26 de juliol 2008

El cuerpo de baile del Sodre se declaró en pre-conflicto

Causal. Rescisión de contratos es resistida
www.elpais.com.uy
17 de juliol de 2008

FERNANDO MANFREDI

El cuerpo de baile del Sodre se encontraba ayer en situación de pre-conflicto, enfrentado con el Consejo Directivo de la institución por la rescisión de los contratos de 7 de sus bailarines.

Hasta última hora de ayer se realizaba una reunión entre las partes, a fin de que se dejara sin efecto la rescisión de los contratos de los bailarines que terminaban a fin de año. De acuerdo a lo que señalaron miembros del cuerpo de baile, se entendía que los motivos argumentados por la directora del cuerpo, Sandra Giacosa, no se ajustaban a la lógica. Según lo que señalaron las mismas fuentes a El País, los argumentos de la jerarca fueron la caída de las temporadas planeadas (como se recuerda uno de los títulos anunciados fue Giselle), la imposibilidad de contar con un teatro (esto podría estar indicando que el Auditorio no estaría todavía disponible) y la falta de plata en el rubro 042 en el que se los contrató.

Aunque se intentó comunicar con las autoridades del servicio a fin de tener la visión de las mismas sobre el problema, no fue posible hacerlo. En el caso de la directora del cuerpo de baile, la misma se excusó cortésmente de hacer declaraciones, hasta que no se dilucidara la instancia marcada para la tarde de ayer.

Por otro lado, otros integrantes del ballet se desligaron de la emisión de un comunicado de prensa, que hacía referencia a esta situación y efectuaba varias denuncias. Aunque se informaba sobre el pre-conflicto y sus motivos, los bailarines indicaron que las razones aludidas no marcaban la postura oficial del grupo. No obstante ello, algunos puntos sí fueron corroborados. Entre ellos, el hecho de que la causal de rescisión de los contratos, sólo se fundamenta en el incumplimiento de sus actividades por parte del artista.

También manifestaron su disconformidad con la falta de una actividad regular. Los bailarines entienden que el cuerpo es un conjunto de tipo clásico, lo que indica que está capacitado para abordar los grandes títulos del género y no las obras contemporáneas de ballet donde su rendimiento aparentemente no sería el más óptimo.

De hecho, grandes producciones como El lago de los cisnes y Cascanueces han tenido gran recepción por parte del público, justificando plenamente las inversiones que en ellos se hicieron.

El conjunto, en el que la propia Sandra Giacosa realizó una brillante y aplaudida carrera, no pasa por un buen momento producto de factores internos y externos. Un grupo importante de su plantilla de bailarines no pueden ejercer su labor en razón de su edad, pero al mismo tiempo tampoco pueden jubilarse al existir un vacío legal en la materia que nunca se termina de llenar, por no existir una ley jubilatoria para la profesión de bailarín. Esto hace que no se generen vacantes y que deban hacerse contrataciones del tipo de las que han desencadenado el conflicto.

La fuente de nuevos integrantes está en la destacada escuela Nacional de Danza, dependiente también del Sodre, de la cual han egresado en los últimos años varias figuras destacadas a nivel internacional. Algunos ingresan en forma precaria al cuerpo de baile y un porcentaje menor abandona el ballet para dedicarse a cualquier otra actividad.

Se puede palpar entre todos los actores intervinientes en esta controversia, descontento e incertidumbre, no sólo por elementos contractuales, sino frente a la pocas perspectivas de una actividad a corto plazo. De todos los cuerpos estables del Sodre, el ballet ha sido en los últimos tiempos el que menos presentaciones ha tenido.

Balance de una magra temporada
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En lo que va del año el cuerpo de baile del Sodre ha tenido sólo cuatro presentaciones. Las mismas fueron en el Teatro Solís con la obra Tierra y Luna, creación de la catalana María Rovira con la asistencia del cubano William Castro. La coreografía, basada en el poema Nocturno del hueco de Un poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, se pudo ver los días 28, 29, 30 y 31 de marzo en el Solís.

25 de juliol 2008

Ribadavia, capital del teatro con 12 obras de todo el mundo en la Mostra


www.farodevigo.es
20 de juliol de 2008

María Bouzas leyó el pregón que inauguró el festival. / jesús regal

Las entradas para el evento, en internet. Sociedad y Cultura La actriz gallega María Bouzas inauguró el festival con un pregón sobre su profesión
PATRICIA TORRES / OURENSE Con una breve explicación sobre la vida de los actores de teatro, la actriz gallega María Bouzas, comenzó el pregón de la XXIV edición de la Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia, en el que afirmó de que "eso de que los que trabajamos en el teatro ganamos mucho dinero es falso; al contrario, tenemos que trabajar mucho para ganar algo".
Por su parte, el concejal de Cultura de Ribadavia, Anxo Collarte, insistió en que en esta edición se trató de hacer una programación variada con "distintas versiones tanto para los niños como para los adultos", y con "obras que entremezclan la danza, la música y el circo".
En el acto inaugural, que se desarrolló en la tarde de ayer, también estuvieron presentes la conselleira de Cultura y Deporte, Ánxela Bugallo; su correspondiente delegado en Ourense, Xosé Carlos Sierra; el subdelegado del Gobierno, Camilo Ocampo, y el alcalde de Ribadavia, Marcos Blanco; entre otros.
La Mostra Internacional de Teatro (MIT) contará este año con 24 compañías de Alemania, Brasil, Portugal, Argentina, Galicia, así como de diversos puntos de España, en actuaciones distribuidas entre el castillo, la Iglesia de A Madalena, la Casa da Cultura, las calles de la villa y los barrios del municipio, así como en parroquias colindantes, como Francelos, San Cristovo, San Paio y Santo André.

Sólo para mujeres
Una de las novedades de este año viene de la mano de la compañía Teatro en el Aire, que recreará en la iglesia de A Magdalena un hamman, un baño tradicional musulmán, en un espectáculo reservado de forma exclusiva para el público femenino de la cita teatral.
La MIT ofrecerá también las últimas producciones de compañías de relieve internacional, como Familie Flöz o Circolando. Los primeros, alemanes, representarán a través de las máscaras de Hotel Paradiso una comedia negra; mientras que los segundos, procedentes de Portugal y cuyo objetivo es llenar las calles alegría con su espectáculo.

El Cuyás cierra temporada con 136.000 espectadores y presenta nueva programación con un 25% de danza en sus contenidos

www.lukor.com
14 de juliol de 2008

La temporada 2008/2009 del Teatro Cuyás contará con la flamenca María Pages, el Ballet Imperial Ruso, la Fura dels Baus, Els Joglars o la Ópera Rock 'Jesucristo Superstar'

LAS PALMAS DE GRAN CANARIA,
(EUROPA PRESS)

El grancanario Teatro Cuyás ha cerrado su temporada de actuaciones con 136.000 espectadores y una ocupación media del 73%, configurándose como el segundo recinto de ocio que más entradas vende sólo por detrás del Estadio de Gran Canaria cuando acoge los partidos que juega como local la UD Las Palmas. Este dato, añadió, "demuestra el amplio arraigo social de la sala" en la isla.

Además, la consejera de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural del Cabildo de Gran Canaria, Luz Caballero, presentó hoy la nueva temporada del Teatro Cuyás 2008/2009, que contará con el 25% de sus contenidos dedicados a la danza, y con la que espera batir su marca de asistencia de público.

Caballero calificó la nueva apuesta como "equilibrada y valiente" y dijo que tiene, como objetivo fundamental, "satisfacer las necesidades y los gustos de todo tipo de públicos", pero también mantener el "magnífico nivel del Teatro Cuyás en cuanto la calidad de su oferta y poner en escena obras que ayuden a consolidar un público crítico, entendido y que participe activamente en la programación". En este sentido, dijo que se alternan montajes destinados al público mayoritario y "propuestas de riesgo", informó el Cuyás en una nota.

La consejera comentó que en los últimos doce meses se han planteado cambios en la concepción de las artes escénicas que han cristalizado en la creación de la figura de una coordinadora del área, Rosa Férez, que ha dotado a la gestión de estas disciplinas de "más coherencia" avanzando en la idea de ir más allá "de la exhibición".

Para Caballero, espacios como el Cuyás son "un servicio público", razón que justifica acciones como el programa Convénceme, que busca actuar de manera "cualitativa y cuantitativa en los públicos". "Queremos que cada vez vaya más gente al teatro, pero que también vayan ciudadanos más informados y con espíritu crítico. El objetivo de un espacio como el Cuyás no es ganar dinero. Es ofrecer un servicio a la ciudadanía optimizando los recursos". En este sentido, la responsable del área de cultura del Gobierno canario destacó que la palabra que mejor caracteriza a la nueva temporada es "equilibrio".

JESUCRISTO SUPERSTAR Y LA FURA DELS BAUS.

Por su parte, el director artístico del Teatro Cuyás, Gonzalo Ubani, catalogó la nueva temporada como "una gran fiesta de las artes escénicas". El responsable de la programación de la sala capitalina resaltó que apuestas como la inclusión de espectáculos de danza de primer nivel internacional, la puesta en escena de obras cumbre del teatro clásico, la inclusión de comedias o estrenos absolutos hacen de la nueva campaña una auténtica "fiesta" para los amantes de las diferentes disciplinas que se dan cita sobre las tablas del Cuyás. Ubani señaló que la temporada 2008/2009 tendrá varios momentos cumbre tales como la actuación de Blanca Portillo o la inclusión de la Ópera Rock Jesucristo Superstar.

"La reina del flamenco, María Pages; el genio de Calderón de la Barca; el virtuosismo del Ballet Imperial Ruso; la transgresión de la Fura dels Baus o Els Joglars, entre otros, no son más que un pequeño avance de una campaña que es un paso más del Teatro Cuyás en su apuesta decidida por la calidad", explicó Ubani. "Todo el mundo sabe que es el Cuyás y como estamos trabajando aquí. Nos hemos ganado a pulso estar entre los mejores teatros de España gracias al trabajo de todos los que hacen posible esta aventura", comentó.

Férez también señaló que el Teatro Cuyás es sólo una de las partes del engranaje del área de las Artes Escénicas. La coordinadora del área comentó que su cargo es el de "acomodadora" buscando un "equilibrio entre exhibición, formación y producción". En este sentido, Férez habló de la necesidad de actuar de manera decidida en el teatro escolar ya que de "la cantera infantil salen los actores profesionales del futuro y los públicos que llenarán los teatros dentro de algunos años".

Noticias de espectáculos y medios

La compañía de Teatro Español aterriza en el Grec con el clásico 'Las troyanas'

www.lavanguardia.es
21 de juliol de 2008

Barcelona. (EFE).-

La tragedia clásica 'Las troyanas' de Eurípides, en una producción del Teatro Español de Madrid, dirigida por Mario Gas, aterriza hoy en Barcelona, en el marco del Festival Grec, después de su estreno en el Festival de Mérida, que inauguró el pasado día 3 de julio.

Acompañado por la mayor parte del elenco de actores y por Ramón Irigoyen, encargado de la adaptación de la obra, Mario Gas se ha reafirmado este mediodía en rueda de prensa, después de horas de ensayo y poco dormir, en que el público podrá conocer "un texto de ayer que parece escrito hoy, monumental, descomunal, una absoluta maravilla".

'Las troyanas', que se representaron por primera vez en la primavera del 415 a.C, relata el día después de la derrota de los troyanos frente a los griegos y de lo que supone, especialmente para las mujeres, este hecho.

Con Troya conquistada y los troyanos aniquilados, llega la hora del pillaje y de la violación de las mujeres, que serán, tras ser sorteadas, las esclavas y las concubinas de los griegos.

Antes de entrar a explicar cómo ha enfocado el montaje a partir de esta historia, Mario Gas ha tenido unas palabras de homenaje para el recientemente fallecido periodista Gonzalo Pérez de Oleguer, quien "por primera vez en cuarenta y tantos años no está aquí".

El director catalán ha recordado que este espectáculo ya se ha podido ver en Mérida y que en Barcelona ofrecerán cuatro representaciones, antes de recalar en el Teatro Español de Madrid. La actriz Gloria Muñoz (Hécuba) encabeza el reparto, en el que también participan Carles Canut (Poseidón), Ángel Pavlovsky (Palas Atenea), Anna Ycobalzeta (Casandra), Mia Esteve (Andrómaca), Clara Sanchis (Helena), Ricardo Moya (Taltibio), Antonio Valero (Menelao) y el niño de siete años Luis Jiménez que interpreta a Astianacte, el hijo de Casandra, una de las mayores víctimas de esta historia.

Además, en escena aparece un coro de una quincena de personas y ocho soldados. Durante una hora y cuarenta y cinco minutos, los asistentes al espectáculo podrán escuchar un texto "muy profundo" en el que se reflexiona sobre las guerras, sobre el papel de los vencedores, sobre cómo quedan los vencidos y, básicamente, el colectivo de las mujeres.
br> En este caso, la reina Hécuba, quien lo pierde todo; Casandra, que se queda sin su marido Héctor y que perderá a su hijo Astianacte, a quien los griegos precipitarán desde una muralla; Andrómaca, y Helena, que es la mala «entre comillas» de la tragedia.

Mario Gas ha querido relatar lo que significan las guerras para las personas, con un lenguaje que, a su juicio, "debe ser directo, cotidiano y entendible". En el mismo sentido se ha pronunciado Ramón Irigoyen, encargado de la adaptación del texto, quien, parafraseando a Gil de Biedma, ha mantenido que se debe ser "extremadamente claro, fresco y de registro coloquial".

Además, Gas ha señalado que ha buscado la denominada "verdad escénica, huyendo de la lágrima", en un "espectáculo esencial y austero, en el que todos los personajes están al límite de sus posibilidades". La actriz Gloria Muñoz, quien este año ha recibido un premio Max, ha hablado de la complejidad de su personaje, a quien "parece que no le puede pasar nada más malo, pero a la que le van ocurriendo muchísimas cosas a lo largo de la representación".

El trabajo con el director ha consistido "en sacar todo eso fuera, todas sus contradicciones y su gran ansia de venganza" y ha agregado que "es un personaje difícil, pero un regalo que me ha hecho Mario Gas".

L’obra de teatre “Sexe, amor i literatura” arriba a Santa Susanna

http://diarimaresme.com
25 de juliol de 2008

La sala gran de la Masia de Can Ratés de Santa Susanna acollirà aquest divendres 25 de juliol, a les 21.30 h., la representació de l’obra de teatre “Sexe, amor i literatura”, escrita i dirigida per Joan Gallart.

Preestrena

La interpretació serà a càrrec de la Companyia Donsamí Magradat, formada per Xevi Gómez i David Verdaguer. Aquesta és la segona preestrena de l’obra després de la que es va representar el passat mes de juny a la biblioteca Serra i Moret de Pineda de Mar. L’estrena oficial es farà el proper 16 de setembre al Versus Teatre de Barcelona i les representacions es perllongaran fins el 5 d’octubre.

Sexe, amor i literatura

L’obra explica la història d’un policia que intenta aclarir el presumpte assassinat d’un home. El principal sospitós és el company sentimental del mort, un professor de literatura. Però aquest professor exercirà una gran atracció damunt del policia, perquè serà també, per a ell, un professor en l’art de la seducció. El policia descobrirà doncs, les arts d’amor que intentarà posar en pràctica davant d’un advocat neuròtic que segueix una teràpia, recomanada pel seu psicoanalista, per tal de curar la seva incontinència sexual.

Veritat i ficció

Veritat i ficció, realitat i literatura, es barrejaran en la investigació del cas. Segons l’autor, es tracta, per tant, d’una obra policíaca, “però també d’un viatge iniciàtic cap a la descoberta d’un mateix”.

24 de juliol 2008

El Teatre Lliure acoge la obra teatral 'A disappearing number' en el Festival Grec 08


www.elpais.com
19 de juliol de 2008

Falstaff en Hollywood
MARCOS ORDOÑEZ

José María Pou es Orson Welles. Y viceversa. Un juego de espejos que hace de Su seguro servidor, Orson Welles, dirigido por Esteve Riambau en el teatro Romea de Barcelona, una especie de monólogo quijotesco

Oscuridad. Una voz todavía poderosa pero lijada por la edad dice: "Me llamo George. ¿Lo sabían? Ése es mi nombre de pila. ¿George Welles? ¡Por favor! ¿Adónde habría llegado yo con ese nombre?". Ríe. La débil luz de una cerilla ilumina su rostro. Enciende un habano descomunal. También su cuerpo es descomunal, envuelto en un sayo rojo. Se encienden lentamente las luces. Estamos en un estudio de Los Ángeles, donde Orson Welles, al día siguiente de su último cumpleaños, se dispone a grabar los anuncios de laxantes y comida para perros que le permitirán llegar a fin de mes. La cámara imaginaria retrocede y muestra una platea llena. Estamos en el Romea de Barcelona, donde José María Pou (¿quién, si no?) representa Su seguro servidor, Orson Welles, uno de los grandes éxitos del Festival Grec. Flashback. Rótulo: "Cinco años antes". Esteve Riambau, experto en la obra del genio americano, acaba de leer la obra de su colega Richard France. Llama a la puerta de Pou y le ofrece traducirla y dirigirla. Pou le dice. "Ahora he de hacer El rey Lear y luego La cabra. Pero después haré esta función y la haremos juntos". Palabra cumplida.

José María Pou va más allá del recital, del 'tour de force' en el que vuelve a mostrar la plenitud de sus poderes
Así que éste es el juego de espejos: Pou es Welles es Pou es Welles. Su seguro servidor es casi un monólogo. El cuarto monólogo de Pou, después de El gallitigre y El cazador de leones, dos Tomeo vintage, y Bartleby, el escribiente. El "casi" corre a cargo de Jesús Ulled, que con gracia y frescura le da la réplica en el rol de Mel, el joven técnico de sonido enamorado de Ciudadano Kane. Durante una hora cuarenta y cinco, el viejo y quijotesco Welles compartirá con el escudero Mel y con el público sus recuerdos, sus anhelos, sus invectivas (contra productores, críticos y estudiosos de su obra) y su justificadísima megalomanía. De su mano viajaremos en la máquina del tiempo hacia un pasado glorioso desde un presente humillado pero invicto. Un Welles zumbón y sin pelos en la lengua, perdido en un mundo eufemístico, donde los mercachifles de Hollywood se autotitulan "creativos" y los gordos se han convertido en "gastronómicamente desafiantes", tan lejanos aquellos días en que su compinche Huston le dijo: "Me temo, Orson, que no puedes hacer el papel de Ahab. No hay sitio para dos ballenas en Moby Dick".

En la primera parte del espectáculo reina el gran contador de historias, el hombre capaz de encantar a las más peligrosas cobras, el Rey de la Magia. El hombre ubicuo, que atravesaba Manhattan en ambulancia para ir de la radio al teatro, de La Sombra a Fausto. El discípulo predilecto de Houdini, que podía hacer brotar un as de corazones en el cielo de Central Park para conquistar a una bailarina, o conseguir que Zanuck pagara la cuenta de su hotel en Venecia a cambio de protagonizar La Rosa Negra.

Grandes relatos (la noche del Macbeth africano en Harlem y el crítico que murió víctima del vudú) y grandes números de magia, exhumados del Mercury Wonder Show para los soldados del Pacífico (la pelota que levita, la bala atrapada con los dientes), en vivo y en directo. Pese al suculento anecdotario, Su seguro servidor supera de largo el previsible esquema del "An evening with". La función, aparentemente sencilla pero ardua de montar (Riambau ha controlado como mínimo doscientas memorias de luz y sonido), tiene su trama y su drama, y su arco, un arco que se alza como una horca caudina, y su juego de mutaciones. Hubiera podido llamarse Esperando a Spielberg, porque el "wonder boy" de Tiburón cumple aquí el rol del príncipe Hal ante los ojos de Welles/Falstaff: su llamada es el último clavo ardiendo, la última esperanza de conseguir el dinero para acabar Don Quijote. En la primera parte hemos conocido al Welles más exuberante, al Todopoderoso. En la segunda conoceremos al león en invierno, al hombre pendiente de un hilo telefónico. Sus relatos son ahora amargamente elegiacos, cercados por la cuenta atrás, por un futuro que se le achica como una gatera. Relatos admirablemente seleccionados por France y encarnados por Pou en todo su fulgor y toda su hondura. Autofustigaciones irónicas ("¡de haber aceptado un porcentaje de El Tercer Hombre ya habría rodado diez Otelos y veinte Quijotes!"), recuerdos zanjados con una frase desdeñosa y letal ("¿la Caza de Brujas? Denunciaron para salvar sus piscinas") o evocados palabra por palabra, según la magnitud del dolor, como la impresionante diatriba contra el "Oficial X" que dejó ciego a un muchacho negro y que le valió a Welles la expulsión fulminante del mundo de la radio. O su caída tras El cuarto mandamiento, cuando pasó a ser "el Fracasado más joven del mundo".

Una segunda parte en la que también asistimos a la mutación de Mel, contagiado por el monstruo y reconvertido en demiurgo electrónico ("soy el que hace que tu voz suene como la del gran Orson Welles. Sin mí no eres nadie"), y que se cierra con dos fundidos encadenados de los que hacen época: la confesión de su amor imposible por la baronesa Blixen (en arte, Isaak Dinesen) como preludio a la lectura del más desolado pasaje de Los soñadores, y la extraordinaria despedida con palabras de Lindbergh, tan solo en su cabina como Arkadin volando en círculos: "Es una lástima tener que aterrizar en esta noche tan clara y cuando todavía me queda tanto combustible". José María Pou va mucho más allá del recital, del tour de force en el que vuelve a mostrar la plenitud de sus poderes: las modulaciones de la emoción, la controladísima gestualidad, la incontestable autoridad escénica. No estamos ante una interpretación sino ante una reencarnación, un definitivo acto de magia que encandila al público del principio al final. "Colosal" es el adjetivo más apropiado para el trabajo de Pou en este espectáculo apasionado y apasionante.

Si adoran a Welles les encantará; si desconocen las claves de su obra y de su perfil titánico, es una ocasión de oro para dar caza a la ballena blanca. Una gran lección de cine y de teatro, muy pronto en gira por España.
Su seguro servidor, Orson Welles. Teatro Romea. Barcelona. Hasta el 27 de julio.

Acord català i balear pel teatre juvenil

www.lamalla.cat
14 de juliol de 2008

Foto acord

GERARDO SANTOS I CARDOSA
Els governs català i balear, a través de dues associacions de teatre infantil i juvenil, una catalana i l'altra illenca, han signat un acord de col·laboració per a impulsar les arts escèniques adreçades a la canalla. L’acord, a quatre bandes, el van aprovar la consellera balear d’Educació i Cultura i el conseller de Cultura i Mitjans, Joan Manuel Tresserras, l’Associació Sa Xerxa de teatre infantil i juvenil de les Illes Balears i la Fundació Xarxa d’espectacle infantil i juvenil de Catalunya.

El 27 de juny es va tancar l’acord entre els governs català i balear i les associacions de teatre juvenil balear Sa Xerxa i la catalana Fundació Xarxa. L’entesa pretén estimular la cooperació i les activitats conjuntes entre Catalunya i les Balears. Per a Ramon Llimòs, gerent de la Fundació Xarxa, l’acord “no és explícit i només estableix les línies d’acció a seguir a partir d’ara”. La signatura del conveni marc “consolida i institucionalitza una relació nascuda el desembre de 2002 i preveu interessants dotacions econòmiques governamentals”, informa Llimòs.

La primera de les accions que es prendran serà la creació d’una comissió mixta formada per un o dos membres de cadascuna de les quatre parts signants. “La comissió elaborarà els documents i les activitats conjuntes que realitzem”, explica Ramon Llimòs. Els responsables de l’acord avancen que es regularitzarà la participació de companyies catalanes a la Fira de teatre infantil i juvenil de Vilafranca de Bonany i la participació de companyies illenques en la Mostra de teatre infantil i juvenil d’Igualada.

Les coproduccions entre els artistes i creadors d’ambdós països s’estructuraran a través de la participació catalana al Concurs de Textos sobre Teatre Infantil i Juvenil Guillem d’Efak, organitzat per Sa Xerxa. “A Catalunya no tenim autors de teatre juvenil ni premis que estiguin a l’alçada i seria difícil muntar-ne un”, comenta Llimòs. Per això afegeix que mentre la situació sigui així, la Fundació Xarxa coproduirà el certamen balear, “per a procurar fomentar la literatura dramàtica per a infants i joves en català”. Llimòs contempla la possibilitat de fer renéixer el premi que l’associació catalana lliurava fa dos anys.

Segons Ramon Llimòs la producció d’espectacles juvenils i infantils “viu un mal moment”. El problema, pel gerent de la Fundació Xarxa, és la manca d'autors i textos originals de teatre juvenil: “Per a millorar aquesta situació convidarem personalitats importants a simpòsiums, per tal que recolzin la creació i producció de teatre juvenil, que és una tasca a llarg termini”. Llimòs afegeix que es necessita la incursió dels autors de teatre adult a la producció per a joves i infants, ja que existeix ”el perillós tòpic que aquesta disciplina és una categoria inferior”.

Sergi López no podrà actuar al Ple de Riure del Masnou per una lesió

http://diarimaresme.com
22 de juliol de 2008

L'espectacle Nonsolum, interpretat per Sergi López, ha estat suspès de la programació del Festival Ple de Riure del Masnou com a conseqüència d'una lesió patida per l'actor. Una actuació de la formació The Chanclettes substituirà aquest divendres l’espectacle inicialment programat.

Accident

Sergi López va patir la lesió mentre participava en el rodatge d'una pel·lícula a França. L’accident impedirà que l’actor pugui presentar el seu espectacle Nonsolum a l’edició d’enguany del Ple de Riure.

The Chanclettes

Així, en substitució de López, The Chanclettes presentaran al proper divendres, 25 de juliol, a les 22.15 h., Passió pel TúrmixPlaybacK, promocionat com "un espectacle imprescindible per a qualsevol ànima cosmopolita". The Chanclettes està format pels actors Andreu Cayuela, Josep Coll, Josep Maria Portavella i Ramon de Segarra.

23 de juliol 2008

Jango Edwards encetarà divendres la mostra de circ de Torredembarra


www.elpunt.cat
22 de juliol de 2008

El Pleniluni, que durarà fins al 2 d'agost, potencia enguany la presència dels pallassos

CARINA FILELLA.
Torredembarra
Espectacles de més qualitat i una presència més important del món dels pallasso. Aquestes són les dues característiques del Pleniluni, la setena edició de la Mostra de Circ de Torredembarra, que començarà divendres i durarà vuit dies. L'espectacle inaugural serà a càrrec d'un dels clowns més populars, el nord-americà Jango Edwards, que presentarà el muntatge Classics Duo, acompanyat per la pallassa catalana Cristi Garbo. Dirigit per la companyia Passabarret, en el cartell del Pleniluni també destaca el cabaret de clausura, la nit del 2 d'agost, que estarà dirigit pel clown italoamericà Peter Ercolano.


+ Jango Edwards inaugurarà divendres la mostra Pleniluni. Foto: J. SABATER
L'espectacle d'obertura, Classics Duo, que es farà en horari nocturn a la plaça del Castell, marcarà la línia dels espectacles de l'edició d'enguany de la mostra, organitzada pel Patronat Municipal de Turisme de Torredembarra sota la direcció artística de la Companyia Passabarret. Per una banda, perquè el protagonista és un pallasso, Jango Edwards, i en aquesta edició se'n potencia més que mai la presència a la mostra. I, per l'altra, perquè «és indubtable» l'augment qualitatiu de les propostes, que portaran a Torredembarra alguns dels noms més destacats dels circuits de circ habituals, com ara Zahir Circo i l'atrevit pallasso argentí Chacovachi.

Els espectacles, d'entrada gratuïta, tindran lloc en diversos espais del municipi, tant del centre de la vila com de Baix a Mar. David Sancho, director artístic de la mostra, va destacar el vessant turístic, però també la incidència que té entre els torrencs: «És una mostra que té un vessant turístic; volem fer els espectacles allà on hi hagi la gent, i no obligar la gent a venir a veure'ls», va dir ahir Sancho, que va destacar que, després de sis edicions del Pleniluni, «s'ha fidelitzat el públic».

Entre les novetats d'enguany destaca l'activitat prevista pel divendres 1 d'agost, quan diverses companyies oferiran un petit cabaret itinerant pel passeig marítim, tot buscant «l'efecte sorpresa».

En el programa, destaca la presència de la companyia catalana Zahir Circo, amb l'espectacle Einstein, el atómico y el relativo, que uneix algunes accions d'habilitat pràcticament perdudes al circ català, com ara la roda alemanya, un espectacular número de perxa o de cascades. Els argentins Maku Jarrak i Chacovachi també són dos dels noms destacats d'aquesta edició. Chacovachi, que va ser el cap de cartell de l'any passat a la plaça Friki de Tarragona, dins de la festa major de Santa Tecla, repassarà alguns dels números més coneguts de la seva trajectòria en una proposta titulada Un payaso malo puede arruinar tu vida.

El cabaret de clausura, previst per la nit del 2 d'agost, i que ja s'ha convertit en tot un clàssic del Pleniluni, tornarà a fer-se a Cal Bofill. Enguany estarà di rigit pel prestigiós clown italoamericà Peter Ercolano, i hi seran presents artistes de la companyia Passabarret i de Los Galindos, a més d'altres artistes convidats, en una proposta recentment estrenada que porta per títol Pallassatta.

Durant els vuit dies de la mostra també s'organitzaran tallers de circ, pensats per als més petits.

Sergi López dará vida a 30 personajes en "Non solum"

www.lavanguardia.es
10 de juliol de 2008

Al Teatro Nacional de Catalunña también se podrá ver, por primera vez, una obra de Jean Racine, que se desarrollará en francés
Barcelona. (EFE).-
El actor Sergi López dará vida a 30 personajes distintos en el espectáculo "Non solum", que el Teatro Nacional de Cataluña (TNC) ha programado para la próxima temporada. Según su director artístico, Sergi Belbel, que ha presentado hoy el balance de esta última temporada del TNC y ha hecho un avance de su futura programación, ha definido la Sala Tallers del TNC, que albergará la obra de Sergi López, como la dedicada "a lo más gamberro".

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La obra de Sergi López, se podrá ver entre el 9 y el 26 de octubre, es una de las más destacadas de la próxima temporada del TNC y "tiene un ritmo frenético y es todo malabarismo escénico", según Belbel. La ocupación media de los distintos espacios del TNC ha sido esta temporada que acaba de un 71,63%, algo menos que la anterior, que superó el 72%, con 159.426 personas. En la Sala Gran la mayor ocupación la obtuvo "La Veillée des Abysses", que llenó el 98,23% del aforo, mientras que el peor resultado fue para "El Cercle del guix caucasià", que apenas superó el 45% de aforo. La sorpresa de la temporada fue, en la sala Petita, "A la Toscana", una obra del propio Sergi Belbel, de la que no esperaba tan buena acogida.

Además de la obra de Sergi López, entre la programación del TNC para la próxima temporada figura, por primera vez, una obra de Jean Racine, "Andromaque", producida por el Théâtre del Bouffes du Nord de París y dirigida por Declan Donnellan, que se desarrollará en francés. La obra, estrenada en 1667, dio gran fama a Racine como dramaturgo y es, junto con Bérenice y Fedra, la tragedia de Racine por excelencia, con héroes conmocionados por el amor y pasiones fatales combinadas con subtramas políticas.

Otra obra que se presentará por primera vez en teatro será "Aloma", de Mercè Rodoreda, bajo la dirección de Joan Luis Bozzo, con la que la autora logró en el año 1937 el Premio Crexell. Se trata de un pieza intimista sobre la pérdida de la infancia, del paso a la madurez y de la asunción del propio destino, en la que Alfonso Vilallonga, que también se estrena con un trabajo en teatro musical, pone la música y las letras.

"La paz perpetua", de Juan Mayorga y producida por el Centro Dramático Nacional y el Teatro de la Abadía, es otra de las obras del cartel, un texto sobre el terrorismo y los límites de la actuación del Estado frente a este hecho, que se podrá ver en castellano en la Sala Petita del 2 al 12 de octubre.

Por primera vez se programará también el próximo mes de septiembre "Sombreros", de Philippe Decouflé, en la Sala Gran, un espectáculo que utiliza la danza contemporánea con técnicas de vídeo y que fusiona el lenguaje del movimiento con el ideográfico. Belbel ha explicado que en el nuevo calendario el TNC quiere reivindicar una figura casi desconocida para el gran público, Ambrosi Carrión, uno de los dramaturgos más interesantes de mediados del siglo XX y autor de "La Dama de Reus".

Para el director artístico del TNC, en la obra se conjuga de una forma potente el sexo y el poder, porque muestra cómo por el poder se accede al sexo. Para la próxima temporada, el presupuesto previsto del TNC es de 15,2 millones de euros, frente a los 14,4 de 2007, año en el que los ingresos generados ascendieron a 4,2 millones, según ha explicado su administrador, Alfred Fort, que prevé que los ingresos serán de unos 4,5 millones.

El renacer del Teatro Leal


La inauguración del emblemático edificio cultural de Aguere está prevista para el próximo 18 de septiembre

Interior del teatro, donde se puede apreciar la rehabilitación final del patio de butacas y anfiteatro. Imagen de uno de los tres camerinos colectivos que componen la Casa Polier. Imagen de la fachada delantera recién restaurada del emblemático teatro. / f. p.

LUCÍA G. LIÉTOR
LA LAGUNA

Como reza el dicho en el mundo de la farándula: "El espectáculo debe continuar". Después de un largo retardo, concretamente 18 años, el Teatro Leal de La Laguna ha sido remodelado casi por completo, como se pudo verificar ayer en una visita guiada destinada a los medios de comunicación. Para abrir boca, la alcaldesa, Ana Oramas, anunció que antes de inaugurar el edificio se organizarán jornadas de puertas abiertas durante dos meses, permitiendo así a todos los ciudadanos que lo deseen recorrer las nuevas dependencias del eficicio. Una vez inaugurado, habrá guías especializados en la historia del teatro durante todo el día, para que los turistas puedan visitarlo por dentro y contemplar la vista panorámica de todo el casco histórico desde la azotea del edificio.

La alcaldesa de La Laguna quiso dar gracias, en especial, a una familia lagunera propietaria de la colección de pinturas de López Ruiz, que estaban en el cine de Güímar. El próximo viernes harán una donación oficial al Ayuntamiento. Al acto en el Teatro Leal asistieron, además de Ana Oramas, el presidente del Cabildo Insular de Tenerife, Ricardo Melchior; la consejera de Educación, Universidades, Cultura y Deportes del Gobierno de Canarias, Milagros Luis; la directora general de Arquitectura y Política de Vivienda del Ministerio de Vivienda, Asunción Romero, y el subdelegado del Gobierno en la provincia, José Antonio Batista. "Es una enorme satisfacción, ya que es una de las heridas que tiene el casco histórico junto con la Catedral, las ruinas de San Agustín y el Obispado, que vamos encaminando poco a poco", dijo Oramas.

Un poco de historia.

La construcción original del teatro data del 13 de julio 1912. La obra fue encargada por Antonio Leal Martín, un hombre de 30 años con una importante fortuna. El encargado de los planos y el proyecto fue el arquitecto Antonio Pintor. Gracias a la pericia de su autor la Laguna cuenta hoy en día con este emblemático recinto, que tanto significado tiene para la ciudad.

El edificio tiene un estilo claramente ecléctico, corriente arquitectónica cuya principal característica reside en la combinación de dos o más estilos arquitectónicos en una nueva estructura, y que a su vez resulte algo nuevo, con características de las corrientes que toma, pero a la vez formándose otra nuevas. Se trata de una estructura abovedada con una fachada de dos plantas simétricas, en la que resaltan los dos torreones que proporcionan al teatro porte.

El Teatro Leal fue inaugurado con motivo de la Fiesta de Las Hespérides, convirtiéndose por excelencia en el mayor centro cultural de la Ciudad de los Adelantados. En su interior acogió durante muchos años espectáculos florales, comedias musicales, representaciones teatrales, locales e internacionales, y contó con la participación de grandes compañías de cómicos. Incluso adquirió el papel de sede de las primeras proyecciones cinematográficas de La Laguna. En los años setenta el teatro cambia de propietario, y lo adquiere la banca Melo, con la intención de que sea derruido y convertido en viviendas. A principios de los 80, para evitar la destrucción del teatro, el ex alcalde Pedro González, y el que fuera concejal de Cultura, Leandro Trujillo, compran el edificio y reabren sus puertas en 1983. Debido a un lamentable estado por abandono el edificio volvió a cerrar en 1990.

Novedades en el teatro.

De todas las incorporaciones ejecutadas en la remodelación del edificio, destaca la creación de una nueva sala ubicada encima del techo del teatro. La sala de ensayo presenta una estructura de hierro abovedada y supone un cambio de imagen respecto a la que ofrecían las viejas planchas galvanizadas que cubrían el teatro. Contará con una capacidad de 120 personas y se destinará tanto al ensayo como a representaciones o actuaciones de menor envergadura. Lo más llamativo es que desde su exterior se observa una excelente panorámica del centro histórico de la ciudad. El acceso se hará a través de dos reformados tramos de una escalera que sustituye a antiguos espacios oscuros.

El evidente deterioro de la parte trasera ha sido mejorado, a la vez que ha habilitado la Casa Porlier como zona de camerinos para los artistas; concretamente tres camerinos colectivos con acceso directo al escenario y al foso. Abundando en el foso, dispone de una plataforma elevadora que convierte a la estructura en una nueva fila de asientos útiles en caso de necesidad. Entre otras novedades también se podrán apreciar las nuevas escaleras, los ornamentos hechos con materiales nobles, la nueva carpintería de madera y un tono blanco-leve limón en la fachada.

La restauración de las pinturas del artista López Ruiz, que embellecían el techo del teatro, ha corrido a cargo de seis profesionales del Centro Internacional para la Conservación del Patrimonio (Cicop). En la ornamentación también destaca la serie dedicada a las Musas de las Artes Escénicas y La Interpretación, obras de Manuel Verdugo. La rehabilitación del teatro ha corrido a cargo de la dirección del arquitecto Ladislao Díaz Márquez y del aparejador Miguel Ángel Fernández Matrán. La entidad que ha ejecutados los trabajos ha sido Isolux Corsan-Covian. El 18 de septiembre, arriba el telón.

22 de juliol 2008

Saber estar al lloc


19 de juliol de 2008

Ricardo Szwarcer rep l'agraïment del públic al Palau, el dia que s'estrena «Sutra»

JORDI BORDES.
Barcelona
Marta Carrasco, una musa nova al Palau.
Foto: R. JUSTAMANTE

El Festival Grec de Barcelona ha volgut celebrar el centenari del Palau de la Música programant, per primer cop, un espectacle a l'escenari modernista. La peça, una estrena absoluta, partia de l'interès de la nova direcció del Grec de mescla de disciplines i universos escènics. Teatre, dansa i lírica eren les tres variables que predominen a Cants d'amor, furor i llàgrimes a partir d'un repertori de versos de Torquato Tasso musicats per diversos compositors barrocs, just quan es començava a gestar l'òpera. El director del Grec, Ricardo Szwarcer, i el regidor de cultura, Jordi Martí, van seure a la platea del Palau, tot guardant per més endavant la representació de Sutra amb els monjos Shaolin i el coreògraf Sidi Larbi Cherkaoui, un dels reclams internacionals d'aquesta edició del Grec que també es presentava la nit de dimecres. Una tria que marca voluntats. El públic del Palau va felicitar la proposta amb uns aplaudiments mesurats. Menys efusió que en el Dido & Aeneas del TNC, del cap de setmana passat. Més respectuós que en la dissortada estrena del festival.
Szwarcer i Martí van assistir a una interpretació en què l'escenògraf Paco Azorín transformava l'escenari en un pulcre espai per a indigents. Els cantants, acompanyats d'una inspirada actriu-ballarina Marta Carrasco circulaven per l'estança com ànimes indigents, en pena. Una estètica acurada que permetia confondre, per moments, Carrasco amb una nova musa que es projectava del fons de l'escenari. El muntatge, que parteix del director musical Gabriel Garrido, té l'empremta inequívoca de la Factoria Escènica Internacional (FEI). La directora escènica Carme Portaceli reforça les passions humanes de les dones a Cants d'amor, furor i llàgrimes. Per la directora, les situacions límit de Tasso situaven la dona davant la mort. De fet, els homes també hi tenien un paper, en aquest penya-segat de la vida. Per això mateix, tant intèrprets masculins com femenins apareixen com a indigents, ànimes sense consol davant de la mort.

Shakespeare. Almagro in love

16 de juliol de 2008

POR VICENTE PEÑA
Cuando el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro se encuentra inmerso en su última semana, un halo «shakespeariano» inunda las calles de la localidad manchega. Desde el pasado 26 de junio, cuando comenzó la muestra teatral, han sido varias las compañías que han puesto en escena textos del autor inglés y el público ha podido disfrutar de varias de sus obras más universales.
Los galardonados en esta XXXI edición del festival con el premio «Corral de Comedias», los británicos Declan Donnellan y Nick Ormerod, no podían sino llevar a las tablas dos producciones de su autor más universal, con «Troilo y Crésida» y «Twelfth Night», ésta última nada menos que en ruso. Fernando Conde —quien, pese a ser uno de los grandes actores y directores teatrales españoles siempre será conocido como «el de la barba de Martes y Trece»—, puso en escena una deliciosa versión de «El Mercader de Venecia», más arriesgada aún si tenemos en cuenta que se desarrolló en un espacio inédito en el festival, la Antigua Universidad Renacentista. Pero la grandeza de William Shakespeare ha hecho que se hayan podido ver en Almagro manifestaciones artísticas de todo tipo en torno a su figura, desde narraciones orales hasta danza contemporánea. Son tan sólo un puñado de ejemplos que han venido salpicando de Shakespeare el Festival de Almagro durante esta edición.
Sin embargo, el sprint final de este homenaje casual a uno de los grandes de la literatura universal viene ahora, durante esta semana. El director del festival, Emilio Hernández, dijo ayer que esta avalancha de Shakespeare no había sido premeditada por la organización, aunque se mostró encantado porque el autor inglés «cierre» la muestra con el «Hamlet» de Juan Diego Botto. Ya en la jornada de ayer se produjeron tres de los estrenos más esperados. La compañía Teatro de Fondo se presentó con el espectáculo «Mucho ruido y pocas nueces», que la directora Vanessa Martínez definió como «la comedia más brillante» de Shakespeare. La obra, que está en cartel hoy como último día en la antigua Casa de los Miradores, en una esquina de la plaza Mayor, «tiene un texto que es una gozada; la elegimos sólo por eso, por la perfección de las situaciones, los personajes...», relató Martínez. El grupo, que ha respetado el texto original, asegura que se trata de un espectáculo «en el que la gente se lo pasa muy bien», según uno de los actores, Pablo Huertas, que encabeza un reparto de dieciséis artistas en escena con una música especialmente compuesta para la ocasión, dada la importancia que la compañía teatral concede al acompañamiento musical. La obra, que trata la guerra de sexos, (eso sí, actualizada en esta versión), se ha inspirado estéticamente en Sorolla, según Vanesa Martínez, quien dijo que se trata de «un espectáculo femenino, visual, lleno de emociones, muy amable y comprensible».
«No habla de malos tratos»
En una edición en la que se ha querido dar un protagonismo especial a la mujer y su tratamiento a lo largo de la historia teatral, el pequeño escenario del Patio de Fúcares presentó ayer —y también lo hará hoy— «La fierecilla domada». Pese a ser la quinta obra de Shakespeare que más veces ha sido traducida al español de entre las treinta y siete que se conservan del autor —únicamente precedida por «Romeo y Julieta», «Hamlet», «Macbeth» y «El rey Lear»—, el director de esta versión, Mariano de Paco, explicó que se trata de un texto poco representado en España, «quizá por la diferente valoración social que tiene la mujer en la actualidad», dijo, aunque matizó que «para nuestra fierecilla hemos puesto una especial atención en mantener toda la carga irónica que tiene el texto original».
Además, los hasta 25 euros que cuesta la entrada merecen la pena y, además, estarán bien invertidos, porque este grupo de actores ha decidido representar el texto en su integridad —se incluye el prólogo escrito por Shakespeare—, lo que le hace acercarse a las tres horas de duración. Mariano de Paco entiende esta obra como un texto teatral sobre el poder, más allá de la sumisión de una mujer a su marido, lleno de juegos, que funciona con gran ritmo y vivacidad sobre el escenario. El director quiso dejar claro que la representación «no es una historia de malos tratos», porque además existe en el montaje un gran trasfondo de psicología de personajes y de perfiles humanos que supera el hecho de que una mujer se someta al esposo. Esta «Fierecilla domada» fue también valorada como un trabajo excepcional o poco frecuente en un Shakespeare «creador de una importante galería de mujeres indómitas y hombres desalmados». Además, para el gran público, los actores principales de la obra son caras bien conocidas por todos los amantes de las sitcom españolas, como Alexandra Jiménez («Los Serrano») y José Manuel Seda («Yo soy Bea»).
Un reparto de lujo
«Hamlet» es uno de los platos fuertes del festival de Teatro Clásico de Almagro. Uno de los más esperados. Sobre unas inmensas gasas blancas que bien pueden ser una alcoba de palacio, la torre más alta del castillo o una mazmorra, Juan Diego Botto hace realidad su sueño adolescente de dirigir «Hamlet» rodeado de un reparto de lujo, en el que sobresale un actor excepcional como José Coronado, Nieve de Medina, Marta Etura y tantos otros. Sin experimentos, Botto opta en este proyecto por respetar el texto original y profundizar en el aspecto psicológico de cada uno de los personajes. Una versión de un joven director que estará en escena hasta el próximo sábado.