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17 d’abril 2018

Sergi Belbel irrumpe en la escena con una comedia romántica




El dramaturgo se aleja de la realidad política y social de Cataluña, temas que ha abordado en otras obras, para escribir después de siete años ‘Si no te hubiese conocido’

La sequía creativa del dramaturgo Sergi Belbel (Terrassa, Barcelona, 1963) ha finalizado con una comedia romántica en español que se estrena mañana en el Centro Dramático Nacional. Han sido siete años en los que el autor de una veintena de obras teatrales, series de televisión y películas, muchas de ellas abordando asuntos sociopolíticos, ha sido incapaz de escribir una palabra. “Soy muy sensible a los temas de actualidad, a todo lo que está pasando. No soy un autor político, pero la política y la sociedad me interesan mucho. Quizá estaba saturado”.

En febrero, Belbel participó con La solitud de l’u en el ciclo de lecturas de teatro de urgencia sobre el procés que programó el barcelonés Teatre Lliure. La obra rozaba lo demagógico. Narra a dos voces el encuentro en un colegio electoral de la zona cero del 1-O entre una mujer madura y “frágil” y un policía antidisturbios que acaba pegándole. La pieza discurre durante el periodo en que la porra se alza y cae sobre la mujer, y se escuchan los pensamientos de los dos protagonistas.

Belbel confesó ayer estar saturado de la realidad, pero se negó a adentrarse en cuestiones políticas, y de ahí, Si no te hubiese conocido, en castellano, y no en catalán, su lengua de escritura. Es una historia de amor más allá de la muerte, en mundos paralelos en los que el amor es el motor de la situación y el anhelo de los personajes. Belbel reconoce que la tensión política y la fractura social que se vive en Cataluña afecta tanto en el teatro como en la vida diaria y por ello es bueno poner distancia.

En 2013 decidió conocer el trabajo escénico en Latinoamérica, una asignatura pendiente en su trayectoria como autor, director y traductor teatral. La mayoría de sus obras se han visto en Europa y América. Su obra más representanda, Después de la lluvia, se estrenó a finales de 2017 en la Comedie Française de París.

Le gusta el trabajo con los intérpretes y dice que ha disfrutado muchísimo en las tres últimas semanas de ensayo con Ana Cerdeiriña, Marta Hazas, Óscar Jarque y Unax Ugalde, los actores de la obra. “Han realizado un trabajo espectacular han hecho suyas las palabras del texto y se han llevado los personajes a su terreno. Me han provocado emociones impagables”, asegura.

Este montaje, que se representará hasta el 6 de mayo, plantea dudas sobre la existencia del ser humano: ¿nuestras vidas están predeterminadas por un destino o somos nosotros, con las decisiones que adoptamos, los que decidimos?, ¿el futuro se va dibujando a medida que elegimos una u otra opción?, ¿existe una realidad paralela para cada una de las decisiones que hemos desestimado? Belbel reconoce que él no cree en el destino pero que le interesaba explorar sobre una serie de dilemas que están ahí, “en cada uno de nosotros y en las relaciones personales”.

Sobre esas preguntas y sobre el libreto han estado trabajando los actores. Unax Ugalde con escasa experiencia teatral y su primer papel protagonista interpreta a Eduardo, un hombre de negocios, enamorado de Elisa, su esposa. Este provoca de manera involuntaria una tragedia. Óscar Jarque (Óscar) y Ana Cerdeiriña (Clara) sus mejores amigos intentan ayudarle e introducen el elemento dramático en la función. Eduardo se adentra en un laberinto de pensamientos confusos y caóticos en los que consigue viajar en el tiempo.

El minimalismo escénico es total, una pared blanca y dos sillas. “Para evitar que el espectador no se pierda en el laberinto de saltos de unos años a otros se proyecta en la pared el lugar y la fecha para marcar espacio y tiempo”, apostilla Belbel. Son una treintena de escenas en las que hay otro elemento fundamental: la música, desde los Beatles a Coldplay.

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Aurora Intxausti
4 ABR 2018 - 23:48
Los actores Unax Ugalde y Ana Cerdeiriña durante un ensayo de 'Si no te hubiese conocido' MARCOSG EL PAÍS

09 de febrer 2018

Versión feroz de ‘Sueño de una noche de verano’




Teatro
Del 08 al 11 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán

El dramaturgo chileno Marco Layera firma una adaptación contemporánea del clásico de Shakespeare 'Sueño de una noche de verano' que reflexiona sobre el amor, el dolor, la identidad, la pasión, el sexo y el poder. El Centro Dramático Nacional y la compañía Voadora, con la dirección de Marta Pazos, llevan a escena una fábula impactante con la libertad de elección como telón de fondo. En el reparto, Diego Anido, Areta Bolado, Jose Díaz, Borja Fernández, Paris Lakryma, Janet Novás, Andrea Quintana, Anaël Snoek y Hugo Torres.

Los amantes se transforman constantemente en esta versión feroz de Layera dirigida por la pictórica mirada de Marta Pazos. Se transforman con violencia. Corriendo libres por un bosque de límites flexibles, una floresta abierta a la diversidad de género. Vagando perdidos entre el día y la noche, lo humano y lo animal, la realidad y la ficción, lo masculino y lo femenino, entre la vigilia y el sueño. Un sueño lisérgico en el que los bajos instintos gobiernan el mundo y en el que la belleza siempre oculta intenciones peligrosas.

Horario: de martes a sábado 20.30 h y domingo 19.30 h.

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hoyesarte.com
07/02/2018

29 de gener 2018

La tumba de María Zambrano



Del 07 enero al 11 de febrero 2018
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán

El Centro Dramático Nacional, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), rinde tributo a una de las pensadoras españolas más importantes del siglo XX, María Zambrano (Vélez-Málaga, 1904 - Madrid, 1991)​, primera mujer que recibió el Premio Cervantes en 1988. Las tablas del Teatro Valle-Inclán acogen hasta el 11 de febrero 'La tumba de María Zambrano. Pieza poética en un sueño', un texto de Nieves Rodríguez que dirige Jana Pacheco, con la escenografía de Alessio Melo y un reparto formado por Óscar Allo, Isabel Dimas, Aurora Herrero, Daniel Méndez e Irene Serrano.

En el epitafio de la tumba de María Zambrano se pueden leer las siguientes palabras: Levántate, amiga mía, y ven. Un Niño Hambriento, en esta noche de verano, se refugia en el cementerio y las pronuncia invocando a Zambrano, quien, con ayuda de María Niña, le dará de comer. Pero fuera hay muchas personas pasando hambre. Entonces, Zambrano intentará desesperadamente encontrar la última palabra, aquella que seguía buscando en 1988 cuando se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes: la palabra perdida, la palabra única, secreto del amor divino-humano. Una palabra que nos alimente ante la incertidumbre social y política en que vivimos: paz.

¿Por qué es importante recuperar hoy la figura de María Zambrano? Jana Pacheco lo tiene claro: “En un momento donde el mundo se caracteriza por el abuso de poder y se llena de fronteras, donde la explotación infantil y las guerras no cesan, donde los derechos humanos se convierten en privilegios, es necesario que el teatro siga siendo una herramienta política, una trinchera férrea que nos permita vivir con esperanza de cambio. La figura de María Zambrano, cuya filosofía fue un canto a la vida, a la paz, nos enseña que ‘el sentir entiende y el entender siente’ y nos deja su razón poética para que poesía y filosofía sean un camino útil para transitar la realidad”.

Para la directora, el texto de Nieves Rodríguez ha sido un desafío. “Lejos de ser una biografía de Zambrano se presenta como una ventana a su filosofía. La autora nos cuenta una historia en dos tiempos: la vida y la muerte y juega con una espiral dramática que, fragmentada por una línea divisoria, nos adentra en la infancia y la muerte de la filósofa malagueña. La infancia como semilla de su pensamiento, la muerte como ‘lugar en el que se nace del todo’, como espacio en el que encontrará su última palabra: paz. Esta estructura dramática tan personal ha hecho que nos adentremos en el texto con amor, con esperanza, para que la poesía pueda verse y escucharse en escena de manera plástica”.

¿Qué país tendríamos ahora?
“Mi dirección ha sido un intento de conjugar creatividades -explica Jana Pacheco-, partiendo de una premisa: el realismo mágico como posibilidad de reflejar la razón poética zambraniana. Nos hemos sumergido en la filosofía y la poesía y hemos aprendido, compartiendo algunas incertidumbres y algunas certezas que:
Si la guerra no hubiese expulsado a nuestros y nuestras intelectuales…
Si la dictadura no hubiese exterminado a nuestras artistas…
Si la historia hubiese dejado trasmitir conocimiento a nuestros filósofos y filósofas…
Si los maestros y maestras hubiesen podido alzar la voz…
Si se alimentara a la infancia…
Si nuestras raíces no se hubiesen perdido…

¿Qué país tendríamos ahora?”.

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25 d’octubre 2017

‘Bodas de sangre’, el presente de nuestros cuerpos



Del 18 octubre al 10 de diciembre 2017
En: Madrid, Teatro María Guerrero

El Centro Dramático Nacional lleva al Teatro María Guerrero (Madrid) una nueva versión de las 'Bodas de sangre' de Federico García Lorca que adapta y dirige Pablo Messiez. Este montaje de escenografía contemporánea y respeto al texto original se completa con fragmentos de otras obras del granadino, como 'Comedia sin título' y 'Poeta en Nueva York'.

“Para los poetas y dramaturgos, en vez de homenajes yo organizaría ataques y desafíos en los cuales se nos dijera gallardamente y con verdadera saña: ¿a qué no te atreves a hacer esto?”, escribe Federico García Lorca en su Charla sobre teatro.

Esta pregunta acompañó a Pablo Messiez desde que se decidió a montar su propia versión de Bodas de sangre. ¿Qué sentido tenía hacer otra versión de un texto tan reverenciado? ¿Cómo hacer un Lorca en presente?

Así, Messiez inicia su montaje con un prólogo de la Comedia sin título que dejó inacabada Lorca en el que enfrenta ficción y realidad en el teatro, y salpica la obra con otros textos lorquianos como el poema Cielo vivo de Poeta en Nueva York y el Pequeño vals vienés con la música con que lo adaptó Leonard Cohen, entre otros textos.

“Poniendo el foco en algunas zonas, disimulando o apropiándose de otras se ha ido construyendo una idea acerca de ‘lo lorquiano’ que funciona como interferencia a la hora de pensar a Lorca”, dice Messiez a propósito de su montaje.

Ambientada en un pueblo cualquiera de nuestros días, la ambientación, que huye de la escenografía a la que el público está acostumbrado a la hora de afrontar esta obra, dialoga con el presente con su propia lógica poética.

El montaje no pretende ser una reconstrucción histórica acerca de los modos de representación de la década de los 30, cuando fue concebida. En su lugar, pone el foco en los temas que resuenan hoy en día, difuminando los que el paso del tiempo ha convertido en más accesorios y podrían dejar fuera al público más joven.

Guadalupe Álvarez Luchía, Pilar Bergés, Francesco Carril, Juan Ceacero, Fernando Delgado-Hierro, Claudia Faci, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Carmen León, Gloria Muñoz, Julián Ortega y Estefanía de los Santos componen el reparto de este montaje en el que, en palabras de Messiez, “el cuerpo más animal, el instinto, el deseo, aquello que no se puede explicar y que pertenece al mundo de las sensaciones, entra en conflicto con la normativa cultural y los aspectos morales y las cosas que uno entiende que están bien o están mal”.

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Foto: marcosGpunto.

23 de juny 2017

‘Por toda la hermosura’, reencuentro con el pasado



Del 21 junio al 02 de julio 2017
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán

El Centro Dramático Nacional (CDN, INAEM) continúa con su apuesta por los jóvenes autores con 'Por toda la hermosura', un trabajo de investigación del Laboratorio Rivas Cherif. Este texto de Nieves Rodríguez Rodríguez, en la frontera entre el futuro y los recuerdos, se representa en el Teatro Valle-Inclán bajo la dirección de Manu Báñez.

Por toda la hermosura.Con el subtítulo de Cartografía textual para un jueves, este montaje pone el foco en un territorio fronterizo. Los actores Ester Bellver, Jesús Berenguer, Javier Carramiñana y Esther Isla dan vida a una familia de desplazados que huyeron de la guerra hace cinco años. En vísperas de un acuerdo de paz surge la necesidad no solo de encontrar un futuro, sino de reencontrarse con un pasado que se resiste a morir. Solo volviendo a viejos lugares y recuerdos será posible encontrar la esperanza.

“Decía Zygmunt Bauman en Retrotopía que la felicidad humana ya no pasa por alcanzar un futuro ideal sino por alcanzar una imagen del pasado que, aunque robado, se ha resistido a morir. A los personajes de Por toda la hermosura la guerra les ha robado su pasado. Sin embargo, poner la mirada en él les conduce a encontrarse con la hermosura”, destaca Nieves Rodríguez. “Al hacerlo encuentran heridas abiertas, sí, pero también amor. Amor para emprender la ética de la esperanza. Amor para aceptar la responsabilidad moral que toda convivencia reclama y que nos puede salvar de la agonía”.

La obra, que surge de esta reflexión, da espacio a aspectos como los conflictos bélicos, la necesidad de empezar de cero en territorio desconocido, la importancia de afrontar los restos del pasado, la restauración de la memoria, los pequeños instantes cotidianos o la continua búsqueda de la belleza por parte del ser humano.

De martes a sábados a las 18.30 h. / Domingos a las 17.30 h.
Encuentro con el público: 27 de junio.

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http://www.hoyesarte.com/evento/2017/06/por-toda-la-hermosura-reencuentro-con-el-pasado/

05 de juny 2017

Una fábula sobre niños desaparecidos






Del 31 mayo al 11 de junio 2017
En: Madrid, Teatro María Guerrero

El Centro Dramático Nacional lleva a escena 'La rebelión de los hijos que nunca tuvimos', un texto firmado por los hermanos canarios Quique y Yeray Bazo, más conocidos como QY Bazo. El Teatro María Guerrero (Madrid) acoge el estreno de esta obra que se encuadra dentro de 'Escritos en la escena' del Laboratorio Rivas Cherif.

La obra, que parte del relato Un viejo manuscrito de Franz Kafka, crea una fábula escénica que pone sobre las tablas un tema de actualidad: la desaparición de más de 15.000 niños refugiados en territorio europeo. Para ello se cuenta la realidad de Proel, una ciudad imaginaria que amanece una mañana y descubre que todas sus calles están invadidas por miles de niños, inmóviles, silenciosos, con la mirada perdida en algún punto que nadie es capaz de concretar.

La ciudad contiene la respiración: los que desaparecieron hace tanto tiempo han vuelto. Y con ellos llegará la experiencia de lo extraño, porque su regreso es un acto de rebeldía contra la realidad, que provocará que sus costuras empiecen a romperse. El texto adopta la perspectiva del receptor, del “nosotros”, de aquel que mira con recelo la llegada del otro. Y para ello utiliza aspectos éticos y filosóficos.

Como toda fábula, esta historia imaginada nace de un dato real y una pregunta. ¿Qué pasaría si volviesen todos los niños a la vez? Eva Redondo dirige a un elenco interpretado por Rebeca Hernando, Marina Herranz, Rafa Núñez, Ricardo Reguera, Carmen Soler y Juan Vinuesa.

Martes a sábados a las 18.30 h. / Domingos a las 17.30 h.
Encuentro con el público: 6 de junio.

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La rebelión de los hijos que nunca tuvimos. Foto: marcosGpunto

03 d’abril 2017

Ernesto Caballero, Premio Valle-Inclán de Teatro



Ernesto Caballero (Madrid, 1958), director del Centro Dramático Nacional (CDN), ha recibido el Premio Valle-Inclán de Teatro en una gala celebrada en el Teatro Real de Madrid. Dotado con 50.000 euros y una escultura de Víctor Ochoa, el premio celebra su undécima edición organizada por 'El Cultural' y patrocinado por la Fundación Coca-Cola.

Caballero, que se ha impuesto a 11 finalistas (María Adánez, José Luis Arellano, Paco Bezerra, Pedro Casablanc, Israel Elejalde, Mario Gas, Ana Peinado, Sergio Peris-Mencheta, José Sacristán, Alfredo Sanzol y Maribel Verdú), ha recibido este galardón por la dirección de El laberinto mágico, una adaptación del universo creativo del autor más importante del exilio español de posguerra, Max Aub.

La obra es una revisión moderna de José Ramón Fernández del conjunto de seis novelas que componen la obra de Aub: Campo cerrado, Campo de sangre, Campo abierto, Campo del moro, Campo francés y Campo de los almendros.

El montaje narra lo que fue la Guerra Civil y sus consecuencias, aunque va más allá de la crónica histórica, ya que encuentra puntos en común con la actualidad. El laberinto mágico ha obtenido el galardón al Mejor Espectáculo, así como los premios al Mejor Actor Protagonista y Mejor Actor Revelación en la gala anual de The Central Academy of Drama (Pekín).


Hombre de teatro
Ernesto Caballero es director del Centro Dramático Nacional desde el 1 de enero de 2012. En su trayectoria ha destacado por igual en sus facetas de autor teatral, director de escena y director de compañía propia. Ha escrito más de veinte obras teatrales y ha sido durante muchos años profesor titular de Interpretación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y director asociado del Teatro de La Abadía.

Ha dirigido algunos de los mayores éxitos de las últimas temporadas teatrales en Madrid: El señor Ibrahim y las flores del Corán, de Eric-Emmanuel Schmitt; Sainetes, de Ramón de la Cruz (2006); La comedia nueva, de Leandro Fernández de Moratín (2008) y En la vida todo es verdad y todo mentira, de Calderón de la Barca (2012), las tres en la Compañía Nacional de Teatro Clásico; o Las visitas deberían estar prohibidas por el Código Penal, sobre textos de Miguel Mihura (2006), Presas, de Ignacio del Moral y Verónica Fernández (2007), La colmena científica o el Café de Negrín, de José Ramón Fernández (2010).

Con la compañía Teatro El Cruce, de la que es director artístico, ha puesto en escena, entre otros muchos títulos, Auto, obra que obtuvo el Premio de la Crítica, y La tortuga de Darwin, de Juan Mayorga, estrenada en el Teatro de La Abadía; La fiesta de los jueces, basada en El cántaro roto, de Heinrich Von Kleist, y Santo, en la que compartía la dramaturgia con Ignacio del Moral e Ignacio García May.

En su obra como autor resaltan además títulos como Squash, Retén, Solo para Paquita, Rezagados, Destino desierto, María Sarmiento, Santiago (de Cuba)… y cierra España, Un busto al cuerpo, Pepe el romano, Te quiero… muñeca, Tierra de por medio. Ha recibido el Premio José Luis Alonso, concedido por la Asociación de Directores de Escena, por su montaje de la obra Eco y Narciso, el premio de la crítica teatral de Madrid al mejor autor de la temporada por sus obras Auto y Rezagados, y el premio de Dirección de la Asociación de Directores de Escena por En la vida todo es verdad y todo mentira.


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26 de març 2017

«Séneca»: combate entre ética y corrupción



El Centro Dramático Nacional y el Festival de Mérida recuperan la obra de Antonio Gala en un montaje dirigido por Emilio Hernández


«La única forma que hay de acercar una estatua hasta nosotros es bajarla de su pedestal, desbrozarla de falsedades y oropeles, y dejarla caer, si es preciso, de bruces. Para mirar a Séneca a los ojos había que reducirlo a nuestra estatura: no solo a la física, sino a la moral; aceptarlo con sus contradicciones, sus incoherencias, su pro y su contra, su obra pero también su vida. No se trata de destronar un mito, sino de deshacer un tópico». Son palabras de Antonio Gala publicadas en ABC el 12 de septiembre de 1987, fecha del estreno de «Séneca o el beneficio de la duda». Casi treinta años después, el Centro Dramático Nacional recupera este texto y lo presenta en el Valle-Inclán en coproducción con el festival de Mérida (donde se estrenará el próximo julio). El montaje cuenta con versión y dirección de Emilio Hernández, y los intérpretes son Diego Garrido, Carmen Linares, Esther Ortega, Eva Rufo, José Luis Sendarrubias, Aka Thiémélé, Antonio Valero, Ignasi Vidal y Carolina Yuste.

Según Emilio Hernández, «Séneca» -así ha dejado el título- «es una obra absolutamente fundamental y totalmente vigente». Para el director, el texto plantea «un combate entre la ética y la corrupción, entre el idealismo y el pragmatismo, entre la belleza y la podredumbre. Gala escribió hace treinta años un prólogo que parece escrito ahora mismo».

Un escenario desnudo es el marco en el que Hernández desarrolla la función, alejada del historicismo, que se asienta fundamentalmente en dos figuras: un joven Nerón y un anciano Séneca. «Nerón representa -explica Diego Garrido, su intérprete-el espíritu joven, las nuevas ideas y las nuevas formas de hacer las cosas, que chocan con el poder establecido, que se lo impide». Séneca, por su parte, «está en su momento final -cuenta Hernández-; se le “ha invitado a morir”, y él se siente más libre que nunca. Ha planteado una sociedad presidida por la ética, pero no ha podido llevarla a cabo, y lucha consigo mismo para intentar comprender como pudo vivir con las ideas que mantuvo».

La versión de Emilio Hernández tiene un elemento fundamental: la música. La firma Marco Rasa, que ha tomado varios poemas del propio Antonio Gala. «Nerón era un apasionado de la poesía y de la música: me parecía que ésta era un elemento necesario. Acentos sirios, flamenco o Monteverdi (su ópera «L’ncoronazione di Poppea) forman el ambiente sonoro. «El propósito era lograr hacer un recorrido por diferentes culturas y diferentes épocas de la música, porque de eso también nos está hablando la obra», dice el director. Cuenta para ello con una de las grandes voces flamencas de la actualidad -Carmen Linares, en su primera incursión en un espectáculo teatral- e Ignasi Vidal, un actor con una larga experiencia en el teatro musical.

Lucio Anneo Séneca –filósofo, pensador, político...– nació en Córdoba en el año 4 a. C. Vivió los gobiernos de Tiberio, Calígula, Claudio y Nerón. Fue tutor de éste, además de ministro y consejero. Antonio Gala escribió, con motivo del estreno en 1987, que llevaba muchos años acariciando la idea de escribir sobre él. «Las contradicciones que se dan entre la obra y la actitud de Séneca son tan graves –dijo– que no podían dejar de atraer a un autor de teatro. Porque él es, al mismo tiempo, protagonista y antagonista de su vida». Séneca, añadía, «personifica las tentaciones que el poder plantea a la ética, y el contagio con el que la amoralidad asalta a la virtud».

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Una escena de «Séneca» - MarcosGPunto
juliobravo1963 Madrid


14 de febrer 2017

‘Las brujas de Salem’ o la política del miedo



Del 20 enero al 05 de marzo 2017
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán
'Las Brujas de Salem', coproducción del Centro Dramático Nacional, el Teatre Romea y el Festival Grec, llega a la cartelera madrileña versionada por Eduardo Mendoza y dirigida por Andrés Lima. El Teatro Valle-Inclán acoge esta obra escrita por Arthur Miller en 1952 con el objetivo de mostrar el ambiente opresivo que vivía Estado Unidos durante la persecución anticomunista impulsada por el senador Joseph McCarthy.

En los años cincuenta, Arthur Miller fue víctima de la ‘caza de brujas’. En 1956, acusado de afinidades comunistas por el director Elia Kazan, rehusó revelar ante la Comisión de Actividades Antiamericanas los nombres de los componentes de un círculo literario sospechoso de tener vínculos con el Partido Comunista. A pesar de las presiones que sufrió (le fue retirado el pasaporte), Miller no dio ningún nombre y declaró que, a pesar de haber asistido a reuniones en 1947 y firmado algunos manifiestos, no era comunista.

El escritor fue declarado culpable de desacato al Congreso. Sin embargo, en agosto de 1958, el Tribunal de Apelación de los Estados Unidos anuló la sentencia, de forma que no tuvo que ingresar en prisión. Esta atmósfera represiva se plasmó en Las brujas de Salem (The Crucible, 1953).

La obra se sirve de un acontecimiento real del siglo XVII para atacar la paranoia dirigida por el senador McCarthy. La narración se sitúa durante la colonización británica, en 1692, en el pequeño pueblo de Salem (actual Massachusetts), como efecto colateral de las luchas internas entre familias por la posesión de la tierra y de los fanatismos puritanos. 19 personas, la mayoría mujeres, fueron condenadas a muerte acusadas de brujería.

“El conflicto de la obra se plantea en un contexto religioso, pero es completamente político. En una sociedad de orden éste sólo se conserva mediante la represión, el terror. Demasiado actual para pasarlo por alto”, explica Andrés Lima.

Religión, brujería, terror, opresión y política se unen en un texto que fue galardonado con el Pulitzer y con tres Premios Tony, y que ha sido llevado a las tablas en incontables ocasiones. En 1996, la historia se trasladó a la gran pantalla en una adaptación del propio Miller y contó con el protagonismo de Daniel Day-Lewis y Winona Ryder.

En esta ocasión, la historia está protagonizada por Lluís Homar, que estará acompañado por Borja Espinosa, Nora Navas, Nausicaa Bonnín, Albert Prat, Carles Canut, Carles Martínez, Míriam Alamany, Carme Sansa, Miquel Gelabert, Anna Moliner, Marta Closas, Joana Vilapuig, Núria Golla y Yolanda Sey.

De martes a sábados a las 20.00 h. / Domingos a las 19.00 h.
Encuentro con el público: 16 de febrero.
Funciones accesibles: 9 y 10 de febrero.

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Las Brujas de Salem. Foto: David Ruano.


26 de novembre 2016

La Cocina La mesa del nuevo teatro está servida


La Cocina

La mesa del nuevo teatro está servida


Casi treinta actores; un escenario en 360º que se asemeja más a un ring que a un escenario; una cocina real que suena a bestia; casi treinta historias simultáneas con las que el espectador puede empatizar, eligiendo su preferida en medio de una coreografía del caos perfecta; y un espectáculo orgánico en todos sus frentes.

La versión que Sergio Peris-Mencheta y su compañía Barco Pirata realizan de La Cocina, texto que Arnold Wesker escribió hace casi sesenta años, invita a pensar que su representación en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional asienta la primera piedra de una experiencia de consumo de teatro contemporáneo que rompe cánones y límites a todos los niveles, invitándonos a reflexionar filosóficamente pero también a formar parte, a darnos la potestad de elegir qué historia(s) queremos ver y a pensar que la perspectiva en el teatro lo es todo.

Aquí te contamos cuál fue la nuestra cuando vivimos de cerca la representación de una de las obras más revolucionarias que ha parido nuestro teatro hasta la fecha.
TextoAlan Queipo

PESADILLA EN LA COCINA
No hizo falta un Chicote que pase los dedos sobre el extractor o rasque con una espátula las trazas de fritanga, moho y carne descongelada sobre la plancha. Esta cocina es un infierno por vocación: casi treinta personas sirven comidas para cerca de 1000 comensales diarios en el corazón del Londres de los años ’50, auténtico catalizador de culturas en plena época de re-edificación europea, a pocos años de haber terminado la Segunda Guerra Mundial.

Pero no os equivoquéis: en esta cocina no importan tanto los platos ni el león come gamba, la capacidad de producir platos gourmet en un ambiente caótico, frenético y deshumanizador, sino más bien lo que detrás de cada uno de los personajes, que encuentran en la versión de Peris-Mencheta un equilibrio único en el que desarrollar sus particulares spin-offs de sus personajes, entre los que conviven conocidísimos caracteres de las artes escénicas, el cine y la televisión (Silvia AbascalRoberto ÁlvarezLuis ZaheraAlejo SaurasFátima Baeza) con jóvenes talentos en expansión (Ricardo Gómez o Mario Tardón) y hasta algún que otro personaje iniciado (la gimnasta Almudena Cid, que debuta como actriz), entre los 26 actores que protagonizan desde líos amorosos a peleas encarnizadas, luchas por la autoridad o batallas por conseguir escalar jerarquías entre cucharones y baños maría.



UN PARQUE DE ATRACCIONES LLAMADO BABEL
Por mucha cocina y mucho jaleo que veamos en el epicentro del Centro Dramático Nacional, levantad un poco más el párpado, intentad mirar más allá: La Cocina no es un reality show en sesión continua de los problemas que un día cualquiera suceden en una cocina de élite. Es decir, sí, pero como metáfora de algo mucho más grande: el deshumanizador, mezquino, avasallante y competitivo ritmo que la sociedad de consumo lleva imponiendo en la dinámica mercantilista extrema de las culturas occidentales.

En el corazón de esa cocina escuchamos acentos, procedencias y, en definitiva, culturas de lo más diverso: los cerca de treinta caracteres que conviven allí son una suerte de muestrario babélico en representación del mundo de hoy. Y es que ese es el motor central del texto escrito hace décadas por Arnold Wesker, y que encuentra en la versión de Peris-Mencheta un catalizador contemporáneo por mucho que esté ambientada seis décadas atrás: una crítica a la sociedad de consumo pero también a la falta de humanismo, de solidaridad, confianza y compañerismo en una sociedad y un mercado de trabajo que potencia la diferencia, la batalla y la jerarquía.



TRANSGRESIÓN ESCÉNICA
Casi como si hubiera importado el icónico escenario de 360º de U2 de su gira siete años atrás con trazas tanto de esa convivencia entre público y actores de espacios escénicos alternativos como la extinta Casa de la Portera pero también recuperando esa concepción de no-escenario que compañías como los catalanes La Fura dels Baus o los argentinos Fuerzabruta pusieron en práctica, Sergio Peris-Mencheta y su compañía (Barco Pirata) llevan a una nueva concepción del espectáculo de teatro contemporáneo dinamitando, actualizando, deconstruyendo, reconstruyendo y edificando una nueva idea de escenario sin necesidad de estar produciendo una obra de teatro experimental.

En este caso, un no-escenario central que es una cocina, con los ritmos frenéticos de un restaurante, contando con la colaboración y el consejo culinario de Pepe Rodríguez (sí, un tercio del jurado de MasterChef y capo de El Bohío, uno de los restaurantes más solícitos del terreno gastronómico estatal) y de Chevy Muraday como consejero a la hora de articular una coreografía de movimientos que resulte orgánicamente caótica, casi como bailar pogo con la delicadeza del manipulador de alimentos más encendido.

Un auténtico festival degustador de nuevas formas escénicas y de microhistorias a modo de platos combinados para compartir que nos invita a pensar también en una suerte de centro de juegos recreativos, en donde el espectador puede “elegir su propia aventura” como en aquellos libros ochentero-noventeros, y en donde puede permitirse el lujo de ir a ver la obra todos los días y vivir una historia diferente: la dinámica escénica tiene tantos focos activos como capacidad de movimiento, gestualidad y expresión tiene cada uno de los caracteres que protagonizan la obra.

La mesa está servida y el nuevo teatro también.
18.11.16

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http://www.notodo.com/escena/teatro_clasico/9506_la_cocina_la_mesa_del_nuevo_teatro_est_servida.html

03 de juny 2016

La rosa tatuada



la rosa tatuadaaitana sanchez-gijoncarme portacelitennessee williamsalba flores"Hagamos una plegaria por todos los corazones salvajes que viven encerrados en jaulas", dijo Tennessee Williams. Una jaula: una casa en Nueva Orleans, abriéndose (literalmente) como una flor para los espectadores. Dejando ver en ese interior a su Serafina delle Rose y su decisión de enjaularse el corazón a causa de la muerte de su marido, Rosario. A la vez, a su hija Rosa, por las cosas de la vida, se le cruza un marinero y comienza a abrirse al mundo. Éste es el asunto de La rosa tatuada que se ha estrenado en el Teatro María Guerrero. Jaulas y entrañas palpitantes para una obra con dos reclamos fundamentales: el texto de Williams, maestro en este tipo de historias, y el protagonismo de la última ganadora de los Premios Max y Valle-Inclán, Aitana Sánchez-Gijón. El resultado: una función convincente y emoción a flor de piel para este dibujo epidérmico.

El diseño del tatuaje
Carme Portaceli dirige el espectáculo y lo traslada a la Nueva Orleans post Katrina. Colorido vestuario, abundancia de proyecciones y un llamativo juego de escenografía con esa casa de paredes abatibles que se abren para nosotros (han tenido que quitar algunas butacas del patio para ello) conforma un espectáculo de vistosa estética que, aunque actualizada, podría ser también atemporal. Cierto es que no hacía falta ninguna tampoco este despliegue escénico pero a la gente le gusta pagar para ver una escenografía que haga cosas, y a ello van.

Aitana, muy bien arropada
Un puñado de intérpretes más que acertados consiguen que esta rosa crezca hasta explotarnos en la cara y dejarnos contentos. Entre ellos destacan una Alba Flores que se come el escenario como la hija de la protagonista, una chiquilla con inmensas ganas de vivir. Flores llena su personaje de fuerza y vitalidad y además consigue que sus frases en italiano sean las más creíbles entre todas. Un diez.

Roberto Enríquez, por su parte como Alvaro Mangiacavallo, ese doble del marido que aparece de repente en la vida de Serafina para salvarla de sí misma, es sencillamente maravilloso. Te comes con patatas su inocencia con una caracterización que encandila y sus momentos de flirteo con Aitana Sánchez-Gijón son de lo mejor de la función. Uno disfruta cual enano enamoradizo con ese juego de vaivén de risas y tonterías entre ambos.

Y bueno, qué decir de Aitana. Que, aunque la elegancia no se la pueda quitar de encima ni con agua hirviendo (y tal vez su personaje requiriese alguien más terrenal y bestia, soez y descarada) la actriz consigue irse creciendo hasta cogerte por la orejas (si son de soplillo como las de Mangiacavallo más fácil todavía) y no soltarte hasta el final. Su entrega es absoluta para esta Serafina.

Pocas espinas tiene esta rosa
¿Que a algunos les podrá parecer algo anticuado ya este texto? Para gustos los colores, pero a mí Tennessee Williams me parece un semidios. Serafina "Tiene que elegir entre el sexo y la muerte, entre la vida y el ostracismo. Y elige vivir, no puede dejar pasar su vida como si tuviera otra, porque no la tiene", dice Portaceli. Efectivamente. Y lo que da esta obra es ganas de vivir (mira que le cuesta a Tennessee Williams ser un poquito alegre y aquí lo consigue, porque este espectáculo tiene sus momentos cómicos, no os creáis). Cierto es que ni aporta ni resta la ambientación que se ha escogido (de tendencias demasiado chic, tal vez, aunque no sea ésa la intención) y el tema del italiano en algunos momentos queda pelín forzado. Y lo ya comentado de que no hace falta ese derroche abatible. Pero poco más se le puede achacar a un montaje con momentos de echar la lagrimilla de lo bonito (ésa es la palabra) que es. También puede ser que yo estuviera especialmente sensible, qué sé yo, pero la cosa es que me quedé emocionadillo.

Y posee además instantes de potencia descomunal, como esa pelea en el pasillo del patio de butacas en el que si te descuidas la Aitana te puede meter una leche que te deje del revés. Un reparto entregadísimo, un ritmo perfecto y un tono de cuento moderno para una función que consigue dejar huella en la piel del espectador. Preciosa rosa ésta.

+ info
Nombre del montaje: La rosa tatuada
Disciplina: Teatro clásico
Director: Carme Portaceli
Autor: Tennessee Williams
Adaptación: Carme Portaceli, Gabriela Flores
Reparto: Jordi Collet, Roberto Enríquez, David Fernández “Fabu”, Alba Flores, Gabriela Flores, Ignacio Jiménez, Aitana Sánchez-Gijón, Paloma Tabasco, Ana Vélez
Traducción: Vicente Molina Foix
Escenografía: Anna Alcubierre
Iluminación: Pedro Yagüe
Vestuario: Antonio Belart
Música y espacio sonoro: Jordi Collet
Producción: Centro Dramático Nacional
Dónde: Teatro María Guerrero
Dirección: Tamayo y Baus, 4. Madrid
Hasta: 19.06
Horario: De martes a sábado a las 20.30h. y domingo a las 19.30h.
Precio: De 4 a 24 €.
Miércoles día del espectadorVenta de entradas: cdn.mcu.es

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09 de març 2016

‘…y la casa crecía’ o la abundancia desmedida



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Foto: marcosGpunto

Del 04 marzo al 10 de abril 2016
En: Madrid, Teatro María Guerrero
El dramaturgo Jesús Campos García regresa al Teatro María Guerrero (Madrid), cuarenta años después del estreno de '7000 gallinas y un camello' (1976), para poner sobre las tablas un nuevo texto que él mismo dirige, '...y la casa crecía'. Esta producción del Centro Dramático Nacional es una mirada irónica al crecimiento desmedido del dinero.

La obra es una comedia sarcástica que aborda temas como el ansia de poder, además de mostrar los peligros de una abundancia desmedida, en la que no hay límites y donde los ricos buscan, desesperados, formas de gastar su desproporcionado capital. El resultado es una puesta en escena que provoca risas en torno a un tema que exige una reflexión profunda.

“Digamos que se inicia con un tono algo convencional, incluso con ribetes de comedia burguesa; si bien enseguida la situación discurre por cauces más estimulantes, como el teatro del absurdo o la comedia del disparate o codornicesca. Ionesco, Jardiel y el primer Mihura debían andar enredando por ahí cuando me puse a escribir”, afirma el autor.

Campos cuenta con un reparto formado por Fernando Albizu, José Ramón Arredondo, Ana Cerdeiriña, Luis Hostalot, Ana Marzoa, Juan Matute, Miguel Palenzuela, Juan Carlos Talavera, Marilyn Torres y Samuel Viyuela González.

“Toda ella es una gran metáfora. No me cabe la más mínima duda de que la lectura alegórica de esta casa que crece nos remite a cuestiones urgentes y graves que a todos nos conciernen”, concluye Campos.

De martes a sábados a las 20.30 h. / Domingos a las 19.30 h.
Encuentro con el público: 17 de marzo.

Funciones con accesibilidad: 31 de marzo y 1 de abril.

25 de febrer 2016

'La piedra oscura' d'Alberto Conejero arriba al Teatre Lliure



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15 de febrer de 2016

Un text que acaba de presentar-se al Centro Dramático Nacional inspirat en la mort de Lorca.

Alberto Conejero és una de les figures del món de la dramatúrgia que destaca en els últims anys. Als seus prestatges ja figura, per exemple, el Premio Ceres al millor autor teatral. El va guanyar per aquest text, La piedra oscura, que es basa en la vida de Rafael Rodríguez Rapún, un estudiant que va ser secretari de la companyia La Barraca durant la II República i, per tant, company de fatigues de Federico García Lorca. Al voltant de la seva figura s'ha construït aquesta vibrant peça que planteja interrogants sobre com la societat ha naturalitzat certes coses, sobretot els terribles fets que van tenir lloc durant la Guerra Civil.

La història ens transporta a una habitació d'un hospital militar de Santander. Dos homes, dos desconeguts que es veuran obligats a compartir unes hores terribles, un compte enrere que és possible que acabi en la mort d'un d'ells a trenc d'alba. Durant les hores de conversa es revela un secret envoltat de remordiments, un fet terrible relacionat amb la mort de Federico García Lorca.

El director argentí Pablo Messiez dirigeix aquesta obra que s'acaba d'estrenar al Centro Dramático Nacional i que es podrà veure al Teatre Lliure, en la seva seu de Gràcia, entre el 17 i el 28 de febrer.

Etiquetes:
EscenaFederico García LorcaTeatre Lliure de Gràcia
informació de l'acte

Quan es fa
Data d'inici:
17/02/2016
Data de finalització:
28/02/2016
On es fa
Lloc:
Teatre Lliure
Direcció:
C Montseny, 47
Districte:
Gràcia
Telèfon:
932892770
Horari
dimecres, dijous i divendres
a les 20:30 h     
Entrada general de: 23 e
dimecres i dissabte a la tarda: 18.50 e (dies de l'espectador)
compra avançada: 21 e (abans de la data d'estrena)

Entrada reduïda: 19.50 e

Carnet jubilat
Carnet estudiant
Menors 14 anys
persones a l'atur
Persones amb disminució
Famílies nombroses i
monoparentals
Carnet biblioteques
Carnet TNC
Carnet Mercat de les Flors
Carnet TR3SC
Carnet Teatres Comarcals
Entrada reduïda: 12 e

Carnet Jove
Carnet +25

Per abonaments consulteu amb el Teatre Lliure

Dissabtes
a les 17:30 h i a les 21:00 h
diumenges
a les 18:00 h

Observacions
Un text d´Alberto Conejero, Premi Ceres 2015 al Millor Autor Teatral, que ve de presentar-se al Centro Dramático Nacional, inspirat en la vida de Rafael Rodríguez Rapún –un estudiant d´Enginyeria de Mines, secretari de la Barraca i company de Federico García Lorca durant els últims anys de les seves vides. Una vibrant peça que plantejar interrogants sobre la naturalització del nostre passat més recent i el destí dels oblidats a les cunetes de la Història.
Una habitació d´un hospital militar prop de Santander; dos homes que no es conèixen i que estan obligats a compartir les hores terribles d´un compte enrere que potser s´acabarà a la matinada amb la mort d´un dels dos. Un secret encobert de remordiments i un nom que ressona per les parets de l´habitació: Federico. Només queda la custòdia d´uns documents i manuscrits com un últim gest d´amor.

Direcció: Pablo Messiez
Intèrprets: Daniel Grao i Nacho Sánchez

Coproducció: Centro Dramático Nacional i LAZONA

17 de desembre 2015

‘Rapsodia para un hombre alto’, juego de saltos en el tiempo



publicat per
'Rapsodia para un hombre alto'. Foto: marcosGpunto.
hoyesarte.com 11/12/2015

Teatro
Fecha:
Del 09 al 20 de diciembre 2015
En: Madrid, Teatro María Guerrero
El Centro Dramático Nacional estrena 'Rapsodia para un hombre alto', una obra escrita y dirigida por Félix Estaire incluida dentro del programa 'Escritos en la escena'. El Teatro María Guerrero de Madrid acoge entre el 9 y el 20 de diciembre un montaje que lleva a las tablas una final de un mundial de baloncesto entre dos países limítrofes que hasta hace poco tiempo conformaban un mismo estado.

Muchos jugadores han sido eliminados por acumulación de faltas y, al borde del final, el entrenador se ve obligado a sacar a uno de los que se encuentran en el banquillo. En los últimos segundos, el jugador recién incorporado sufre una falta personal y tiene que lanzar tres tiros libres. En sus manos se encuentra la gloria o el fracaso. La pieza de Estaire se estructura como si fuera un libro de ‘Elige tu propia aventura’ y adopta caminos diferentes en función de los aciertos o errores en los lanzamientos.

El planteamiento es una metáfora de las numerosas decisiones que cada uno toma a lo largo de la vida y de la incertidumbre que rodea la realidad. Un juego de saltos en el tiempo a medio camino entre el documental y la búsqueda real y concreta de la propia identidad que protagonizan José Ramón Iglesias e Ignacio Jiménez.

El resultado es un espectáculo vivo y con múltiples posibilidades que va más allá del deporte y aborda aspectos como la educación, los problemas familiares, la memoria histórica y personal o el abandono. “Es como cuándo nos preguntamos, ¿qué hubiera sido de mi vida si hubiera decidido esto o aquello, si me hubiera pasado esto en lugar de aquello, si hubiera estado en otro sitio en vez de estar donde estaba? Les invitamos a jugar esta noche, a desear uno u otro desarrollo, como si su pronóstico pudiera hacer que la pieza tomara uno u otro camino”, comenta el director.

De martes a sábados a las 19.00 h. / Domingos a las 18.00 h.

Encuentro con el público: 15 de diciembre.

11 de maig 2015

‘Hedda Gabler’, las energías oscuras del ser humano



publicat per
8 de maig de 2015
Foto: marcosgpunto

Cayetana Guillén Cuervo (Madrid, 1969) regresa al teatro a las órdenes de Eduardo Vasco para meterse en la piel de una mujer del siglo XIX. El Teatro María Guerrero de Madrid acoge 'Hedda Gabler', uno de los mayores éxitos del dramaturgo noruego Henrik Ibsen (1828-1906), que llega en la versión de Yolanda Pallín.

Coproducida por el Centro Dramático Nacional, Mucha Calma y Noviembre Teatro, Hedda Gabler es un retrato realista y psicológico de la alta sociedad de finales del siglo XIX. Pero no es fácil adentrarse en esta obra, ya en su estreno en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1901 por la compañía de la actriz Italia Vitaliani obtuvo aplausos enfervorecidos pero también se topó con la estupefacción de buena parte de los espectadores a los que se les antojaba rara y absurda.

Interpretada por un elenco de lujo formado por José Luis Alcobendas, Charo Amador, Ernesto Arias, Jacobo Dicenta, Cayetana Guillén Cuervo y Verónika Moral, la obra gira en torno a la hija del general Gabler. Hedda es una aristócrata que acaba de contraer matrimonio con Jorge Tesman, un hombre al que no ama. Las necesidades de Hedda obligan a la familia de Tesman a realizar un importante esfuerzo económico para que el recién casado acceda a una cátedra.

La aparición de Lovborg, un antiguo amante de Hedda, ex alcohólico y competidor por la cátedra, abre un periodo de incertidumbre. Hedda, que ha sido considerada por algunos críticos un monstruo incapaz de existir en el mundo real y también el retrato ajustado de una mujer oprimida por una sociedad machista, con absoluta frialdad, aprovecha la frágil sobriedad de Lovborg para provocarle una recaída que será sólo el comienzo del derrumbamiento de ella misma.

Hedda ha sido educada bajo la influencia del general Gabler como un hombre pero también como una mujer de su tiempo, con todas las limitaciones que impone el cuerpo social para las mujeres. En ella conviven el deseo de la más pura belleza y el voyerismo más degradante; la irreprimible fuerza sin objeto y la sumisión a las normas establecidas. En esta obra, Ibsen se aproxima como nunca a las energías oscuras del ser humano y lo hace con un ritmo contemporáneo, despojando a sus personajes de retórica y dotándoles de textos llenos de ironía y dolor.

De martes a sábados a las 20.30 h / Domingos a las 19.30 h.
Encuentro con el público: sábado 23 de mayo.

Funciones con accesibilidad: 28 y 29 de mayo.

04 de maig 2015

‘Trilogía de la ceguera’, Maeterlinck y las emociones más profundas



publicat per
21 abril de 2015
Foto: marcosGpunto



Tipo de evento:
Teatro
Fecha:
Del 22 abril al 24 de mayo 2015
Añadir a mi calendario
En: Madrid, Teatro Valle-Inclán

El Teatro Valle-Inclán de Madrid acoge hasta el 24 de mayo 'Trilogía de la ceguera', una nueva producción del Centro Dramático Nacional que incluye tres piezas breves del dramaturgo Maurice Maeterlinck (Gante, Bélgica, 1862 - Niza, Francia, 1949), uno de los grandes exponentes del teatro simbolista y figura clave de la literatura europea contemporánea.

Trilogía de la ceguera está integrada por tres textos escritos entre los años 1890 y 1894, La intrusa, Interior y Los ciegos. En ellos, Maeterlinck se preocupa por aquellos aspectos íntimamente unidos al hombre contemporáneo, como son el silencio, la soledad, la angustia, el miedo a lo desconocido o la negación de la muerte. Estos elementos aparecen en un montaje hipnótico, íntimamente ligado al cine de suspense y a las emociones más profundas del ser humano.

Tres creadores han sido los encargados de adaptar y dirigir cada una de estas piezas: Vanessa Martínez se ha hecho cargo de La intrusa; Antonio C. Guijosa de Interior y Raúl Fuertes es el responsable de Los ciegos. El elenco actoral es el mismo para todas ellas y está integrado por Lucía Barrado, Quique Fernández, Lucía Fuengallego, Pablo Huetos, José Vicente Moirón, Celia Nadal, Verónica Ronda, Pedro Santos, Carlos Silveira y Gemma Solé.

La intrusa se mueve entre el absurdo becketiano y la muda violencia pinteriana. La historia gira en torno a una familia degenerada por su endogamia, compuesta de espectros, ausencias y personajes desconcertantes: todos esperan, no saben muy bien a quién; todos tienen razones ocultas para no querer estar allí; todos ocupan una casa que no se sabe a quién pertenece; todos son presa de una situación que nadie, salvo la abuela y los niños, llega a descifrar; todo sucede en el silencio, en la trágica cotidianidad; y todo transcurre bajo tierra, entre los diálogos sin salida que separan a los interlocutores en vez de relacionarlos.

En Interior, dos desconocidos se acercan a una casa para anunciar una muerte. Sin embargo, al mirar por las ventanas, la felicidad de los que ven les paraliza, sin atreverse a dar la noticia. Maeterlinck escribe una función intrigante y perturbadora, en la que los personajes que miran, al conocer una realidad que los personajes observados ignoran, perciben el mundo de una manera distinta, completamente nueva. Lo que observan les resulta de repente extraño, ligeramente borroso, casi irreal.


Los Ciegos es una obra que está conectada con la realidad actual: varios personajes ciegos, perdidos y solos en un bosque, abandonados por su guía, esperan a que éste regrese, incapaces de saber qué hacer ni a dónde ir, incapaces siquiera de darse cuenta y valorar la amenaza que les cierne hasta que es demasiado tarde. Se trata por tanto de una metáfora de la profunda crisis espiritual y ética que padece la ‘sociedad del bienestar’, donde los individuos sobreviven en una deriva ideológica y moral, intentando desesperadamente encontrar respuestas a preguntas que todavía ni siquiera se han formulado.

20 de novembre 2014

Flotats trae a Marivaux en castellano, un ejercicio "diabólico" para actores



publicat per
http://noticias.lainformacion.com
4 de novembre de 2014
Efe

Josep María Flotats regresa a Madrid con la producción del Teatre Nacional de Catalunya (TNC) "El juego del amor y del azar", la comedia más conocida de Pierre de Marivaux, pero adaptada al castellano, un ejercicio "diabólico" para los actores, ha explicado el catalán, "más que orgulloso" de sus intérpretes.

"En el juego de máscaras, de la mentira", que son los textos de Marivaux, donde los personajes "se visten de otras personas y dicen lo que no sienten para conseguir la verdad", explica Flotats, los actores deben interpretar de manera semejante a "las muñecas rusas".

"Se pide al actor que interprete a la muñeca de dentro, a la otra un poco mayor, a otra otro poco mayor, y la que se ve. Y eso es diabólico, por complicado, -asegura el ganador de varios premios Max, el último por "La cena"-, y también genial".

Flotats vuelve a dirigir en Madrid gracias al acuerdo entre el Centro Dramático Nacional y su homólogo catalán, el TNC, que ha permitido llevar a Barcelona "Montenegro (Comedias bárbaras)" y ahora trae "El juego del amor y del azar" al María Guerrero, ha explicado el director del CND Ernesto Caballero.

Enric Cambray, Rubén de Eguía, Guillem Gefaell, Vicky Luengo, Bernat Quintana, Mar Ulldemolins y, en el papel del padre, Álex Casanovas, un "viejo" conocido de Flotats, son los "talentosos y espabilados" actores de los que habla el director, los mismos que han hecho la versión catalana con "una disposición y unas ganas" que han conmovido al septuagenario.

"Echo de menos en España la tradición de las grandes compañías, porque ¿cómo se puede formar a un buen actor si no trabaja de manera continuada?. Y ¿por qué son extraordinarios los actores de la 'Comédie-Française' -se pregunta Flotats-: Porque tienen trabajo doce meses al año y con distintos directores. ¿Por qué no es eso posible en ...nuestra geografía?", ha dicho provocando las risas.

Flotats, que tuvo que abandonar en 1997 a la dirección del TNC por discrepancias con el gobierno de la Generalitat, ponía así, de nuevo, el dedo en la llaga de los males del teatro en España, desde su condición de "gigante del teatro y maestro de maestros", como le ha presentado Caballero, y que él rechaza con humildad.


"Yo soy un transmisor, sé de donde vengo y ya veremos a dónde voy", ha declarado el Premio Nacional de Teatro 1989 y Caballero de la Legión de Honor en Francia, para argumentar de inmediato que no es un creador sino que sólo" es soy "capaz de transmitir" lo que le han enseñado, y da a entender que ve esta misión como una obligación.

Tras aclarar que "el protagonista de todas las obras de Marivaux es el lenguaje", Flotats ha recordado que es una pieza clásica de un autor poco visto en España y "un ejercicio de estilo" que apreciarán los amantes del teatro de calidad.

"El juego del amor y del azar" de Flotats, que estará en Madrid del 5 al 23 de noviembre, narra la historia de la hija de un noble y su criada, que se intercambian los papeles el día de la visita del prometido de la joven de clase alta, que todavía no la conoce.

Simultáneamente, el joven prometido decide intercambiar los papeles con su criado para poder observar a su futura mujer con la protección del disfraz.


Este doble juego de disfraces provocará un sinfín de situaciones incómodas y enredos, con los que el autor teje una comedia que cuestiona las convenciones sociales.

30 d’octubre 2014

HAZ CLIC AQUÍ



publicat per
http://cdn.mcu.es
29 octubre de 2014


Texto y dirección Jose Padilla

Cada vez es más frecuente que, cuando una persona muestra un comportamiento reprochable en público, alguien esté allí cámara de teléfono móvil en mano para grabarlo y provocar que el vídeo se haga viral. Ver ese vídeo nos convierte en testigos del hecho, pero también en sucedáneos de juez y jurado.

El fenómeno de las redes sociales es relativamente nuevo aún y probablemente por eso lo gregario en la red es utilizado como una máscara colectiva que parece otorgar barra libre al teclado para expresar lo que nos venga en gana, pero tendríamos que empezar siquiera a plantearnos que nuestras acciones en la red son eso, acciones con repercusiones en la calle, en el día a día. Entre la libertad de expresión, la presunción de inocencia y el derecho a la intimidad de una persona pueden estar nuestros tuits de 140 caracteres, nuestros comentarios en Facebook, apuntándonos a todos con un dedo -en potencia cualquiera es susceptible de sufrir una cacería virtual, no lo olvidemos-.

Haz clic aquí está inspirado en hechos reales, hechos que sucedieron hace prácticamente cuatro años y habla fundamentalmente de la responsabilidad que supuestamente ejercemos en nuestro uso de la red.

Jose Padilla

Centro Dramático Nacional
Teatro María Guerrero/Sala de La Princesa
Del 15 de octubre al 23 de noviembre de 2014
De martes a sábados, a las 19.00 h Domingos, a las 18.00 h
Precios 19 euros (miércoles 50 % descuento)
http://cdn.mcu.es

venta de entradas: www.entradasinaem.es

28 de gener 2014

Silvia Marsó protagonitza al Tívoli el clàssic de Lorca 'Yerma'




publicat per
23 de gener de 2014

L'espectacle, amb música d'Enrique Morente, commemora els 70 de l'estrena de l'obra

El Teatre Tívoli de Barcelona acull del 5 de febrer al 2 de març la tragèdia 'Yerma', una reinterpretació de Miguel Narros del clàssic de Federico García Lorca. El repartiment està encapçalat per l'actriu Silvia Marsó, amb Pep Molina, Chema León i Roser Pujol, i 11 actors més. L'espectacle, coproduït pel Centro Dramático Nacional i Producciones Faraute, reflexiona sobre l'opressió de la dona, la llibertat i el desig.

Es tracta d'un conflicte universal que evoluciona a l'escenari al ritme de la música del mestre Enrique Morente, composta expressament per a aquesta obra, i emmarcada en un entorn escenogràfic tel·lúric i simbòlic, que firma Mónica Boromello.

L'obra arriba al Tívoli amb una efemèride especialment significativa: es compleixen 70 anys de l'estrena del muntatge i 80 de la creació.

23 de setembre 2013

El Centro Dramático Nacional presenta el ciclo 'Una mirada al mundo 2013' en los teatros María Guerrero y Valle-Inclán




publicat per
18 de setembre de 2013

ESPECTÁCULOS

El duelo
de Anton Chéjov. Dirección: Anton Yakovlev
Teatro de Arte de Moscú (Rusia)
del 19 al 22 de septiembre, a las 19.30h
en el Teatro Valle-Inclán

Ubu Roi
de Alfred Jarry. Dirección: Declan Donnellan
Cheek by Jowl (Reino Unido/Francia)
del 26 al 29 de septiembre, a las 19.30h
en el Teatro María Guerrero

Seuls
Escrita, dirigida e interpretada por Wajdi Mouawad
Au Carré de l´Hypoténuse (Francia)
Abé Carre Cé Carré (Quebec)
Del 4 al 6 de octubre, a las 19.30h
en el Teatro Valle-Inclán

La pequeña habitación al final de la escalera
de Carole Fréchette. Dirección: Mauricio García Lozano Teatro del Farfullero (México)
Del 10 al 13 de octubre, a las 19.30h
en el Teatro Valle-Inclán

Julia
adaptación de La señorita Julia de August Strindberg
Texto y dirección: Christiane Jatahy
Cia. Vértice de Teatro (Brasil)
Del 17 al 20 de octubre, a las 19.30h
en el Teatro Valle-Inclán

Bienvenido a casa
Dirección: Roberto Suárez
Pequeño Teatro de Morondanga (Uruguay)
del 24 al 27 de octubre, a las 19.30h
en el Teatro Valle-Inclán

La Verità
Texto y dirección: Daniele Finzi Pasca
Compagnia Finzi Pasca (Suiza)
del 8 al 10 de noviembre, a las 19.30h
en el Teatro Valle-Inclán


Centro Dramático Nacional
Teatro María Guerrero | Tamayo y Baus, 4
Teatro Valle-Inclán | Pza. Lavapiés

HORARIO DE TAQUILLAS
De lunes a viernes: de 12.00 a 20.30 horas
Sábados, domingos y festivos: de 14.30 a 20.30 horas


VENTA EN LOS RECINTOS DEL INAEM
En sus correspondientes horarios

VENTA TELEFÓNICA 902 22 49 49

VENTA EN INTERNET www.entradasinaem.es