse con él, e incluso el señor Sebastián, es decir, Caperucita y el Lobo al mismo tiempo.

Esta soledad en el escenario permite mostrar con mayor claridad la dialéctica que se establece entre la parte “oscura” (Tierra baja) y la parte “pura” (Tierra alta), la complejidad, la contradicción y la lucha interna que se produce en cada uno de nosotros.

Será la tercera vez que Lluís Homar actúa en La Abadía, tras Play Strindberg y El hombre de teatro. Por esta versión de Tierra baja recibió el Premio Max al mejor actor protagonista.

FICHA
Autor  Àngel Guimerà
Adaptación  Pau Miró – Lluís Homar
Dirección  Pau Miró
Escenografía y vestuario  Lluc Castells
Iluminación  Xavier albertí –  David Bofarull
Sonido  Damien Bazin – Lucas Ariel Vallejos
Música y voz  Sílvia Pérez Cruz
Caracterización  Eva Fernández
Asesor de dramaturgia  Xavier Albertí
Ayudante de dirección  Oscar Valsecchi
Ayudante de escenografía y vestuario  José Novoa
Coordinación técnica y técnico de sonido  Oscar Villar
Construcción de escenografía  Taller d’escenografia Jordi Castells – Pascualin Estructures y Escenografies Moià

Fechas y horarios:Del 19 de septiembre al 7 de octubre, 2018. De miércoles a viernes, 20.00 h
Sábado, 18.30 y 21.00 h Domingo, 19.00 h en el TEATRO DE LA ABADÍA

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17 de juny 2018

La ternura shakesperiana retorna a Madrid




Del 7 de junio al 15 de julio de 2018
Teatro de La Abadía, Madrid

La Ternura de Alfredo Sanzol vuelve al Teatro de La Abadía de Madrid tras una exitosa gira que ha atraído a las salas de toda España a más de 32.000 espectadores. Un año después de su estreno, esta comedia romántica de aventuras se presenta en Madrid hasta el 15 de julio.

El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades o los espacios como elementos mágicos conectan La Ternura con obras de Shakespeare como La Tempestad, Noche de Reyes, Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces o Sueño de una noche de verano. Sanzol cuenta con la escenografía y el vestuario de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez para alcanzar, en palabras del director, “el deseo que une a todos: el deseo de encontrar la ternura como sea, donde sea, con quien sea”.

Esta obra de Sanzol, Premio Valle-Inclán, habla del sufrimiento como parte consustancial del amor, “porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir”. En la Sala Juan de la Cruz, Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón encarnan la expresión del amor concebida por el director, que no trata sino de la ternura: “Sin ternura el amor no se ve. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”.

Además del humor y sus moralejas, el montaje plantea en segundo plano un alegato en favor del entendimiento entre los dos sexos. “Tiene algo de parodia. Quería reírme de aquellos que ven el mundo dividido por sexos, porque yo nunca he entendido esa división”, dice rotundo Sanzol. “No veo cuál puede ser la razón de esa separación que aboga por una visión unitaria y holística del ser humano”.

Los líos
La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la Reina considera desierta, crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas, para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que, desde hace veinte años, viven un  leñador con sus dos hijos, que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la Reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y, en ese momento, comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos y las confusiones.

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19 de desembre 2017

Stefan Zweig en versión musical : 24 horas en la vida de una mujer



Del 13 diciembre 2017 al 07 de enero 2018
En: Madrid, Teatro de La Abadía

En el 75 aniversario de la muerte de Stefan Zweig se presenta en el Teatro de La Abadía '24 horas en la vida de una mujer', una de sus mejores novelas breves, convertida ahora en un musical de cámara intimista protagonizado por Silvia Marsó, que tras ver el montaje original de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Coug en París se ha hecho cargo de la producción del espectáculo en España. Ignacio García dirige esta adaptación que cuenta con la música original del compositor ruso Sergei Dreznin.

Acompañan a Silvia Marsó, Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente). Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura 24 horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre.

Existen días de nuestra vida que, sin saberlo, nos colocan ante un dilema que cambiará nuestra existencia para siempre. Días que nos convierten en quienes somos… Una aristócrata, acostumbrada a una vida burguesa y estable, tendrá una experiencia única, absolutamente inesperada, que le llevará a enfrentarse a todos sus principios vitales y morales.

Con esta sencilla y poderosa historia, Zweig reflexiona sobre los misterios de la naturaleza humana y muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral. La presión social, las normas de conducta, el estatus y la religión condicionan cada uno de los actos del ser humano. Nosotros mismos somos los más activos guardianes de estas reglas aparentemente inamovibles; nuestros deseos más profundos, son autorreprimidos para no entrar en conflicto con lo establecido. Pero, cuando el destino nos empuja a una situación límite, cuando las pasiones se escapan a nuestro control… ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?

Como explica su director, Ignacio García, “la obra plantea una visión subjetiva de la pasión que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.

La Abadía acoge este espectáculo de profunda resonancia europea: autor de origen austriaco, novela escrita entre las dos guerras mundiales, compositor ruso, libretistas franceses, compañía y director españoles… y una trama que se desarrolla en Montecarlo.

De martes a sábados, 20.00 h. Domingos a las 19.00 h. Domingos 24 y 31 de diciembre, no hay función.

El encuentro con el público tendrá lugar el 20 de diciembre al finalizar la función. Entrada libre hasta completar aforo.

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06 de desembre 2017

Dos nuevos entremeses “nunca representados” en La Abadía



Del 23 noviembre al 10 de diciembre 2017
En: Madrid, Teatro de La Abadía

Fue en la temporada 2014/15 cuando La Abadía celebraba su veinte aniversario con un emotivo reencuentro con los 'Entremeses' (La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas), cuya versión primigenia se estrenó de la mano de José Luis Gómez en los albores del Teatro en 1996, convirtiéndose, entonces y después, en un gran éxito que conectaba enseguida con el ingenio y la luminosa palabra de Miguel de Cervantes.

Tras un extenso programa de exploración dirigido por Ernesto Arias con un grupo de actores del Centro de Estudios, La Abadía presenta ahora Dos nuevos entremeses “nunca representados” –cualificación tomada de la portada de la primera edición impresa de las piezas–: El rufián viudo llamado Trampagos y La guarda cuidadosa.

En la búsqueda por vigorizar el valor colectivo y la pertenencia a una lengua universal, más apegados a la picardía actual y cotidiana que a un imaginario literario, esta nueva propuesta ha encontrado un carácter específicamente “cervantesco”.

Arias capitanea un equipo de 10 actores –Aida Villar, Carmen Bécares, Carmen Valverde, Ion Iraizoz, José Juan Sevilla, Juan Paños, Luna Paredes, Marcos Toro, Nicolás Sanz y Pablo Rodríguez– en el que también participan Brenda Escobedo en la dramaturgia, Eduardo Aguirre de Cárcer en la composición musical, Javier García en la coreografía, Vicente Fuentes como maestro de voz y José Troncoso al frente del taller de bufones.

Preparado con el esmero y rigor de numerosos profesionales y especialistas, Dos nuevos entremeses “nunca representados” invitan al espectador a reconocer, en las acciones de modestos personajes, la grandeza de lo humano en Cervantes: la libertad de las mujeres, el valor individual y la fuerza colectiva.

Además de las funciones ofrecidas para el público general, el espectáculo podrá verse también en campaña escolar, donde unos dos mil alumnos de la Comunidad de Madrid podrán descubrir la comicidad y la fuerza del lenguaje entremesil.

La belleza literaria de Cervantes
El solitario árbol que en los Entremeses moraba en una ambiente rural y soleado, y que era testigo de las tres piezas, se ha transformado en un pozo situado en medio de un entorno urbano y sombrío, donde presencia estas dos nuevas historias revestidas de ambientes humildes, míseros, donde aparecen personajes desvalidos que necesitan de “el sueño”, de “el ideal” para sobrevivir en su dura existencia, pero la realidad despiadada les golpea de forma implacable pareciendo querer matar el mundo de las esperanzas.

Ernesto Arias cuenta que “a través de esa relación ideal-realidad, Cervantes nos habla de la libertad humana, o mejor dicho de la imposibilidad de alcanzarla. Pero, he ahí su genialidad, todo presentado con ironía, con humor, con alegría y festivamente; sin ridiculizar a sus personajes para reírse de ellos, sino mostrando su incuestionable dignidad”. Los protagonistas no son sino víctimas de la imposición social, del dinero, de sus propias pasiones y miserias, de la caprichosa Fortuna y de sus supersticiones.

De trama sencilla, los dos nuevos entremeses se pueden clasificar como piezas “de ambiente” en las que se evocan universos muy concretos. El rufián viudo llamado Trampagos nos muestra el mundo del hampa y de la prostitución, mientras que La guarda cuidadosa presenta un friso de actividad y oficios vinculados a entornos urbanos: soldado, sacristán, zapatero, buhonero, etc.

En ambas piezas, uno de los personajes debe elegir pareja y en ambas el factor decisivo es el dinero. Pero más allá de la historia, su atractivo radica en el trazo de los personajes, la comicidad de la situación, las posibilidades de juego que ofrece a los actores y dotar de oralidad la belleza literaria de Cervantes.

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25 de juny 2017

‘Incendios’, tragedia contemporánea de Wajdi Mouawad



Del 21 junio al 16 de julio 2017
En: Madrid, Teatro de La Abadía

El Teatro de La Abadía recibe nuevamente 'Incendios', un texto del dramaturgo canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad (Beirut, 1968) que dirige Mario Gas. Esta tragedia contemporánea llena de evocaciones clásicas cuenta con un reparto de lujo encabezado por Núria Espert, Laia Marull y Ramón Barea.

Incendios.Joya de la dramaturgia canadiense donde los personajes luchan incansables contra un destino que les confronta sin remedio con el pasado, esta producción de La Abadía e Ysarca, en colaboración con Teatro del Invernadero, cuenta tres historias emparentadas: la de Nawal desde que se enamora del joven Wahab y se queda embarazada hasta su muerte; la de su primer hijo, del que la separan nada más nacer y a quien busca, incansable, durante toda la vida; y una nueva búsqueda emprendida por sus hijos gemelos para llegar a la verdad de su pasado, a la verdad de Nawal, que representa a la mujer de cualquier país en guerra (violada y humillada) pero también la historia de todo un país.

La trama comienza con la muerte de Nawal Marwan. Y en ese mismo día, en la lectura de su testamento, ella abre la puerta a su silencio y a sus secretos, a los misterios dolorosos de una familia, porque, como afirma el propio Mouawad, “somos casas habitadas por un inquilino del que no sabemos nada”. Ha dejado a sus gemelos, Jeanne y Simon, un cuaderno rojo, una chaqueta de tela verde y dos sobres que comportan una petición llena de consecuencias, como otras tantas cajas de Pandora, orígenes de males y maravillas, cuyo contenido arrastrará a los gemelos hacia un pasado desconocido, hacia un continente lejano, hacia un segundo nacimiento.

“La infancia es un cuchillo clavado en la garganta. No se lo arranca uno fácilmente”, afirma el autor, que prosigue, “solamente las palabras tienen el poder de arrancarlo y calmar así la quemadura”. El autor ha logrado con esta obra incendiar el corazón del público de muchos países, cuan aves fénix que renacen de sus cenizas.

Incendios habla de ese renacer, del origen y de los fuegos que a veces hay que sembrar para encontrarse con uno mismo. Sobre el escenario de la Sala San Juan de la Cruz se reúne para la ocasión un reparto extraordinario formado por Ramón Barea, Lucía Barrado, Núria Espert, Álex García, Alberto Iglesias, Laia Marull, Candela Serrat y Germán Torres.

 De martes a domingo a las 19.30 h.

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12 de juny 2017

‘La respiración’ o cómo asumir cambios vitales



Del 07 junio al 02 de julio 2017
En: Madrid, Teatro de La Abadía

Tras las buenas críticas y agotar localidades la pasada temporada, Alfredo Sanzol vuelve a las tablas del Teatro de La Abadía (Madrid) con 'La respiración', donde reflexiona sobre el carácter posesivo del amor y la necesidad de saber asumir cambios vitales. El dramaturgo articuló la trama y el texto en dos talleres de creación conjunta con un reparto formado por Nuria Mencía, José Ramón Iglesias, Verónica Forqué, Pietro Olivera, Martiño Rivas y Camila Viyuela, y el resto del equipo.

Coproducido entre La Abadía y LAZONA, La Respiración parte de un hecho dramático, la separación de una mujer que lleva 15 años con su pareja, y ve como un día, de la noche a la mañana, todo se termina. Ese empezar de nuevo y volver al principio vital es el continuo movimiento que todos efectuamos sin ser conscientes pero que determina nuestra existencia, respirar.

La respiración. Foto: Javier Naval.Nagore, a la que da vida Nuria Mencía, está en trance, ha sufrido una pérdida y siente que está en crisis. No se encuentra, no sabe qué hacer. La protagonista intenta recuperar el equilibrio y rehacer su vida, para lo que contará con los consejos de su madre, una mujer con una intensa vida amorosa. El resultado es una aventura teatral que, a pesar de optar por un drama con tono cómico, aborda aspectos como la dicotomía alegría-tristeza o las relaciones familiares.

El amor romántico, el secreto de la felicidad o la necesidad de llenar los vacíos son algunos elementos que componen este puzle teatral que, además, plantea una reflexión sobre qué es el amor, cómo amamos y cómo el amar a unos no significa necesariamente dejar de amar a otros. También habla de la conexión entre la mente y el cuerpo, de cómo se nutren y se reflejan el uno en el otro y la importancia de cuidar de ambos a la par.

Contrario a su costumbre de terminar de escribir una obra y después iniciar su labor como director de escena, Sanzol ha querido desarrollar en este caso el texto en estrecho contacto con los actores del reparto, al hilo de las improvisaciones de los talleres previos, para dejarse “contaminar por sus mundos, sus cuerpos y sus fantasías”. Y así la trama que planteó en un primer momento ha ido mutando.

De miércoles a viernes a las 20.30 h. / Sábados a las 18.30 y 21.00 h. / Domingos: 11 y 18 de junio (19.30), 25 de junio (18.30).

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13 de maig 2017

‘Sueño’, una comedia sobre la muerte



Del 10 mayo al 18 de junio 2017
En: Madrid, Teatro de La Abadía

Teatro de la Ciudad se asienta, por segundo año consecutivo, en el Teatro de La Abadía (Madrid) para investigar, en esta ocasión, sobre la comedia. Tras el estreno de 'La Ternura', de Alfredo Sanzol, el 'Proyecto Comedia' continúa con 'Sueño' de Andrés Lima, que acerca al público a William Shakespeare, "el maestro de los maestros", como lo define el director.

“La comedia era lo que quedaba. La tragedia es la mitad de la máscara y la otra mitad es la comedia”, destaca Lima, que toma como punto de partida en su obra este género dramático, aunque “en mi caso hay tanto de tragedia como de comedia. No he rehuido la tragedia porque me he basado en la fórmula de Groucho Marx de ‘Tragedia + Tiempo = Comicidad’. Y quería saber qué pasaba si partía de un hecho personal, basado en mi experiencia”. El resultado, tras ocho talleres, es Sueño, un montaje donde se conecta el pálpito del eros y thánatos en una comedia en la que el director recuerda el fallecimiento de su padre.

Chema Adeva, Laura Galán, Nathalie Poza, Ainhoa Santamaría y María Vázquez dan vida a una obra que se introduce en el bosque de Sueño de una noche de verano, pero ampliando, aún más si cabe, ese mundo de contrastes que impera en la obra original del bardo inglés: la delicadeza humana y el instinto animal, lo etéreo y lo terrenal, lo onírico y lo banal, el artificio frente a lo natural, el desenfreno y lo racional, el deseo y lo real.

Humor y dolor

Sueño es la historia de un hombre que, conforme se acerca a la muerte, va teniendo más y más deseos de vivir y de amar. Con la muerte acechándole, el viejo bebe, y la bebida le ayuda a conectar con el pasado y a rejuvenecer recordando los amores que se quedaron en el camino. Estas historias se las cuenta a una loca. Parecen ser un sueño. De joven se enamoró de Elena, la reina de la hermosura, que es muy fea. Y su amiga Titania, amiga de él y hermana de ella, se enamoró de su amigo, de él, Javier, que se convirtió en un asno y rebuznaba poemas de amor de Shelley para Elena, pues despreciaba a Titania, diosa enana.

La música trance les envuelve en el bosque. Y cuando la bebida deja de tener efecto, regresan a una realidad que cada vez les pasa mayor factura. “Esta comedia mira el placer y el dolor para darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida”, reflexiona el director. Bajo este planteamiento inicial el padre expresa su deseo de vivir y de amar con doliente intensidad. Y su locura o sueño muestra una historia divertida y cruel a la vez, un viaje de emociones que va tomando forma a través del ejercicio malabarístico de unos intérpretes expuestos al riesgo.

Los protagonistas de este espectáculo transgénero (las actrices interpretan hombres sin transformaciones físicas ni caracterización) aman, ríen, lloran, bailan, beben, se divierten… Y todo lo hacen de una forma apasionada, a pesar del dolor y de la muerte. Porque, precisamente, la muerte es uno de los temas más rescatados por la comedia. La combinación de humor y dolor conecta con la reflexión de los límites del humor, los códigos éticos y el peligro de la regulación y la censura.

De martes a sábado a las 19.30 h. / Domingo a las 18.30 h.
Funciones accesibles: 3 y 4 de junio.

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Sueño. Foto: Luis Castilla.

06 de maig 2017

‘La ternura’, amores posibles en situaciones imposibles



Del 27 abril al 04 de junio 2017
En: Madrid, Teatro de La Abadía

Tras investigar sobre la tragedia griega, Teatro de la Ciudad regresa al Teatro de La Abadía (Madrid) con un ciclo de comedias inspiradas en William Shakespeare. Alfredo Sanzol y Andrés Lima presentan dos textos de nueva creación que inciden en el humor, sus mecanismos y su capacidad de reflexión. La primera de ellas, 'La ternura', de Sanzol, es una comedia romántica de aventuras que trata sobre los amores posibles en situaciones imposibles.

La ternura.Este montaje intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor, porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir. Tampoco los padres pueden proteger a los hijos del sufrimiento de la vida porque eso pone en peligro la vivencia de una vida plena. Para el director, La Ternura “habla de la fuerza y de la valentía para amar. La ternura es la manera en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”.

La obra cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella.

Al pasar por una isla que La Reina considera desierta, ésta crea una tempestad que hunde el barco. Su plan es quedarse a vivir allí con sus hijas y no volver a ver a los hombres. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un leñador y sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver las mujeres. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos y las confusiones.

Inspiración shakesperiana
La ternura.La Ternura está influenciada por La Tempestad y Noche de Reyes, pero también de Como gustéis, de Mucho ruido y pocas nueces y del Sueño de una noche de verano. El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades, los espacios como elementos mágicos, los bosques, las islas… todo ello forma parte del imaginario shakesperiano interiorizado por Sanzol.

“Quiero que La Ternura sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar la ternura como sea, donde sea, con quien sea”, explica el director.

Una vez más, Sanzol se rodea de su equipo de confianza, no solo en el reparto (Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón) sino en la escenografía y vestuario, a cargo de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez.

De martes a sábado a las 20.30 h. / Domingo a las 19.30 h.
Desentrañar la comedia
El Teatro de la Ciudad, Premio Max 2016 a la Mejor Producción Privada de Artes Escénicas, regresa esta temporada para enfrentarse al reto de desentrañar la comedia. A lo largo de este último año se han realizado un total de ocho talleres para profundizar en el arte de hacer reír, en el sentido del humor, en la risa. ¿Es la comedia constructiva? ¿Por qué el paso del tiempo transforma la tragedia en comedia? ¿Es menos profunda la comedia que la tragedia? ¿Cómo se hace reír? ¿Es el sentido del humor una forma de ver la vida?

El proceso culmina con la producción de dos espectáculos de nueva creación que se exhibirán en ambas salas del Teatro de La Abadía desde finales del mes de abril. Cada uno a su manera y con el sello de su autoría, jugarán con motivos y tramas de la comedia de Shakespeare, el indiscutible maestro que recoge no solo la tradición clásica sino también la de la commedia dell’arte, los cómicos ambulantes y las historias tardomedievales de figuras como Boccaccio.

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08 de març 2017

‘He nacido para verte sonreír’, obra delicada y feroz



Del 01 al 19 de marzo 2017
En: Madrid, Teatro de La Abadía

Pablo Messiez estrena en el Teatro de La Abadía (Madrid) ‘He nacido para verte sonreír’, un texto de Santiago Loza, figura clave de la dramaturgia actual en Latinoamérica. Isabel Ordaz y Nacho Sánchez son los protagonistas de una obra que pone de relieve el misterio que anida en cada persona, la locura y la complejidad de las relaciones humanas.

Producida por el Teatro de La Abadía y el uruguayo Ignacio Fumero Ayo, la obra sube a escena a una madre que se despide de su hijo mientras aguardan al padre que vendrá a buscarlos para partir a un largo viaje. De alguna manera, el hijo ya se fue hace tiempo: se encerró en sí mismo, en una cápsula de hermetismo. El padre ha de llevarlo a un hospital y dejarlo internado para que se cure de su trastorno mental.

Enfermedad a la que no se alude de manera clínica o documental, sino en clave poética. El chico simplemente tiene una percepción distinta de la realidad, a la par que es percibido como distinto por los demás. Su visión y su escucha le hacen tener una mirada quizá más incisiva sobre la realidad, sobre cosas que a los demás se les escapan por cotidianas.

Durante el tiempo de espera, la madre busca palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna de parte del joven. Los recuerdos le golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, una mujer que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo. Un hijo que no solo no sonríe, sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo para los demás humanos inaccesible.

Para Messiez, la pieza “es una perlita a la vez delicada y feroz. Un ‘melodrama de madre’ contemporáneo. Un gran bolero. Un encuentro con la necesidad de estar cerca, de entender qué hay antes o después de las palabras”. En palabras del propio Loza, “la obra, a través de la mujer que desespera, intentar dar luz a los afectos, a los que más duelen, que también suelen ser los que más importan. Una inmensa piedad oculta que expone lo amoroso, y desearía que quienes se acerquen puedan conmoverse con esta historia tan cercana y frágil”.

Loza es un maestro en retratar personajes femeninos, con misterio y delicadeza. Un testigo minucioso que recrea universos íntimos sirviéndose de la cultura popular y es capaz de trasladar realidades muy complejas de una manera muy sencilla, con un fuerte impacto emocional. Esta madre es un personaje contradictorio. Hasta su modo de hablar es fiel reflejo de su paradoja: pasa de lo cotidiano, de las costumbres del hogar, a lo misterioso y arcaico, convirtiéndose en un personaje de tragedia que de repente decide alejar a lo que más quiere de su lado.

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De miércoles a viernes a las 20.30 h. / Sábado a las 18.00 y 21.00 h. / Domingo a las 19.30 h.

He nacido para verte sonreír. Foto: Sergio Parra

28 de novembre 2016

‘El público’ o el valor para romper con el pasado



Del 25 noviembre al 18 de diciembre 2016
Madrid, Teatro de La Abadía

Àlex Rigola regresa al Teatro de La Abadía (Madrid) con 'El público', una producción conjunta con el Teatre Nacional de Catalunya que permanecerá en cartel hasta el 18 de diciembre. Este texto de Federico García Lorca (1898 - 1936) permite adentrarse en la indómita imaginación del poeta granadino con una pieza de enorme belleza poética que habla sobre el amor, la identidad y el arte.

Escrita en su mayor parte en Cuba, Lorca leyó la obra a un grupo de amigos en 1930 y en 1936, pero permaneció inédita hasta 1976, cuando fue publicada en versión incompleta. Su título ya evidencia la centralidad de la figura del público, y es muy premonitorio e inquietante, pues la pieza reflexiona sobre ese gran desconocido, ese colectivo anónimo que asiste a la representación teatral y al que los espectadores reales nunca llegan a ver.

El poeta granadino pretende que el público se vea reflejado como si tuviera un espejo delante. Con este texto denuncia al público convencional, una crítica compartida en el contexto europeo vanguardista de la década de 1920, es decir, a la burguesía frívola y materializada que no quiere que se les haga pensar sobre ningún tema moral. Toda la vida artística de Lorca acusa este dilema interior entre escribir a gusto del público para hacerse respetar o romperlo todo para que los dogmas se purifiquen y las normas tengan nuevo temblor.

“¡Hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”, exclamaba Lorca en esta obra, con la que aspiraba a iniciar un nuevo camino. Y de eso habla El público, del valor para romper con el pasado, con las inercias, la tradición, la represión, tanto en plano artístico como en el afectivo, y emprender aquello que cada cual desea. Además de hablar de teatro, el texto habla también del deseo a través de un juego de máscaras en el que se superponen ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis, persiguiendo sin cesar la autenticidad, la honestidad y la libertad.

Reivindicación del amor
Pero en la obra se proponen dos tramas, la ya comentada artístico-social y otra amorosa e íntima, donde se sirve de la homosexualidad para reivindicar el amor como suceso esencial que se manifiesta más allá de los márgenes de lo establecido, y que supera las barreras de identidad, género, voluntad humana o convencionalismos que lo constriñen.

Lo radicalmente nuevo es la forma y compleja estructura que emplea Lorca para hacer esta reflexión sobre el amor, sobre la verdadera identidad y sobre el arte. Las fronteras entre ambos universos teatrales (teatro al aire libre versus teatro bajo tierra) no se mantienen nítidas en ningún momento de la pieza. La acción sólo ocurre en la mente del protagonista, el director de escena. Se utiliza una lógica poética, una estructura propia de los sueños, un ritmo cinematográfico, un tiempo que es el tiempo interior del director.

“La grandeza de Lorca no termina con el texto, sino que comienza en él, pues la potencia de las imágenes visuales es enorme. No pretendo añadir capas o interpretaciones al material, sino dejarlo desnudo y descubrir cómo puede esta poesía conectar con el público de hoy”, asegura Rigola, que dirige a un numeroso reparto compuesto por Nao Albet, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Jaime Lorente, David Luque, Pau Roca, Pep Tosar, Jorge Varandela, Nacho Vera y Guillermo Weickert.

De miércoles a viernes a las 20.30 h. / Sábados a las 18.30 h. / Domingos a las 19.30 h.

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hoyesarte.com

14 de novembre 2016

‘Premios y castigos’, sátira sobre el mundo actoral



Del 03 al 20 de noviembre 2016
En: Madrid, Teatro de La Abadía

La compañía catalana T de Teatre llega a La Abadía (Madrid) con 'Premios y castigos', una comedia satírica sobre el mundo actoral. El espectáculo, que nace de la colaboración artística con el director y dramaturgo argentino Ciro Zorzoli, está coproducido por el Teatre Lliure y Grec 2015 Festival de Barcelona, y cuenta con la ayuda del ICEC y el INAEM.

Premios y castigos.Esta original comedia sobre el misterio que envuelve la magia teatral cuenta un reparto coral formado por Mamen Duch, Carolina Morro, Jordi Oriol, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Jordi Rico, Àgata Roca y Marc Rodríguez.

En su afán por investigar y reinventarse, la compañía colabora por vez primera con el actor, director y dramaturgo argentino Ciro Zorzoli, tal como antes lo habían hecho con Sergi Belbel, Cesc Gay, Alfredo Sanzol o Pau Miró, entre otros.

La idea surge de un proceso de investigación entre el argentino y la compañía. Zorzoli les propuso sumarse a su proceso de búsqueda y sumergirse juntos en los infinitos pliegues que se generan entre el actor y el personaje y que llegan a su eclosión final ante la mirada del público. Sin muchas más certezas que este punto de partida, la compañía aceptó la invitación y así se inició este viaje.

El montaje permite al espectador ver el agitado vaivén de ese grupo de actores, que se encuentran entre ficción y realidad, realizando una serie de ejercicios de interpretación donde, con frescura, torpeza y mucha pasión, buscan alcanzar a través de la práctica la perfección escénica, capturar lo invisible: la magia de la representación teatral.

La pieza no pretende ser el resultado de esa búsqueda sino la búsqueda en sí misma. Como cuenta el propio Zorzoli, “hay una inquietud que me viene acompañando desde hace años en mi trabajo como director y que son los códigos y reglas, más o menos conscientes, que cifran las conductas humanas y el encuentro entre las personas. En los últimos tiempos esto fue derivando más puntualmente en la exploración de las cuestiones referidas al mundo de la representación teatral”.

De miércoles a viernes a las 20.30 h / Sábado a las 18.30 y 21.00 h / Domingo a las 19.30 h.

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3 de noviembre de 2016
Premios y castigos. Foto: David Ruano.
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26 d’octubre 2016

El TNC acoge la 'Celestina' más fiel al lenguaje original pero más rompedora en imagen



La Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya (TNC) acogerá el montaje del dramaturgo José Luis Gómez de la 'Celestina', producido por el Teatro de la Abadía y la Compañía Nacional de Teatro Clásico (Cntc), en una versión muy fiel al lenguaje original de la obra pero con una puesta en escena particular, ya que el personaje principal, y que da nombre a la obra, está representado por un hombre.

La Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya (TNC) acogerá el montaje del dramaturgo José Luis Gómez de la 'Celestina', producido por el Teatro de la Abadía y la Compañía Nacional de Teatro Clásico (Cntc), en una versión muy fiel al lenguaje original de la obra pero con una puesta en escena particular, ya que el personaje principal, y que da nombre a la obra, está representado por un hombre.

"Los hombres hemos hecho poco de mujeres mientras que las mujeres han hecho mucho de hombres a lo largo de los años", ha explicado Gómez en rueda de prensa esta mañana, y ha contado que le fascinó la honestidad, la seducción mediante la palabra, la capacidad de persuasión y de supervivencia del personaje y que por eso se decidió a representarla.

El montaje ha querido mantenerse fiel al lenguaje y sintaxis original de la obra de Fernando de Rojas, haciendo una adaptación para la escena, ya que originalmente la obra fue escrita como novela para leer en voz alta, porque como ha declarado el director: "Si uno le mete mano a eso y empieza a sustituir la sintaxis se queda en un pastel con sacarina, está dulce pero con sacarina".

El escenario simulará el trasfondo de la ciudad porque es el que mejor representa el mundo de la 'Celestina' y la puesta en escena será muy sencilla y limpia, ya que no hay muebles, y está formada por una plataforma diseñada por Alejandro Andújar y sobre ella hay unas grandes estructuras metálicas, mientras los protagonistas van interpretando su escenas.

MÚSICA SEFARDÍ

La música que acompaña es sefardí y cantada a capela, mientras que la música de fondo es un trabajo de campo de José María Sicilia, que ha conseguido captar la realidad "con unas proporciones muy difíciles de conseguir", según Gómez.

La historia de la 'Celestina' tiene lugar cuando, como ha contado Gómez, comienza la decadencia España, que llega hasta la actualidad, con la expulsión de los judíos y con ello gran parte del mundo intelectual, el rey Carlos V se amarra a la contrarreforma, y donde la 'Celestina' se convierte en un elemento clave de la crítica eclesiástica, cuando aún no ha habido el auge de la Inquisición.

El resto del equipo reparto está compuesto por Chete Lera, Palmira Ferrer, Raúl Prieto, Marta Belmonte, José Luis Torrijo, Inma nieto, Miguel Cubero, Diana Bernedo y Nerea Moreno.

La obra, que dura dos horas y media sin pausa, se podrá ver en la Sala Gran del TNC desde este jueves al 30 de octubre en una sesión diaria y se han organizado otros eventos relacionados como un coloquio con Raffaele Pinto, profesor de filología italiana de la Universitat de Barcelona (UB), y también se emitirá la película 'La Celestina' del director Gerardo Vera dentro del ciclo 'Per amor a les arts' en la Filmoteca de Catalunya.

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http://www.lavanguardia.com/vida/20161018/411097705997/el-tnc-acoge-la-celestina-mas-fiel-al-lenguaje-original-pero-mas-rompedora-en-imagen.html

10 d’octubre 2016

Incendios en el Teatro Abadía de Madrid



Incendios es sin duda uno de los montajes de la nueva temporada teatral. Un texto que es ya un clásico del siglo XXI, un director siempre solvente como Mario Gas o la presencia de una de las figuras emblemáticas de nuestro teatro en su reparto, la dama Nuria Espert, son sólo algunos de sus reclamos, sirenas que nos llaman a arder en sus costas.

A continuación, los fuegos que dan luz a esta función.

La infancia es un cuchillo clavado en la garganta
El texto del libanés afincado en Canadá Wajdi Mouawad quema con poética y dolor los esquemas de la antigua tragedia griega y los espinosos temas de la crítica actual en torno a los conflictos territoriales que desembocan en matanzas sin sentido (en este caso en un lugar indeterminado pero que podríamos indentificar con el Líbano natal del autor).

Como en Antígona, el punto de partida es la muerte de un familiar y su cuerpo metafóricamente insepulto: la lectura del testamento de Nawal, la madre de los los gemelos Jeanne y Simon, de 22 años, que lega la tarea de encontrar a un padre y a un hermano de los que no se conocía su existencia. Una madre a la que odian por no poder explicar la decisión irrevocable de no hablar durante los últimos cinco años de su vida. Historia dura como el pedernal y seca, de ecos clásicos y estructura narrativa compleja que alterna escenas de presente y pasado, el viaje al interior de un país y de unos personajes heridos y llenos de ira que deben descubrir la verdad para poder sanar y llegar a comprender.

Casi como una historia de suspense pero atravesada de dolor y poesía que llevará al espectador a través de la historia de los gemelos y la de una joven y valiente Narwal, con un punto de partida que atrapa irremediablemente a través del magnífico texto de Mouawad: “La infancia es un cuchillo clavado en la garganta, no se lo arranca uno fácilmente. Jeanne, el notario Lebel te entregará un sobre. Ese sobre no es para ti, va dirigido a tu padre. El tuyo y el de Simon. Encuéntralo y entrégale ese sobre. Simon, el notario Lebel te entregará un sobre. Ese sobre no es para ti, va dirigido a tu hermano. El tuyo y el de Jeanne. Encuéntralo y entrégale el sobre. Cuando estos sobres hayan sido entregados a sus destinatarios, se os entregará una carta. Se romperá el silencio. Y entonces podrá ponerse una lápida sobre mi tumba y ni nombre grabarse sobre la lápida al sol".

Hay verdades que no pueden revelarse a condición de que sean descubiertas
El veterano director Mario Gas lo tenía complicado puesto que existe una ya mítica (aunque reciente) versión escénica de este montaje (que lamentablemente no he tenido la suerte de ver) dirigida por el propio autor y otra igual de laureada por Oriol Broggi. En su caso (y sin posibilidad de comparar), Gas aporta su saber hacer, su solidez y buen trabajo para ofrecer un viaje de algo más de tres horas que gracias a un ritmo y fuerza indudables pasa volando, llevándonos entre sus escenas (a veces simultáneas) en un viaje catártico. Un escenario de pocos elementos, recubierto de arena y con una plataforma central donde se encuentra una simbólica puerta, algunas proyecciones y ciertas transiciones musicales son los escuetos elementos con los que el director organiza su puesta en escena, que centra en el texto y las interpretaciones. Y Gas sale victorioso, con un espectáculo sólido y de obligada visión.

Cierto es que uno tiene la sensación de que se podía haber llegado un poco más lejos para hacerlo completamente redondo (con los espectáculos de Gas siempre me pasa que me gustan muchísimo, pero me falta un puntito de frescura), pero el caso es que es que es un pedazo de montaje que hay que ver. Y si no se conocía antes, ni por los montajes anteriores ni por la espléndida película de Denis Villeneuve, descubrir.

Ahora que estamos juntos, todo va mejor
Un reparto de campanillas sobre las tablas es otro de los grandes reclamos de la función, destacando un fantástico y simpático Ramón Barea con grandes momentos, la natural Sawda de Lucía Barrado, que consigue un tándem perfecto con una Laia Marull maravillosa, llena de energía y arrojo escénico en su Nawal joven (enamorando ella y su personaje). Y, por supuesto, Nuria Espert, que aquí ofrece una contenidísima (llamativo) interpretación cuyo cénit es el desgarrador monólogo de la Nawal en sus últimos años, diez minutos que es para arrancarte el corazón y dejarlo tirado en el medio del pasillo.

Hay que acercarse a los fuegos de estos Incendios, de estos personajes que necesitan quemarse para poder renacer. Grito contra los horrores de la guerra el de Mouawad y un canto a la unión, que resuena en los oídos una vez abandonada la sala. Porque deberíamos de tener esto siempre presente, como dice el autor por boca de Nawal: “Ahora que estamos juntos, todo va mejor.” Que muchas veces se nos olvida.

+ info
Nombre del montaje: Incendios
Disciplina: Teatro contemporáneo
Director: Mario Gas
Autor: Wajdi Mouawad
Adaptación: Eladio de Pablo
Reparto: Nuria Espert, Ramón Barea, Álex García, Carlota Olcina, Alberto Iglesias, Laia Marull, Edu Soto y Lucía Barrado
Escenografía: Carl Fillion
Escenógrafa asociada: Anna Tusell
Vestuario: Antonio Belart
Videoescena: Álvaro Luna
Espacio sonoro: Orestes Gas
Iluminación: Felipe Ramos
Fotografía: Ros Ribas
Ayudante vestuario: Cristina Martínez
Ayudante de dirección: Montse Tixé
Regidora: Eloísa Díaz
Realización de escenografía: Mambo Decorados
Realización de vestuario: Sastrería Cornejo
Realización de atrezzo: Luis Rosillo
Productores delegados: Paco Pena y Alicia Moreno
Producción ejecutiva: Pilar de Yzaguirre / YSARCA S.L
Dónde: Teatro de la Abadía
Dirección: Fernández de los Ríos, 42. Madrid
Hasta: 30.10
Horario: De martes a sábado a las 19.30h.; 
domingo a las 18.30h.; y el lunes 24.09 a las 19.30h 
Precio: Ant.: desde 21 €
Venta de entradas: es.patronbase.com



25 d’agost 2016

“Lo bueno de Barcelona se ha reproducido en Madrid”



Entrevista a Jordi Tort, gerente del teatro de La Abadía

Pregunta: ¿Para dar voz al teatro amateur, a los jóvenes que quieren dar el salto a la profesionalidad, Madrid ha ganado espacios y recursos alternativos mientras que Barcelona los ha perdido?

Respuesta: No estoy de acuerdo. En los Teatros de la Abadía traemos producciones de Barcelona, algunas de las cuales pueden entrar en esta descripción, aunque son producciones ya contrastadas. El ecosistema de Madrid es más grande, hay más actividad. Si quieren hacer una producción propia, posiblemente en Madrid tendrán más opciones de subsistir. Pero a nivel de salas, Barcelona tiene alternativas desde hace muchos años, y en Madrid no hay muchas más. La situación es bastante similar para las compañías que empiezan.

P. La próxima temporada la compañía Señor Serrano actuará en la Abadía. ¿Grupos innovadores como este, o Carles Santos en su momento, replican en Madrid la buena acogida que han tenido en Barcelona?

PERFIL
Jordi Tort (Barcelona, 1968) es desde 2013 el gerente del Teatro de La Abadía de Madrid, un centro dramático y de estudio escénico que abrió sus puertas en 1995. Su sede es un espacio espectacular, una antigua capilla en el barrio de Chamberí. Su principal patrono es la Comunidad de Madrid, aunque también están presentes, en la fundación, el Ministerio de Cultura, el Ayuntamiento y patronos particulares. Tort admitía el día de la entrevista un “sinvivir por saber quién será el nuevo director de los Teatros del Canal”. Los Teatros del Canal fueron fundados en 2009 por el gobierno autonómico y con el polémico Albert Boadella al frente. Poco días después de esta entrevista se anunció que Àlex Rigola, otro catalán, relevaría a Boadella, con el visto bueno de otra presidenta del PP, Cristina Cifuentes.

Las obras de Rigola se representan casi cada año, desde 2002, en La Abadía. También han dirigido en este teatro desde Sergi Belbel a Carme Portacelli; Mario Gas estrenará en septiembre una nueva versión de Incendios —la obra de Wadji Mouawad—, con actrices catalanas como Núria Espert, Laia Marull o Carlota Olcina. Los catalanes que pasan por la Abadía son legión. Tort me lo cuenta desde Almagro, donde se había trasladado para la representación de La Celestina, producida por la institución que gestiona. Tort había sido anteriormente gerente de la Orquesta de Córdoba, director de producción del Liceo (2006-2010) y subdirector del Lliure (1998-2006).

R. Pongo en duda que esto triunfe tanto en Barcelona. Si hablas con Señor Serrano te dicen que su mercado está fuera de España, que en Barcelona tienen problemas para producir en condiciones, y en Madrid un poco lo mismo. Estos espectáculos más arriesgados funcionan más en Barcelona, es mi impresión, aunque quizá funcionaban mejor en la década de los 80. Mi teoría es que todo lo bueno del ecosistema de Barcelona se ha reproducido en Madrid, porque han venido profesionales de Barcelona. En Barcelona ha habido más propensión a hacer una investigación y a difundir espectáculos que mezclan lenguajes, más allá del teatro tradicional.

P. ¿Los públicos son diferentes? ¿Incendios tiene una recepción diferente en Madrid o en Barcelona?

R. Sobre el papel, el público es el mismo, aunque a veces hay sorpresas y obras traducidas no funcionan en una plaza o en la otra. El público es más o menos el mismo. Me preocupa más que tenemos que segmentar bien nuestro público. Es decir, el mismo tipo de target ha de funcionar en una ciudad o en la otra. El target de Señor Serrano es el mismo en Barcelona y en Madrid, que al mismo tiempo es diferente del de Incendios, que debe ser similar en ambas ciudades.

P. ¿Por qué hay tantos catalanes en posiciones importantes de la cultura de Madrid, como puede ser su caso?

R. No creo que ahora en Madrid haya una gran efervescencia de catalanes, o más catalanes que en el pasado. Históricamente hemos visto a Nuria Espert, a Lluís Pasqual y a Borjá Sitjá dirigiendo el Centro Dramático Nacional, a Mario Gas dirigiendo el Teatro Español. Josep Maria Flotats no ha dirigido ningún centro oficial pero ha estado muy presente. Se ha invitado a directores como Joan Ollé [el último trabajo de Ollé en Madrid, en el Teatro Español, fue La plaza del Diamante]; Àlex Rigola ha estado en la Abadía y en el Centro Dramático Nacional, también Carme Portacelli. A medida que el ecosistema teatral crece, aumenta la presencia de profesionales de todo el territorio. Desde los 80 ha sido así, y luego con la aparición de los Teatros del Canal llega Albert Boadella o yo mismo en la Abadía.

P. ¿Pasa esto a la inversa, en Barcelona?

R. En Barcelona también hay gente de fuera. En el Teatre Lliure está Aurora Rosales, madrileña, en una posición similar a la mía. Y adjunta a la dirección artística del Liceo está Leticia Martín, que no es catalana. No hay tanta gente de fuera de Cataluña en las instituciones de Barcelona porque su ecosistema es considerablemente más pequeño que el de Madrid. Es verdad que a la hora de invitar a creadores, en Barcelona se piensa un poco más en el creador del territorio y no en el de fuera. No sé si es una cuestión de las dimensiones del ecosistema o de mentalidad. También es la manera que los creadores del territorio crezcan con un poco más de trabajo.

P. ¿Para tener una proyección en Barcelona hay que pasar por el Teatre Nacional de Cataluña (TNC) o por el Lliure? ¿Esto se replica en Madrid, que hay que representar en según qué teatros para tener un prestigio?

R. No creo que un autor tenga que pasar por un teatro institucional para ser reconocido. Los autores catalanes que están apareciendo, salen también de la Sala Beckett, o fenómenos de salas independientes como el Llibert de Gemma Brió. En Madrid pasa lo mismo. Miguel del Arco hizo La función por hacer en el Teatro Lara y de allí pasó a la Abadía. Los teatros institucionales están llamados a captar este talento, darle posibilidades de trabajo y mostrarse a la sociedad.

P. ¿Creen que entre Barcelona y Madrid se están levantando dos realidades paralelas también en el sector cultural?

R. Quizá hay alguna rivalidad entre compañías, pero queda en un segundo término al lado de la colaboración y el buen entendimiento entre la mayor parte de las entidades. El público de Federico García Lorca, dirigida por Àlex Rigola, fue una coproducción de la Abadía con el TNC. Creo que el sector teatral podría fomentar el ejemplo de buena convivencia más que de rivalidad.

P. Me refería a los efectos de la crisis política. ¿Existen estos efectos? ¿O causa más problemas para una coproducción la crisis económica?

R. Sí, sin duda, la crisis económica afecta más. Piensa que gestamos la coproducción de El Público con el TNC durante el momento de más furor de la crisis política. La crisis política no ha supuesto demasiado inconveniente. Siempre hay alguien que dice “oh, hay demasiadas compañías catalanes”, y en Barcelona seguro que hay alguien que lamenta que el TNC coproduzca con una compañía castellana. Esperemos que sean comentos lo más aislados posibles.

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21 agost de 2016
Cristian Segura
Foto : Jordi Tort, director del Teatro de La Abadía de Madrid. Jaime Villanueva
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http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/08/20/catalunya/1471717470_469257.html

15 d’agost 2016

Estrenos y regresos en la nueva temporada de La Abadía



Núria Espert, Mario Gas, Pedro Casablanc, Jeannine Mestre y José Luis Gómez son algunos de los grandes profesionales que pasarán por el Teatro de La Abadía en los primeros meses de la nueva temporada. Además de los nuevos títulos, en los últimos meses de 2016 repetirán también dos producciones de éxito: 'El público', de Àlex Rigola, y 'Vuelos', de la compañía Aracaladanza.

Con un balance positivo de la temporada 2015/2016, que ha contado con la visita de 78.500 espectadores entre La Abadía y el Corral de Comedias de Alcalá, el teatro presenta su nueva programación, que se inaugurará el 14 de septiembre con Incendios. Coproducido junto a la empresa Ysarca S.L., el montaje, que ya fue representado en el Teatro Español en 2008, estará dirigido por Mario Gas.

Esta obra maestra del siglo XXI es del dramaturgo y director canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad y en ella nos cuenta en clave de tragedia griega cómo tras la muerte de una mujer su testamento abre la puerta a su silencio, a sus secretos y a los misterios dolorosos de una familia. Con Núria Espert a la cabeza, el reparto se completa con Laia Marull, Carlota Olcina, Álex García, Ramón Barea, Alberto Iglesias, Lucía Barrado y Edu Soto.

Uno de los ejes temáticos de este primer tramo de temporada será la reflexión sobre el teatro. Por eso, tras esta tragedia de máxima actualidad llegará al teatro Yo, Feuerbach (del 6 al 26 de octubre), del alemán Tankred Dorst, uno de los grandes dramaturgos europeos. Texto atemporal y conmovedor sobre todos aquellos que no consiguen ser protagonistas, sobre la dificultad de tener una nueva oportunidad en una sociedad que valora el éxito y la imagen por encima de todo.

El montaje, dirigido por Antonio Simón Rodríguez, estará interpretado por Pedro Casablanc, que se pone en la piel de un actor de mediana edad que después de haber estado ausente de los escenarios durante cinco años se presenta a una audición.

Del 3 al 20 de noviembre será el turno de Premios y castigos, de uno de los dramaturgos argentinos más punteros del momento, Ciro Zorzoli. La compañía T de Teatre desentrañará el misterioso tejido sobre el que se borda la verdad escénica. Ejercicios de empatía para desarrollar el músculo actoral: aprender, repetir, perfeccionarse, ponerse en el lugar del otro, transmitir, sentir, imaginar… ¿pero en qué orden?

El público también podrá ver la historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió y relató en El año del pensamiento mágico (del 16 al 27 de noviembre), texto en el que muestra su esfuerzo por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria y la vida misma. La puesta en escena de Juan Pastor y la interpretación de Jeannine Mestre guían por este relato conmovedor, pero no dramático ni sentimentalista, que Guindalera Teatro mostrará como parte de un ciclo de voces solitarias.

El público, de Àlex Rigola, regresará a La Abadía del 25 de noviembre al 18 de diciembre. En esta pieza teatral ‘irrepresentable’ de gran belleza poética, Lorca buscaba confrontar al espectador con el espejo del conformismo y encontrar así el valor para romper con el pasado, con las inercias, la tradición y la represión.

La maestría literaria y musical de Amancio Prada se sumará al aniversario lorquiano para cantar a un Federico enamorado en cuerpo y alma, la poesía más sincera de los Sonetos del amor oscuro (del 29 de noviembre al 18 de diciembre).

Celestina (del 12 de enero al 26 de febrero), la tragicomedia escrita hace 500 años, entrelaza el conflicto de los afectos, la búsqueda de la identidad y la envergadura política. Esta ha sido la primera coproducción del Teatro de La Abadía y la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Dirigida por José Luis Gómez, volverá a la capital tras una larga gira por la geografía española. El académico se enfrenta a uno de los grandes textos dialogados de nuestra lengua, abreviándolo pero respetando el lenguaje original, asumiendo, además de la puesta en escena, el papel de la vieja alcahueta.

Nuevos lenguajes
A la búsqueda de nuevos públicos, el Teatro abre sus puertas a voces emergentes y nuevos enfoques. Best of BE FESTIVAL volverá a traer las propuestas más innovadoras e interdisciplinares de Europa (del 27 al 30 de octubre), intentando capturar el espíritu del Festival de Birmingham. Un año más se llevará a cabo la campaña dirigida a escolares que, con rigor, ofrecerá una serie de espectáculos que responden en sus propuestas a objetivos didácticos, con el fin de que niños y jóvenes descubran y desarrollen su gusto por las artes escénicas.

El público, Celestina y Vuelos (del 10 de diciembre al 4 de enero), que regresará a La Abadía, de la prestigiosa compañía Aracaladanza, Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, homenajea a Leonardo da Vinci y su visionaria imaginación, con una puesta en escena contemporánea en la que conviven movimiento, música, objetos y proyecciones.

Programa formativo
La Abadía continuará en 2016/17 con su programa formativo dirigido a profesionales. Entre las actividades se continuará con el Entrenamiento abierto, en el que se ejercita y desarrolla el trabajo psicofísico y la práctica del habla escénica con miras a una mayor profundidad en la interpretación, y además se ofrecerá un Entrenamiento de elenco, en el que se explorará a fondo la palabra cervantina de los Entremeses, con una muestra durante la Semana Cervantina en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares.

A lo largo de la temporada se dará continuidad a la labor de investigación y desarrollo de la pedagogía teatral así como a talleres magistrales con destacados profesionales nacionales e internacionales.

Bajo el lema Abadía Abierta se organizarán una serie de actividades enfocadas a acercar el teatro al público, ofrecerle un sitio privilegiado para conocer y vivir la escena desde dentro. Y un año más regresará el programa de Espectadores en acción, y se seguirá fomentando el intercambio de opinión entre artistas y espectadores a través de encuentros, coloquios y visitas guiadas.

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8 agost 2016
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