La provocativa obra "Magnificat", a partir de textos de Jacint Verdaguer y dirigida por el napolitano Pasquale Bàvaro, se estrena esta noche en el Espai Escènic Brossa, donde permanecerá hasta el próximo día 13 de febrero, según informan los responsables de la sala.
"Magnificat" es un espectáculo que trata sobre la religiosidad, en el que diez jóvenes actores y dos músicos se acercan a la mística y "al placer que se siente en compañía de santos, ángeles y misterios de la fe".
Es un proyecto que nació de un ensayo abierto del Teatre Lliure a partir de la obra "Al cel", de Narcís Comadira, con dirección de Xavier Albertí, sobre los últimos y atormentados años de la vida del poeta Jacint Verdaguer.
El director afirma que ha trabajado sobre el "despertar de la propia religiosidad, mediante la meditación" y advierte que muchas de las actuaciones que se presentan en el espectáculo "se hacen desde la verdad, la concentración e incluso desde un estado de bendición".
En este sentido, asegura que los actores, todos alumnos o ex alumnos del Institut del Teatre, trabajan para conseguir "una relación intensa con su interior".
Bàvaro considera que el sentimiento místico, de amor a lo divino, no se parece a ningún otro, ya que es "íntimo y sagrado", a la vez que entiende que en la actualidad está cayendo o en el fanatismo o en la apatía.
Nacido en Nápoles en 1978, Bàvaro estudió allí en la Academia de Arte Dramática y giró por Italia con diversos espectáculos, licenciándose en el año 2008 en el Institut del Teatre de Barcelona con la obra "Les perles als porcs".
Otros textos suyos que se han representado en los escenarios son "12 movimients per a en Jonàs" y "Salvatges".
La compañía "Somriure Bàrbar", dirigida por Bàvaro, contará para esta obra con los actores Esperanza Crespí, Rubén Valls, Albert Pérez, Miquel Segovia, Rosa Forteza, Lara Salvador, Mercè Sancho, Bruna Cusi, Maria Vera y Albert Mèlich.
publicat per
efe
www.lavanguardia.es
27 de gener de 2011
04 de febrer 2011
03 de febrer 2011
Avui torn del Marcos Francisco al Monumental
Per fi avui podrem veure a Mataró "La Mosquitera" la pelicula que compte entre els seus protagonistes al Marcos Francisco
La mosquitera
La mosquitera. Agustí Vila (Catalunya, 2010). VO, 95 minuts
Comèdia dramàtica sobre la impossibilitat de tragèdia. Lluís (Marcos Franz) viu la seva adolescència entre les discussions dels seus pares, Alícia (Emma Suárez) i Miquel (Eduard Fernández).
Festival de Valladolid 2010: Espiga de plata a la Millor actriu (Emma Suárez). Festival de Karlovy Vary 2010: Premi a la Millor pel•lícula
La festa major de Gràcia arriba al Nacional
Cristina Clemente observa uns veïns que guarneixen el seu carrer per veure què s'amaga darrere la festa
Gràcia transportada al sud de l'Eixample, i el mes d'agost a ple hivern. Fins al 13 de febrer un carrer en festes de l'exvila puja a l'escenari de la Sala Tallers del Teatre Nacional de Catalunya gràcies a 'Vimbodí vs Praga', una visió molt especial de la festa major més popular de Barcelona. Cristina Clemente signa i dirigeix un text que mostra com els veïns d'un carrer del barri es preparen per tal de guanyar el primer premi en el concurs de carrers guarnits. Però el desig de guanyar el concurs amaga molt més que un simple joc, que un acte tradicional.
Cada any ho intenten però mai no ho han aconseguit. Els veïns del carrer de Praga estan farts de presentar-se al concurs de carrers guarnits i veure com són altres els que s'emporten el premi. Decideixen que les coses han de canviar i que, aquest any sí, seran ells els que penjaran a l'entrada del carrer el preuat certificat que proclama als quatre vents que ells en són els triomfadors. Per aconseguir-ho, s'han d'imposar als veïns de la resta de carrers i, en particular, als del passatge de Vimbodí. Allà una dona, la Pilar, concentra totes les seves frustracions i esperances en un únic objectiu: guanyar el concurs.
És el d'aquesta obra un escenari festiu i amable per a una història plena de tensions. El que Clemente vol demostrar amb aquesta obra, que arriba al Nacional arran del projecte T-6, -que promou l'estrena d'autors contemporanis- és que la rivalitat mou el món i que al darrere de qualsevol projecte, per festiu que sigui, s'amaguen moltes coses desagradables.
Clemente proposa un espectacle que sembla transportar als escenaris la màgia del 'cinema verité'. Un teatre basat en situacions quotidianes, gens èpiques, en què sembla que no hi ha res a explicar perquè tot allò que mostra són coses que podem veure cada dia, que formen part del paisatge habitual. Ara bé, al darrere d'aquesta aparença banal i sense importància s'amaga tota la intensitat de la vida humana: l'enveja, l'amor, la solidaritat, l'ajut, la venjança...
La lluita
Efectivament, al darrere de la lúdica competició entre veïns per veure qui guanya el concurs hi ha una punyent mirada a allò que ens fa tan humans com la cooperació: la lluita. Els carrers no són grups tan assemblearis com sembla, sinó que estan encapçalats per un líder. I els líders estableixen una batalla ferotge perquè no es tracta només de guanyar el concurs sinó de ser el millor, el més important. Es tracta d'aconseguir la glòria.
Sota el guiatge de Clemente el carrer esdevé una metàfora del món, i el concurs una metàfora de com els humans s'enfronten per imposar els seus punts de vista o, sovint, només per plaer. Aquest és el missatge de 'Vimbodí vs. Praga', que serà al Nacional fins al 13 de febrer. Maria Molins, Àngels Poch i Rosa Boladeras són alguns dels intèrprets d'un muntatge que l'autora entén com un homenatge a les persones que dediquen la seva vida a causes efímeres. "Les festes populars sempre m'han semblat la celebració de la vida. Però moltes vegades, la vida colpeja algú abans d'hora, per atzar o no, vés a saber, i aleshores aquesta celebració deixa de ser intranscendent i esdevé un exercici de superació personal, vital" diu Clemente, autora de l'aclamada 'Volem anar al Tibidabo', una obra que la va consagrar com una autora que sap trobar allò excepcional en allò normal. Exactament el mateix que proposa, i aconsegueix, a 'Vimbodí vs Praga'.
publicat per
Isidre Estévez
Foto de David ruano / TNC (Un moment de 'Vimbodí vs Praga', l'obra de Cristina Clemente que narra la lluita que s'amaga darrere un costum aparentment tan trivial com presentar-se al concurs de carrers guarnits de Gràcia.)
www.lamalla.cat
25 de gener de 2011
Teatro con mucha Gràcia
Un montaje lleva a los escenarios la fiesta mayor del barrio barcelonés
Cada año, para celebrar la fiesta mayor de un barrio emblemático de la ciudad, se celebra un concurso de adorno de calles. Sus habitantes pasan horas y horas pensando el diseño, consiguiendo los materiales y confeccionando los adornos. Es un trabajo sin ninguna compensación económica en el cual se vuelcan con todas sus fuerzas. En el concurso hay una calle, la de Praga, que siempre queda en segundo lugar, pero este año están decididos a ganar el primer premio pase lo que pase. Y en un pasaje, el de Vimbodí, pequeño y angosto, una familia ha decidido presentarse engalanando ellos mismos su trocito de asfalto. Se han tirado a la piscina con recursos limitados y tras haber sorteado un sinfín de burocracia administrativa. De esta situación parte el montaje Vimbodí vs. Praga, obra de Cristina Clemente que se estrena esta noche en la Sala Tallers del Teatre Nacional de Catalunya (TNC).
Pero dejando de lado los nombres de las calles, ¿no recuerda a algo muy barcelonés esta historia? Efectivamente, la dramaturga ha escrito la obra inspirándose en las fiestas de Gràcia y en el tradicional certamen de ornamentos que cada agosto llena el barrio de color y alegría.Para escribir la historia, Clemente ha contado con una ayuda muy especial: los vecinos de la calle de Joan Blanques de Baix le explicaron sus vivencias y le descubrieron los intríngulis de la competición. Tanto es así que la escenografía se basa en el local en el que se confeccionan los adornos de esta calle real, con bidones de pintura y materiales esparcidos por doquier. "Me explicaron que, tras tanto trabajo, el día de la fiesta no disfrutan porque tienen que servir en las barras o vigilar los adornos de noche", dice Clemente.
La dramaturga ha partido de la realidad, pero después la ha adaptado a las necesidades de la ficción. En la obra, las dos calles comparten local y, aunque al principio la conviencia transcurre de manera plácida, muy pronto surgirán todo tipo de desencuentros. En el escenario, Anna Moliner encarna a Pilar, la líder de Vimbodí, alguien que según la actriz "se mueve de principio a fin por la ilusión", y Maria Molins da vida a Ariadna, la jefa de la calle de Praga; "busca ser aceptada por el grupo, es la novata", explica la actriz. El reparto se completa con Mercè Boher, Rosa Boladeras, Òscar Castellví, Oriol Genís, Joan Negrié, Àngels Poch y David Vert. "Todos encarnan diversos personajes", señala Sergi Belbel, director del TNC.
Vimbodí vs. Praga forma parte del Proyecto T6, con el que se promociona a jóvenes dramaturgos. La obra se representará hasta el 13 de febrero y, pese a los embrollos de la ficción, Gràcia la espera con ilusión. "Seguro que se representará durante las fiestas del año que viene", dice con humor Guillem Espriu, regidor del distrito.
publicat per
Mercè Pérez
Foto : David Ruano (Una escena del espectáculo sobre el concurso de decoración de calles de las fiestas de Gràcia)
www.elpais.com
20 de gener de 2011
Cada año, para celebrar la fiesta mayor de un barrio emblemático de la ciudad, se celebra un concurso de adorno de calles. Sus habitantes pasan horas y horas pensando el diseño, consiguiendo los materiales y confeccionando los adornos. Es un trabajo sin ninguna compensación económica en el cual se vuelcan con todas sus fuerzas. En el concurso hay una calle, la de Praga, que siempre queda en segundo lugar, pero este año están decididos a ganar el primer premio pase lo que pase. Y en un pasaje, el de Vimbodí, pequeño y angosto, una familia ha decidido presentarse engalanando ellos mismos su trocito de asfalto. Se han tirado a la piscina con recursos limitados y tras haber sorteado un sinfín de burocracia administrativa. De esta situación parte el montaje Vimbodí vs. Praga, obra de Cristina Clemente que se estrena esta noche en la Sala Tallers del Teatre Nacional de Catalunya (TNC).
Pero dejando de lado los nombres de las calles, ¿no recuerda a algo muy barcelonés esta historia? Efectivamente, la dramaturga ha escrito la obra inspirándose en las fiestas de Gràcia y en el tradicional certamen de ornamentos que cada agosto llena el barrio de color y alegría.Para escribir la historia, Clemente ha contado con una ayuda muy especial: los vecinos de la calle de Joan Blanques de Baix le explicaron sus vivencias y le descubrieron los intríngulis de la competición. Tanto es así que la escenografía se basa en el local en el que se confeccionan los adornos de esta calle real, con bidones de pintura y materiales esparcidos por doquier. "Me explicaron que, tras tanto trabajo, el día de la fiesta no disfrutan porque tienen que servir en las barras o vigilar los adornos de noche", dice Clemente.
La dramaturga ha partido de la realidad, pero después la ha adaptado a las necesidades de la ficción. En la obra, las dos calles comparten local y, aunque al principio la conviencia transcurre de manera plácida, muy pronto surgirán todo tipo de desencuentros. En el escenario, Anna Moliner encarna a Pilar, la líder de Vimbodí, alguien que según la actriz "se mueve de principio a fin por la ilusión", y Maria Molins da vida a Ariadna, la jefa de la calle de Praga; "busca ser aceptada por el grupo, es la novata", explica la actriz. El reparto se completa con Mercè Boher, Rosa Boladeras, Òscar Castellví, Oriol Genís, Joan Negrié, Àngels Poch y David Vert. "Todos encarnan diversos personajes", señala Sergi Belbel, director del TNC.
Vimbodí vs. Praga forma parte del Proyecto T6, con el que se promociona a jóvenes dramaturgos. La obra se representará hasta el 13 de febrero y, pese a los embrollos de la ficción, Gràcia la espera con ilusión. "Seguro que se representará durante las fiestas del año que viene", dice con humor Guillem Espriu, regidor del distrito.
publicat per
Mercè Pérez
Foto : David Ruano (Una escena del espectáculo sobre el concurso de decoración de calles de las fiestas de Gràcia)
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20 de gener de 2011
Josep Julien: "El humor catalán se acerca a la escatología intelectual"
El actor interpreta el monólogo 'El cavernícola' en el Club Capitol de Barcelona
El cavernícola es un texto del estadounidense Rob Becker que ha llegado a Barcelona después de cosechar éxito de público en diferentes países. Solo un dato. Es el monólogo de mayor permanencia en la historia de Broadway donde aún se sigue representando. En Madrid es el actor Nacho Novo (en el teatro Fígaro) el que da vida a un cavernícola que en Barcelona representa Josep Julien, un actor que debuta en el género del monólogo humorístico. Julien ha hecho suyo un texto sustentado en la tradicional y tópica guerra de sexos y que si tiene alguna virtud especial es la de repartir manotazos a los dos géneros por igual. La obra se puede ver en la Sala Pepe Rubianes del Club Capitol de Barcelona y estará en cartel hasta el próximo mes de marzo.
-¿La guerra de sexos sigue siendo el tópico número uno en humor?
-No lo sé, la verdad es que yo tampoco soy un especialista en humor, lo que sí que tengo claro es que hacer humor es dificilísimo, muy complicado. La guerra de sexos es un tema muy recurrente en el género porque tiene una fuente inagotable de situaciones ricas para rascar y es uno de los grandes tópicos. A partir de aquí, la mirada que cada uno tiene sobre el tema es lo que te diferencia y te hace más atractivo para la gente que te pueda ver.
-Profesionalmente, usted era virgen en el género del monólogo. ¿Cómo decidió acercarse a este proyecto?
-Me llegó la propuesta de una forma más bien habitual como es el teléfono, me llamaron, me explicaron un poco de qué iba la obra, los precedentes que había, concretamente la experiencia que tienen con el actor Nacho Novo en Madrid y que funciona muy bien, y me dijeron si me apetecía hacerlo. Me lo leí, hablé con ellos, nos entendimos rápido, y aquí estoy (Sonríe).
-¿Usted se veía haciendo monólogos?
-Sí, porque pensé que tenía recursos para aportar cosas mías a este monólogo en concreto, aunque no tenga mucha experiencia en este sentido, ya que habitualmente suelo trabajar un tipo de textos con más cojín literario. Es cierto que he hecho obras cómicas, pero de autores que tienen unos textos más profundos y eso hace que si el público no se ríe mucho, es porque están pendientes de otros elementos como el guión. En El cavernícola, es todo más directo, si ríes la cosa va bien, si no es así, es que ha sido un fracaso. Pero es algo que también te estimula.
-Estamos hablando de una obra que ya ha sido anteriormente estrenada con éxito en otros países y con cifras más que positivas, por lo que aquí el reto es que cada actor consiga hacerse suyo el texto. ¿Qué hay de Josep Julián en El cavernícola?
-He aportado mi cuerpo, experiencia y recursos como actor. Ninguna cosa más, el texto me lo he hecho mío de la misma manera que me puedo hacer mío un texto de Shakespeare. Si me preguntas, ¿qué hay de mí en este personaje? Pues no lo sé, alguna cosa habrá, está claro, y otras cosas las cuelo sin que yo sea así.
-¿Se creyó el texto la primera vez que lo leyó?
-Creérmelo al cien por cien no, pero sí que creía en el potencial cómico que tenía. No es que diga, en mi vida me siento muy reflejado en lo que explica este texto, pero sí que es verdad que veía que, añadiendo algún ingrediente gracioso y matándome en los ensayos, podía llegar a explicar ese texto de forma que se cumpliera el objetivo, que es que el público se divierta.
-Una de las conclusiones de la obra es que el comportamiento humano no dista mucho del que tenían sus antecesores cavernícolas. Traducido a su lenguaje, los hombres siguen cazando, las mujeres recolectando…
-La conclusión va más allá, creo que hace 3.000 años encontramos el momento ideal para la pareja y que a partir de este momento solo hemos ido a peor (Ríe). Ahora estamos en un momento extraño en el que la sofisticación de la vida contemporánea nos lleva a un escenario en el que no entendemos las pulsiones animales que nos salen de dentro y actuamos de maneras extrañas para justificarlas.
-¿El éxito del texto radica en que el espectador se sienta identificado con las animaladas de su género?
-Sí, totalmente. Diría que en este monólogo me he convertido por igual en espectador y actor. Hay un espectáculo encima del escenario que es el que hago yo y que ve el público, pero también funciona a la inversa. Veo como se mueve la gente de la platea y la verdad es que tiene cierta gracia.
-No es una obra machista, ni feminista, aquí recibe todo el mundo…
-Sí, recibe la especie humana en general. Lo que pasa es que los hombres salen, en cierto modo, reforzados y animados, y las mujeres incomprendidas. En este sentido, el autor está atento y es hábil porque ha escrito un texto con el que queda bien con todo el mundo, pero que a la vez le sirve para cargar contra los dos géneros.
-Ya que es espectador involuntario, ¿quién diría que encaja mejor los golpes, el hombre o la mujer?
-Creo que por igual, aunque de manera distinta. No te sabría decir si mejor o peor. Sí que es verdad que he observado en algunas parejas que los chicos empiezan a reír cuando su chica o mujer ha reído un par de veces. (Sonríe).
-Si el monólogo lo representara una cavernícola, ¿variaría mucho?
-Supongo que se podría hacer igualmente. El mismo monólogo no, porque este está más enfocado desde la perspectiva de la sensibilidad masculina, pero sí que podría haber un juego de espejos diferente desde la perspectiva femenina y en que los dos géneros saldrían igual de malparados.
-En la última década el género del monólogo ha ido al alza en teatros y televisiones. ¿Nos hemos acostumbrado a ver a un solo personaje hablando durante hora y media?
-Sí, pero pienso que el monólogo humorístico es un género que en Catalunya va a la baja. En España parece que se ha consolidado más, especialmente en Madrid donde siguen existiendo espacios especializados para llevar a cabo este género. Pero insisto, el monólogo humorístico no goza de muy buena salud en Catalunya.
-¿Usted disfruta con el género o prefiere más acción en el escenario?
-Soy bastante todoterreno, o mi vida me ha llevado por unos caminos que me han convertido en todoterreno. Tengo mis gustos personales, que ahora mismo no hace falta citar, pero cuando me encuentro con algo que no sería lo que yo me pediría para reyes, he aprendido a disfrutarlo y a hacerlo a tope.
-¿Hacerlo en una sala que lleva por nombre Pepe Rubianes, referente del monólogo, le ha supuesto una presión añadida?
-No, presión en absoluto. Lo que sí que es una sensación especial y reconozco que no deja indiferente a nadie poder cambiarse en su camerino o pisar el mismo escenario que pisó él. Rubianes es un tío muy respetado, y en mi caso muy querido, y es especial, muy especial. Pienso que su persona está impregnada en cada uno de los rincones de El Capitol, él está allí. Para mí es una sensación totalmente agradable.
-¿Cree que el humor entiende de geografías?
-Sí, definitivamente. Hay cosas que aquí te hacen reír mucho y que te vas cien quilómetros a la derecha y no hace ni puñetera gracia, o al revés. Creo que el humor catalán es un humor muy aparentado con determinadas sensibilidades anglosajonas y un poco afrancesadas. Esto nos pone en una posición privilegiada porque son dos tipos de humor muy evolucionados que no son primitivos, son intelectualizados. Aunque también es cierto que en Catalunya tenemos un componente escatológico típico de nosotros que le da a la mezcla un aroma muy peculiar (Ríe). Es raro, no sé porqué nos gusta tanto la mierda a los catalanes, nos acercamos a una escatología intelectual.
-¿Ha visto la obra como espectador?
-Sí, en Madrid. El actor que lo interpreta, Nacho Novo, es un tío que tiene un motor muy potente y especial, y en cierto modo, ver que él le sacaba tanto partido me animó a hacerlo. Es la misma obra pero que hacen dos personas que son distintas, él es un tío con una gran capacidad para el humor y yo también aporto mis cosas pero desde sitios distintos, y eso está muy bien.
-Estrena este año en el teatro Romea una obra en el marco del Festival Grec de Barcelona, ¿cómo la lleva?
-Sí, es cierto, ya hace bastantes años que estoy escribiendo y estrenando obras con más suerte de la que esperaba en un principio. La parte literaria de mi trabajo me atrajo desde mis inicios y escribo teatro desde hace más de 15 años, y esta será la sexta función que estreno. Además, esta vez el equipo que se ha juntado para hacerla es muy bueno. Una obra con Calixto Bieito o Josep Maria Pou interpretando un texto mío no es solo un regalo, es algo que va más allá. No sé como darles las gracias.
-Me hace un adelanto…
-Sí, es una aproximación al personaje del Capitán Haddock de Tintín, una especie de retrato realista y crepuscular que pienso que puede tener diferentes lecturas y niveles de comprensión. Hay una lectura más ligada a la trama que nos puede servir para distraernos a nivel de thriller, y al mismo tiempo, un nivel de reflexión y de análisis para intentar comprender el mundo contemporáneo actual.
publicat per
Albert Domènech
www.lavanguardia.es
25 de gener de 2011
El cavernícola es un texto del estadounidense Rob Becker que ha llegado a Barcelona después de cosechar éxito de público en diferentes países. Solo un dato. Es el monólogo de mayor permanencia en la historia de Broadway donde aún se sigue representando. En Madrid es el actor Nacho Novo (en el teatro Fígaro) el que da vida a un cavernícola que en Barcelona representa Josep Julien, un actor que debuta en el género del monólogo humorístico. Julien ha hecho suyo un texto sustentado en la tradicional y tópica guerra de sexos y que si tiene alguna virtud especial es la de repartir manotazos a los dos géneros por igual. La obra se puede ver en la Sala Pepe Rubianes del Club Capitol de Barcelona y estará en cartel hasta el próximo mes de marzo.
-¿La guerra de sexos sigue siendo el tópico número uno en humor?
-No lo sé, la verdad es que yo tampoco soy un especialista en humor, lo que sí que tengo claro es que hacer humor es dificilísimo, muy complicado. La guerra de sexos es un tema muy recurrente en el género porque tiene una fuente inagotable de situaciones ricas para rascar y es uno de los grandes tópicos. A partir de aquí, la mirada que cada uno tiene sobre el tema es lo que te diferencia y te hace más atractivo para la gente que te pueda ver.
-Profesionalmente, usted era virgen en el género del monólogo. ¿Cómo decidió acercarse a este proyecto?
-Me llegó la propuesta de una forma más bien habitual como es el teléfono, me llamaron, me explicaron un poco de qué iba la obra, los precedentes que había, concretamente la experiencia que tienen con el actor Nacho Novo en Madrid y que funciona muy bien, y me dijeron si me apetecía hacerlo. Me lo leí, hablé con ellos, nos entendimos rápido, y aquí estoy (Sonríe).
-¿Usted se veía haciendo monólogos?
-Sí, porque pensé que tenía recursos para aportar cosas mías a este monólogo en concreto, aunque no tenga mucha experiencia en este sentido, ya que habitualmente suelo trabajar un tipo de textos con más cojín literario. Es cierto que he hecho obras cómicas, pero de autores que tienen unos textos más profundos y eso hace que si el público no se ríe mucho, es porque están pendientes de otros elementos como el guión. En El cavernícola, es todo más directo, si ríes la cosa va bien, si no es así, es que ha sido un fracaso. Pero es algo que también te estimula.
-Estamos hablando de una obra que ya ha sido anteriormente estrenada con éxito en otros países y con cifras más que positivas, por lo que aquí el reto es que cada actor consiga hacerse suyo el texto. ¿Qué hay de Josep Julián en El cavernícola?
-He aportado mi cuerpo, experiencia y recursos como actor. Ninguna cosa más, el texto me lo he hecho mío de la misma manera que me puedo hacer mío un texto de Shakespeare. Si me preguntas, ¿qué hay de mí en este personaje? Pues no lo sé, alguna cosa habrá, está claro, y otras cosas las cuelo sin que yo sea así.
-¿Se creyó el texto la primera vez que lo leyó?
-Creérmelo al cien por cien no, pero sí que creía en el potencial cómico que tenía. No es que diga, en mi vida me siento muy reflejado en lo que explica este texto, pero sí que es verdad que veía que, añadiendo algún ingrediente gracioso y matándome en los ensayos, podía llegar a explicar ese texto de forma que se cumpliera el objetivo, que es que el público se divierta.
-Una de las conclusiones de la obra es que el comportamiento humano no dista mucho del que tenían sus antecesores cavernícolas. Traducido a su lenguaje, los hombres siguen cazando, las mujeres recolectando…
-La conclusión va más allá, creo que hace 3.000 años encontramos el momento ideal para la pareja y que a partir de este momento solo hemos ido a peor (Ríe). Ahora estamos en un momento extraño en el que la sofisticación de la vida contemporánea nos lleva a un escenario en el que no entendemos las pulsiones animales que nos salen de dentro y actuamos de maneras extrañas para justificarlas.
-¿El éxito del texto radica en que el espectador se sienta identificado con las animaladas de su género?
-Sí, totalmente. Diría que en este monólogo me he convertido por igual en espectador y actor. Hay un espectáculo encima del escenario que es el que hago yo y que ve el público, pero también funciona a la inversa. Veo como se mueve la gente de la platea y la verdad es que tiene cierta gracia.
-No es una obra machista, ni feminista, aquí recibe todo el mundo…
-Sí, recibe la especie humana en general. Lo que pasa es que los hombres salen, en cierto modo, reforzados y animados, y las mujeres incomprendidas. En este sentido, el autor está atento y es hábil porque ha escrito un texto con el que queda bien con todo el mundo, pero que a la vez le sirve para cargar contra los dos géneros.
-Ya que es espectador involuntario, ¿quién diría que encaja mejor los golpes, el hombre o la mujer?
-Creo que por igual, aunque de manera distinta. No te sabría decir si mejor o peor. Sí que es verdad que he observado en algunas parejas que los chicos empiezan a reír cuando su chica o mujer ha reído un par de veces. (Sonríe).
-Si el monólogo lo representara una cavernícola, ¿variaría mucho?
-Supongo que se podría hacer igualmente. El mismo monólogo no, porque este está más enfocado desde la perspectiva de la sensibilidad masculina, pero sí que podría haber un juego de espejos diferente desde la perspectiva femenina y en que los dos géneros saldrían igual de malparados.
-En la última década el género del monólogo ha ido al alza en teatros y televisiones. ¿Nos hemos acostumbrado a ver a un solo personaje hablando durante hora y media?
-Sí, pero pienso que el monólogo humorístico es un género que en Catalunya va a la baja. En España parece que se ha consolidado más, especialmente en Madrid donde siguen existiendo espacios especializados para llevar a cabo este género. Pero insisto, el monólogo humorístico no goza de muy buena salud en Catalunya.
-¿Usted disfruta con el género o prefiere más acción en el escenario?
-Soy bastante todoterreno, o mi vida me ha llevado por unos caminos que me han convertido en todoterreno. Tengo mis gustos personales, que ahora mismo no hace falta citar, pero cuando me encuentro con algo que no sería lo que yo me pediría para reyes, he aprendido a disfrutarlo y a hacerlo a tope.
-¿Hacerlo en una sala que lleva por nombre Pepe Rubianes, referente del monólogo, le ha supuesto una presión añadida?
-No, presión en absoluto. Lo que sí que es una sensación especial y reconozco que no deja indiferente a nadie poder cambiarse en su camerino o pisar el mismo escenario que pisó él. Rubianes es un tío muy respetado, y en mi caso muy querido, y es especial, muy especial. Pienso que su persona está impregnada en cada uno de los rincones de El Capitol, él está allí. Para mí es una sensación totalmente agradable.
-¿Cree que el humor entiende de geografías?
-Sí, definitivamente. Hay cosas que aquí te hacen reír mucho y que te vas cien quilómetros a la derecha y no hace ni puñetera gracia, o al revés. Creo que el humor catalán es un humor muy aparentado con determinadas sensibilidades anglosajonas y un poco afrancesadas. Esto nos pone en una posición privilegiada porque son dos tipos de humor muy evolucionados que no son primitivos, son intelectualizados. Aunque también es cierto que en Catalunya tenemos un componente escatológico típico de nosotros que le da a la mezcla un aroma muy peculiar (Ríe). Es raro, no sé porqué nos gusta tanto la mierda a los catalanes, nos acercamos a una escatología intelectual.
-¿Ha visto la obra como espectador?
-Sí, en Madrid. El actor que lo interpreta, Nacho Novo, es un tío que tiene un motor muy potente y especial, y en cierto modo, ver que él le sacaba tanto partido me animó a hacerlo. Es la misma obra pero que hacen dos personas que son distintas, él es un tío con una gran capacidad para el humor y yo también aporto mis cosas pero desde sitios distintos, y eso está muy bien.
-Estrena este año en el teatro Romea una obra en el marco del Festival Grec de Barcelona, ¿cómo la lleva?
-Sí, es cierto, ya hace bastantes años que estoy escribiendo y estrenando obras con más suerte de la que esperaba en un principio. La parte literaria de mi trabajo me atrajo desde mis inicios y escribo teatro desde hace más de 15 años, y esta será la sexta función que estreno. Además, esta vez el equipo que se ha juntado para hacerla es muy bueno. Una obra con Calixto Bieito o Josep Maria Pou interpretando un texto mío no es solo un regalo, es algo que va más allá. No sé como darles las gracias.
-Me hace un adelanto…
-Sí, es una aproximación al personaje del Capitán Haddock de Tintín, una especie de retrato realista y crepuscular que pienso que puede tener diferentes lecturas y niveles de comprensión. Hay una lectura más ligada a la trama que nos puede servir para distraernos a nivel de thriller, y al mismo tiempo, un nivel de reflexión y de análisis para intentar comprender el mundo contemporáneo actual.
publicat per
Albert Domènech
www.lavanguardia.es
25 de gener de 2011
02 de febrer 2011
El Casal Nova Aliança s’obre al món del circ
La sala programarà un cop al mes obres de circ per a públic familiar en col•laboració amb la promtora Circulant
L’escenari del Casal Nova Aliança s’obrirà al món del circ un cop al mes, a partir d’aquest febrer. Ho farà en col•laboració amb Circulant, una promotora especialitzada en aquest camp escènic que gestiona la mataronina Jordina Blanch, seguint una línia similar a la programació de titelles que el propi Casal promou des de fa mesos amb la companyia Binixiflat. Una nova aposta pels espectacles de caire familiar (el públic objectiu de la mútua de salut Nova Aliança, propietària de la sala) i per les arts circenses, que a Mataró tenen molt bona acollida de públic i força suport institucional des de que la ciutat es va declarar Amiga del Circ.
“Com a productora des de fa un any i mig en el camp del circ, hem detectat que una de les grans necessitats de les companyies és disposar de més espais d’exhibició”, explica Blanch. Buscant aquests nous escenaris van trobar el Casal i ràpidament van arribar a un acord amb la Nova Aliança. Els muntatges tindran lloc el primer diumenge de cada mes a les 12 del migdia, amb l’entrada a 6 euros, i aniran a càrrec de companyies professionals. Un seguit d’obres que poc tenen a veure amb el circ “tradicional” de grans carpes, ja que es tracta de propostes pensades per a petits recintes interiors, més íntimes i sense elements de gran alçada.
Estrena amb ‘Filigranes’
El cicle s’estrenarà el proper 6 de febrer amb la companyia terrassenca Filigranes, que presentarà l’espectacle Circ Filirates. Un compendi d’humor, màgia, clowns i música en directe. L’obra mostra el dia a dia d’un circ en decadència, i com el seu propietari i un dels artistes fan tot el possible per intentar salvar-lo. De cara al mes de març, s’ha programat l’obra Fisi-c, una nova mostra de teatre gestual de la companyia Katrasca. Liderada per Ton Muntaner, expliquen els grans conceptes de la física des dels malabars i altres tècniques de circ. El muntatge estrena gira a Mataró, després d’haver-se vist al Festival de Reus. I a l’abril, serà el torn de Circ Pistolet, que presentarà “Sobre rodes”, un espectacle d’acrobàcies que ha rodat per tot Catalunya.
Jordina Blanch destaca la idoneïtat d’aquest cicle a Mataró, que compta amb diverses companyies de circ a la ciutat, com ara el grup Cronopis, que treballa a l’antiga fàbrica Fàbregas del paper. A més de formar part de la xarxa de ciutats amigues del circ, la capital del Maresme promou des del sector públic força espectacles d’aquest gènere, especialment en les darreres edicions de Les Santes.
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V.B.
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28 de gener de 2011
«Bésame mucho» pone ritmo latino al escenario del Coliseu
Treinta actores, cantantes, bailarines y músicos viajan desde Cuba
Una escena del musical «Bésame mucho»
El musical «Bésame mucho», que arranca esta noche sus funciones en el Coliseum, reúne a treinta actores, cantantes, bailarines y músicos de origen cubano que recuperan los boleros más populares adaptados a los ritmos latinos actuales.
«Bésame mucho» es una historia de amor urbana que pretende ser «un homenaje a la juventud cubana moderna, preparada y con ambiciones de abrirse al mundo y mostrar su talento», explicó el productor ejecutivo barcelonés del espectáculo, Óscar Iniesta.
Yolena Alonso, directora del espectáculo y de la compañía Yoldance Showproductions y nieta del gran bolerista Pacho Alonso, destacó que este pieza «narra una intensa y apasional historia de amor correspondido entre dos jóvenes residentes de un bullicioso barrio de La Habana, que podría tener lugar en cualquier barrio del mundo». En palabras de Alonso, que admite que los arreglos pueden ser vistos como «atrevidos», el espectáculo lleva el bolero clásico «a la sonoridad más cercana a la juventud actual de España, Francia o Alemania, una juventud que conoce el género pero que no lo siente como una música cercana». En el musical se pueden encontrar expresiones y guiños cubanos y alguna incursión al sincretismo religioso para hacer un retrato ambiental de La Habana, del Caribe, y en ese marco se suceden las historias amorosas.
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19 de gener de 2011
Foto : Una escena del musical «Bésame mucho
Se ha presentado la estancia del musical Mamma Mía¡ en Elche, del 10 al 20 de febrero
El Gran Teatro de Elche ofrecerá el próximo febrero, entre los días 10 y 20, el musical “Mamma Mía¡”. El conocidísimo y exitoso montaje con el soporte musical del grupo sueco Abba se representará 16 ocasiones en Elche y será la primera vez que el coliseo ilicitano acoja tantas funciones de una obra.
A pesar de ser una experiencia pionera en Elche un montaje musical o teatral que tenga tanta dilación en el tiempo como “Mamma Mía¡”, el importante ritmo de compra de entradas está animando a los responsables de traer el musical a la ciudad ilicitana.
Marta Valverde, protagonista de “Mamma Mía¡”, en la presentación de la estancia en Elche ha destacado del musical que “es el número uno a nivel mundial, ya que es el primer caso en el que se hace un musical para cine, después de haberlo hecho en teatro, y no al revés. Está a la misma altura que los musicales de Broadway, Berlín o Londres, ya que contamos con una compañía de primera fila”.
Valverde recordó que es un espectáculo para toda la familia y que durante dos horas y cuarenta minutos los espectadores recibirán multitud de sensaciones, donde el éxito musical se basa en la calidad y cariño del público hacia las canciones de ABBA.
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21 de gener de 2011
01 de febrer 2011
Miquel Àngel Pascual (La Trinca) interpreta el tema LA RIQUESA
Miquel Àngel Pascual (La Trinca) interpreta el tema LA RIQUESA com a final de l'espectacle MENTRE HI HAGI PELES (Primera Fila - CFP) representat a la SALA CABAÑES de Mataró el 03/10/2010 en favor de les persones amb malaties mentals
Té futur el Teatre?
L’altre dia, mentre assistia entusiasmat a la representació de “Celebració” al Teatre Lliure de Gràcia, em plantejava molt seriosament si estava contemplant la lacònica agonia d’una antigalla obsoleta incapaç de competir amb la innovació permanent als mitjans de comunicació electrònics o, si pel contrari, aquell havia esdevingut el darrer refugi davant la burda artificiositat del cinema.
Les primeres representacions teatrals de les que tenim constància històrica daten del segon mil·leni abans de la nostre era, allà per l’Antic Egipte, on es dramatitzava la mort d’Osiris amb l’ajuda de màscares; però de ben segur que en els seus quatre mil anys d’existència mai abans havia estat tant en perill la seva supervivència com ara. Els motius? Doncs bé, segons cita Josep Ramoneda al seu darrer llibre, serien aquests:
- La societat actual ha oblidat el passat (la tradició) i el futur (la utopia), vivim en una dictadura del present immediat on es defuig de tota forma de dolor. Així doncs, ja no tenen sentit els drames i les tragèdies en les que es fonamenten els temes universals del Teatre.
- Els avantguardismes han dut a l’Art vers un estat de Revolució permanent, basat en una pueril idea del progrés que refusa repetir res que ja s’hagi fet abans, imposant així una ruptura constant.
-El postmodernisme ha decretat la mort de l’Art, de la Història, les ideologies i el pensament. En mig de tanta pompa fúnebre el defalliment teatral es dona per descomptat.
- Jo hi afegiria l ‘individualisme extrem en que vivim a la societat actual fa que la gent temi participar en actes col·lectius, preferint sempre l’alienació domèstica d’un televisor o un ordinador; així com els nivells d‘incultura galopant en que pugen les noves generacions.
Però, per altre banda, el Teatre presenta unes característiques específiques que ens apunten en direcció contrària:
-La singularitat: cada funció és única, una experiència irrepetible tant per l’emissor (l’actor) com pel receptor (l’espectador). Aquesta vivència és irreproduïble en cap altre format.
-La presència humana: el fet de tenir a un actor al davant, sense que hi hagi cap mitjancer virtual, és una sensació que resulta impossible de piratejar.
Jo crec que de la mateixa forma que la fotografia no va acabar amb la pintura, el cel·luloide tampoc donarà sepultura a l’escenografia; simplement el seu llenguatge s’adaptarà a la nova concepció estètica del moment, com ha succeït al llarg dels seu passat.
Doncs si, estimats lectors, apagueu ja el vostre ordinador, un cop acabat el post, i pregunteu-vos quan fa que no aneu al Teatre. Quina va ser la darrera ocasió que vau viure una interpretació descarnada? Una orgia de dramatisme a pèl? Una tragèdia que us ericés la pell i us fes saltar les llàgrimes? Doncs vinga! No us ho penseu més i correu a per les entrades!
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21 de gener de 2011
‘Anem Anant Teatre’ estrena ‘Els Contes dels Grimm’ en el Calderón de Alcoy
Los actores y actrices de “Anem Anant Teatre” dan vida a este cuento donde los Hermanos Grimm, famosos por sus historias para niños, acaban siendo los protagonistas de la trama. Dirigida por la alcoyana Gemma Miralles, y producida por “Teatre Escalante”, Los Cuentos de los Grimm es también una propuesta pedagógica de aprendizaje.
La compañía valenciana acumula una larga experiencia con obras destinadas al público infantil. Aquí en concreto, la narración comienza cuando los Hermanos Grimm están a punto de terminar un volumen recopilatorio de cuentos populares. Les faltan aún unos pocos y mientras tanto, llegan a un pueblo alemán donde encuentran una feria ambulante. Allí conocerán a un grupo de personajes que consigue animar a todas las personas de los pueblos donde llegan y serán ellos los que harán posible, con sus historias, que los Grimm acaban su libro. La crítica ha dicho que "es imposible explicar el encanto y frescura del espectáculo, hay que verlo en directo para creerlo". En realidad, hay un total de 10 personajes, algunos de ellos muy conocidos dentro del imaginario popular, responsables de esta magia sobre el escenario.
Tal y como se ha destacado, el valor añadido de la obra es que la compañía ha preparado un dossier para profesores y profesoras. En el dossier, pensado para trabajar con niños y niñas, hay una serie de ejercicios y preguntas para abordar pedagógicamente las obras de los Hermanos Grimm. Estas obras forman parte del imaginario compartido de muchas generaciones de personas y algunas de las historias son muy reconocidas en la historia de la literatura universal.
La obra, producida por Teatre Escalante, se representa en valenciano y se estrena este domingo 30 de enero a las 18.00 horas de la tarde. Las entradas tienen un precio de 8 euros y se pueden adquirir en SERVICAM o dos horas antes en la taquilla del teatro.
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28 de gener de 2011
De la Cataluña nacionalista a la España castiza en 'Amadeu'
El musical Amadeu recuerda con sátira, humor y emoción al compositor catalán Amadeo Vives. Albert Boadella, director del montaje, recupera la zarzuela del músico catalán en este espectáculo, que se estrena este jueves en la Sala Roja de Los Teatros del Canal y permanecerá en cartel hasta el 13 de febrero.
A partir de las composiciones de Vives, la obra traza una historia en la que aparecen dos personajes aparentemente opuestos. Por un lado, Amadeo Vives y, por otro, un joven periodista, Jordi, amante de la música de consumo y que nunca ha oido hablar de Vives, figura clave entre los compositores líricos del siglo XX.
Boadella ha explicado este martes en la presentación que se trata de un "tributo doble" hacia el mundo de la zarzuela. "Mi generación fue responsable de despreciar este género por razones obvias, ya que se quería romper con el pasado. Se atribuyó la zarzuela al franquismo y eso es algo demencial", lamenta.
En esta ocasión, admite que hay un "alter ego" en la obra -"aunque desde el punto de vista personal y no profesional", recalca- ya que el protagonista hace un viaje desde la Cataluña nacionalista para pasar a una "música castiza y tópicamente española".
MIRADA "HUMORÍSTICA Y SATÍRICA"
En este espectáculo aparece una "mirada humorística" sobre su propia vida, pero también una "mirada satírica" sobre el nacionalismo que se unen en una obra que Boadella ha descrito como "emotiva". "Ante todo predominan los sentimientos, algo que no ocurre en el arte actual, que se mueve más por ideas y rupturas con lo anterior, un consumismo total", ha señalado.
Asimismo, ha explicado que el argumento es sencillo --"No hay que olvidar que la zarzuela es popular", ha dicho-- y que "la comprensión es fácil para todos los públicos". "Hay que transmitir de forma sencilla, porque el problema del arte es cómo hacerlo emotivo y comprensible para los demás", ha indicado.
Boadella ha recalcado que no se trata de una antología, sino que "la música de Vives penetra en el argumento". "Muchas veces las transformaciones tienen un deseo de romper la partitura y no de valorarla. Aquí era lógico copiar sus partituras", explica.
El director musical del montaje, Miguel Roa, ha señalado que en la obra de Vives "primó su sentido común". "Fue una figura muy representativa que compuso música coral, zarzuela y ópera, y que no siempre fue muy bien vista en la sociedad catalana", explica.
El tenor Antoni Comás, quien se introduce en la piel de Vives, ha señalado que se trata de un personaje que no es fácil de adaptar, debido a sus "carencias físicas". Además, añade que "había que hacerlo creíble, para que la sensación que da este personaje no fuera una parodia, sino real, que puede suscitar emociones".
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http://www.europapress.es
18 de gener de 2011
A partir de las composiciones de Vives, la obra traza una historia en la que aparecen dos personajes aparentemente opuestos. Por un lado, Amadeo Vives y, por otro, un joven periodista, Jordi, amante de la música de consumo y que nunca ha oido hablar de Vives, figura clave entre los compositores líricos del siglo XX.
Boadella ha explicado este martes en la presentación que se trata de un "tributo doble" hacia el mundo de la zarzuela. "Mi generación fue responsable de despreciar este género por razones obvias, ya que se quería romper con el pasado. Se atribuyó la zarzuela al franquismo y eso es algo demencial", lamenta.
En esta ocasión, admite que hay un "alter ego" en la obra -"aunque desde el punto de vista personal y no profesional", recalca- ya que el protagonista hace un viaje desde la Cataluña nacionalista para pasar a una "música castiza y tópicamente española".
MIRADA "HUMORÍSTICA Y SATÍRICA"
En este espectáculo aparece una "mirada humorística" sobre su propia vida, pero también una "mirada satírica" sobre el nacionalismo que se unen en una obra que Boadella ha descrito como "emotiva". "Ante todo predominan los sentimientos, algo que no ocurre en el arte actual, que se mueve más por ideas y rupturas con lo anterior, un consumismo total", ha señalado.
Asimismo, ha explicado que el argumento es sencillo --"No hay que olvidar que la zarzuela es popular", ha dicho-- y que "la comprensión es fácil para todos los públicos". "Hay que transmitir de forma sencilla, porque el problema del arte es cómo hacerlo emotivo y comprensible para los demás", ha indicado.
Boadella ha recalcado que no se trata de una antología, sino que "la música de Vives penetra en el argumento". "Muchas veces las transformaciones tienen un deseo de romper la partitura y no de valorarla. Aquí era lógico copiar sus partituras", explica.
El director musical del montaje, Miguel Roa, ha señalado que en la obra de Vives "primó su sentido común". "Fue una figura muy representativa que compuso música coral, zarzuela y ópera, y que no siempre fue muy bien vista en la sociedad catalana", explica.
El tenor Antoni Comás, quien se introduce en la piel de Vives, ha señalado que se trata de un personaje que no es fácil de adaptar, debido a sus "carencias físicas". Además, añade que "había que hacerlo creíble, para que la sensación que da este personaje no fuera una parodia, sino real, que puede suscitar emociones".
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18 de gener de 2011
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