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23 d’agost 2018

Madrid recuperará en Navidad el único Teatro de Autómatas del mundo




ABC accede al taller de restauración de este espectáculo de principios del siglo XX que llevaba cuatro años olvidado en un hangar del Circo Price

El olor a disolvente, necesario para trabajar con la pintura al aceite, inunda el hangar del Circo Priceuna calurosa tarde de agosto. Detrás de las máscaras que usan para protegerse del intenso hedor, se encuentra el equipo heredero de Gonzalo Cañas, un polifacético artista conquense que dejó el Teatro de Autómatasen herencia al Ayuntamiento de Madrid tras su muerte en octubre de 2012. Con el mimo de quien es consciente de que tiene una joya entre las manos, desde el pasado 1 de junio, los restauradores bregan ocho horas diarias para recuperar con minuciosidad y pulcritud esta reliquia del arte popular levantino, que recorrió las ferias de España desde 1920. Se trata del único espectáculo de este tipo que se conserva al completo y en funcionamiento en todo el planeta. Desde la Navidad de 2014, sus 37 androides no han vuelto a desplegar su magia tallada a mano con la precisión de los relojes suizos.

La elección del tipo de esmalte de poliuretano con el que repasan con fervor el cartel de la entrada a la caravana no es casual. Los restauradores han exprimido las últimas muestras que quedaban en las fábricas de Zaragoza y Cuenca de la marca y el color específico con el que se pintó la última vez, en 2001, para que la recuperación sea lo más fiel posible.

Un hándicap similar se han encontrado a la hora de reparar la instalación eléctrica. Las bombillas incandescentes ya apenas se venden en España, puesto que se han sustituido por las Led. Sin embargo, Juan Manuel de Pablos, que interviene en el entramado de cables con la soltura y la meticulosidad de un neurocirujano, lo tiene claro: tienen que ser esas bombillas. «Una cosa es alumbrar y otra iluminar. Se debe buscar el equilibrio con la luz, para que el teatro encuentre su encanto visual», explica Pepe Luna, experto titiritero que se embarcó junto a Cañas en la aventura de transformar la barraca en el teatro originario de principios del siglo XX. Luna es el único que todavía se atreve a conducir la furgoneta AVIA 5000 de los años 70 -que sorprendentemente ha pasado la ITV-, donde se transportaba este «circo articulado» ambulante.

Montaje costoso
Dos horas de montaje permiten hacer desaparecer la furgoneta bajo un elegante disfraz de lonas y chapas. Una orquesta de autómatas caribeños situada en el frontal de la furgoneta da la bienvenida al espectador, que después se adentrará en un pasadizo mágico que consta de diez dioramas o cajas de escenarios. Tras el cristal, los autómatas representan escenas populares y costumbristas con muecas satíricas que recuerdan personajes de las Fallas valencianas. «Recrean con el humor de la época situaciones habituales, que ahora serían políticamente incorrectas. Hay una donde las señoras fuman y charlan en el salón mientras el hombre cocina e intenta calmar los lloros de su hijo. Eso entonces se entendía como una broma, era impensable», cuenta Luna.

La maquinaria interna de cada androide, que es capaz de ejecutar hasta 50 movimientos distintos, consiste en un engranaje central del que parten ramales a todos los demás elementos. «Al principio, se movían sus articulaciones a mano con el pedaleo de una bicicleta. Luego ya se sustituyó con un motor eléctrico», relata Luna.

Manos expertas
El Teatro, que acumula 100.000 horas de función a lo largo de toda su historia, precisa de otras tres horas de revisión y reparación cada jornada que se pone en marcha. «Es un mecanismo que se desgasta mucho. Siempre hay que estar cambiando o arreglando alguna pieza», cuenta Paz González, que trabajó con Cañas y fue la responsable de la programación.

Desde que Cañas restaurara toda la barraca en 1992, sus personajes han hecho disfrutar a 785.736 espectadores, han recorrido 143 ciudades de España y Europa, y han actuado 1.013 días durante los últimos 16 años en los que estuvo en funcionamiento. Tras varios años en el olvido, el Ayuntamiento de la capital, por fin, licitó un contrato de reparación y puesta en funcionamiento que asumió la compañía que fundó Cañas, ya que ellos son los únicos que conocen el funcionamiento interno de este vetusto teatro.

«Durante la fase previa de análisis, se detectaron todos los problemas que arrastraba la instalación. Con toda esa información y con el presupuesto ya detallado -que asciende a 111.590 euros- se redactó el contrato de rehabilitación, que terminará el 27 de septiembre», explica a ABC la directora general de Programas y Actividades Culturales del Ayuntamiento, Getsemaní San Marcos.

El propósito del Consistorio es estrenar el renovado Teatro de Autómatas esta Navidad. «Lo incluiremos en la programación de las fiestas. La vocación del Ayuntamiento es que esté presente en los eventos más importantes de la capital como San Isidro, por ejemplo», indica la responsable municipal, que no descarta, más adelante, proponer su cesión temporal a otros museos del títere que existen por España.

La decena de manos expertas que estos días se sumerge en el mecanismo interno de estos personajes articulados legará su conocimiento a los técnicos municipales, con el fin de que perdure en el tiempo el Teatro de Autómatas y, con él, siga vivo el sueño de Gonzalo Cañas.

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@MartaRDomingo
Foto : José Ramón Ladra

13 de juny 2018

Camille Cayol y Christophe Grégoire, en «Pericles»






«Pericles, príncipe de Tiro» es una de las obras de Shakespeare menos habituales sobre los escenarios, seguramente por su naturaleza vertiginosa, cambiante, desigual y complicada, con atmósfera de novela bizantina. Escrita entre 1607 y 1608, con el Bardo en plenitud de sus recursos, los especialistas suelen atribuir los dos primeros actos a la mano de un colaborador, George Wilkins, actor y sujeto algo tenebroso, pues se especula con que también fuera proxeneta e incluso panadero, lo que tiene su miga. En su montaje, Declan Donnellan le hace sitio y coloca su nombre después del de don William en el rubro de la autoría.



La trama es una ensalada de combates, navegaciones, amores, tormentas, deidades, incesto, piratas, burdeles, pérdidas, traiciones, reencuentros, maldad y pureza puesta a prueba, con el protagonista convertido en juguete de los rigores de un destino casi tan azaroso como el de Ulises. Donnellan es un maestro que en cada apuesta da una lección de imaginación, rigor, aparente sencillez formal y expresividad. En esta ocasión se las apaña para encapsular todas estas peripecias en los delirios de un hombre que se encuentra en coma en un hospital, de manera que la acción transcurre en una habitación, con su cama, sus aparejos clínicos, una puerta batiente por la que entran y salen el personal sanitario y los familiares, y un espacio con sillas para los visitantes. No hay trajes de época, espadas, barcos y otros objetos que evoquen el trasfondo clásico de la historia. Siete actores, todos excelentes, le bastan para asumir la veintena larga de personajes. ¡Y qué bien está contado y resuelto todo!



La puesta en escena saca partido a los sucesos tremebundos e impregna el espectáculo de humor, ternura y emoción. Pericles (Christophe Grégoire), su resucitada esposa Taisa (Camille Cayol) y su hija Marina (Valentine Catzéflis) se reencuentran igual que la mujer y la hija del agonizante se abrazan a él al final de esta función tan redonda.



«Pericles, príncipe de Tiro»

Autores: William Shakespeare y George Wilkins. Dirección: Declan Donnellan. Escenografía: Nick Ormerod. Iluminación: Pascal Noël. Vestuario: Angie Burns. Intérpretes: Christophe Grégoire, Valentine Catzéflis, Camille Cayol, Xavier Boiffier, Cécile Leterme, Martin Nikonoff y Guillaume Pottier. Teatro María Guerrero. Madrid.



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Juan Ignacio García Garzón

11 de juny 2018

«¡Qué largo me lo fiáis!»: «El burlador de Sevilla», de nuevo en la escena madrileña






Es probable que hubiera algún antecedente, tal vez en forma de leyenda, pero es el don Juan de Tirso de Molina -o del fantástico Andrés de Claramonte como afirman diversos estudiosos- el primero que contribuyó a convertir al personaje en arquetipo del imaginario universal. El fraile mercedario cimentó el mito del galán canalla y descreído en el primer cuarto del siglo XVII, dibujando como fondo doctrinal el castigo de la confianza fanfarrona y culpable, ese «¡Qué largo me lo fiáis!» con el que don Juan, que ve lejano el juicio divino y no teme la justicia humana, navega sobre el mar de sus fechorías protegido por su elevada posición social, hasta que don Gonzalo de Ulloa, una de sus víctimas, lo arrastra irremisible y ejemplarizantemente a los infiernos.



Borja Ortiz de Gondra ha afinado un versión muy ágil, con algún añadido de otras piezas, que Josep Maria Mestres dirige con solvencia en una onda transversal acorde con una concepción estética que combina propuestas indumentarias de distintas épocas, tal vez para incidir en el carácter atemporal y movedizo del protagonista. A la cabeza de un buen reparto, Raúl Prieto es un don Juan de afilada y seductora amoralidad mundana y Pepe Viyuela da una lección de buen hacer como su criado Catalinón.



«El burlador de Sevilla» (***)

Autor: Tirso de Molina. Versión: Borja Ortiz de Gondra. Dirección: Josep Maria Mestres. Escenografía: Clara Notari. Iluminación: Juanjo Llorens. Vestuario: María Araujo. Vídeoescena: Álvaro Luna. Intérpretes: Raúl Prieto, Pepe Viyuela, Elvira Cuadrupani, Mamen Camacho, Pedro Miguel Martínez, Irene Serrano, Lara Grube, Egoitz Sánchez, Samuel Viyuela, Juan Calot y Ángel Pardo, entre otros. Teatro de la Comedia. Madrid.



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Crítica del montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de la obra de Tirso de Molina

Juan Ignacio García Garzón

08 de juny 2018

Drácula inspira el primer musical de Plácido Domingo Jr.






«Vlad» es el título de la obra, que el hijo del tenor quiere estrenar a finales de año



A finales del siglo XIX, Bram Stoker escribió su archiconocida novela «Drácula», para la que se inspiró en la historia de un personaje rumano conocido como Vlad el empalador. En este texto y en este personaje encontró también inspiración Plácido Domingo Jr. hace unos años para crear su primer musical, «Vlad», que tras permanecer unos años en el cajón va ahora a cobrar vida. «Estamos trabajando para poner en pie una producción de la obra -relata Plácido, hijo del tenor madrileño-. la idea es hacer una pequeña gira por España a finales de este año y principios del próximo, y después presentarlo en Madrid para, si tiene una buena acogida, hacer temporada en algún teatro».



Si el protagonista de su musical hincara el diente a su autor, probaría una sangre llena de corcheas, blancas o semifusas. No puede ser de otro modo, teniendo en cuenta su origen familiar. Desde pequeño, el músico -estudió composición en Viena- tuvo ocasión de ver los musicales más importantes. «Los he podido ver todos en Londres o Nueva York -asegura-: “El fantasma de la Ópera”, “Los miserables”, “Cats”...» No es extraño que se le metiera el gusanillo dentro -que liberó de alguna manera cuando hizo en 1992 la adaptación española de “Los miserables”-, hasta que, como él mismo relata, «un día en el otoño de 1999 en California, después del nacimiento de mi segunda hija, Victoria, mi mujer y yo nos planteamos escribir un musical».



Pronto, asegura, surgió la novela de Bram Stoker. «Es una obra importante, el tema es tan inmortal como el propio personaje». El musical sigue la falsilla de la novela de Stoker, aunque sus autores -Domingo lo firma junto a Samantha J. Freeman- quisieron otorgarle al protagonista mayor humanidad. «Queríamos que el personaje fuera más cercano, que el público pudiera empatizar de algún modo con él».

Situada en la misma época en que fue publicada, finales del siglo XIX, «Vlad» mantiene todo el romanticismo y el ambiente gótico de la novela; también en la música, que Plácido Domingo jr. describe como «cercana a los grandes musicales de los años ochenta y noventa». Escrita para catorce voces, no tiene, asegura, vuelo lírico en el tratamiento vocal. «La música está escrita en tesituras que pretenden ser cómodas para los cantantes».

La producción que prepara Plácido Domingo jr. junto a Enrique Espinosa será de la adaptación española del texto original en inglés que escribieron el compositor y su entonces mujer (se divorciaron en 2009 y eso interrumpió el desarrollo del proyecto). El equipo artístico está todavía en proceso de creación, aunque él mismo será el director artístico. También cantante, Plácido Domingo jr. no intervendrá en su propio musical. No es que no se atreva, «sino que para dirigirlo bien hay que verlo desde fuera».

No es posible -y Plácido Domingo jr. lo sabe- concluir la conversación sin preguntarle por la participación de su padre en el proyecto. «Lo ha apoyado desde el principio -dice-, como gran músico que es, y ha estado siempre a mi lado». Y mientras llega el momento del estreno y acaricia la idea de componer una ópera, sigue con su faceta de cantante, alguna vez junto a su padre. «La gente ve al maestro, pero yo veo a un padre. Cuando me pone la mano en el hombro o me sonríe yo veo a la misma persona que venía a darme un beso de buenas noches; no veo al tenor famosísimo».



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07 de juny 2018

"IF-FI" devuelve la memoria a la sala Beckett






El laboratorio dramático Peripècies, coordinado por Sergi Belbel, estrenará la próxima semana, según la sala Beckett, un proyecto que explora el espacio tiempo de la memoria con la historia del siglo XX de telón de fondo.



En 1938, las historias de dos familias de Barcelona se cruzan por culpa de un reloj único en el mundo diseñado según la proporción áurea o número "fi".



El amor y la familia son los hilos transversales de la propuesta, que transcurre durante 80 años abarcando desde la guerra de Cuba hasta la Transición.



Peripècies es un laboratorio teatral que reúne a 21 actores y dramaturgos y tiene como objetivo crear cada temporada de forma colectiva un proyecto dramático acorde a una temática que investigan durante el año.



La obra resultante esta vez es "IF-FI", que se podrá ver en la sala Beckett del 7 al 10 de junio.



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20 de maig 2018

Nace en Navaconcejo el Certamen Nacional de Teatro Amateur "Las Nogaledas"



El Ayuntamiento de Navaconcejo ha organizado la primera edición del Certamen Nacional de Teatro Amateur "Las Nogaledas", que se desarrollará del 2 al 12 de agosto en esta localidad cacereña, enclavada en el Valle del Jerte.
Según las bases de la convocatoria, las obras a representar podrán ser de cualquier género, se realizarán al aire libre, y deberán ser representadas en castellano.
El certamen comenzará el día 2 de agosto a las 22:30 horas con la inauguración, donde se presentarán las cuatro compañías que hayan resultado finalistas tras el proceso de selección y los trofeos existentes.
Además se representará una pieza teatral fuera de concurso, ha informado el Ayuntamiento de Navaconcejo en una nota.
Las funciones correspondientes al certamen se llevarán a cabo los días 4, 5,10 y 11 de agosto, mientras que el acto de clausura y entrega de premios tendrá lugar el 12 del mismo mes.
Todas las representaciones comenzarán a las 22:30 horas.
Los grupos de teatro amateur que deseen tomar parte en el citado concurso teatral deberán remitir su solicitud antes del 30 de junio.
Todos los grupos participantes en la fase final recibirán, en concepto de gastos de representación, una ayuda económica de 500 euros.
Se entregarán diez premios en las categorías de mejor montaje, actores protagonistas y de reparto, escenografía y vestuario, dirección y el premio especial del público.

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21 de març 2018

Cuatro grupos de teatro aficionado de Madrid y Burgos, en la final de Piornal



Cuatro grupos teatrales procedentes de Madrid y Burgos han sido seleccionados para participar en la fase final de la sexta edición del Certamen Nacional de Teatro Amateur "La Barraca de Lorca" de Piornal (Cáceres), que levantará el telón mañana.

El certamen discurrirá hasta el 14 de abril en la Casa de Cultura de Piornal, según ha explicado hoy en rueda de prensa el edil de Cultura, Javier Prieto, que ha estado acompañado por Lucía Rodríguez, componente del grupo de teatro local Tarandango.

El concejal ha explicado que a esta sexta edición se han presentado 38 montajes teatrales, procedentes de distintos lugares de España y Portugal.

Las cuatro obras seleccionadas son "Trío de cuatro", que pondrá en escena la compañía Menecmos, de Leganes (Madrid); "Un mal día", de AEscena Viento y Marea, de Móstoles (Madrid); "La sombra del Tenorio", de El duende de Lerma, de Lerma (Burgos); y "Fubol"", que firma el grupo de teatro El telón negro, de Navalcarnero (Madrid).

Las funciones en concurso se llevarán a cabo los días 24 de marzo y 1, 7 y 8 de abril, mientras que al acto de clausura y entrega de premios se llevará a cabo el 14 de abril.

En relación a los premios, Javier Prieto ha destacado que además de los diez que otorga el jurado en las categorías de mejor obra, actores protagonistas y de reparto, escenografía y vestuario, dirección y el premio especial del público, se entregará el segundo premio especial "Somos Cultura".

En esta ocasión, se otorgará a la actriz zaragozana Luisa Gavasa, que actualmente vive en Madrigal de la Vera (Cáceres) y que consiguió el Goya a mejor actriz de reparto en 2016 por "La novia".

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abc.es


23 de febrer 2018

Las micciones de Picasso



El estreno de «El Pintor» en los Teatros del Canal y las dos funciones previstas agotaron sus entradas con suficiente anticipación como para imaginar que Boadella tiene un público fiel.

La visión personalísima y teatral de Albert Boadella se centra ahora en Pablo Ruiz Picasso, con la singularidad de que el texto sirve de libreto a una ópera puesta en música por Juan José Colomer. El estreno en los Teatros del Canal y las dos funciones previstas agotaron sus entradas con suficiente anticipación como para imaginar que Boadella tiene un público fiel. Creer que la demanda responde a un interés por la ópera contemporánea (y esta lo es en tanto se trata de una obra actual) sería ilusorio a pesar de triunfos recientes como la reposición de «Dead man walking» en el Teatro Real, de cuya temporada también forma parte «El pintor».

En ese contexto, hay que entender la buena recepción de la obra, cuyo encanto popular tiene mucho que ver con el hábil manejo del tópico, el carácter banal del retrato que propone y la suerte de un texto que se enroca en frases de aparente trascendencia estética. Se juega a la reducción al absurdo, a la inmediatez de una fórmula que ayuda a la caricatura del «macho pintor» y sus «micciones» artísticas, que previene (bien es cierto que con prudencia) sobre su condición de comunista y artista acaudalado, «destructor de mierda burguesa», mientras se recrea en el afán mujeriego y banaliza hasta el sonrojo singularidades estéticas de un creador de «trazo genial» (así lo escribe Boadella).

No se invoca aquella gloria de la crítica artística moderna según la cual «esto lo pinta hasta un niño» porque en el trabajo de Boadella hay suficiente inteligencia y ciencia teatral como evitar la absoluta vulgaridad aunque convierta en eficiente lo que a la postre es inmediato: el recurso mefistofélico se justifica en el afán desmedido de fortuna que demuestra el personaje, mientras que su gesto humanitario (Picasso no es completamente el insaciable que aparenta) se reconstruye en esa singularísima escena en la que atribulado e inseguro empequeñece ante Velázquez y una tribu que reclama la usurpación de sus primitivos códigos artísticos.

Si muchas de las anteriores deducciones están sobre la mesa es porque el sentido bufonesco del texto (que sería un propósito loable) está negado por una música que se toma muy en serio todo lo que se dice. El trabajo de Colomer es sólido, está trazado con autoridad y recursos, y gestiona con competencia citas y gestos propios. La impresión es que se anquilosa en la línea de canto aunque esta es una apreciación inmediata y condicionada por un reparto que, en la primera representación, dejó demasiado al descubierto las dificultades de cada parte.

Musicalmente le faltó calidad a la Orquesta Titular del Teatro Real, desdibujada a las órdenes de Manuel Coves. Aún así es muy notable el esfuerzo del protagonista Alejandro del Cerro o del «Mefis» Josep Miquel Ramón. Siempre en su sitio Toni Comas. Es curiosa la apelación a la fealdad en el oficio, a la conquista del caos o a la violación del pasado como herramientas para el triunfo. Aparentan ser principios lo que, en realidad, son libelos.

«El pintor» ***
Música: Juan José Colomer. Libreto y dirección escénica: Albert Boadella. Director musical: Manuel Coves. Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda. Figurines: Mercè Paloma. Iluminación: Bernat Jansá. Coreografía: Blanca Li. Intérpretes:Alejandro del Cerro, Josep Miquel Ramón, Belén Roig, Toni Comas, Cristina Faus, Iván García. Orquesta Titular del Teatro Real, Coro de la Comunidad de Madrid. Teatros del Canal, Madrid

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Alberto González Lapuente

22 de desembre 2017

«Casi normales», un musical «bipolar»



Nina encabeza el reparto de este espectáculo, muy alejado de la imagen que tiene el género

Nina: «“Casi normales” es un musical que conmueve y sacude»
El 27 de marzo de 2009 se estrenó en Broadway un musical de Brian Yorkey y Tom Kitt titulado «Next to Normal», que obtuvo cuatro premios Tony y estuvo casi dos años en cartel. Una de sus espectadoras durante este tiempo fue Nina. «Ya entonces me impactó, pero no esperaba interpretarlo». Y es que la cantante y actriz gerundense es la protagonista de la versión española, «Casi normales», que hoy se presenta en el teatro de La Latina; le acompañan en el reparto Nando González, Jana Gómez, Guido Balzaretti, Roger Berruezo y Fabio Arrante, con Silvia Luchetti como alternante en el papel de Diana. La dirección musical es de Xavier Torras y la del espectáculo de Luis Romero. «Lo que más me impacta de este musical es que sea capaz de abordar una temática tan dura y potente. Eso pone de manifiesto la grandeza del teatro musical, tachado tantas veces de frívolo y epidérmico; pero tiene la misma capacidad, o más, que el teatro de texto, porque cuenta con la música, que viaja directamente al sentimiento. Y puede ser más eficaz a la hora de contar la lucha para ser normal de una familia que no consigue serlo por la “enfermedad mental” de la madre».

Califica Nina su trabajo como «un reto», acrecentado por venir de diez años a lomos de un musical tan distinto como «Mamma mia!». «Es un reto tanto a nivel vocal, porque la partitura exige mucho y me hace cantar en un registro nuevo para mi, como a nivel interpretativo: los actores llevamos en la mochila emociones y sensaciones de las que tiramos para armar el alma de un personaje. Pero en este caso era muy complejo, porque no me podía imaginar cómo siente y cómo vive una mujer con trastorno bipolar, especialmente cuando aparece el delirio».

Nina se ha apoyado por una lado con firmeza en la partitura y el texto, «que están tan bien escritos, sin dejar nada al azar, y en ellos está el alma del personaje». Además ha trabajado «muchísimo» la gestualidad; «he borrado la sonrisa, con la que el público me relaciona, y he trabajado su manera de andar, el movimiento de las manos, de la cabeza. Creo que le ha dado entidad al personaje; son pequeños detalles, imperceptibles para el espectador, pero que alejan a Diana de Nina».

Concluye la intérprete que «el hecho de que se estrene en España un musical como “Casi normales” es un signo de madurez en nuestro teatro; diez años atrás hubiera sido impensable, por el tema y por el código. Es una obra que tiene el 95 por ciento de música -y cantamos con la misma naturalidad como si habláramos-, pero no cuenta con la popularidad del título, como sí tiene por ejemplo “Los miserables”».

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@juliobravo1963

21 de desembre 2017

Andalucía entra en el mercado de los musicales con «El médico»



Hoy se estrena en el Auditorio Fibes un musical netamente andaluz con 80 personas en escena

Marta Carrasco
Sevilla

El escenario del auditorio Fibes está que hecha humo. Suena un piano a mitad del patio de butacas porque se está ensayando como si fuera un «antiepiano» operístico. El compositor de la obra, Iván Macías y el autor de la adaptación del texto, Félix Amador, prestan atención a los actores, que desarrollan la escena.

Sobre las tablasla representación de una obra mítica del afamado escritor, Noah Gordon, «El Médico», un libro bien conocido que relata la historia de un huérfano que es acogido como aprendiz por un pícaro cirujano-barbero con el que recorrerá la Inglaterra del siglo XI, abriéndole los ojos al mundo y despertando la curiosidad del pequeño. Después su viaje a Persia, su encuentro con el sha, su primer amor por quien se ve obligado a elegir entre su vocación y el amor.., y el destino, escrito en las estrellas. Desde hoy 20 al 23 de Diciembre, estreno de esta obra en el Auditorio Fibes.

Suenan las voces de los actores, hay casi cuarenta en escena, y tras ellos una orquesta de 80 músicos. «Esto es un proyecto muy ambicioso, y además, hecho desde . Es un musical sinfónico, dice el músico y compositor Manuel Marvizón uno de los socios de la productora Versus Creative que se ha empeñado en este proyecto.

Pero hasta llegar hasta aquí se ha recorrido un largo camino, y primero, hubo que convencer al autor. «Iniciamos el camino a principios de 2016, relata Félix Amador, el autor del libreto. Intentamos pedir permiso a la familia para hacer el musical, pero nos lo negaron. Así que Iván Macías compuso el prólogo y el primer acto y se lo enseñó a Michael Gordon hijo de Noah y su representante en España. El vive en Barcelona. Cuando lo vió dijo, «vamos a Boston a hablar con mi padre». Noah Gordon tiene 91 años y vive en una residencia, «fuimos a visitarlo y cuando le enseñamos el trabajo dijo: estoy escuchando mi libro».

El empresario Manuel Astasio, el productor Pablo Martínez, el músico Manuel Marvizón, el director musical y compositor, Iván Macías y el libretista Félix Amador, decidieron que habría un musical: «El médico».

La música
Iván Macías había recorrido el mundo como pianista y recibido más de veinte premios internacionales y actuado con grandes directores, cuando decidió volver a su tierra de Moguer. Allí creó la Orquesta del Liceo de Moguer y una Escuela de teatro y música. Se estrenó como autor de musicales con «Germinal», y «El médico» es ahora su apuesta más ambiciosa. «Se hizo un casting en Madrid para elegir a los 38 cantantes-actores-bailarines. Son artistas completos. Muchos de ellos vienen de musicales como «Grease», «La Bella y la Bestia», «Mamma mía» o incluso del mundo de la ópera», dice el maestro Marvizón.

Los papeles principales, el médico y el niño, están representados por Josean Moreno, que anteriormente estuvo en «Grease», y por una niña, una voz blanca de Moguer, Victoria Galán, que también estuvo en «Germinal», y que ha crecido muchísimo en este musical», afirma Marvizón. «Hay acción, una música excepcional interpretada por la orquesta del Liceo Municipal de Música de Moguer; una historia preciosa y un elenco dirigido nada menos que por Mike Ashcroft, que viene de la Royal Shakespeare Company y ha dirigido, entre otros musicales, «Los Miserables» en Broadway. La escenografía es del arquitecto y escenógrafo sevillano, Juan Ruesga».

La situación de los 80 músicos en escena ha exigido una escenografía envolvente, según explica Ruesga, «que además facilita su exhibición en cualquier tipo de teatros. En cuanto a los elementos escénicos se han creado lo más medieval posible, desde un punto de vista realista».

Grabación en Sevilla
Durante los días 22 y 23 de Diciembre se harán en Fibes las grabaciones en vídeo y disco del musical, «nosotros pretendíamos hacer un musical original. La mayoría de los que se estrenan en Madrid son franquicias, funcionan bien, pero nosotros queríamos algo original y meter a la producción de Andalucía en el mercado de los musicales. Por eso lo difícil aquí es partir de cero», señala Manuel Marvizón, pero no quiere desvelar algunas sorpresas, además de los efectos leds, el diaporama, «y algo más», avisa.

Tras su estreno en Sevilla, «El médico» viajará a Granada, Coruña, Madrid, Alicante y Zaragoza, «pero nuestra intención es hacer una temporada larga en Madrid en la temporada 2018-2019.

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http://sevilla.abc.es/cultura/sevi-andalucia-entra-mercado-musicales-medico-201712200750_noticia.html

15 de novembre 2017

Un grupo de León gana el 27º Certamen Nacional de Teatro de Navalmoral


El primer premio del 27º Certamen Nacional de Teatro Aficionado de Navalmoral de la Mata (Cáceres) ha recaído en el grupo teatral La Submarina, de León, por la obra "El señor Ibrahim y las flores del corán".

El segundo premio ha sido para el montaje "Un tranvía llamado deseo", de la compañía Athenea Teatro, de Laguna de Duero (Valladolid), según ha informado el Ayuntamiento de Navalmoral en una nota.

El certamen moralo ha recibido este año el sello de calidad por parte de Escena Amateur, un reconocimiento que distingue a aquellos festivales, certámenes, muestras o programaciones de teatro amateur que mejor se adaptan a las recomendaciones de la Confederación Escena Amateur.

En un escenario en que cada vez son más las entidades y administraciones que dan cabida al teatro amateur se hace necesaria una cierta normalización.

Así, la Confederación Escena Amateur, designada por el Ministerio de Cultura en representación del Teatro Amateur español, trabaja en esa regulación, apoyada por las aportaciones de los diferentes grupos y asociaciones.

De esta forma nacieron una serie de recomendaciones y propuestas para organizadores, gestores, programadores de muestras, certámenes, festivales o programaciones de teatro amateur.

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01 de setembre 2017

«La ramera de Babilonia»: mujeres incorrectas



El teatro Lara presenta esta obra escrita y dirigida por Ramón Paso

Repito cuando toca que la sátira es muy necesaria para la higiene social, un espejo que acentúa las verrugas y deformidades del mundo en que vivimos para superarlas –y a ser posible contribuir a corregirlas– con la risa crítica como combustible. El humor, escribe Ramón Paso en el programa de mano de esta combativa función, no le gusta al autoritarismo porque «es un disolvente que actúa contra el Mal mostrándolo como lo que es en realidad: un cúmulo de miedos, supersticiones e inseguridades». Por eso, abre la manguera de la sátira para arremeter contra esa «nueva inquisición» o «suerte del puritanismo al más agresivo estilo calvinista» que enarbola el rasero de la corrección política como mascarón de proa de la «intransigencia religiosa y social» empeñada en «reprimir la libertad de expresión».

«La ramera de Babilonia» (***)
Autor y director: Ramón Paso. Iluminación: Pilar Velasco. Vestuario: Sandra Pedraz Decker. Intérpretes: Ana Azorín, Inés Kerzan, Ángela Peirat y Elisa Pelayo. Teatro Lara. Madrid.
El autor y director, bisnieto de Jardiel y nieto de Alfonso Paso, evoca en el título del montaje la imagen de la ramera de Babilonia, ese personaje del libro del Apocalipsis que cabalga montado sobre la bestia de siete cabezas y que ha sido interpretado, según las épocas, como metáfora de la Jerusalén terrenal, el imperio romano o, para Dante, Savonarola y Lutero, entre otros, la iglesia católica corrompida. Paso critica precisamente el papel otorgado por la iglesia a la mujer a lo largo de su historia y de paso, partiendo de la idea traviesa de que el primer regalo de las mujeres a los hombres fue la manzana como signo de rebelión contra las normas impuestas, celebra la sexualidad femenina desinhibida y risueña, y aplaude a las mujeres que piensan y deciden.
Sobre esos cimientos ha construido un espectáculo procaz, ingenioso, de un humor radical (ofensivo para creyentes también radicales) y muy divertido, una especie de auto sacramental sacrílego, como proclaman las actrices que lo interpretan, y que está estructurado como una dinámica sucesión de cuadros con aire de cabaret berlinés, entre los que hay algunos descacharrantes, como el encuentro entre Eva y Lilith, esa primera mujer bíblica que abandonó el Paraíso por propia iniciativa debido a que, al parecer, no le gustaba que Adán yaciera sobre ella y propuso intercambiar posiciones. Quizás le vendría bien algún recorte a esta función de casi dos horas de duración y que Ana Azorín, Inés Kerzan, Ángela Peirat y Elisa Pelayo interpretan estupendamente, con entusiasmo y acierto gestual, en una clave que combina la inocencia pícara y la agresividad impostada.

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Una escena de «La ramera de Babilonia» - Teatro Lara
JUAN IGNACIO GARCÍA GARZÓN

31 d’agost 2017

«El florido pensil», en clave femenina veinte años después



El nuevo montaje de la obra de Andrés Sopeña supone una mirada crítica e irónica de la escuela franquista

En 1997 la compañía vasca Tanttaka llevó a escena «El florido pensil», adaptación a las tablas de un ensayo, de título homónimo, de Andrés Sopeña Monsalve, que ofrece una visión crítica e irónica del sistema de la educación nacionalcatólica. La producción fue, recuerda Fernando Bernués, director del grupo y del montaje, «muy modesta. Hasta pedí que me prestaran los pupitres de madera de mi antiguo colegio de curas. La compañía atravesaba por un momento de penuria económica y todos estábamos en situaciones complicadas, por lo que se hizo con mucho esfuerzo, pero también con enorme ilusión».

El esfuerzo mereció la pena. Se convirtió en un éxito inesperado, que tuvo versiones en catalán, gallego, vasco y castellano, se representó en numerosímas plazas y alcanzó una dimensión que soprepasó la teatral. «A los primeros que sorprendió esa magnífica acogida -comenta Fernando Bernués- fue a nosotros. Por fortuna, esa es una de las grandezas del teatro, que nunca sabes cuál va a ser la respuesta del público. No hay recetas».

Amas de casa modélicas
Ahora retoman la pieza, pero con un giro fundamental. Apunta Bernués: «En el montaje primitivo, los protagonistas eran masculinos. Pero siempre creímos que debía abordarse también desde el lado femenino. Al pedirnos una reposición en su veinte aniversario, vimos la oportunidad de hacerlo. La educación, mejor deseducación, de esa época tenía especialmente claros los objetivos en relación con las mujeres: reducirlas a un papel de amas de casa, esposas y madres modélicas y sumisas». Mireia Gabilondo, codirectora de «El florido pensil. Niñas», subraya: «Se inculcaba que el hombre era poco menos que el representante de Dios en la familia. Había reglas para la mujer ideal que resultan espeluznantes».

La puesta en escena es fiel a la original, pero incorpora nuevas escenas
Y los dos están de acuerdo en que la traslación al ámbito femenino reviste mayor actualidad, ya que «todavía hoy existen situaciones incrustradas que tienen vinculación con aquel modelo patriarcal. Hasta en detalles como los anuncios, donde casi en su práctica totalidad son las mujeres las que se ocupan de las tareas domésticas». A pesar de que muchas mujeres que de niñas fueron aleccionadas para ese cometido han hecho el camino inverso. En este sentido, Nuria González -una de las protagonistas de la obra, junto a Esperanza Elipe, Mariola Fuentes, Chiqui Fernández y África Gozalbes- explica: «Hemos intentado superar el lavado de cerebro, pero eso implica arrastrar una gran cantidad de culpa».

Humor catártico
En «El florido pensil. Niñas», aclaran sus responsables, «lo más importante es que se trata de la mirada de mujeres actuales, que repiensan y exorcizan ese periodo y esa escuela. Y lo hacen desde la ironía liberadora y el humor catártico. Es como curarse las heridas con la risa. La obra tiene especial enganche para quienes vivieron esa educación en primera persona, pero también para generaciones posteriores que se preguntan cómo pudo ser así. Se propicia un encuentro intergeneracional enriquecedor».

Fernando Bernués y Mireia Gabilondo manifiestan también: «El punto de vista es crítico, pero con el sistema y el modelo. Lo que no significa que, incluso en ese negro contexto, dejara de haber maestros concretos que podamos recordar con afecto». Por otro lado, señalan: «Aunque se mantiene la estructura de la pieza originaria, con cinco personajes, antes masculinos y ahora femeninos, basados en cinco prototipos sociológicos, hay escenas nuevas como por ejemplo en todo lo relativo al mundo del ocio».

«El florido pensil. Niñas»

Teatro Marquina. Madrid (Prim, 11). A partir del 30 de agosto

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Una escena de la obra, ayer durante un ensayo - Belén Díaz
CARMEN R. SANTOS

21 d’agost 2017

Teatro: abierto por vacaciones



Paseo por algunas de las más atractivas propuestas de la cartelera madrileña

No recuerdo ningún verano con tanta oferta teatral disponible en Madrid. Quiero creer que esa oferta se corresponde con una demanda y que el teatro, cuando la nueva temporada empieza a vislumbrarse en el horizonte, se ha consolidado también como una atractiva opción estacional de ocio refrigerado tanto para vecinos como para visitantes. Si les apetece, les propongo un paseo por la cartelera para detenernos en algunas de las estimulantes propuestas escénicas a disposición de los espectadores.

Por muy pocas semanas, ha regresado al Teatro Maravillas «La mentira», del francés Florian Zeller, una punzante comedia que especula sobre si en las relaciones de pareja conviene ocultar algún secretillo para evitar cortocircuitos afectivos y lograr que el motor de la vida conyugal siga felizmente en marcha. Con dirección de David Serrano, interpretan esta divertidísima obra Carlos Hipólito, Natalia Millán, Armando del Río y Mapi Sagaseta.

También de la química de los matrimonios se ocupa «Dos más dos», de los argentinos Daniel Cúparo y Juan Vera, que, adaptada y dirigida por Maite Pérez Astorga y David Serrano, baraja el intercambio de parejas como fórmula para la estabilidad sentimental, un territorio en el que el amor, el sexo, los sentimientos y los límites de la fidelidad juegan sus bazas, a veces sorprendentes. Daniel Guzmán, Miren Ibarguren, María Castro y Álex Barahona se encargan de hacer reír al respetable en el Teatro La Latina.

La variable geometría del amor, el triángulo goza de gran prestigio argumental. «Pares y Nines», de José Luis Alonso de Santos ofrece en el Teatro Príncipe Gran Vía una variante en el que una juvenil y encantadora hipotenusa (Mónica Corral) cuya ducha no funciona trae de cabeza a sus cuarentones vecinos de arriba (Josep Linuesa y Carlos Chamarro).

«El príncipe y la corista», la obra de Terence Rattigan que interpretaron en cine Laurence Olivier y Marilyn Monroe, se ha instalado en el Teatro Cofidis Alcázar en una bien medida versión de Daniel Castro dirigida por Pilar Castro. Un agradable comedia sentimental con Javivi Gil Valle, Lluvia Rojo, Marta Fernández-Muro, Brays Efe y Bruno Lastra a bordo.

«Burundanga» encara en el Teatro Lara su sexta temporada de éxito. Y se comprende, porque tiene mérito que Jordi Galcerán haya logrado urdir con mucha gracia una comedia en la que se combinan el fin de ETA, un noviazgo puesto a prueba y un secuestro, evitando cuidadosamente herir sensibilidades. Dirigidos por Gabriel Olivares, en el actual reparto figuran Miriam Cabeza, Elena de Frutos y Jorge Monje, entre otros. La misma sala acoge los fines de semana «La llamada», que se anuncia como un musical sobre la fe, la amistad y el primer amor, con una banda de rock en directo y canciones originales. Más de 300.000 espectadores avalan este longevo espectáculo escrito y dirigido por Javier Ambrossi y Javier Calvo, con un elenco que va cambiando cada temporada.

La terraza del Teatro Galileo acoge un montaje especialmente pensado para estas fechas caniculares: «Cuatro corazones con freno y marcha atrás», estupenda comedia del gran Enrique Jardiel Poncela. Una función al aire libre durante la que es posible cenar o tomar una copa. Dirigida por Gabriel Olivares con su Compañía TeatroLab Madrid, la interpretan César Camino / Álex Cueva, Patrick Martino, Silvia Acosta, David García Palencia, Chusa Barbero y Eduard Alejandre, entre otros.

En el Bellas Artes se dispensa humor con vitola clásica: «La comedia de los enredos», de William Shakespeare, en versión de Carlota Pérez-Reverte dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer e interpretada por Rafa Blanca, J. J. Sánchez, Julián Ortega, Silvia De Pé, Antonia Paso, Javier Ortiz, Irene Aguilar y Angelo Crotti. Una descacharrante ensalada de gemelos y equívocos que transcurre en la antigua Grecia.

También con sello clásico aunque de sesgo trágico es el formidable montaje de la «Antígona» de Sófocles puesto en pie por Miguel del Arco en el Teatro Pavón Kamikaze, con Carmen Machi al frente de un reparto en el que también figuran Manuela Paso, Ángela Cremonte, Yon González, Silvia Álvarez, José Luis Martínez, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez. Intemporal teatro con mayúsculas en una puesta en escena vigorosa y vibrante de estremecedora belleza.

En esa línea está un gran Molière lleno de enseñanzas para nuestros días: «Tartufo», en magnífica versión de Pedro Víllora puesta en escena por José Gómez-Friha. Una amarga parábola sobre la impostura y el fingimiento en beneficio propio que tantas lecturas políticas nos permite hoy. Son sus intérpretes en el Teatro Infanta Isabel: Alejandro Albarracín, Lola Baldrich, Vicente León, Nüll García, Ignacio Jiménez y Esther Isla.

Un menú teatral veraniego en el que hay mucho y bueno para elegir.

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JUAN IGNACIO GARCÍA GARZÓN Madrid

20 d’agost 2017

Tragedia y comedia en la escena estival madrileña



Regresan dos clásicos imprescindibles: «Antígona», de Sófocles, y «Tartufo», de Molière

En el 442 a.C los atenienses se sintieron conmocionados al contemplar en escena «Antígona», de Sófocles, el extraordinario clásico griego que, frente a Esquilo, dio un vuelco a la tragedia, pues, como bien apunta uno de sus más reconocidos estudiosos, Karl Reinhardt, «los dioses de Sófocles no proporcionan consuelo al ser humano y, aunque dirigen su destino para que se conozca, el hombre como tal se concibe primeramente como ser expuesto y abandonado».

Siglos y siglos después, el enfrentamiento entre Creonte, rey de Tebas, y su sobrina Antígona continúa sobrecogiendo como el primer día. Tras la muerte, a manos uno de otro, de Eteocles y Polinices, hijos de Edipo, Creonte ordena que se dé sepultura al primero pero no al segundo por su supuesta traición. Su hermana Antígona se opone, incluso a riesgo de ser condenada a morir, a esta fría razón de Estado. Pero no aparecen aquí buenos y malos, como recalca Miguel del Arco, adaptador y director de la pieza: «Para mí el teatro es y debe ser fundamentalmente conflicto y uno de los más grandes es el que se plantea entre tío y sobrina. "Antígona" es una tragedia porque los dos están convencidos de que hacen lo correcto. No es mi misión juzgarlos. Necesito saber por qué hacen las cosas los personajes, con todas las contradicciones que caracterizan a los seres humanos». Una de las novedades del montaje es que Carmen Machi se mete en la piel de Creonte en una interpretación memorable. «Intuí -apunta Del Arco- que reconvertir a Creonte en mujer podía dimensionar el conficto. Y al ver en las tablas el choque entre Carmen Machi y Manuela Paso, como Antígona, me alegro de esa decisión».

Y de una de las más impactantes y vigentes tragedias a otro gran clásico, en este caso en el género de la comedia: «Tartufo», de Molière (París, 1622-1673), quien, como hacía habitualmente, encarnó a su personaje, paradigma de la hipocresía.

Paradigma de la hipocresía
Ahora le da vida Alejandro Albarracín, que combina el teatro con el cine y exitosas series televisivas como «Gavilanes» o «Tierra de lobos», entre otras. Junto a Albarracín, un sólido elenco formado por Lola Baldrich, Vicente León -espléndido en su doble papel de Madame Pernelle y el Sr. Orgón-, Nüll García, Ignacio Jiménez y Esther Isla. En esta propuesta de Venezia Teatro, la versión corre a cargo del dramaturgo Pedro Víllora y la dirección es debida a José Gómez- Friha, que apunta: «Este Tartufo pretende trasladar la historia al hoy, para que podamos descifrar a los Tartufos que ahora vagan acechándonos. ¿Se ha encontrado con alguno?».

Por su parte, Víllora subraya: «Como la obra maestra que es, permite lecturas propias de cada momento. En un tiempo caracterizado por un desequilibrio económico que, en el fondo, es una crisis de valores, resulta lógico que se recuperen textos que nos ayudan a entender las razones de la inestabilidad».

«Antígona». de Sófocles
Versión y dirección: Miguel del Arco. El Pavón. Teatro Kamikaze (Madrid). Hasta el 3 de septiembre

«Tartufo. El impostor», de Molière
Versión: Pedro Víllora. Dirección: José Gómez-Friha.Teatro Infanta Isabel (Madrid). Del 15 de agosto al 1 de octubre. Adquiere tus entradas en Oferplan ABC.

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Carmen Machi interpreta a Creonte en este montaje de «Antígona» - Luis Castilla
CARMEN R. SANTOS

01 d’agost 2017

Una certera estocada de Cyrano cierra el festival de teatro clásico de Peñíscola



Ha cumplido este año nada menos que la respetable cifra de veinte ediciones el Festival de Teatro Clásico de Peñíscola, que mañana se despide hasta el próximo verano con una certera estocada del «Cyrano de Bergerac» interpretado por el televisivo José Luis Gil, que le echa al asunto un par de narices (la suya, de por sí generosa, y la postiza). Alberto Castrillo-Ferrer dirige el texto de Edmond Rostand para la compañía La nariz de Cyrano con oficio de gran esgrimista y hace doblete en el certamen con «La comedia de los enredos», de William Shakespeare, en animada versión de Carlota Pérez-Reverte, que fue representada la noche del jueves y desembocará en fechas inminentes en el madrileño Teatro Bellas Artes. Se da la circunstancia de que Castrillo-Ferrer mantiene una curiosa relación con el ingenioso poeta y espadachín francés, pues durante años ha interpretado sobre los escenarios «Ildebrando Biribó», estupenda pieza de Emmanuel Vacca sobre el apuntador del estreno parisino de «Cyrano de Bergerac», que apareció muerto en su concha al final de la representación.

Pero volviendo al Festival de Peñíscola, no queda más remedio que recurrir al tópico para proclamar que se desarrolla en un marco de verdad incomparable: el patio de armas del castillo del Papa Luna, edificación templaria que corona el recinto amurallado dentro del cual se desparrama el bonito y empinado dédalo de calles que forman el casco antiguo de la ciudad. Dirigido por Carles Benlliure, el certamen peñiscolano arrancó el pasado día 6 con otro shakespeare, «Otelo», con puesta en escena de Julio Fraga, al frente de la compañía Clásicos Contemporáneos y un reparto encabezado por Antonio Dechent y Yohana Cobo.

Sucesivamente la programación ha incluido: «Don Quijote en la patera», galardonada pieza de Alfonso Zurro dirigida por Antonio Campos para Teatro Clásico de Sevilla; el original montaje de la lopesca «Fuente Ovejuna» a cargo de TNT - El Vacie, con un reparto formado por mujeres gitanas dirigidas por Pepa Gamboa; otro lope, «El perro del Hortelano» presentado por la compañía El perro andalook, con dirección de Gustavo Funes; «Jácara de pícaros», sabrosa ensaladilla de textos de varios autores aliñada por Borja Rodríguez, a cargo de Hiperbólicas Producciones, y «La fame di Arlecchino», espectáculo familiar escrito y dirigido Giuseppe Cardascio para la compañía italiana La Bottega Teatrale. Han completado esta oferta teatral tres espectáculos callejeros: «Susurradores del verso», «Juglares y juglarías» y «Cómicos de calle».

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JUAN IGNACIO GARCÍA GARZÓN

16 d’abril 2017

Grupos de teatro aficionado de cuatro CCAA, en final del certamen de Piornal




Cuatro grupos teatrales procedentes de Madrid, Salamanca, San Sebastián y Sevilla han sido seleccionados para participar en la fase final de la quinta edición del Certamen Nacional de Teatro Amateur "La Barraca de Lorca", de Piornal (Cáceres).

El certamen, que levantará mañana el telón, se desarrollará hasta el 30 de abril en la Casa de Cultura de Piornal, según ha informado hoy en una rueda de prensa el edil de Cultura, Javier Prieto, que ha estado acompañado por Elena Vicente, componente del jurado, y la directora de la compañía Emulsión Teatro, Asunción Mieres.

El concejal ha explicado que a esta quinta edición se han presentado 35 montajes teatrales, procedentes de España, Portugal y Argentina.

Las cuatro obras seleccionadas son "Mariana Pineda", que pondrá en escena la Asociación Teatral Escampolo, de Sevilla; "Tejas Verdes", del grupo Esfinge Teatro, de Salamanca; "Un tranvía llamado deseo", de la asociación A Rivas, de Madrid; y "La Caja Mágica", que firma el grupo de teatro Les Figuretes, de San Sebastián.

Prieto ha destacado que este año, aparte de los diez premios que otorga el jurado en las categorías de mejor obra, actores protagonistas y de reparto, escenografía y vestuario, dirección y el premio especial del público, se ha creado el galardón especial "Somos Cultura".

En su primera edición, el premio se otorgará al director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Jesús Cimarro, además de empresario y productor teatral.

La gala de inauguración del certamen tendrá lugar mañana y correrá a cargo del grupo de Teatro "Tarandango" de Piornal, que representarán dos monólogos y un entremés.

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31 de març 2017

Amplia representación extremeña en las nominaciones Premios Escenamateur



El teatro de aficionados extremeño opta a premio en casi todas las nominaciones a los IV Premios Escenamateur de las Artes Escénicas, que se entregarán el próximo día 1 de abril en Madrid.

Estos premios, organizados por Escenamateur y que cuentan con el patrocinio de la Fundación SGAE y el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, reconocen lo mejor del teatro de aficionados en España.

El espectáculo "La Novia", del grupo Jachas de Torrejoncillo (Cáceres), es el que copa por parte de Extremadura la mayoría de las nominaciones a estos premios, ya que opta al de Mejor Espectáculo, Mejor Director, Mejor Autor, Mejor Actriz Protagonista y Mejor Escenografía.

"La Novia", escrita por José Antonio Valverde, que ganó con este texto los XI Premios Teatrales "Raúl Moreno", que concede anualmente la Federación de Asociaciones de Teatro de Extremadura (FATEX), está dirigida por Pedro Luis López Bellot, un valor en alza en el teatro extremeño, y representada por Juli González e Inma González, nominada en el papel de Mejor Actriz Protagonista.

Con una sobria y espectacular escenografía, "La Novia" se desarrolla en una fría sala, donde la hermana de José Antonio Primo de Rivera y su traductor, Jaime, esperan para ser recibidos por el Führer en una audiencia de estado prefijada por España y Alemania con el fin de casar a Hitler con Pilar Primo de Rivera.

El montaje, que ha obtenido varios premios fuera de Extremadura, ha girado por toda la región y ha participado en distintos certámenes fuera de ella.

Aparte de todas estas nominaciones, "La Novia", por el Festival Nacional de Teatro Amateur Ciudad de Oviedo, y "Esparranco", de Acebuche, por el Certamen nacional de Teatro Aficionado Calamonte Joven, optan a otro premio como mejor espectáculo que otorgan los quince certámenes que cuentan en España con el Sello de Calidad Escenamateur.

Asimismo, Extremadura también está nominada en los Premios Escenamateur en la categoría de Mejor Cartel, por el trabajo realizado por el diseñador emeritense Jesús Martínez Díaz para el III Festival Ibérico de Teatro Amateur de FATEX; y en el apartado de Mejor Reportaje, opta a premio el programa de Canal Extremadura Televisión "En Escena".

Además, la compañía portuguesa "Ajindanha", de Idanha-a-Nova (Portugal), que participa con FATEX desde hace varios años en la red de teatro amateur de Extremadura, está nominada al Mejor Espectáculo Internacional, con lo que la nominación puede considerarse también extremeña.

El presidente de FATEX, José Martínez, ha confiado en que el teatro extremeño de aficionados pueda tener "una buena cosecha" en estos premios y ha destacado que la salud del teatro amateur en la región "es envidiable en comparación con otras comunidades autónomas".

En ese sentido, ha recordado que hay pueblos en Extremadura que cuentan con grupos de teatro desde hace muchos años, lo que favorece el interés de la población por las artes escénicas y "crea público".

La Federación de Teatro de Extremadura agrupa a 51 grupos, prácticamente a la totalidad de la compañías de aficionados existentes en la Comunidad Autónoma.

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27 de març 2017

«Mamma mia!»: el poder de seducción de ABBA



Doce años después de su estreno, el musical regresa a los escenarios madrileños

Uno de los deberes del teatro es cumplir una función social. Y musicales como «Mamma mia!», que ha vuelto a Madrid algo más de doce años después de su estreno en la capital, lo hace. Lo decía Nina, su protagonista, unas horas antes de levantar el telón, en estas páginas. Y viendo la reacción del público tras el estreno -idéntica a la que tienen los espectadores de todo el mundo todas las noches desde que el musical viera la luz el 6 de abril de 1999-, está claro que tiene razón. Los espectadores salen más felices de lo que entraron.

«Mamma mia!»  
Canciones: Benny Andersson y Björn Ulvaeus. Libreto: Catherine Johnson. Traducción: Albert Mas-Griera y Juan Martínez Moreno. Dirección de escena: Phyllida Lloyd. Coreografía: Anthony Van Laast. Director Asociado: Paul Garrington. Director musical: Xavier Torres. Principales intérpretes: Nina, Eva Diago, Olga Hueso, Nando González, Albert Muntanyola, Paul Berrondo, Carlos Solano, Clara Altarribia. Teatro Coliseum, Madrid

En los casi dieciocho años transcurridos de esa fecha, «Mamma mia!» ha entrado a formar parte del puñado de musicales «históricos» por sus apabullantes cifras de espectadores, longevidad y recaudación. Según sus productores, han visto el espectáculo 60 millones de personas. Pero ¿qué tiene «Mamma mia!» para cautivar como lo hace a todo tipo de públicos? En primer lugar, está claro, la columna vertebral del espectáculo: las canciones de ABBA. El grupo sueco -que se separó hace treinta y cinco años, no lo olvidemos- mantiene intacto su poder de seducción con canciones directas y emotivas, de melodías francas y agradables, y ritmos vivos y contagiosos.
Pero no solo de ABBA vive «Mamma mia!» Este musical fue el que inauguró una tendencia dentro del género conocida como «jukebox», y en la que las obras se articulan alrededor de las canciones de grupos o intérpretes de éxito. Pero ninguno de los hechos hasta ahora (también en España) ha logrado la redondez de éste. Catherine Johnson escribió un libreto sencillo pero ingenioso y divertido, que funcionaría incluso sin las canciones del cuarteto sueco: una veinteañera a punto de casarse invita a su boda, en una isla griega, a los tres hombres que, según el diario de su madre, que ha leído a hurtadillas, pueden ser sus padres.

La producción presentada ahora en Madrid -el musical es una franquicia: se repite igual en cada puesta en escena- es más reducida (en cuanto a decorados) que la que se estrenó en 2004, pero no pierde un gramo de energía y vitalidad, que es su principal motor, apoyada en una puesta en escena dinámica y luminosa y en unas lúcidas y airosas coreografías de Anthony van Laast.

Nina, protagonista hace doce años, repite su papel de Donna, la madre soltera que ha sacado adelante a su hija a punto de casarse. Es la suya una interpretación más posada, más dulce, incluso en su manera de cantar, con su voz hermosa y envolvente. Le acompaña un reparto equilibrado, con mucha juventud en sus piernas, en el que destacan las Dínamos: Eva Diago y Olga Hueso.

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Olga Hueso, Nina y Eva Diago - Stage

juliobravo1963

07 de setembre 2014

La Feria de Teatro de Castilla y León concluye con 34.000 espectadores



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30 agost de 2014
EFE

La Feria de Teatro de Castilla y León, que cada año acoge el municipio salmantino de Ciudad Rodrigo y que en esta edición se ha centrado en la internacionalización de las artes escénicas, concluye hoy, tras cinco días de representaciones, con un total de 34.000 espectadores.

Según un comunicado de la organización, se ha vendido el 96 por ciento de todas las localidades, "por lo que se cumplen las expectativas de la feria", que ha reunido a 260 profesionales, entre programadores y responsables de teatros de España, Portugal, Francia, Argentina y Brasil.

Las 41 compañías que han participado en la XVII Feria de Teatro de Castilla y León han protagonizado diez estrenos absolutos y otros diez se han representado por primera vez en España.

Un año más, la feria se ha distinguido por su programación infantil, ya que es uno de los pocos certámenes del mundo en el que, de forma paralela, se celebran actividades teatrales para el público infantil bajo la marca de "Divierteatro".

En esta edición, al igual que en los últimos años, 5.000 niños han pasado por los talleres de Divierteatro, que en esta edición se han centrado en el mundo de los títeres.

Miriam Hernández, responsable del área de Divierteatro desde la primera edición de la Feria de Teatro de Castilla y León, ha explicado hoy a EFE que "esta actividad ha ido creciendo poco a poco", ya que el primer año arrancaron con nueve monitores y en esta ocasión han contado con un centenar.

"A los niños les ha gustado este año, de forma especial, un taller de construcción de títeres de goma-espuma", ha apuntado Hernández.

Divierteatro también ha ido ampliando su oferta en los últimos años, ya que hay talleres propios para los bebés y también para los padres.

"El objetivo de Divierteatro es dar formación e inculcar a los pequeños el mundo del teatro", ha insistido Miriam Hernández.

Muchos certámenes de España y Europa han pedido a la organización de la Feria de Teatro, que recae en la asociación Cívitas Animación Teatral, que lleven esta iniciativa a sus respectivas ferias, "aunque nunca lo hemos hecho".

Este año, varios programadores brasileños se han mostrado "muy interesados" en extrapolar Divierteatro a su país, por lo que se han iniciado una serie de contactos.

La formación, tanto para profesionales del teatro como para jóvenes, es otro de los pilares de la Feria de Teatro de Castilla y León.

Este año, más de 300 jóvenes han participado en las diversas acciones de formación, tanto como animadores teatrales, como de desarrollo colectivo o en los talleres de percusión y animación musical.

El certamen regional ha ofrecido, una edición más, un punto de encuentro para la formación de gestores culturales y, por primera vez, de compañías.

La Feria de Teatro ha logrado que, durante estos años, cerca de 3.000 profesionales del sector hayan participado en las numerosas propuestas y, además, contratar alguna de las compañías en sus espacios.


Además, en este certamen se ha consolidado la denominada Red Esmark, liderada por la Junta de Castilla y León y creada para aunar esfuerzos entre España, Francia y Portugal, que redunden en una mayor actividad e intercambio teatral entre estos países.